(No) Somos bienvenidos

Texto completo

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(no) SOMOS BIENVENIDOS

DANIEL EDUARDO OBANDO SUÁREZ

PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA FACULTAD DE ARTES

DEPARTAMENTO DE MÚSICA COMPOSICIÓN COMERCIAL BOGOTÁ

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(no) SOMOS BIENVENIDOS

DANIEL EDUARDO OBANDO SUÁREZ

Proyecto de grado de grado para obtener el título de Maestro en Música con Énfasis en Composición Comercial

Asesor Juan José Salazar

PONITFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA FACULTAD DE ARTES

DEPARTAMENTO DE MÚSICA COMPOSICIÓN COMERCIAL BOGOTÁ

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AGRADECIMIENTOS

A Dios por la capacidad de tocar y hacer música, A mi papá por siempre creer en mi, apoyándome en todos los proyectos profesionales que he concebido, a mi mamá por los todos los valores enseñados, a mi hermano por el apoyo emocional. Especiales agradecimientos a Diego Rocha por dedicar tiempo valioso a este proyecto, a Juan José Salazar por aportar su metodología y mezcla, Santiago Camacho por sus opiniones y mezcla y por último a Ricardo Piedrahita por el arte

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CONTENIDO

1. INTRODUCCIÓN 1

2. OBJETIVO GENERAL 2

2.1 OBJETIVO ESPECÍFICO 2

3. JUSTIFICACIÓN 3

4. MARCO TEORICO 3

5. (no) SOMOS BIENVENIDOS 7

5.1 Ficha técnica 7

5.2. Allá está 8

5.3. Con los ojos… Brillar 10

5.4. Timshell 11

5.5. La Isla 12

5.6. Quién? 13

5.7. Gusto por el drama (una lágrima que seca al bailar) 14

5.8. Mis Ideas 15

5.9. Más Humano 16

6. CONCLUSIONES 17

BIBLIOGRAFIA 20

DISCOGRAFIA 20

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1. INTRODUCCIÓN

Este proyecto de grado se centra en encontrar y reconocer las características que enmarcan al género del rock, a través de la producción y composición de un disco. Este género ha sido tan popular como diverso artísticamente, y tan alabado como mal interpretado. Sin embargo, es sin duda una de las manifestaciones artísticas más grandes del siglo XX hasta la actualidad. Su mayor importancia radica en que ha sido capaz de captar como una antena, los pensamientos, ideologías, alegrías y frustraciones de una sociedad, comunidad, o grupo de personas, expresándolos de una manera concisa y clara, de modo que logra ser escuchado sin tabúes ni eufemismos. Es esta actitud osada y a veces desafiante la que ha conseguido cambios sociales y toma consciencia a través de sus letras y a través de festivales caritativos como Live 8 en todo el mundo.

La sencillez es un factor importante para componer buenas canciones de rock. Esta sencillez es en realidad su más grande virtud, y es ahí donde se centra el talento de un artista para conmover a un oyente con cuatro o cinco instrumentos, tres o dos acordes en toda una canción. No es tarea fácil y requiere de mucha inteligencia artística y mucha experiencia en producir canciones para asignar de manera coherente el papel que desempeñará cada instrumento. Es como si un escritor tuviera un límite de cuatro palabras para convencer a alguien de lo que escribe; se necesita entonces escoger muy bien las palabras precisas porque si se pasa de ese límite, podrían mezclarse demasiadas ideas que oscurecerían el sentimiento que se buscaba expresar inicialmente.

Para todos es conocida la importancia que toma la interpretación en la música, demostrando así el entendimiento de una pieza musical. Cuestiones como el carácter, si se expresa con tristeza o con furia, el tempo de una canción y en el caso de la voz, el registro en que es cantado y que mejor se acomoda a dicha interpretación. Cuando se tienen pocos instrumentos es muy importante que cada uno cumpla muy bien su papel y que este sea llevado con talento y maestría para que haya conexión en un grupo y todo suene impecable como conjunto.

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dentro del mismo, que puedan aportar a la composición y producción, buscando con esto las sonoridades que mejor se acomodan a cada canción. Cabe aclarar pues que no se trata de un tratado histórico o teórico, sino de un entendimiento estético y del lenguaje para tocarlo, componerlo y producirlo de la mejor manera.

Desde los procesos de composición, orquestación o producción podríamos considerar un estilo usual dentro del rock, y es el de componer sin ningún plan o idea preestablecida, motivos que surgen desde la experiencia de tocar con otros músicos, o llevado principalmente por el instinto.

2. OBJETIVO GENERAL

Vivir y aprender del proceso creativo que conlleva una obra artística, como por ejemplo, el desarrollo de un disco. Este trabajo está compuesto de 8 canciones, realizarlo requirió de la interacción con otros músicos, muchos ensayos y un proceso de creación que comienza con la mínima idea en una guitarra o piano hasta terminar con arreglos de batería, bajo, guitarra, cuerdas y sintetizadores. El género será Rock, con un enfoque especial en el formato tradicional de voz, guitarra, bajo y batería. Queda la experiencia como fruto del esfuerzo.

2.1. OBJETIVOS ESPECÍFICOS

 Lograr un excelente resultado sonoro con el mínimo de instrumentos posibles, sin que suene una producción recargada. Esto inspirado en los grandes grupos de rock en donde prima la creatividad de cada instrumento, pensando muy bien el papel que cada uno va a desempeñar, para evitar conflictos en el arreglo y lograr un diálogo coherente entre ellos.

 Otro de los objetivos del disco “(No) Somos Bienvenidos” es presentarse a convocatorias de festivales como por ejemplo Rock al Parque, eventos de Idartes, y también de otras ciudades.

