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Sonorama
Formato de programa musical para la televisión colombiana.
Realizado por Carlos Torres
Trabajo de Grado para optar por el título de Comunicador Social con énfasis en Producción Audiovisual
dirigido por Evelyn Domínguez
Pontificia Universidad Javeriana Facultad de Comunicación y Lenguaje
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Doctor
JOSE VICENTE ARISMENDI
Decano AcadémicoFacultad de Comunicación y Lenguaje
Muy atentamente me permito presentar el trabajo de grado: “SONORAMA: formato de programa musical para la televisión colombiana”, del estudiante Carlos Enrique Torres Díaz, para optar al título de Comunicador Social, de la Pontificia Universidad Javeriana.
Este trabajo de grado es una novedosa y exquisita propuesta de un formato de no ficción, que corresponde al género musical, que bien ocuparía un lugar en la parrilla de la televisión abierta o cerrada que se emite en Colombia. Este trabajo de grado, sin duda, es una experiencia significativa que Carlos logra al completar el proceso completo de un proyecto audiovisual, que parte de una idea, que se transforma hasta convertirse en un producto susceptible de emitirse en un canal de televisión del orden local, regional, nacional o internacional.
Saludo cordial,
EVELYN DOMÍNGUEZ SERRANO Docente cátedra
! 0! Bogotá, mayo 22 de 2013
Doctor
JOSE VICENTE ARISMENDI
Decano AcadémicoFacultad de Comunicación y Lenguaje
Cordial saludo.
A continuación presento mi trabajo de grado para optar por el título de Comunicador Social con énfasis en Producción Audiovisual, titulado “SONORAMA: formato de programa musical para la televisión colombiana”, el cual adelanté durante mi proceso de finalización de la carrera.
En él se ven reflejados inclinaciones y gustos personales, pero también más de dos años de esfuerzos, logros, aprendizajes, y sobre todo, el anhelo de ofrecer luces –de manera humilde- sobre los modos de producción audiovisual musical en el contexto nacional, apoyado por mis familiares, un gran equipo de compañeros javerianos y de la Universidad misma, quienes hicieron realidad esta propuesta.
Espero sea de su agrado.
! 1! ARTÍCULO 23
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T
ABLA DE CONTENIDOINTRODUCCIÓN!"""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!#! CAPÍTULO I:
LA MÚSICA ES LA RAZÓN!""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!$ CAPÍTULO II:
LA CAJA MÁGICA PRODUCE MÚSICA
Origen y desarrollo del formato musical en la televisión!"""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!%&! La música en la televisión colombiana!"""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!%'! CAPÍTULO III: !
DISEÑANDO EL FORMATO PARA EL PROGRAMA MUSICA SONORAMA!""""""!()! DESARROLLO DE LA PROPUESTA CREATIVA!"""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!(%! Referencia del proyecto: SONORAMA!333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!#"! Idea central o “storyline”!333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!#"! Desarrollo de la idea!33333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!#"! Investigación!3333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!##! Punto de vista!33333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!##! Cubrimiento geográfico!3333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!##! Delimitación del tema!3333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!##! Estrategia para comunicarse con el espectador, atraerlo y cautivarlo!33333333333333333333333333333333333333333333333333333!#0! 2. Tratamiento audiovisual!""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!(&! Formato!3333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!#0! Atmósfera y tono - Dirección de arte!333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!#1! Personajes, conductores o protagonistas!3333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!#1! CAPÍTULO IV!"""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!(*! LIBRO DE PRODUCCIÓN - SONORAMA!"""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!(*! SINOPSIS!"""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!(*! TRATAMIENTO!""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!(*! PERFIL DE LOS PERSONAJES!""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!(#! AUDIOTRÓPICO EN ESCENA!""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""!(#!
Concepto!33333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!#4! Trayectoria!33333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333333!#4!
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INTRODUCCIÓN
Y al final de todo encajó: el gusto insistente por llevar la música como una habilidad innata, y la formación profesional, técnica, y moral –es decir, formación ciudadana- de un comunicador audiovisual que permitió la Universidad, engranaron en esta tarea que completa dos años de dedicación.
Al ser susceptible de las dinámicas musicales del entorno y observador, consumidor y productor de mensajes audiovisuales, relaciono posibilidades, proyecto alcances y establezco pertinencias que estimulan la gestación de las ideas que acompañan el desarrollo de este trabajo de grado. De aquí surge mi intención de proponer un formato musical para la televisión nacional a manera de monografía de producto, del cual se pretende visualizar una sesión de grabación de una banda musical del género fusión, que con su sonido rescate o evoque los ritmos y estilos de la música tradicional en fusión con géneros modernos.
Por una parte se espera observar el comportamiento de la música a través del tiempo, dentro de un marco histórico que permita evidenciar su posibilidad de transformación y adaptación entre sonidos y sociedades, desprendiendo nociones de cultura e identidad, valorables para la investigación. Además, es pertinente notar cómo los medios de comunicación se apropiaron del hecho musical para delinear el antecedente que nos incumbe: la música en los medios. Por otro lado, se analizan a partir de una aproximación crítica las propuestas musicales que definieron las primeras narrativas de la televisión musical y que finalmente influenciaron a los nuevos y destacados programas musicales que alimentan como referencia directa los conceptos desarrollados en la presente propuesta.
