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Composición y Producción de un Disco de Rock a través de Procesos Experimentales
Presentado por: Sebastian Acosta Alejandro Cárdenas
Proyecto de grado para optar al título de
Maestro en Música con Énfasis en Composición y Producción
Director:
Gilberto Andrés Martínez
Modalidad: Trabajo de Grado
Pontificia Universidad Javeriana
Facultad de Artes
Carrera de Estudios Musicales con Énfasis en
Composición y Producción
Bogotá D.C.
CONTENIDO
pág. INTRODUCCION
1. OBJETIVOS.
1.1. OBJETIVOS GENERALES. 1.2. OBJETIVOS ESPECIFICOS. 1.3. JUSTIFICACION.
2. MARCO TEORICO.
2.1. LA COMPOSICION EXPERIMENTAL. 2.1.1. Antecedentes de una revolución musical.
2.1.2. La composición experimental en los Estados Unidos. 2.1.3. Compositores serialistas y experimentales.
2.2. EL ROCK PSICODELICO. 2.2.1. Los inicios del Rock. 2.2.2. La era Psicodélica.
2.2.3. El desarrollo del movimiento psicodélico.
2.3. LA LLEGADA DEL ROCK PSICODELICO A COLOMBIA. 2.4. MARCO REFERENCIAL DEL DISCO.
3. ALISIS Y LETRAS DE LAS COMPOSICIONES. 3.1. ANALISIS DE TRIPPING VILLAGE.
3.4. ANALISIS DE HEAVEN UNDERGROUND. 3.5. ANALISIS DE SHADOWS AND DUST. 3.6. ANALISIS DE YOU
3.6.1. Back. 3.6.2. In Circles. 3.6.3. Lost.
3.7. Análisis de las conexiones.
4. PROCEDIMIENTO, GRABACION Y PRODUCCION. 4.1. GRABACION Y PRODUCCION DE BATERIAS. 4.2. GRABACION Y PRODUCCION DE BAJO.
4.3. GRABACION Y PRODUCCION DE GUITARRAS. 4.4. GRABACION Y PRODUCCION DE TECLADOS. 4.5. GRABACION Y PRODUCCION DE VOCES. 4.6. GRABACION Y PRODUCCION DE PERCUSION.
4.7. GRABACION Y PRODUCCION DE CUARTETO DE CUERDAS. 4.8. GRABACION Y PRODUCCION DE TABLA Y CITARA.
4.9. PROCESO DE POST-PRODUCCION Y MEZCLA. 5. CONCLUSIONES.
BIBLIOGRAFIA Y DISCOGRAFIA. ANEXOS.
ANEXOS
LISTADO DE PARTITURAS:
-Tripping Village. - Unión 1.
-The Cave.
- Unión 2.
- Somewhere.
- Heaven Underground.
- Shadows and Dust.
- Unión 3.
- You: - Back.
- In Circles.
MATERIAL ACOMPAÑANTE
CD INTERFERENCE:
1. Tripping Village.
2. The Cave.
3. Somewhere.
4. Heaven Underground.
5. Shadows and Dust.
EQUIPO DE TRABAJO
Sebastian Acosta: Voz líder, Coros, Programación, Batería.
Alejandro Cárdenas: Teclados, Programación, Percusión.
Nicolás Rodríguez: Guitarras eléctricas y acústicas.
Santiago Camacho: Bajo.
Daniel Muñoz: Teclados.
Pablo Muñoz: Saxofón.
Eduardo Venegas: Batería.
Alejandro Arroyo: Violín 1.
Miguel Ángel Camargo: Violín 2.
Claudia Niño: Viola.
Ariel David Londoño: Cello.
Anandita Basu: Tabla.
Grabación: Santiago Camacho, Juan José Salazar.
Asistentes de grabación: Sebastian Acosta, Alejandro Cárdenas.
Mezcla: Santiago Camacho, Juan José Salazar.
Asistentes de mezcla: Sebastian Acosta, Alejandro Cárdenas.
Composición, Producción y Arreglos: Sebastian Acosta y Alejandro Cárdenas.
Masterizacion: Felipe López.
Diseño de Arte: Sandra Ojeda, Sebastian Acosta, Alejandro Cárdenas.
INTRODUCCION
En los últimos años, buena parte de la industria del rock nacional se ha caracterizado por seguir patrones comerciales en cuanto a la
composición y producción. Esto ha generado que en nuestro país, el Rock se haya convertido en un molde del que todos se copian, creando un género con poca experimentación y diversidad, atributos que son inherentes a este tipo de música. El objetivo de nuestra tesis es crear un disco de rock que rescate su esencia rebelde,
componiendo y produciendo un disco de alta calidad que rompa con los esquemas conceptuales y comerciales del rock nacional.
La idea surge por nuestro afán de componer y producir un disco sin pretensión comercial alguna, lo que implica que elementos como la duración o la forma de instrumentación de las canciones, no dependan de un molde que sigue los estándares comerciales, sino de nuestro criterio, de lo que pensamos es lo mejor para cada canción. Desafortunadamente el costo en espacios de la radio y la televisión obligan a que las canciones tengan un tiempo limitado y una estructura formal genérica, lo cual restringe el proceso compositivo y artístico. Una característica de este trabajo es que cuenta con libertad creativa en la composición y la producción.
1. OBJETIVOS
1.1. OBJETIVO GENERAL
La grabación de un disco de rock experimental que, en términos de composición y producción, rompa con las tendencias usadas en la creación de los discos de la música popular a nivel nacional en general, mezclando los instrumentos musicales clásicos del rock con instrumentos orquestales, instrumentos antiguos como la citara y el mandolín y señales de audio procesadas por medio de pedaleras, sintetizadores y samplers análogos y digitales, buscando nuevas sonoridades.
1.2. OBJETIVOS ESPECIFICOS
- Crear un concepto artístico (musical, lírico, visual y creativo) que
unifique las seis piezas musicales que comprenden este trabajo.
- Componer y producir seis piezas musicales con una propuesta
diferente de las tendencias actuales en géneros como el rock y el pop, experimentando con las estructuras formales, instrumentación y la grabación de las piezas.
- Incluir en las piezas arreglos para un cuarteto de cuerdas.
- Buscar una sonoridad característica para cada pieza con el uso de
instrumentos pocos convencionales en el rock y el pop.
- Trabajar en conjunto con dos estudiantes del énfasis de ingeniería de
sonido en la grabación de las piezas.
- Lograr una calidad sonara de nivel profesional.
1.3. JUSTIFICACION
Con el ánimo de ganar dinero rápido y fácil, durante las últimas dos décadas, la industria musical ha convertido al rock nacional en un producto que sigue patrones y moldes diseñados para encajar en la radio y en la televisión. Esta relación del rock con los medios de comunicación masiva, obliga a que el género adopte las doctrinas de la música popular, en términos conceptuales, armónicos y formales. En otras palabras, para que una canción de rock alcance éxito y llegue con rapidez a un público amplio, debe durar 3 minutos y medio, tener una forma simple y ser conceptualmente sencilla.
Este suceso es lo que nos motiva a crear un disco de rock experimental que no sigue las fórmulas o esquemas establecidos en la música comercial; un disco en donde las composiciones son expresiones sinceras y auténticas de los músicos, sin estar regidos por estos patrones o tendencias.
Al igual que cualquier artista, pretendemos que nuestra música llegue a mucha gente, pero a diferencia de muchos de ellos, creemos importante crear e impulsar propuestas experimentales aunque sea difícil que tengan aceptación rápida en nuestro país.
A través de este proyecto proponemos ser productores y participar en la creación de un disco original y de alto nivel, así como estar capacitados para tomar las decisiones correctas y necesarias durante todo el proceso con miras a obtener los resultados que se esperan. También nos proponemos entender la logística y el funcionamiento de un proceso de producción con muchas etapas, que debe mantener niveles de eficiencia y de alta calidad, en una industria cada día mas competitiva y exigente.