 Hacer sociedad con un ingeniero de sonido para lograr el mejor sonido posible y darle

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seguir haciendo música en la búsqueda de mi realización personal.

3. JUSTIFICACIÓN

La música d e s p i e r t a una pasión en alguien desde muy temprana edad, ya sea por la compra de discos, la audición de canciones o la tradición familiar. Los sueños de tocar y componer música son inspirados por discos clásicos, que tienen una gran conexión entre letra y música a nivel compositivo, además de un grado de producción muy elevado, resultado de un trabajo en equipo de músicos, ingenieros y productores. Esta práctica además de ser un trabajo, también es una pasión y una misión en la vida profesional y emocional de muchos músicos.

La composición de un disco es un proyecto maravilloso que conjuga todas las ramas de la música como son la composición, interpretación, arreglos y producción. Es una prueba práctica y enriquecedora de lo que se ha aprendido en una carrera de estudios musicales y en un proyecto de vida. Son muchas las épocas y estilos que se han visto durante los semestres de estudio, las técnicas de composición usadas en el renacimiento, en el barroco, en el clasicismo; reglas de orquestación dependiendo del formato para el que se escribe o con el que se cuenta en cada género, aprendiendo a tomar las decisiones más acertadas sobre el papel que cumplirá cada instrumento de ese formato. Es importante demostrar la capacidad de tomar esas decisiones con un formato de rock, inspirado en estos estilos vistos para dar mayor creatividad a líneas de bajo, modulaciones dentro de las canciones, equilibrio entre las frecuencias por el conocimiento de los registros en los que mejor se desenvuelve cada instrumento.

Hay también ideas creativas desarrolladas durante la carrera que merecen ser compartidas y plasmadas a través de un álbum.

4. MARCO TEÓRICO

“La idea del rock comporta un rechazo de aquellos aspectos de la música de distribución masiva que son considerados blandos, triviales y acomodaticios, despreciables en suma, “pop” de la peor calaña, sin valor ninguno, exactamente lo opuesto al rock”.

La Otra Historia del Rock. (Simon Frith, Will Straw y John Street). 2006, Barcelona.

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instrumentación estaba conformada en ese entonces por la batería, contrabajo y piano como base rítmica y como instrumento líder el saxofón, que sería luego remplazado por la guitarra eléctrica. La forma armónica era la de un blues tradicional, la cual trataba de tres acordes I, IV y V; todos con 7ma menor y tercera mayor.

En la década del 60 surgiría un género inspirado en el rock n´ roll, y que apoyado por lo que se conoce como la invasión británica, se convertiría en el Rock, por grupos como los Beatles, Rolling Stones, The Who, The Yarbirds, entre otros por parte de Inglaterra y Jimmy Hendrix, Emmerson Lake & Palmer, Grateful Dead, Beach Boys, Bob Dylan, Velvet Revolover, The Doors entre otros, por parte de USA. Una de las grandes diferencias con el Rock n´ roll, era la exploración armónica, puesto que se salía de la tradicional vuelta Blues para usar nuevos grados armónicos como el vi, ii, dominantes secundarias, además de modulaciones a las paralelas menores o relativas menores y mayores. Hubo también una exploración en la instrumentación, ya que se incluían cuartetos de

cuerda, órganos e instrumentos como el mellotrón, además de novedosas técnicas

de producción generadas por la manipulación de la cinta magnetofónica.

La inclusión de un cuarteto de cuerdas se empezó a escuchar de manera más clara en el disco “Revolver” de The Beatles, específicamente en la canción “Eleanor Rigby”. Este disco es crucial como un primer paso para consolidar el rock. La producción incluye técnicas como la inversión de la cinta de grabación para generar efectos únicos de guitarra, efectos extra musicales simulando pájaros en la canción “Tomorrow Never Knows”.

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técnicas, nuevos efectos, nuevos sonidos y nuevas maneras de interpretación de dicho instrumento. Entre los efectos se cuenta el pedal Wah, que genera una oscilación de frecuencias bajas y altas al moverlo con el pie. La presencia de Hendrix en el escenario marcó un cambio notable, pues no se trataba únicamente de un cantante bien vestido sosteniendo un micrófono, sino de un músico completo que además de cantar su propia música, se acompañaba con su guitarra saltando por todo el escenario y del cual se desprendería una de las escenas más icónicas del rock, que sería prenderle fuego a la guitarra en

medio de un concierto como si fuera un acto casi religioso.

Latinoamérica en la década de los 60

Latinoamérica no fue ajena a esta manifestación cultural. Sería en 1958 la primera vez que sale un éxito de rock en español llamado “La Bamba”, interpretada por Ritchie Valens, un mejicano estadounidense. Posteriormente en la misma década de los 60 surgirían grupos como Los Walkiers, Los Bestias, Los In, entre otros, en Argentina, país que se convertiría posteriormente en el tercero donde se hacía rock propio después de Estados Unidos e Inglaterra, debido a un estilo que consolidarían grupos en la década de los 70 como Pescao Rabioso, Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros, y más adelante en la década de los 80 como Charly García, Soda Stereo, Virus, Fito Páez, Miguel Mateos.

Década del 70

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Otro aspecto fueron los shows en vivo, que tenían una puesta en escena más elaborada con juegos pirotécnicos y luces. Esto se debía a que la música como industria se iba consolidando cada vez más, pasando de una cierta informalidad del movimiento hippie de los 60 a un verdadero negocio con el dinero de las entradas, más productos publicitarios de los grupos, tales como camisetas, gorras, afiches, etc.