Para crear un disco original que rompa las tendencias que se vienen manejando en el país, es importante consultar producciones nacionales e internacionales en donde existan cambios e innovaciones en su construcción, concepto y sonido, como por ejemplo, Sgt. Peppers and the Lonely Hearts
Como productores y compositores es fundamental estar presentes en todas las etapas de la construcción de un disco, desde crear las canciones, hacer la pre-producción, componer los arreglos, hasta grabarlas y mezclarlas, todo con el fin de hacer una producción profesional y ganar conocimiento en varias campos de la industria musical.
2. MARCO TEORICO
El rock psicodélico es un genero que rompió con varios parámetros en la música, incorporando al instinto como uno de los personajes principales en la creación musical. La experimentación con drogas psicotrópicas, como el LSD y la marihuana, desencadeno nuevas expresiones artísticas que marcaron una época y sembraron las raíces de una novedosa forma de ver y de expresar el arte. Sin embargo esta ruptura en la manera de interpretar y de crear la música, no llega por si sola, sino que tiene cimientos en la
composición experimental de mediados del siglo XX, principalmente en los Estados Unidos. Con el afán de alejarse de la rigidez de la escuela europea, compositores como Charle Ives o Edgar Varese comenzaron a experimentar en la composición musical, creando nuevas sonoridades que se convertirían en los fundamentos de lo que después seria el movimiento psicodélico.
Este marco teórico se dividirá en tres partes: Los comienzos de la composición experimental, el nacimiento y el desarrollo del rock psicodélico y la llegada y el crecimiento de este tipo de música en Colombia.
2.1. LA COMPOSICION EXPERIMENTAL
2.1.1. Antecedentes de una revolución musical
A comienzos del siglo XX en Europa nació el expresionismo, un movimiento artístico que buscaba expresar la subjetividad, en lugar de la objetividad, lo que creó una música rica en cromatismos, que empleó el recurso del leitmotiv
para representar distintos personajes y sensaciones del carácter del ser humano1. Al final de la Primera Guerra Mundial, un nuevo movimiento musical se opuso al expresionismo y a su subjetividad, especialmente al
“desorden” que pretendía representar la angustia humana: la Segunda
1 Cf. Ewen, David (1969),
The World of Twentieth-Century Music, Prentice-Hall International.
Escuela de Viena, con el compositor Arnold Schönberg a la cabeza. Esta escuela pretendía devolver el orden que, según ella, la música había perdido con la subjetividad expresionista y desarrolló, para ello, la música atonal y el dodecafonismo, un sistema que utilizaba las doce notas de la escala cromática, haciendo uso de cada una sin que se repitieran, dándole la misma importancia a cada nota2. Este orden musical se consolidó como el cimiento de lo que después seria el serialismo integral, un sistema en donde el orden
musical y el proceso de la composición eran más importantes que el resultado3. El serialismo integral se basó en la sistematización de cada uno
de los elementos de la música, las alturas, el ritmo, las dinámicas y las articulaciones, y propuso un orden extremo que al prestar mayor importancia al proceso de composición, en cierta manera desvirtuaba el resultado final de la música misma.
Uno de los exponentes más importantes del serialismo integral fue el alemán
Karlheinz Stockhausen, quien más adelante, paradójicamente, se convertiría en uno de los pioneros de la música aleatoria y en el realizador de los primeros experimentos con la música electroacústica4. Como lo señalan Schwartz y Godfrey, esta paradoja de Stockhausen que pone en relación el
“orden” y el “caos”, es una ironía más de la música, pues al comparar
diferentes piezas de estas dos corrientes, aparecen muchas similitudes sonoras en donde los dos extremos suelen encontrarse en algún punto5.
La respuesta al serialismo integral fue la música aleatoria, en donde el azar y
el instinto aparecían como personajes principales en el momento de la composición musical, haciendo que la notación ya no fuera la misma; fue entonces cuando aparecieron nuevos sistemas de notación, que a diferencia de los tradicionales de pentagramas en donde todas las piezas musicales se ilustraban de la misma manera, en los que cada compositor creaba su sistema para representar las distintas acciones que quería reflejar en su
2 Cf. Brindle, S., Reginald (1970),
The new music The Avant-garde since 1945, Oxford
University press
3 Cf. Bandur, Markus. (2001),
Aesthetics of Total Serialism: Contemporary Research from Music to Architecture, Basel, Boston and Berlin: Birkhäuser
4 Cf. Schwartz, Elliot y Godfrey, Daniel (1999),
Music Since 1945, Issues, materials, and Literature, Schirmer Books, New York, 2000
5
música6. En el Ejemplo No. 17 se ilustra la obra para órgano “Volumina” del
compositor Rumano György Sándor Ligeti, en donde solo se indican los clusters para cada mano y el pedal8.
La música aleatoria fue un paso importante en el desarrollo de la música experimental: al contrario del serialismo integral, lo que contaba era el resultado final y no tanto el proceso compositivo que dependía del azar.
En la década de los 50 y gracias a los adelantos tecnológicos, surgieron nuevos sistemas sonoros, como la grabadora de cinta, lo que permitió el
desarrollo de la música concreta o “montaje o ensamble de sonidos reales,
que son sujetos a dos tratamientos en especial: 1. La manipulación de cinta.
2. Una modificación electrónica.”9 Este tratamiento en el sonido creó una nueva música experimental que se convertiría en un pilar del movimiento psicodélico.
El movimiento europeo, a pesar de su rigidez y orden, logró crear una música que jamás se había escuchado y con compositores como Stockhausen o Oliver Messiaen, dio nuevas ideas al arte y sembró cimientos para la experimentación sonora. Cruzando el Atlántico, en Estados Unidos las cosas eran muy distintas y una nueva sonoridad surgió a partir del experimento con nuevos recursos artísticos.
6 Cf.
Aesthetics of Total Serialism(…) Op. Cit. 7 Tomado de www.walckerorgel.de/.../Ligeti0001.JPG 8 En The New Music (…),
Op. Cit., p. 71 9 Cf.
2.1.2. La composición experimental en los Estados Unidos
El orden estricto en la música europea produjo una respuesta radical en los Estados Unidos. Experimentos como los de Stockhausen tuvieron eco en Norte América, y fue en esta parte del mundo donde la música occidental sufrió grandes transformaciones. El compositor Charles Ives, considerado como uno de los padres de la composición experimental, comenzó a crear piezas que se alejaban radicalmente de cualquier cosa que se hubiera escuchado anteriormente10. Por ejemplo, en la obra
“Quarter tone pieces for two pianos”, un
piano está un cuarto de tono desafinado con respecto al otro, lo que desvirtúa la afinación temperada y crea una sonoridad totalmente novedosa. Junto a Ives, compositores como Edgar Varese de origen europeo, criticaron el excesivo protagonismo de la música para cuerdas y compusieron obras exclusivamente para ensambles de percusión y metales, acompañadas de sonidos reales, como alarmas11. De esta manera se juntaron elementos electrónicos con acústicos, lo que fue importante para el desarrollo del rock psicodélico. Tal vez el compositor estadounidense que más influencia tuvo sobre el movimiento psicodélico, fue el californiano, Harry Partch, quien se consideraba como un filósofo de la música y llevó al arte a unos niveles de experimentación sonora a donde nunca antes habían llegado12. Esto lo logró rompiendo con el sistema temperado, usando micrófonos, para lo que tuvo que inventarse sus propios instrumentos como la marimba diamante que se ilustra en el Ejemplo No. 213. Este hecho marca un antes y un después de la música occidental, ya que por siglos el sistema temperado fue la base para la composición. Además de crear nuevos
10 Cf.
Music Since 1945, Issues (…),Op. Cit., pp. 143-150
11 Ibíd. 12
Ibíd., pp. 212-214
instrumentos, Partch también estudió la música electrónica, añadiendo sonidos reales en cinta a sus composiciones acústicas14.