Led Zeppelin es ejemplo de todas estas nuevas facetas que tomaban parte de la música. Fue la primera banda en viajar con toneladas de equipos para luces, sonido y puesta en escena, en camiones que recorrían todo Estados Unidos y varios países de Europa. Catalogada dentro del Hard Rock, y considerada pionera de géneros como Heavy Metal, Led Zeppelin cambió la historia del rock debido a la habilidad musical de cada uno de sus intérpretes que daban prueba de su virtuosismo en su respectivo instrumento, conformada por Jimmy Page en la guitarra eléctrica, Robert Plant en la voz, John Paul Jones en el bajo, y John Boham en la batería. Esta combinación se tradujo en enérgicas puestas en escena que contaban con improvisaciones, nuevas versiones de las canciones de estudio y una química única entre sus integrantes en la que Boham sabía responder con fills de batería a los riffs de guitarra de Jimmy Page.

Rock en Español

La voz y la letra siempre serán lo más importante en la música popular, pero pueden ser arma de doble filo, ya que sus componentes deben ser impecables para que una canción, un disco y un grupo funcionen y tengan aceptación en los oyentes; si alguno de estos dos llegan a fallar por muy bien hecha que sea la música, la canción no llegará con todo su potencial.

El hecho de componer canciones con base rítmica en inglés pero con letras en español, es algo que genera tanto fanáticos como adversarios; con un lento desarrollo que empezó en los 60, no sería realmente reconocido como género hasta la década de los 80. Un grupo sería clave para este reconocimiento sin darle todo el crédito, claro está, pero que rompería grandes barreras, llegando con su música desde México hasta Argentina. El grupo argentino Soda Stereo se convertirían en leyenda, que dio giras por toda América.

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sentimientos expresados. Un disco que hay que mencionar es el aclamado e

icónico “Canción Animal”; la producción se caracterizaba por guitarras

distorsionadas sin mucho maquillaje en la producción y una base rítmica muy amarrada, lo más admirable del álbum fue su producción; poco cargada de efectos o teclados y en su mayoría con el espíritu de banda (Voz, guitarra, bajo y batería), en el que cada instrumento tocaba las notas que debían ser.

En países como Colombia, Perú y México también se hacía rock, por bandas como Los Speakers de Colombia, pero no sería hasta la década de los 90 cuando surgirían grupos con una propuesta más contundente en originalidad y una respuesta masiva del público como sería Aterciopelados, La Derecha y Ekhymosis. Debido al gran patrimonio que tiene Colombia de música bailable y representada por géneros como el bambuco, la cumbia y el vallenato, entre otros, el público colombiano reconoce con más facilidad una música siempre y cuando pueda bailar con ella. Los artistas no son ajenos a esto, y es por eso que una característica general de los estilos anteriormente nombrados es la fusión de guitarras eléctricas, bajos, batería con percusiones y ritmos folklóricos.

5.(no) SOMOS BIENVENIDOS

5.1.Ficha Técnica

Todas las canciones escritas por Daniel Obando

Producido por: Daniel

Obando

Voz, Guitarras y programaciones por: Daniel Obando, excepto grabación guiatrra rítmica

por Diego Rocha en

“Timshell” Bajo: Miguel

Salazar Dicolloredo Batería: D&EZ

Grabado por: Diego

Rocha

Mezclado por: Santiago Camacho y Juan José Salazar

Micrófonos para la voz: Shure ,

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Micrófonos para las guitarras: Shure sm 57 y Sennheiser 421. Micrófonos para el bajo: Sennheiser 421

5.2.... Allá Está

La idea principal de la canción es crecer en varios elementos musicales gradualmente, en el registro, instrumentación y textura. La adición de materiales rítmicos y melódicos está siempre constante, con algunas excepciones donde se sustraen instrumentos en algunas secciones (c.c. 50-58), pero que sirven como preparaciones a secciones con más densidad. Es esta una de las razones más fuertes por la que escogí este tema para abrir el disco. Lentamente, el tema va induciendo elementos que se irán presentando, como por ejemplo guitarras muy melódicas, que a la misma vez acompañan, pads, y bajos igualmente melódicos, que no cumplen una función específicamente armónico-rítmica.

Introducción

El punto de inicio de la composición fue la guitarra acústica (c. 6), que hace Mi mayor en acorde de poder, la decisión de acompañarla con el patrón de batería sin redoblante vino después, para darle un tempo más estable y más brillo con el Ride.

La voz, al igual que la guitarra está pensada para un registro bajo-medio, con la intención de expandirlo progresivamente. Se mueve en la misma octava de la guitarra.

Un motivo muy importante en ambos versos es el de los c.c. 9-10 (fig. 1.2). La importancia tiene que ver con dos razones, la primera, se convierte en uno de los materiales más distintivos de la pieza; la segunda, tiene que ver con la intención por la que fue compuesto y es la de articular el cambio de acorde de Mi mayor a La mayor (I-IV). Quiero enfatizar este cambio porque son los únicos dos acordes en los que se mueve el verso.

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Las principales características del estribillo son la entrada de una segunda voz que armoniza en terceras y la presencia tanto en el primer como en el segundo estribillo del cello y violín.La guitarra sube de octava (E4) con acordes en redonda para empezar a expandir el registro.

Verso 2.

En este punto ya es necesario un mayor desarrollo rítmico, es por eso que entra el bajo, redoblante y hi-hat. El bajo tiene un ritmo pausado, de blancas y negras, en contraste con la guitarra que tiene corcheas y semicorcheas (fig 1.3), que le da mayor impulso rítmico, e incluye la 7ma mayor como nueva tensión de Mi mayor.

Fig 1.3

Al igual que en el coro, también hay una segunda voz en puntos específicos para darle dinamismo y riqueza tímbrica.

Coda

La coda está basada en un riff de guitarra de 4 compases, de donde se desprende todo el desarrollo, que es nuevamente la inclusión de instrumentos que se escucharon previamente.

La entrada de los violines y el cello es más rítmica que melódica, haciendo un acorde en bloque acentuando los primeros tiempos. La razón es debido a que el material de la guitarra es muy lírico para sobrecargarlo con más melodías.

Posteriormente entran las trompetas, con la misma figura rítmica de las cuerdas. La razón es buscar un cambio tímbrico y expansión del registro del mismo plano rítmico; porque la idea es incrementar la tensión para llegar a un clímax.

El clímax se logra de dos maneras: con el pico agudo que logra una melodía de trompeta y el con un tutti que incluye desde el registro más bajo al más agudo.

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Letra

Habla de un estado de mucha estabilidad emocional de un espíritu que no se deja afectar por adversidades, como la frustración, o malas energías que algunas personas descargan en uno, con críticas no constructivas, entonces es un momento en el que hay tanta seguridad en lo que se hace o se piensa que es fácil hacer frente a estos problemas.

5.3. Con los ojos... Brillar

Es una de las canciones con más guitarra del disco, y más rockeras. Desde el formato hasta, los arreglos y estructura de la canción.

El formato es de voz, dos guitarras, bajo, batería, celesta y sintetizador.

Debido a lo reducido del formato, lo más importante era recurrir a técnicas de interpretación, cambios rítmicos, armónicos y texturales para darle dinamismo.

Introducción

Comprendida entre los compases 1 al 12, se puede dividir en dos partes. La primera es un stacatto en la batería, bajo y guitarra sobre una progresión de Gmaj7 y A6, esta progresión fue la génesis de la canción y se verá nuevamente en el coro. La segunda parte está basada en el riff principal de la canción en él que la armonía es de un solo acorde, Re mayor.

Es importante aclarar la diferencia entre estas dos partes porque serán las dos secciones bases con las que se construye el resto de la canción.

La sección del riff principal es la misma utilizada en los versos. El recurso que uso para darle diferencia en cada uno de los versos es la técnica de interpretación de la guitarra que pasa a un estilo funk con notas fantasmas.

Pre coro

Es aquí donde está el mayor contraste armónico de la canción. Tomando un acorde de la escala paralela menor de Re, éste es Si bemol. También hay un cambio rítmico y la guitarra pasa de tener un estilo funk a hacer acordes de poder.

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Con la misma armonía de la primera parte de la introducción, para lograr recordación y desarrollo de materiales. La diferencia se basa en ritmo de la guitarra, bajo y batería y técnica de interpretación en la guitarra, pasado de ser staccato, a un rasgado ligado de corcheas, con una segunda guitarra que hace Bends.

Solo

El solo conserva elementos del verso con pequeños cambios. En vez del Re, se mantiene en un sol lidio, armónicamente, y el solo de guitarra está basado en el riff principal, pero a diferencia de éste que es intervalos de cuartas se toca únicamente la nota superior con overdriveen la guitarra.

En conclusión la construcción de toda la canción se basa en tres materiales solo que presentados con variaciones rítmicas, tímbricas y de motivos melódicos que van además en otro contexto armónico, como sucede en el solo. Estas variaciones son la clave para dar dinamismo en un formato tan pequeño, en el que es más fácil caer en la monotonía.

5.4. Timshell

Esta canción fue construida en base a un motivo melódico sobre la escala pentatónica de E mayor. El ritmo armónico como la armonía misma, fueron pensados desde el motivo, la progresión que mejor se acomodara, en vista entonces de que es una melodía extensa y con muchos movimientos de saltos, no era coherente que la armonía fuera igualmente activa, es por es que la que mejor se acomodo fue la sencillez de un I-V en Mi mayor.

Como es una armonía sencilla, el bajo juega un papel importante para darle movimiento en el aspecto rítmico-armónico. La línea de bajo, con un papel muy melódico, juega con inversiones dentro del quinto (en primera inversión) para no hacer de la armonía algo muy predecible.

El coro es donde sucede un cambio armónico, que es igualmente sencillo, IVmaj7-V. el bajo cambia de una línea melódica a tocar únicamente las raíces de los acordes, en este caso las notas La y Si.

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mayor. Además de esto hay un dialogo entre dos guitarras que también le da un toque diferente con respecto a los otros solos del disco.

Esta es una de las canciones que más puede reflejar el espíritu de banda de rock por lo reducido de su formato, los arreglos entre guitarra y bajo, y la interpretación de la voz. Esos arreglos se basan en un dialogo de pregunta respuesta entre instrumentos.

La letra es de las más diferentes del disco, basado en el libro "Al Este del Paraíso", donde explica los diferentes significados que se le han dado a la palabra "Timshell", la cual viene del hebreo antiguo, se encuentra en la Biblia y se refiere al libre albedrío que tenemos las personas de manejar el pecado; depende de la situación en la que nos encontremos, y no se trata de verlo como un camino que conduce al infierno. Lo más impactante es el significado que adquirió en la traducción de la Biblia de toda América, que rechazaba y despreciaba todo contacto con el pecado.

5.5. La Isla

Al igual que Timshell, esta fue construida en base a un motivo melódico, pero el tratamiento fue diferente. Como primera diferencia es que este se hizo más recursivo y se amoldó con pequeñas variaciones armónicas dependiendo la sección de la canción, a diferencia de Timshell donde estaba enmarcado dentro de la misma sección sin ninguna variación rítmica o de acompañamiento.

Decidí aprovechar los espacios que deja el motivo para una respuesta de toda la banda en la introducción, de esta manera introduje los materiales que se verán en toda la canción. El ritmo armónico en la introducción y verso es básicamente una negra con puntillo y corchea.