Todos estos compositores estadounidenses fueron influencia para uno de los compositores mas polémicos de la historia, el californiano John Cage, quien llevó la música a un nuevo nivel, creando una estrecha relación con el
público, hasta el punto de hacerlo protagonista de las obras. Cage decía “soy un devoto al principio de la originalidad”, y esto lo demostró en sus obras, las
cuales utilizan sonidos de la vida cotidiana, ya que para Cage los sonidos eran música por si mismos y no necesitaban ser modificados para llegar a convertirse en arte15. De esta manera surgieron obras como “Water Music”, donde la música se producía por el sonido del agua al pasar de un recipiente a otro.
Cage también compuso obras para instrumentos convencionales como el piano, pero le agregaba algunas modificaciones a las cuerdas. Como se puede ver en el Ejemplo No.316, distintos elementos modificaban el sonido original del piano, en obras como
“Sonatas e interludios para piano preparado” . Además de estas, Cage se
reunía con distintos tipos de artistas
para crear “Happenings”, una serie de
eventos en donde todas las formas del arte se combinaban y mientras Cage hacia música, algún artista creaba cuadros, otros bailaban y actuaban y algún poeta declamaba. La idea de
estos “Happenings” era la de combinar las distintas ramas del arte en un
contexto de improvisación, además de integrar al público en la creación, rompiendo esa brecha que desde hacia siglos existía entre público y artista17. Este hecho va a ser muy influyente para el movimiento psicodélico que más
14 Ibíd.
15 Ibíd.. pp. 227-229
16 leiter.files.wordpress.com/2009/03/johncage.jpg 17
[image:17.595.90.505.367.623.2]adelante también haría “Happenings” y otras reuniones artísticas derivadas de esta idea como los “Acid Test”18.
Pero tal vez la obra más reconocida y controvertida de John Cage, es la
celebre “4:33”, de tres movimientos, en donde el silencio además de ser el
personaje principal, es lo único que existe19. Paradójicamente la idea de Cage al escribir una obra en silencio es precisamente demostrar que este no existe, ya que cada vez que esta obra es interpretada, resulta de una manera distinta, debido a que los públicos reaccionan de variadas formas al silencio del intérprete. Esta obra es quizás una de las conexiones más fuertes entre el artista y el público, ya que el público es un personaje principal y depende del mismo el resultado final de la obra.
La música, durante el siglo XX, sufrió un sin fin de cambios en todos los sentidos, sucesos que influyeron en el nacimiento de una música rebelde, alejada de los moldes y de las reglas. Gracias a compositores como Harry Partch o John Cage, el Rock Psicodélico tuvo una base para expandirse y para seguir experimentando y creando nuevas sonoridades. La experimentación que nació en la música después de la Primera Guerra Mundial, es un hecho que cambió e influenció el arte en todos sus sentidos.
2.1.3. Compositores serialistas y experimentales
Arnold Schönberg: 1874-1951, Compositor y pintor austríaco, nacionalizado estadounidense. Su vida y su obra siempre fueron motivo de polémica. Fue una de las figuras mas importantes en la evolución de la música durante el siglo XX, aunque el público y los críticos de su época no lo entendieron y se mostraron poco dispuestos a aceptar la ruptura con el sistema tonal que su obra representaba. Padre de la Segunda Escuela de Viena, Schönberg nunca se consideró a sí mismo como un revolucionario, sino más bien como un eslabón más en una tradición musical que se remonta hasta Bach. El dodecafonismo, fue un intento de recuperar el orden musical que se había
18 Ibíd.
19 "Música y Filosofía contemporánea; Registros polifónicos de John Cage a Peter
Sloterdijk", En SINFONÍA VIRTUAL, Nº 6, 2008, Revista Trimestral de Revista de Música
Clásica y reflexión musical, España,.
perdido durante la Primera Guerra Mundial, con el movimiento Expresionista. Hijo de una familia de origen judío, Schönberg se inició en la música de forma autodidacta. Las únicas lecciones de música que recibió se las dio el compositor Alexander von Zemlinsky. Durante la Segunda Guerra Mundial, emigró a los Estados Unidos donde siguió su trabajo con la música. Murió en los Ángeles en 195120.
Karlheinz Stockhausen: 1928-, Compositor alemán, empezó sus estudios musicales con clases de piano en el High School for Music en Cologne de 1947 a 1950. Luego tomó clases de composición con Frank Martin y después en Paris con Milhaud y Oliver Messiaen. Su amistad con Pierre Schaeffer en Paris lo llevo a explorar el mundo de la música electrónica. Durante 1952 y 1954 estudió física y acústica en la universidad de Bonn. En 1953 se asoció con la radio de Cologne donde comenzó sus experimentos con la música electrónica. Además de sus trabajos experimentales con la electrónica, Stockhausen es reconocido por sus obras seriales para instrumentos
convencionales y por sus trabajos más controversiales como “El cuarteto de cuerdas en 4 helicópteros”. Murió en 1997 en Alemania21.
György Sándor Ligeti: 1923-2006, Compositor Rumano, recibió su primera educación musical en el conservatorio de Cluj/Kolozsvár, una ciudad en el centro de Transilvania. Durante la Segunda Guerra Mundial, por su condición judía, interrumpió su educación ya que fue forzado a trabajar para los nazis. Su padre murió en 1945 en el de Bergen-Belsen, su hermano el mismo año en el de Mauthausen. Su madre fue la única sobreviviente. Probablemente él habría seguido el mismo destino de no haber sido reclutado para trabajos de logística para la armada húngara en enero de 1944. Terminada la Segunda Guerra Mundial, Ligeti regresó a estudiar a Budapest, graduándose en 1949. Estudió con Pál Kadosa, Ferenc Farkas, Zoltán Kodály y en la academia Liszt de Budapest con Sándor Veress. Fue a realizar un trabajo etnomusicológico sobre la música folclórica rumana, pero después de un año regresó a su antigua escuela en Budapest, y fue nombrado profesor de armonía, contrapunto y análisis musical. Viajo a Viena y se puso en contacto con
20
The World of Twentieth-Century Music(…)Op. Cit. 21
Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig, ambos entonces trabajando en la avanzada música electrónica. Ligeti trabajó en ella en el mismo estudio que había en Colonia, y se inspiró con los sonidos que creaba allí. Sin embargo, produjo poca música electrónica propia, concentrándose más en obras instrumentales que pudieran contener aquellas texturas de sonoridad electrónica. La obra de Ligeti empezó a ser más conocida y respetada. Ligeti dio clases en Darmstadt, Hamburgo, Estocolmo y Stanford. Luego tomó un puesto de enseñanza en la Hamburg Hochschule für Musik und Theater en 1973, retirándose en 1989.). Murió en Viena en el 200622.
Charles Ives: 1874-1954, Compositor nacido en Danbury, Connecticut, tuvo una gran influencia musical por parte de su familia, especialmente de su padre quien fue maestro de banda durante la guerra civil. Desde pequeño su padre lo indujo a la experimentación musical, y lo hacia cantar canciones infantiles en alguna tonalidad mientras él la tocaba en una tonalidad distinta, todo con el fin de entrenar oídos de su hijo a nuevas relaciones sonoras. Su padre fue su primer maestro musical, luego tomo clases de órgano con Henry Rowe Shelley, además de asistir a la universidad de Yale, en donde continuó sus clases musicales con Horatio Parker y Dudley Buck. Además de su carrera musical, Ives trabajó en el negocio de las aseguradoras. Durante toda su vida siguió en el negocio de los seguros, y mantuvo una carrera musical discreta, las pocas veces que publicó alguna de sus obras fue para dárselas a sus amigos. Nunca le gustó la fama y se mantuvo reacio a publicar sus trabajos musicales. Mantuvo una vida discreta hasta su muerte en Nueva York en 195423.
Edgar Varese: 1883-1965, Compositor y pintor francés, nacionalizado estadounidense. Comenzó sus estudios musicales en la Schola Cantorum, como pupilo de Vincent d´Indy y Albert Roussel, y luego en el conservatorio de Paris como estudiante de Widor. No fue muy amante de la vida académica y pronto dejó el conservatorio para mudarse a Berlín en donde fundó un coro y condujo una orquesta. Destruyó varios de sus trabajos al considerarlos poco valiosos. Durante la Primera Guerra Mundial sirvió por un poco tiempo
22 Ibíd. 23
al ejército francés, en 1915 se mudó para siempre a Nueva York, donde
organizó “The New Symphony Orchestra”, y luego “The International
Composers Guild”, organizaciones dedicadas completamente a la
presentación de música moderna. En 1962 recibió el premio de la universidad de Brandeis por sus obras. Murió en 1965 en Nueva York24.
Harry Partch: 1901-1974, Compositor de Oakland, California. Durante su infancia aprendió a tocar el clarinete, la viola, la guitarra, el piano y el armonio. Comenzó a componer a muy temprana edad utilizando el sistema temperado, pero mas tarde quemó todas estas obras porque se sentía insatisfecho con el resultado. Fue entonces cuando se dio cuenta de que necesitaba nuevos instrumentos, los cuales el mismo construyó. Viajó a Europa con una beca para estudiar música. Al finalizar sus estudios volvió a Estados Unidos en donde siguió construyendo nuevos instrumentos microtonales. Debido a la Gran Depresión terminó como un mendigo viviendo en las calles. Murió en San Diego en 197425.
John Cage: 1912-1992, Compositor nacido en Los Ángeles California. Sus estudios musicales comenzaron con clases de piano con Fannie Charles Dillon y después con Lazare Lévy en Paris. Mas adelante tomo clases de composición con Henry Cowell, Edgard Varese, Arnold Schönberg y Adolph Weiss. En 1936 se unió a la facultad de música de la universidad Cornish School, en Seatle, Washington, en donde organizó sus primeros conciertos de percusión. Esta universidad fue una de las primeras en donde dio clases, lo que siguió haciendo en distintas universidades norteamericanas. En la
década de los 40‟ comenzó a dar conciertos de música experimental en
Nueva York. En 1949 recibió un premio de la Academia Nacional de Artes y Letras. Murió en Nueva York en 199226.
2.2. EL ROCK PSICODELICO
24
Music since 1945 (...), Op. Cit. 25
Ibíd. 26
2.2.1. Los inicios del rock
El rock es un género popular que nació en las calles, es un grito de rebeldía contra el sistema establecido, es el sonido urbano, aunque sus orígenes se remontan a la música tradicional negra, como el Blues y el Rythm and blues.
A finales de la década de los 40‟, el término rock se utilizaba en algunas
canciones de blues para representar el acto sexual27. En 1951, Gunter Lee
Car, grabó la canción “We‟re gonna Rock”, una tema bailable que por primera vez omitió la connotación sexual del termino “rock”, además de instaurar a
esta palabra como un nuevo género musical. De esta manera nació el Rock
and Roll, un género bailable que puso a los músicos negros al tope de las
listas musicales e hizo que las nuevas generaciones de jóvenes blancos estadounidenses se apartaran del racismo extremo que se vivía en Norte América28. A la vez, los cantantes blancos comenzaron a adoptar la música
negra, así fue como apareció en la década de los 50‟, Elvis Presley. Elvis
llevó al Rock and Roll a su punto de fama más alto, y convirtió a este género en un movimiento histórico en la música. Aunque el Rock and Roll de Estados Unidos, venía del Blues de los esclavos africanos que llegaron principalmente a New Orleans, no representaba con fidelidad la rebeldía y el dolor que el Blues transmitía. Figuras como Elvis y Little Richard se hicieron famosos con este género, pero más por su carácter festivo y bailable. El dolor y la sensibilidad del Blues no cautivó en un principio a Norte America, y fue primero en Inglaterra en donde este tipo de música tuvo una gran acogida, y gracias a este hecho nació el Rock, un género derivado del Rock and Roll, que transmitía la sensibilidad del Blues, añadiéndole la rebeldía que algunos jóvenes británicos necesitaban expresar a comienzos de la década de los
60‟29.
De esta forma a comienzo de los años 60‟ en Londres nació una banda que
por algunos es considerada como la primera banda de rock puro: Los Rolling Stones. Fundada por Brian Jones, Mick Jagger y Keith Richards, los Stones
eran considerados como “los chicos malos”, y peleaban en popularidad con
27 Cf. Paraire, Philippe (1992),
50 años de música rock, Madrid, Ediciones del Prado 28 Cf. Bassett, M., John (2004),
Hippie Dictionary, Berkeley, California, Ten Speed Press 29 Cf.
los Beatles, que por esa época componían canciones inocentes y baladas de amor30. Por su parte los Stones representaban la rebeldía del Rock, sus letras con alusión a las drogas, al diablo y al sexo, causaban estupor en la gente mayor y encantaban a una nueva generación de jóvenes ingleses que estaban cansados del conformismo de su sociedad31. A los Rolling Stones siempre los rodeó la polémica, suceso que después acompañaría al rock y a sus representantes: problemas con la policía, exceso de drogas, la muerte de
Brian Jones por sobredosis, sus polémicas canciones como “Simpathy for the
Devil”, convirtieron a los Stones en una leyenda viviente, pero su mayor
aporte a la música, fue el de inventarse el sonido del rock. Con sus guitarras eléctricas distorsionadas, el bajo y la batería crearon una base fuerte y constante al lado de una voz sucia y rasgada, e instituyeron un estilo que iba a cambiar el sonido de la música popular.
Al lado de los Rolling Stones, aparecieron más bandas que hacían parte de la
llamada “invasión británica”: una de estas fue The Who. Esta agrupación era
reconocida por su sonido fuerte y osado, gracias a la potente voz de Roger Daltrey, al fuerte sonido y peculiar estilo de la guitarra eléctrica de Pete Townshend, al bajo de John Entwistle y al virtuosismo y potencia de la
batería de Keith “el lunanitoco” Moon, uno de los mejores bateristas en la historia del rock. The Who compartía la rebeldía de los Stones, y además le añadió virtuosismo y concepto al rock. De esta manera fueron pioneros del
género de la “opera” rock con el clásico “Tommy”, disco y película, en donde se cuenta la historia de un jugador de pinball32. Al igual que los Stones, The Who tuvo que lidiar con la muerte de uno de sus integrantes, el baterista Keith Moon33.
No se puede hablar de la historia del rock sin mencionar a uno de los grupos más importantes: The Beatles, sin lugar a dudas el más famoso y uno de los
más influyentes. Los Beatles nacieron en Liverpool cuando los guitarristas John Lennon y George Harrison se juntaron con el bajista Paul Mccartney y con el baterista Pete Best, quien sería reemplazado por Ringo Star. Los
30 Cf. Gillett, Charlie, (2002),
Historia del Rock, Barcelona, Manon Troppo 31
Ibid., p. 57 32 Cf.