La trompeta juega un papel importante, como contramelodía en el coro, además de un solo en el intermedio. La decisión de incluirla fue después de escuchar toda la forma de la canción, inspirado por la armonía, que tiene acordes menores con 7ma menor, sumado al patrón de la batería dan una sonoridad similar a la del rhythm and blues, género donde es común la inclusión de ensambles de viento.

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soy libre, y nadie más me importa" o "viajando en este mar, nadie sabe dónde voy", buscan decir en palabras esos momentos en que la música parece afectarme en todos los niveles.

5.6. Quién?

Los riffs son la piedra angular de las canciones de rock; son como el motivo melódico característico de una pieza, con la diferencia de que estos no son necesariamente una melodía, sino que puede ser desde un ritmo, groove en el bajo o un movimiento armónico, como en "Smell Like Teen Spirit" de Nirvana, o bien una combinación de todos los anteriores.

La construcción de esta canción fue en base a un riff. Los componentes de este riff son varios, tiene un aspecto melódico, rítmico y armónico. Hay un cromatismo en un círculo de i-iv-v, tocado en corcheas en staccatto, articulación que es importante para la acentuación del cromatismo.

Para el desarrollo del riff en el verso cambio la vuelta armónica a iv-v-i. y más adelante en el compás 29 la inclusión de una melodía.

El coro fue pensado como un contraste a todo lo anterior, que estaba construido en base al mencionado riff. Éste se caracteriza por un círculo armónico poco usual, que no tiene una explicación tonal o modal, surgido por el instinto, y que en acordes sería F-Db-Bb-Gb.

Además de los tratamientos armónicos y melódicos que usé, quiero resaltar también la base rítmica entre el bajo y la batería. La línea del bajo siempre está muy amarrada al bombo; es algo muy característico dentro del rock para darle más ritmo apoyando las frecuencias bajas.

La letra habla de las fuerzas que se oponen al desarrollo personal o, profesional de los seres humanos, que intentan desacreditar los sueños o proyectos que tenemos.

Las frases como: "Quién cree tener la razón en la vida?" y "quién cree tener la razón sobre los demás?" , son como una protesta para aquellos que son incrédulos, e intentan desacreditar negativamente con malos augurios los proyectos que alguien tiene.

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que nieguen algo, lo que ahora pienses cambia el pasado", porque lo que sea que esté mal en el presente que venga desde el pasado, puede corregirse en el futuro si se tiene fe ello.

5.7. Gusto por el drama (una lágrima que seca al bailar)

La construcción de Gusto, surge a partir de un círculo armónico, G-Asus2-B-C. La particularidad se centra en la manera de tocarlo en la guitarra, que no era por medio de acordes sino una línea melódica similar a la que haría un bajo.

Introducción.

Se trató básicamente de orquestar el anterior círculo armónico, con percusión, órganos y una guitarra acústica que cumple un papel rítmico-armónico. La figura melódica de la guitarra que entrara en la segunda vuelta, y que sirve de puente para lo que será el verso.

Verso

La atención del verso además de la voz se centra en un groove de bajo, que está

muy amarrado con la batería, en este caso la línea de guitarra inspirada en la de la introducción es un ostinato en sol; la figura 6.1, muestra el groove entre guitarra y bajo que es la base del verso.

Fig 6.1.

Sobre la voz en el verso, ésta fue compuesta después de tener todo el groove con batería. La ventaja de este método es que se puede lograr una mejor melodía en la voz, más acorde con la música ya que toda la instrumentación está armada. Este método también se usó en el coro.

Coro

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de fondo que se escuchan en el coro y elementos de percusión en el verso; cabe destacar que la batería no es acústica ni grabada, es un loop sacado de un software.

Letra

Trata del amarillismo con que los medios de comunicación y las personas manejan las tragedias y los escándalos de los famosos y el morbo que le ponen a toda noticia trágica o infortunada. Los crímenes y catástrofes son repetidos hasta el cansancio en los noticieros y la sociedad los escucha con cierto gusto malintencionado. Lo malo es que se goza más con lo negativo que con lo positivo, agradeciendo en lo más íntimo porque lo malo le sucede a los otros y no a mí, como un reconocimiento por el bien propio. Por eso la recurrente frase de la canción “no hay alegría sin la tristeza”, como una toma de conciencia de que “nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde”.

5.8. Mis ideas

Fue la primera canción concebida para el disco, y tal vez la única que empezó desde un círculo armónico, sin ningún motivo melódico. El gusto por esta vuelta armónica es debido al modo en que está construido, Lidio, que siempre tiene un carácter melancólico.

En sol lidio enfatizo el modo con unos bends que hace la guitarra en la introducción. Como la complejidad de la canción se centra en lo armónico y melódico, el redoblante y percusión no entran sino hasta el 2do verso (c.29).

Tras una primera sección basada en sol lidio, busco un contraste de carácter y modo, cambiando la melodía de guitarra y pasando a D jónico. El objetivo es cambiar de una sonoridad melancólica a una más alegre, siendo coherente también con la letra.

La letra con sus versos en lidio, habla de una persona con un actitud soberbia, de ideas radicales y fundamentalistas que cree tener siempre la razón. Este tópico coincide con la sonoridad del modo, porque puede asociarse con la culpabilidad de alguien que en el fondo sabe que está equivocado. Ya en la segunda parte que está en jónico, la letra cambia hacia el reconocimiento del error y la conciencia de que necesita escuchar a los demás, ser tolerante con las ideas del otro y relacionarse para generar un cambio en la sociedad, dejando atrás la intolerancia, la soberbia y el egoísmo.

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5.9. Más Humano

Es la canción más personal por la letra y el carácter de la música. Es la más suave del disco, como la balada, y tienen uno de los formatos más pequeños. Es en su mayoría guitarra y piano, con la inclusión de la batería y el bajo que entra casi al final, c. 56.