Cincuenta años de música(…) Op. Cit. p. 131 33
primeros discos presentaban un Rock and Roll festivo e inocente, lo que los hizo el grupo más popular del mundo occidental34. Hacia la mitad de la
década de los 60‟, fueron evolucionando en su música y la rebeldía de John Lennon junto al misticismo de George Harrison, fueron teniendo más protagonismo en la producción musical.En su primera visita a los Estados Unidos, en 1965, conocieron al cantante de Folk-rock, Bob Dylan, hecho que abrió una nueva puerta en la música de Lennon, Mccartney y Harrison, quienes comenzaron a experimentar con sustancias como la marihuana en sus composiciones, creando de esta manera una música original de altísima calidad que perdura hasta nuestros tiempos35. Posteriormente comenzaron sus experimentos con LSD, sustancia que en 1965 comenzaba a ponerse de
moda en el mundo del rock. Esto trajo nuevos sonidos y los “fab four”
comenzaron a escribir una música mas profunda que se ve reflejada en
discos como “Rubber Soul” o “Revolver”. Tenían la ventaja de tener como productor al arreglista George Martin, quien fue el responsable de componer todos los arreglos de cuerdas y de recibir y guiar artísticamente, los diferentes materiales que componían Lennon, Harrison y Mccartney36. Un factor muy importante en el desarrollo de la música de los Beatles fue su decisión de no dar mas conciertos debido a que el público iba más para gritar que para oír sus canciones, hecho que hizo que esta agrupación ya no tuviera que componer música para tocar en vivo, lo que les otorgó más libertad para experimentar con nuevos instrumentos, loops, sampleos, y demás sonidos que no tenían que reproducirse en vivo. Y así fue como nació
uno de los discos más importantes en la historia del rock, el “Sgt. pepper's
lonely hearts club band”. Con el concepto de crear un disco para mandarlo de
gira, en vez del grupo mismo, los Beatles compusieron una obra maestra, que combinaba la experiencia psicodélica con increíbles armonías vocales y con el sonido de la India que trajo George Harrison después de sus viajes37. Además de las distintas canciones, este disco es reconocido por su carátula,
34 Cf. Borrows, Terry (2001),
John Lennon, San Diego, Thunder Bay Press 35 Cf. Aspinall, Neil y otros (productores) (2003),
The Beatles Anthology, London Apples
Corps Limited, DVD No. 1
36 Cf. Aldridge, Alan (editor) (1990),
The Beatles, Nueva York, Workman Publishing
Company,
37 Cf. Lasley Cindy (Coordinador) (2003)
que se puede ver en el Ejemplo No. 438, en donde, al lado de los Beatles se muestran en collage distintas personalidades de la cultura pop como Bob Dylan, Marilyn Monroe y Marlon Brando, además de figuras musicales como Karlheinz Stockhausen39. El “Sgt. pepper's lonely hearts club band” es uno
de los discos mas importantes de la historia no solo por su producción musical, también por los procesos empleados en su grabación, ya que fue el primer disco grabado en 8 canales, con dos consolas de 4 canales, esto hizo que las posibilidades de añadir nuevos sonidos fueran mucho mayores, en una época en donde la tecnología análoga restringía el uso de varios canales.
Luego del Sgt. Pepper‟s, los Beatles
siguieron innovando y sacaron los
discos “The magical mystery tour”, el “ White Album” y el “Yellow Submarine”,
en donde la creación sonora llegó a un
nuevo nivel con el uso de
sintetizadores, sampleos y la experimentación con los elementos del estudio de grabación, como la alteración de distintas maneras de las cintas magnetofónicas40. En este punto los Beatles ya habían creado un tesoro musical, que sirvió de influencia para todas las bandas de rock que los siguieron. Tal vez una de los factores más impresionantes en la creación artística de este grupo es su evolución en tan poco tiempo, 7 años, del rock
and roll inocente, al rock psicodélico e innovador de finales de los 60‟, lo que
refleja una época mágica y llena de cambios.
2.2.2. La era de la Psicodélica
38 Tomado de musicstreaker.files.wordpress.com/2008/08/bea 39 Ibíd., p.28
40 Cf. Mason, Nick, (2004),
Inside out, a personal history of Pink Floyd, Chronicle Books, San
Los Beatles sembraron una semilla muy importante en el rock experimental,
discos como “Revolver” lanzado a mediado de la década de los 60‟,
rompieron con la tradición de la música popular y generaron nuevos sonidos que iban a cambiar la mentalidad de los jóvenes músicos de la época. Uno de
estos músicos era el ingles Roger Keith Barrett, más conocido como “Syd”
Barrett, un joven de Cambridge que en 1966 llegó a Londres para estudiar arte. Una vez establecido en la capital de Inglaterra, Syd se unió a sus amigos de infancia, el bajista Roger Waters y el baterista Nick Mason, quienes junto al teclista Richard Wright, tocaban covers de blues estadounidense41. Barrett entró a la banda como guitarrista y cantante líder, y empezó a estamparle su particular carisma. Primero creó el nombre de la banda al unir parte de los nombres de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council, de esta manera nació The Pink Floyd Sound, que seria recortado después para quedar The Pink Floyd. Una vez formada la banda Syd Barrett comenzó a componer todas las canciones, y así nacieron temas
como “Arnold Layne” o “Aples and Oranges” que se convertirían en éxitos del
movimiento underground de Londres. Syd Barrett se sentía muy atraído hacia
la experimentación sonora, y discos como “Revolver” de los Beatles lo
influenciaron mucho42. Hacia 1966 cuando el LSD se volvió muy popular en la cultura underground, Barrett comenzó a experimentar con esta droga, esto
hizo que naciera “el rock psicodélico” con canciones como “Interstellar Overdrive”, una obra de aproximadamente 20 minutos que nunca se tocó de
la misma manera ya que sus distintas versiones dependían del ambiente del concierto y del instinto de Barrett43. Con Pink Floyd nació el rock psicodélico, un género que buscaba estimular todos los sentidos, con incitaciones auditivas y visuales, basándose en la experimentación y en el instinto para crear sonidos provenientes del inconsciente. En Inglaterra, el público del movimiento underground se reunía todas las semanas en el bar UFO de Londres para consumir LSD y escuchar los conciertos de Pink Floyd que eran acompañados por shows de luces y demás expresiones artísticas44. Pero Barrett no solo componía canciones libres y sin estructuras definidas, también
41 Ibíd. 42
Ibíd. 43
Ibíd. 44
podía componer singles, y gracias a la canción “See emily play” Pink Floyd
logró un contrato discográfico con EMI para grabar su primer disco. 1967 fue un año mágico para el rock psicodélico ya que Pink Floyd entró a los estudios Abbey Road para grabar su primer disco “The Piper at the gates of Dawn”,
cuya portada se ilustra en el Ejemplo No. 5, mientras que los Beatles estaban
en la sala de al lado grabando su mítico disco el “Sgt. pepper's lonely hearts club band”45. De esta manera dos de las bandas mas grandes de la historia se encontraron y compartieron opiniones sobre sus trabajos, además para Barrett conocer y compartir con John Lennon fue una experiencia que lo iba a
marcar el resto de su vida artística. “The Piper at the gates of Dawn” fue
lanzado en Agoste de 1967 y se convirtió en un disco que reflejaba el rock psicodélico y el movimiento underground de Inglaterra. El uso experimental del estéreo, más los efectos de voces y los inigualables sonidos espaciales de la guitarra de Barrett convirtieron a este disco en un referente obligado del rock psicodélico. Con este disco Pink Floyd comenzó a ser una banda reconocida en toda Europa y emprendió una gira junto a otro gran intérprete del rock psicodélico, el guitarrista norteamericano Jimi Hendrix. Al término de la gira, Barrett se sentía agotado y se refugió en las
drogas, “un fin de semana consumió
tanto ácido, que simplemente nunca
volvió a ser el mismo”46. Esto afectó a la banda ya que en las presentaciones en vivo había ocasiones en donde Syd simplemente se paraba inmóvil sin tocar o cantar una sola nota, lo que la
obligó a conseguir un segundo guitarrista y cantante, “alguien que apoyara a Barrett cuando a este le diera por no hacer nada en los conciertos”. Fue así
como Roger Waters llamó a David Gilmore, un guitarrista y cantante de Cambridge, que entró como el quinto miembro de la banda. Con su salida, la
carrera artística de Barrett continuo y compuso dos disco, “The Madcap
45 Tomada de www.rockaction.it/e107_plugins/coppermine_men... 46
Laughs” y “Barrett”, producidos por sus antiguos compañeros Waters y
Gilmore. Estos son dos discos crudos y directos, donde se aprecia una increíble talento compositivo sesgado por la inconciencia. Finalmente Syd Barrett se refugió en la casa de su madre en Cambridge, donde permaneció
hasta el día de su muerte en Enero del 2006.
Tras la salida de Barrett de Pink Floyd, Gilmore asumió como guitarrista y cantante y la banda se enfrentó con el reto de componer, ya que el compositor principal no estaba. Nacieron discos como “ A saucerfull of secrets” y “More” en donde Waters tomó el liderato y compuso la mayoría de las canciones. El siguiente disco “Ummagumma” es una obra maestra del
rock psicodélico, un experimento en donde cada miembro del grupo compone y graba un par de canciones en solitario, lo que da como resultado la
increíble obra orquestal de Richard Wright “Sysyphus”, y el experimento sonoro de Roger Waters “Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict” digno ejemplo de la música
electroacústica de finales de los 60`. Con la llegada de la década de los 70‟ el
sonido de Pink Floyd evolucionó y en 1973 lanzaron un disco épico que los
iba a llevar a la fama, “Dark Side of the Moon”, ejemplo No. 6, un trabajo que
se aleja un poco de las sonoridades psicodélicas, sin dejar de lado el sonido espacial, pero con canciones con una estructura mucho más trabajada y un
concepto totalmente definido, “la
locura y el comportamiento del ser
humano” 47.
Este disco se va a convertir en un éxito en ventas por más de 30 años. Va a situar a Pink Floyd como una de las bandas más grandes de la historia. Convertidos en celebridades, comenzaron los roces entre Waters, Gilmore y Wright, lo que no evitó que la banda continuara creando shows en vivo inigualables y que lanzaran otros
dos grandes discos como fueron “Wish you were here” y “Animals”, pioneros
del rock progresivo. En el tope de sus carreras y con los roces en la banda a flor de piel, Waters sufrió una experiencia en un concierto en donde simplemente no soportó más el comportamiento del público, hecho que generó la ambiciosa idea de crear una barrera entre el público y la banda, y
así nació uno de los trabajos más importantes de la historia, “The Wall”48. Esta obra refleja la vida de Pink un personaje que representa las experiencias
de Waters combinadas con la vida de Syd Barrett. “The Wall” fue uno de los
shows en vivo más vanguardistas, ya que en la mitad del espectáculo, un muro gigante separaba al público de la banda y al final del show el muro se caía. Fue un disco concepto por excelencia que más tarde, gracias al director Alan Parker, se convertiría en una película. Después de The Wall la relación de Waters con Gilmore y Wright se hizo insufrible y Waters optó por abandonar el grupo, cerrando así un ciclo y acabando con la formación original de la banda que se inventó el rock psicodélico.
A la par con Pink Floyd, aparecieron en los Estados Unidos unas bandas de rock que experimentaban y creaban música. Una de estas fue The Grateful Dead, californiana, liderada por Jerry García que a finales de la década de los 60`se convirtió en Estados Unidos en la banda más importante de rock
psicodélico. The Grateful Dead participa en los “Acid Test” eventos
directamente influenciados por los “Happennings” que organizaban John
Cage y sus compañeros, en donde la gente se reunía para tomar ácidos y escuchar música, observar arte y participar de distintas maneras. The Grateful Dead se caracterizaba por improvisar en estos eventos durante horas, al estilo de Pink Floyd en el bar UFO. California y mas exactamente
Los Ángeles y San Francisco, a finales de los años 60‟, eran el centro
artístico y sede del movimiento underground en Estados Unidos49. Precisamente en Los Ángeles nació otra banda que iba a llevar al rock psicodélico a las grandes masas, The Doors. Liderado por el poeta y cineasta Jim Morrison, The Doors, mezcló el misticismo de la experimentación con el ambiente festivo y despreocupado de las playas de los Ángeles, lo que creó
48 Cf. Manson, Nick y otros, (compiladores) (1992)
Pink Floyd Shine On, London, Pink Floyd
Music
49 En
un rock psicodélico de algún modo “bailable” que llegó a toda clase de
público50. Morrison se convertiría en un mito del rock. Del otro lado de California, en Nueva York, una banda liderada por Lou Reed, recibió influencia directa de Syd Barrett y bajo la dirección artística de Andy Warhol, creó un rock psicodélico más urbano, sin tanta experimentación sonora, pero de la mano del arte51.
Las influencias del rock psicodélico también llegaron a otros países europeos como Alemania y Francia. Es el caso del grupo alemán Can, una agrupación de Colonia, conformada por estudiantes de música que tomaron clase con Karlheinz Stockhausen. Can se caracterizaba por su sonido ambiental, lleno de percusiones y con un sutil sonido de guitarra. Los dos primeros discos de
Can “Monster Movie” y “Soundtracks” fueron grabados entre 1968 y 196952.
“Soundtracks” a diferencia de los demás discos de Can no es un disco conceptual, sino una recopilación de música para cine. Después de “Monster
Movie” Damo Suzuki reemplazó al cantante Malcolm Mooney. En 1971 Can
lanzó “Tago Mago” uno de los discos más importantes en la historia del rock
psicodélico, en donde se encuentran canciones de más de 15 minutos y la improvisación se destaca como material principal53. “Tago Mago” es el primer
disco de la llamada trilogía de Can que se completa con “Ege bamy asi” y “Future Days”, en donde se encuentra un exquisito aire de placidez, que
refleja a un grupo de improvisación totalmente ensamblado, en el que los miembros se entienden perfectamente entre si54. En estos dos discos se encuentra el mejor trabajo de batería de Liebezeit y la sutil guitarra de Karoli crea un ambiente mágico que convirtió a este guitarrista en uno de los grandes del rock psicodélico.
Otro grupo muy importante para el rock psicodélico fue el grupo francés Gong. Esta agrupación llevó el concepto más allá de los discos al declararse compuesta de seres provenientes del planeta Gong, concepto que reflejaban
en su música con sonidos espaciales. “Camembert Electrique” fue el primer
50 Ibíd.
51 Ibíd. 52 En
Hippie dictionary, Op. Cit. 53 En
Historia del Rock, Op Cit. 54
disco, después de que el dúo Allen-Smyth se convirtió en un quinteto con el importante aporte del saxofonista francés Didier Malherbe. Allen venía de ser el primer guitarrista de Soft Machine. Con la incorporación del guitarrista Steve Hillage y del teclista británico Tim Blake, quedó completa la nómina de
Gong y se definió su sonido espacial en el disco “Flying Teapot”, el primero
de la trilogía de Gong, que marcó la pauta de la fusión psicodélica en Europa.
“Angel‟s Egg”, fue el segundo disco de la trilogía, quizás el mejor producido,
cuando la banda estaba en su mejor momento. La trilogía se cierra con “You”
un disco que fusiona la música electrónica con la psicodélica, la improvisación y el rock progresivo55.
El rock psicodélico fue un reflejo de una época mágica, como fueron los años
60‟, la experimentación de sensaciones, entre otras con drogas, fue
importante, pero también lo fueron la experimentación con sonidos, con ensambles y con instrumentos. A nuestro juicio, el instinto y las ganas de crear y experimentar fueron el fundamento de este género.
2.2.3. El desarrollo del movimiento Psicodélico
Los años 60‟ y 70‟ fueron una época única para la música psicodélica, ya que
este estilo dejó de ser un movimiento underground, y se convirtió en la música popular de la época, gracias a la revolución artística, cultural y política
que se vivió en estas dos décadas. A finales de los 70‟, el movimiento hippie
y psicodélico estaba perdiendo fuerza y nuevos estilos comenzaron a mandar la parada en el gusto musical del público; la música disco se posicionó como el estilo más popular, y las drogas alucinógenas que alguna vez ayudaron a la inspiración para crear la psicodélica, fueron reemplazadas por nuevas drogas como la cocaína y el éxtasis, que generaban comportamientos muy distintos a los del LSD y la marihuana. De esta forma llegaron los años 80‟,
una época ambigua para la música psicodélica, ya que el avance en la tecnología permitió la creación de nuevos instrumentos musicales con nuevas sonoridades, perfectas para la creación de música experimental, pero sin que
se diera un ambiente propicio para ello. De hecho, la música que primó
durante esa década fue electrónica, plagada de sonidos “plásticos”,
característicos de los nuevos teclados digitales, que reflejaba la estética tan particular de esa década‟56. Además de la música electrónica, nacieron
bandas de metal, un género que venía evolucionando desde los 70‟ con Black Sabbath y Led Zeppelin, pero en los años 80‟ adoptó el estilo plástico
de la década y se caracterizó por sus peculiares peinados y maquillajes. La
respuesta a este movimiento denominado “Hair metal”, fue el “Trash Metal”, un género en donde no importaba el “look” sino lo pesado y rápido que se
podía llegar a tocar, con bandas como Metallica, Pantera y Antrax57. Estos movimientos opacaron a la psicodelia, que se limitó a los recuerdos que dejaron bandas como Pink Floyd y The Gratefull Death58.