Fue pensada con base en un arpegio de guitarra, que modula de La menor a Do mayor. El carácter es melancólico, y fue lo que inspiró el tema en el que se iba enfocar la letra. Por la riqueza armónica y el estilo arpegiado de la guitarra no hubo necesidad de incluir más instrumentos en el verso, dejando únicamente la voz y guitarra, el resultado es una canción muy íntima, como una conversación entre el hombre y su guitarra para expresar el sentimiento de ese lado humano que a todos nos atormenta.

La entrada del piano sucede después de ese primer verso, como una primera declaración del cantante, para luego acompañar en el segundo verso (c.c.27-42) contribuyendo a darle un color diferente, acorde con el desarrollo de la letra. Se puede decir entonces que es un arreglo que está más supeditado a la voz y la letra, a lo que ésta dice, expresando por medio de la música ese sentimiento que se comunica en palabras.

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Las conclusiones se sacaron a partir de los siguientes puntos:

 Métodos de composición y dinámicas de desarrollo (interpretación, arreglos y producción).

 Relación entre el sonido esperado con el producto final.  Trabajo en equipo.

 Fortalezas y errores en el proceso de producción.

Métodos de composición y dinámicas de desarrollo

Uno de los mayores retos con los que un compositor se puede enfrentar es desarrollar una idea musical tomándola desde un pequeño motivo melódico para convertirlo en una canción coherente, con dirección y bien interpretada. Entre los problemas se encuentran la monotonía de escuchar una y otra vez esa misma idea, a la que se le termina desechando por hastío, pérdida de interés en el carácter, y mal enfoque en el arreglo, finalizando con una combinación errónea de timbres que desvirtúan el estilo de la idea.

Fue importante entonces limitar al máximo el formato para el que se escribía, concentrar los esfuerzos en pocos instrumentos para lograr una buena interpretación y el mejor arreglo en cada uno.

Para el desarrollo de los arreglos el método más apropiado fue tocar las canciones con solo guitarra y voz, o solo piano y voz, porque facilitaba la imaginación del arreglo; se podía cambiar con más facilidad una melodía, el carácter o la tonalidad de una canción; esto último pensándolo en el mejor registro para la interpretación de la voz. La conexión con la canción era mucho más personal.

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Relación entre el sonido esperado con el producto final

Tener ideas establecidas antes de la creación, es positivo en el sentido que ayuda a dar una dirección en lo que se trabaja sin estar divagando en un mundo de notas; pero también tiene el lado negativo porque se rechazan ideas que podrían funcionar incluso mejor que la original, pero la obstinación no deja ver claramente la diferencia y el potencial de esa segunda idea inesperada.

Son muchas las experiencias que se viven al hacer un disco. Desde la relación con el personal involucrado, los técnicos que intervienen; el tiempo transcurrido desde la primera canción compuesta hasta la última, las ideas emocionales que se acariciaron con anterioridad. Hay que considerar las ideas vale la pena retener p o r v a l i o s a s y l a s q u e h a y q u e d e s e c h a r p o r b a l a d í e s . En el caso de “(no) Somos Bienvenidos” lo más importante fue mantener la idea de un formato de banda de rock, pero las ideas expresadas en las letras se iban cambiando de canción en canción, para que se viera en ellas la maduración emocional que daba el tiempo y la experiencia.

Trabajo en equipo

Durante la carrera, el énfasis de composición comercial no tiene mucho contacto con otros músicos, se centra en la correcta entrega de trabajos y partituras más que saber comunicarse con colegas que tienen habilidades en otras ramas como la interpretación o ingeniería de sonido. Uno de los problemas más comunes es comprender hasta donde es trabajo del compositor y hasta donde es trabajo del ingeniero o instrumentista. Muchas veces un trabajo no suena tan bien debido a la mala grabación, o porque no se usaron los micrófonos apropiados o el sitio indicado para grabar. Esto, sumado a saber dirigir un equipo de trabajo que está involucrado en un proyecto personal, lidiar con diferentes personalidades, ritmos de trabajo, ambiente laboral y problemas que se pueden presentar en la marcha, son factores que un productor debe manejar.

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Fortalezas y errores en el proceso de producción

Los aspectos más positivos tuvieron que ver con los arreglos de las canciones, la composición de las guitarras y la base rítmica muy sólida desde la preproducción, ayudaron a que la grabación fuera fluida y muy productiva. No hubo necesidad de arreglar problemas de registro o conflicto entre los instrumentos. El estilo de cada canción estaba muy definido, lo que facilitó la interpretación de los músicos invitados.

El instrumento que presentó algunos problemas fue la voz, como de afinación, registro y arreglos. Estos se debían principalmente al desconocimiento de la voz para la que se escribía y técnica más cómoda de interpretación. Es vital entonces conocer este instrumento que es el más original, puesto que cada voz es diferente la una de la otra, saber cuáles son sus virtudes y limitaciones.

Conocer cada faceta por la que se pasa en la creación de un disco ayudará a evitar problemas y frustraciones innecesarias. Saber qué detalle o cuestión requiere de arreglo o corrección desde la preproducción, qué no se puede mejorar en la grabación por muy virtuoso que sea el músico que lo grabe, o qué detalle pertenece más a la mezcla para que funcione y por último cuál es el trabajo de la masterización. Lograr estas diferenciaciones nos ayuda a entender mejor el proceso, administrando eficientenmente las energías puestas, que generan un óptimo rendimiento en cada uno, dejando un resultado satisfactorio.

(24)

BIBLIOGRAFíA

 Frith Simon, Straw Will, Street John. 2006. La otra Historia del Rock. Barcelona, Man Non Troppo.