Los década de los 90‟ comenzó musicalmente con un rechazo a lo que se venia haciendo en los 80‟. De esta manera nació en Estados Unidos el
“Grunge”, un género que tomó elementos del Punk. El Grunge, se
caracterizaba por un sonido de guitarra eléctrica fuerte y sucio y unas letras
claras y directas. Predominó a comienzos de los años 90‟ con grupos como
Nirvana y Pearl Jam.
El rock psicodélico no volvió a tener la popularidad que tuvo en las décadas
de los 60‟ y 70‟, hasta que, a mediados de los 90‟, apareció la banda inglesa
Radiohead, de rock alternativo que no propiamente se identificaba con los sonidos experimentales de la psicodélica, pero si con el afán de crear nuevas sonoridades y alejarse del rock en esos años. Radiohead nació en Oxford, de la mano del cantante y guitarrista Thom Yorke y del guitarrista Jhonny Greenwood, y se hizo muy popular con su primer trabajo lanzado en 1997,
“Pablo Honey”, gracias a la canción “Creep”, un tema depresivo que logró
identificarse con la mayoría de adolescentes por su mensaje de inconformismo y poca aceptación a la sociedad59. Después de “Pablo Honey”
vino el disco “The Bends”, en donde Radiohead se ratificó como una de las bandas alternativas más importantes, pero fue en 1997 cuando lanzaron el
56 Ibíd. 57 En
Historia del rock (...) Op. Cit. 58
Ibíd.
59 Cf. Gee Grant (1998),
disco “OK Computer” cuando se hizo mundialmente famosa y cuando el rock psicodélico volvió a posesionarse entre la música popular. “OK Computer” se
caracterizaba por sus sonidos experimentales y sus temas sobre la decadencia de la sociedad y la globalización. Su composición se hizo en un castillo medieval y el guitarrista Jhonny Greenwood, incitó a los demás integrantes a escuchar los discos de Pink Floyd para lograr inspiración en la composición. Este disco puso a la música experimental de nuevo en el marco
comercial y es considerado como uno de los mejores discos de los años 90‟. Después de su éxito con “OK Computer” se esperaba algún material similar
de Radiohead para su siguiente disco, pero la respuesta de la banda fueron dos discos completamente transgresores, en donde cualquier material
comercial que pudiera haber tenido “OK Computer”, fue omitido. De esta
manera con el comienzo de un nuevo milenio nacieron los discos “Kid A” y “Amnesiac”, en donde la experimentación de la banda llegó a un nuevo nivel,
usando voces totalmente procesadas, y omitiendo casi por completo el uso de guitarras, reemplazándolas por sintetizadores análogos y sonidos programados60. Con estos discos Radiohead fue nombrado por la critica
como el “Nuevo Pink Floyd” debido a sus experimentaciones con nuevos
sonidos y por el afán de innovar con la música y de alguna manera estar adelantados a su tiempo. Después de la experimentación, Radiohead decidió
sacar un disco concepto, así nació en el 2003 el “Hail to the thief”, una obra
crítica de George W. Bush, quien recientemente se había posesionado de
una manera muy dudosa como presidente de su nación. Con “Hail to the thief” Radiohead continuo su discurso crítico, combinado con sonidos electrónicos, pero esta vez de nuevo con guitarras eléctricas y un sonido más rockero.
Gracias al Internet, la piratería musical durante los últimos años ha quebrado a varias disqueras y ha perjudicado a un sin número de artistas, para hacerle frente a esto, Radiohead, haciendo gala de su sentido revolucionario, optó a finales de el 2007 por sacar su nuevo disco por Internet, dando la opción de bajarlo gratis, o de que las personas donaran la cantidad de dinero que
60 Com Lag (2004),
quisieran por el mismo61. Este sistema tuvo mucho éxito y ahora varias
artistas lo utilizan, así el disco “In rainbows” fue un pionero en las ventas por Internet, además de ser uno de los mejores discos del nuevo milenio. “In Rainbows” se destaca por el sonido atmosférico de las guitarras, los efectos de las voces y los loops en la percusión, pero sobretodo por la limpieza en el sonido y unas canciones simples, pero con una carga emotiva muy alta que
recuerda el sonido de finales de los 60‟, y confirma a Radiohead como una de las bandas más importantes en la historia del rock.
Radiohead volvió a poner a la música experimental en las listas populares del rock, pero su producción no es propiamente psicodélica, y no fue hasta el nuevo milenio que apareció una banda con sonidos realmente psicodélicos, la cual iba a popularizar de nuevo este tipo de música. The Mars Volta, fundada por dos músicos de origen latino, Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala, quienes después de experimentar con agrupaciones punk y dub, como At the drive in, y De Facto, decidieron crear una banda de rock psicodélico, con influencias de la música latina, el jazz y el punk62. De esta
manera en el 2003, lanzaron su primer disco “De-Loused in the Comatorium”,
producido por el reconocido productor Rick Rubin, un disco en donde renacieron los sonidos psicodélicos de finales de los 60`. Disco concepto que cuenta la historia de Cerpin Taxt, un hombre que cayó en coma después de
abusar de la morfina. Con “De-Loused in the Comatorium” The Mars Volta se ratificó como una de las bandas más importantes. En una gira con los Red Hot Chilli Peppers, el ingeniero de la banda, Ward, fue encontrado muerto tras una sobredosis de heroína, lo que condujo a que Cedric y Omar Rodríguez dejaran de consumir drogas fuertes. Después de su éxito con su disco debut, y de alcanzar fama gracias a sus enérgicas presentaciones en
vivo, en donde, al igual que la banda de los 70‟ Can, la mayoría del repertorio era improvisado, The Mars Volta lanzó su segundo disco “Frances the mute”,
trabajo concepto basado en el diario de Ward. En este se continuó con la fusión entre la música latina y el rock psicodélico, pero se adoptó a una
61 Tomado de http://www.radioheat-latinoamerica.com
62 http://www.portalalternativo.com/banda/the-mars-volta
manera experimental de grabar: cada músico entraba al estudio para grabar su parte con sus partituras, sin oír las otras, con el objetivo de hacer que cada pieza musical actuara por si misma.
“Amphutecture” fue el tercer disco de la banda, lanzado en el 2006; fue un
trabajo que mantuvo el estilo experimental, a pesar de ser el único en no
contar con un concepto definido. Luego de “Amphutecture”, a comienzos del 2008, The Mars Volta lanzó su último trabajo discográfico, “The Bedlam in Goliath”, un disco conceptual que cuenta la historia de lo que pasó alredor de
una tabla ouija, que Omar Rodríguez le regaló a Cedric. Según esta historia, la tabla comenzó a ser utilizada por la banda y comenzaron a ocurrir cosas muy extrañas en el estudio de grabación, desde que se prendieran y apagaran las luces, hasta que se borraran sin explicación los archivos de la producción. Este álbum es quizás el más fuerte y rockero en su sonido, sin abandonar la experimentación y la psicodélica que identifica a la banda.
El rock psicodélico nació gracias al trabajo de los compositores experimentales de mitad del siglo XX, que motivaron a los jóvenes a buscar distintos sonidos y timbres en la música. Desde su creación, en la década de
los 60‟, sufrió un sin número de transformaciones hasta los ochenta cuando
casi muere. No obstante, el deseo de los artistas por buscar nuevas sonoridades y por experimentar permitió que renaciera a finales de los noventa y que, en el nuevo milenio, se fortaleciera y surgieran grupos como The Mars volta o Radiohead, que está influenciando a nuevas generaciones a ir más allá de lo que ya se hizo, y a crear una música llena de instinto, que expresa el inconsciente.
2.3. LA LLEGADA DEL ROCK PSICODELICO A COLOMBIA
En Colombia, el rock psicodélico no ha tenido un gran desarrollo. Sus orígenes se remontan a la llegada del rock, en el año de 1957, cuando se
estrenó en Bogota la película “Al compás del reloj”63, la cual tenía música de
63http://www.colombiaaprende.edu.co/html/tveducativa/1600/article-169842.html - Rock all
Bill Haley. Este mismo artista se presentó en Bogotá en el año de 1962, influenciando a los jóvenes a conformar bandas de rock. De esta manera en los años 60‟ nació The Speakers con Humberto Monroy como compositor,
bajista y cantante, Fernando Latorre en la batería, Oswaldo Fernández en la guitarra y Luis Dueñas en la guitarra y voz. Luego Latorre seria reemplazado por Roberto Fiorilli, y entraría al grupo Oscar Laspriella, cantante y guitarrista. The Speakers comenzó haciendo covers de bandas de la época como los Beatles y los Rolling Stones, pero pronto produjo su propio material. En 1968 los Speakers grabaron el disco más atrevido hasta ese año, en la historia de
la música colombiana, “Los Speakers en el maravilloso mundo de Ingeson”64,
en los estudios de Manuel Drezner. Como el “Sgt. Peppers lonely hearts club band” de los Beatles, fue grabado en 8 canales, primera producción
colombiana con esta tecnología y la primera producción de rock psicodélico. Gracias al número de canales, los Speakers pudieron experimentar con sonidos no convencionales como los ruidos de un baño o distintos tipos de voces. Roberto Fiorilli también formó parte de otros dos grupos que se caracterizaban por tratar de hacer algo distinto y por tener roces con la psicodelia, los Young Beats y The time machine, que interpretaron cover de bandas como Cream y The Jimi Hendrix Experience, música que pocas bandas en Colombia se atrevían a interpretar.
Otra de las bandas más importantes en los 60‟ en Colombia, y que tuvo roces
con la psicodélica fue los Flippers, grupo bogotano conformado por Arturo Astudillo en la guitarra y voz, Carlos Martínez en el bajo, Orlando Betancourt en las guitarras rítmicas y Edgar Dueñas en la batería. Los Flippers se caracterizaron por interpretar los éxitos de las bandas británicas, pero
también grabaron discos con temas propios, como el “Psicodelicias”,65 trabajo con el que obtuvieron algunos hits radiales y realizaron una gira nacional con éxito.
Al finalizar la década de los 60` la mayoría de las bandas de rock nacional se disolvieron, por esto Humberto Monroy, quien había fundado los Speakers, creó la banda Gene-sis, la cual se caracterizaba por su sonido folk, y su
64 http://www.rockchilelatinoamericano.blogspot.com 65
contenido social. Gene-sis durante los 70‟ tuvo una gran acogida en el
movimiento hippie nacional, y grandes músicos como Roberto Fiorilli, harían su contribución artística en este grupo. Unos de los grupos más importantes en el rock nacional de los 70‟ fue Malanga, formado en Bogotá por Alexis Restrepo en la guitarra y voz, “Chucho” Merchán en el bajo, Augusto Martelo
en la guitarra y Álvaro Gálvis en la batería. Malanga como todos los grupos de la época empezó tocando covers de conjuntos americanos y europeos, pero en poco tiempo comenzó a crear su propio lenguaje, mezclando sonidos caribeños con el rock66. El grupo se disolvió porque la mayoría de sus
integrantes se fueron del país, el bajista “Chucho” Merchán se fue a Inglaterra
en donde tocaría después con grandes músicos y agrupaciones como The Who y David Gilmore.
A finales de los 70` la prensa nacional dejó de interesarse por el rock colombiano, lo que hizo que el público perdiera interés por este género.
Durante los 80‟ renació el interés por el rock, pero por el rock en español, gracias a los grupos argentinos como Soda Stereo que venían a dar conciertos en Colombia. Durante esta década nacieron grupos como Compañía Ilimitada, que tendrían gran acogida, con su pop-rock en español, pero los intentos de los años 60‟ por hacer rock psicodélico no volverían a
materializarse.
En los 90 nacieron grupos como Aterciopelados, Estados Alterados y Ekhymosis,´ todos grupos de rock, pero ninguno que experimentara con la psicodélica. En los últimos años se ha generado un interés por el rock en
inglés y el “Brit-pop”, con grupos como The Black Cat Bone, The hall effect y
The Mills, pero poco se ha experimentado con el rock psicodélico. En la actualidad sólo bandas como Smoking Underdog y The Joint, tratan de revivir este género que desde finales de los 60`ha estado prácticamente inactivo.
El Rock psicodélico en Colombia no ha tenido mucho auge; bandas como The Speakers, The Flippers o Time Machine sembraron una base a finales de
los años 60‟, sin que haya tenido continuidad. Pretendemos retomar esa
semilla y experimentar para hacer algo nuevo, en contra a las corrientes comerciales del momento.
2.4. MARCO REFERENCIAL DEL DISCO Pink Floyd
- The piper at the gates of dawn67:
Fue el primer disco de la agrupación inglesa Pink Floyd, compuesto casi en su totalidad por Syd Barrett, este disco es considerado como el primer trabajo musical completamente psicodélico, grabado en el auge de esta tendencia en 1967. Esta producción fue grabada en los estudios Abbey Road en Londres y su productor fue Norman Smith. Este disco fue pionero en la mezcla estereofónica, experimentando con este recurso, creando ambientes nunca antes realizados. The piper at the gates of dawn, es una joya para el rock psicodélico y nos influenció en la manera de crear distintos ambientes con sintetizadores y en la experimentación con la mezcla estéreo.
- The dark side of the moon68:
Es el noveno disco de Pink Floyd, y para algunos críticos es el mejor disco de esta agrupación. El concepto y las letras fueron creadas por el bajista Roger Waters y su grabación fue en 1973 en los estudios Abbey Road y fue producido por la misma banda. El Dark side of the moon se caracteriza por su concepto, en donde se ilustra el comportamiento y las acciones del ser humano, la locura, la violencia, así como la muerte y la riqueza, están expuestas en cada canción. El trabajo de ingeniera fue realizado por Alan Parsons que es reconocido por lograr crear distintos paisajes sonoros con las limitaciones que se tenían en esa época para grabar. Este disco es una referencia para nosotros por el concepto de todo que se distancia de
67 Pink Floyd (1994), Producido por Norman Smith, The piper at the gates of dawn, Los
Angeles, Emi Records.
68 Pink Floyd (2003) Producido por Pink Floyd, The dark side of the moon, EUA, Emi
canciones sueltas, y por los temas líricos sobre la locura y la decadencia de la sociedad.
- The wall69:
Es el decimotercer trabajo discográfico de Pink Floyd, y fue producido por Bob Ezrin, Roger Waters y David Guilmore, fue grabado en Abbey Road en 1979. Es el disco concepto por excelencia, una opera rock que narra la vida
de “Pink”, un joven traumatizado por la muerte de su papá, la sobreprotección de su mamá y los abusos que tuvo que soportar por parte de sus profesores. Pink se convertiría en una estrella de rock que se volvería loco por el peso de
la fama y terminaría ahogado por su propio muro. “Pink” es un personaje
derivado de la vida real de Roger Waters y Syd Barrett. The Wall además plasma la decadencia de la sociedad, los problemas de comunicación y la violencia. The Wall nos influyó por su concepto de conectar todas las canciones para llevar un hilo narrativo, además de la grabación de las guitarras, saturándolas lo más posible.
The Beatles
- Sgt. Pepper’s lonely hearts club band70:
Grabado en 1967 en los estudios Abbey Road, el Sgt. Pepper „s lonely hearts
club band, es quizás el disco mas importante del siglo XX. Producido por George Martin, fue pionero tanto en la grabación, ya que fue el primer disco en grabarse en 8 canales con dos consolas de 4, y en la composición, uniendo elementos psicodélicos con componentes clásicos, además de instrumentos y sonoridades de la India. Este trabajo fue realizado en pleno
apogeo de la “Beatlemania” cuando los Beatles decidieron no hacer mas
giras y dedicarse a grabar discos. El concepto era hacer un disco para
69 Pink Floyd (2000), Producido por Bob Ezrin, Roger Waters, David Guilmore, The wall,
Londres, Sony Music
70 The Beattles (1887), Producido por George Martin, Sgt. Pepper’s lonely hearts club band,