 Gillet, Charlie. 2008. Historia del Rock: el sonido de la ciudad. Desde sus origenes hasta los años 70. Estados Unidos. Robinbook, Ediciones.

 Owsinski Bobby. 1999. The Mixing Engineer´s Handbook. Estados Unidos.Cengage Learning.

 Angelou, Maya. 2008. The Complete Quincy Jones. Estados Unidos. Insight Editions.

 Jones, Quincy. 2010. The Quincy Jones Legacy series: Q on producing.

Estados Unidos. Hal Leonard Books.

 Brown, Jake. 2009. Rick Rubin in the studio. Canada. ECW Press.

DISCOGRAFÍA

 Kings of Leon. 2005.Aha Shake Heartbrake. 2007.Because of the Times, Cd. Estados Unidos UMG.

 Radiohead. 2001.Amnesiac, 2007. In Rainbows. Cd. Inglaterra. Independiente. 

 Soda Stereo. 1990. Canción Animal, 1986. Signos. 1992. Dynamo . Casette y

Cd. Argentina. Sony.

 Caifanes. 1997. Historia. Cd. Mexico, Sony. 

 The Beatles. 1970.Let it Be.1968. White Album.Casette y LP, Inglaterra, Apple. 

(25)

Voice

Acoustic Guitar

Electric Guitar

Trumpet in C 1

Trumpet in C 2

Violin

Cello

Bass

Drum Set Synthesizer

E Qué di - ces?

Daniel Obando

(26)

Ac.Gtr.

E.Gtr.

D. S. Synth

6

qué di - ces? lo que di ces es ta vez- - no cam bio enmi- na da- por mi con vic- - cio

Ac.Gtr.

E.Gtr.

D. S. Synth

10

ón

A E

Qué di - ces?

(27)

Ac.Gtr.

E.Gtr.

D. S. Synth

15

qué di - ces? por que cre o qes ta vez- - - ya no mea fec- - to o

Ac.Gtr.

E.Gtr.

Vln.

Vc.

D. S. Synth

20

E E Va - le laes pe- - ra Fmadd4sir - ve laen tre- - ga

(28)

Ac.Gtr.

Vln.

Vc.

D. S. Synth

25

fees cri toen el

A E sur

sin ver des pu és E

aho raes ta bien Fmadd4

- - -

-Ac.Gtr.

E.Gtr.

Vln.

Vc.

Bass

D. S.

29

cre ce mies me ro

A E

Ba ña do E

-

-- -

(29)

Ac.Gtr.

E.Gtr.

Vln.

Vc.

Bass

D. S. Synth

ba ña- - do en el mar por o las que ten go que sal- - - tar

Ac.Gtr.

E.Gtr.

Bass

D. S. Synth

37

A

E

(30)

Ac.Gtr.

E.Gtr.

Vln.

Bass

D. S.

41

me di - cen me di - cen cuan to de mo ras- - - - en a- pren der

-Ac.Gtr.

E.Gtr.

Vln.

Bass Synth

44

a vi vir- bien

(31)

Ac.Gtr.

E.Gtr.

Vln.

Vc.

Bass

D. S. Synth

48

E so mos a ni ma les- - - - sin sa ber

-Vln.

Vc.

Bass

D. S.

52

nohay nin gu na piel que cu bra des nu- - - dez si hu boan tes al gún sue- - - - ño

(32)

Ac.Gtr.

E.Gtr.

Vln.

Vc.

Bass

D. S. Synth

56

es en es te mun do don de su ce dio

Distorsion

- - - -

-E.Gtr.

Bass

D. S. Synth

60

!

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(33)

E.Gtr.

Vln.

Vc.

Bass

D. S. Synth

63

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Sim.

Sim.

E.Gtr.

C Tpt. 2

Vln.

Vc.

Bass

D. S. Synth

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(34)

E.Gtr.

C Tpt. 2

Vln.

Vc.

Bass

D. S. Synth

69

Sim.

(35)

E.Gtr.

C Tpt. 1

C Tpt. 2

Vln.

Vc.

Bass

D. S. Synth

72

%

(36)

Ac.Gtr.

E.Gtr.

C Tpt. 1

C Tpt. 2

Vln.

Vc.

Bass

D. S. Synth

75

"

Limpia con flanger

(37)

Ac.Gtr.

E.Gtr.

C Tpt. 1

C Tpt. 2

Vln.

Vc.

Bass

D. S. Synth

79

"

(38)

Voice

Electric Guitar

Guitar

Synth

Bass

Drum Set

1.

1.

1.

1.

1.

palm mute

non legato

E.Gtr.

Gtr.

Synth

Bass

6

Con los ojos... brillar

Daniel Obando

Score

(39)

E.Gtr.

Gtr.

Synth

Bass

D. S.

11

E.Gtr.

Gtr.

Bass

D. S.

15

Me

La verdi cendad queses

Verso 1

toy

por perpre juidi ciodo porsi quelo noha baigo pelo roenni

- - -

-- - - -

(40)

E.Gtr.

Bass

D. S.

19

sien

o troestoel ritti molo por que a pe

Coro 1

nas co mien zo tú me vez ycon los o jos du

-

-- - -

-E.Gtr.

Gtr.

Bass

D. S.

24

das

full full

(41)

E.Gtr.

Gtr.

Synth

Bass

D. S.

29

non legato

full

E.Gtr.

Gtr.

Synth

Bass

D. S.

Mea

me guarcu sando por

Verso 2

en la repetición

es

en tarse crele josto dones depe ranna diedo tieel nealme gúnjor more cuermen doto

- - -

-- - -

(42)

E.Gtr.

Gtr.

Synth

Bass

D. S.

Fine

por que a pe

Coro 2

nas co mien ce me ve rás con los o jos bri llar

non legato

- - -

-E.Gtr.

Gtr.

Synth

Bass

D. S.

43 To Coda

full full full

(43)

E.Gtr.

Gtr.

Synth

Bass

D. S.

intermedio Overdrive

!

legato

E.Gtr.

Gtr.

Bass

D. S.

53 Clean

E.Gtr.

Bass

D. S.

58

Me di cen- ques toy- per - di- do por que no bai lo- - ni

(44)

E.Gtr.

Bass

D. S.

63

sien toel rit mo la ver dad es por pre jui cio la ver dad so mos des

D.C. al Fine

co no ci dos

- - -

-E.Gtr.

Gtr.

Bass

68

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Guitarra acústica

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rit.

con Wah

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E.Gtr.

Gtr.

73

rit.

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(51)
(52)
(53)

Voice

Trumpet in C 1

Trumpet in C 2

Electric Guitar 1

Electric Guitar 2

Electric Guitar 3

Bass

Drum Set Piano Synthesizer

Overdrive

full

La Isla

Daniel Obando

(54)

C Tpt. 1

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass

D. S. Pno.

5

1/4

(55)

E.Gtr. 2

Bass

D. S. Pno.

9

a ho ra que soy li bre Verso 1

y na die más meim por ta

- - -

(56)

C Tpt. 1

C Tpt. 2

E.Gtr. 2

Bass

D. S. Pno.

13

ya pue do su mer gir- - - -me en el mar con las no - tas

(57)

C Tpt. 1

C Tpt. 2

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass

D. S. Pno. Synth

Coro

noim

via --porjan--doenta dones --dete marvoy

(58)

C Tpt. 1

C Tpt. 2

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass

D. S. Pno. Synth

20

na

na--diedie sasa--bebe dondon--desde-voytoy noimyo -porvia--jota siespor canle -

(59)

C Tpt. 1

C Tpt. 2

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass

D. S. Pno. Synth

23

jos tar

loco

full

(60)

C Tpt. 1

C Tpt. 2

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

E.Gtr. 3

Bass Pno. Synth

28

de to dos los lu ga res Verso 2

1/4 1/4

- -

(61)

C Tpt. 1

C Tpt. 2

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

E.Gtr. 3

Bass

D. S. Pno. Synth

32

don de no vi ve na di e

espress.

tú meo fre cis te vi da

- - -

(62)

C Tpt. 1

C Tpt. 2

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

E.Gtr. 3

Bass Pno. Synth

36

de

D.C. al Coro

ma les mea le jas te

B5

- - -

-full

(63)

C Tpt. 1

C Tpt. 2

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

E.Gtr. 3

Bass

D. S. Pno. Synth

40

G 5 F 5

D.C. al Coro

D 5

full

(64)

Voice

Electric Guitar 1

Electric Guitar 2

Bass

Drum Set Piano

Organ

Quién?

Daniel Obando

(65)

E.Gtr. 1

Bass

D. S. Pno.

Org.

6

E.Gtr. 1

Bass

D. S. Pno.

Org.

11

loco

Quien cree te ner el po

Verso 1

der so brel sol

- -

(66)

E.Gtr. 1

Bass

D. S. Org.

16

quién cree te ner- la ra-zón en la vi da

-E.Gtr. 1

Bass

D. S. Org.

21

quien cree te ner el po

Verso 2

der de per sua sión

- - -

(67)

E.Gtr. 1

Bass

D. S. Org.

26

quien cree te ner- la ra-zón so bre los de- - más

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass

D. S. Org.

31

nohay lí mi tes que

Coro 1

nie guen al go

- - -

(68)

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass

D. S.

35

lo queaho ra pien- - ses cam-biael pa sa- - do nohay lí-mi tes- quea -pa - guen el á - ni mo

-E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass Pno.

Org.

39

lo queaho ra cre es pue de ser fal so

Ped.

con Wah

- - -

(69)

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass

D. S. Pno.

Org.

44

(70)

E.Gtr. 1

Bass

D. S. Pno.

Org.

48

a le ja ya los

Verso 3

ma los sue ños

- - -

-E.Gtr. 1

Bass Org.

53

en el dí - a hay re - me - di - os

(71)

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass

D. S.

58

nohay lí mi tes que

Coro 2

loco

nie guen al go lo queaho ra pien ses cam biael pa sa do

- - -

-E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass

D. S.

63

nohay lí-mi tes- quea-pa guen el- á - ni mo- lo queaho ra cre- - es pue -de ser fal-so

(72)

E.Gtr. 1

E.Gtr. 2

Bass

D. S.

68 Intermedio D.C. al Coro 2

(73)

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44

Voice Vocals

Electric Guitar 1

Electric Guitar 2

Bass Batería Piano Organ

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Gusto por el Drama (una lágrima que seca al bailar)

Daniel Obando

(74)

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Vox. E.Gtr. 1 E.Gtr. 2 Btría. Pno. Org. 5

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(75)

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Vox. E.Gtr. 1 E.Gtr. 2 Bass Btría. Org.

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E.Gtr. 1 E.Gtr. 2 Bass Btría. 13

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E.Gtr. 1 E.Gtr. 2 Bass Btría. Pno. 18

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E.Gtr. 1 E.Gtr. 2 Pno. 23

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(77)

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E.Gtr. 1 E.Gtr. 2 Bass Btría. Pno. 28

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(78)

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Vox. E.Gtr. 1 E.Gtr. 2 Bass Btría. Pno. Org. 32

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(79)

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Vox. E.Gtr. 1 E.Gtr. 2 Btría. Pno. Org. 36

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 Fig 1.2
Fig 1.2 p.12

Referencias

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