Por tratarse de la realización de un producto audiovisual, se documenta amplia y
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CAPÍTULO I
LA MÚSICA ES LA RAZÓN
¿Cómo llega la música a los medios de comunicación?
Un tránsito desde los sonidos primigenios hasta las primeras emisiones
La música, desde el principio de los tiempos, se ha mantenido como una de las formas de expresión cultural más importante que ha acompañado a la humanidad en el transcurso de su historia, y aun hoy se mantiene como una herramienta indispensable para la comunicación, el intercambio e incluso la persuasión, utilizada para lograr fines específicos de manera exitosa, valga su afirmación en el Compendio de Políticas Culturales del Ministerio de Educación como “uno de nuestros modos de construcción individual y colectiva más queridos y con mayor potencial” (2010, p.137), destacando la importancia de la comunidad como el espacio primordial donde nacen los rasgos culturales que van a dar forma a las identidades y a los valores que definen a las sociedades.
Sería difícil, cuando no arriesgado, datar un inicio preciso en las formas originarias de expresión musical, pero podemos decir que han estado relacionadas al momento en que el hombre primitivo fue consciente de unas nociones de ritmo1, debido a la coordinación de sus movimientos, y de melodía2 al emitir cambios tonales con su voz (Harman, 1958, p.13). Teniendo este conocimiento, el humano dedujo que con sus manos podía producir sonidos al golpearlas en su cuerpo, entre ellas y también sobre las superficies -lo que más adelante le reclamará la elaboración de algún tipo de instrumento para potenciar las cualidades de esos sonidos-, y que tenía también la capacidad de gesticular sonidos diversos y de forma intencional con su propia voz.
A partir de aquí las primeras formas de música -que ahora entendemos como la elaboración intencional de ritmo y melodía en sus ilimitadas variaciones-, comenzaron un proceso de desarrollo inherente a la evolución humana, lo que les permitió adoptar sonidos característicos del momento y del lugar donde fueran interpretados. A propósito, es importante resaltar esta capacidad de adaptación y transformación que han mantenido estas expresiones, pues es sin lugar a dudas lo que les ha permitido su intercambio entre generaciones y civilizaciones, es !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
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! 6! decir, su perduración en el tiempo. La música, según Simon Frith (2003, p. 183), tiene la posibilidad de ser creada en cualquier lugar para ser apropiada en otro, con una intención de interpretación muy distinta.
En lo que se refiere a las sociedades tribales que ocupaban lo que ahora reconocemos como territorio nacional, la música tuvo un uso recurrente y aplicado en todos sus niveles de interacción, siendo así como lo relataban los cronistas de Indias, ya que observaron su utilización “para las ceremonias guerreras, religiosas, de recolección, nupciales, fúnebres y festivas” (De la Espriella, 1997, p. 79), y esto referido al caso en Colombia. En las grandes y antiguas civilizaciones su utilización no fue tan distinta. Los egipcios elaboraban cánticos y melodías para exaltar la divinidad de sus dioses; para los griegos la música era una expresión elevada del ser, y cultivar su aptitudes tenía igual importancia que cuidar el intelecto. Pero es con la llegada del cristianismo y el establecimiento de la Iglesia que la música occidental sufre un proceso de utilización y producción que la marcaría durante más tiempo y con mayor relevancia hasta ese momento.
Sus intenciones fueron completamente teológicas; las oraciones se entonaban en forma de canto monódico3 para facilitar su recordación, y por lo tanto su transmisión en todos los espacios conquistados por las iglesias. En ellas se comenzaron a elaborar manuscritos con una simbología especial a los que se les atribuyeron distintas cualidades de sonido, lo que significó una forma elemental de notación musical4 que permitió una evolución importante en los aspectos de producción musical, por una parte, así como también en la distribución y aprendizaje de estas primeras partituras, por otra. Cabe destacar que para esta época era
bastante limitada la cantidad de personas que supieran interpretar este tipo de escritura, ya que al principio fueron teólogos dedicados a los oficios de la iglesia, pero este será un punto de partida significativo para la notación que evolucionará hasta la que conocemos en la actualidad.
Paralelamente a estas prácticas que ciertamente eran exclusivas de la iglesia, y recordada por mantener fuertes vínculos con la realeza, se iba gestando en las clases populares un espíritu carnavalesco e irónico que era manifestado musicalmente en clara oposición a los estilos de vida de las élites. Han sido datadas desde el siglo XVI y designadas bajo el nombre de obras
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3Monofonía: la palabra monofonía describe una única y solitaria idea musical. Esta textura musical es relacionada a menudo con el sonido del Canto Gregoriano, en el que una única línea melódica es escuchada sin el acompañamiento de alguna idea musical. The Language and Materials of Music. Kendan Durelle Brigs; Highland Heritage Press, New York.
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profanas (Harman, 1958, pág. 14), que se destacaban por tratarse de expresiones festivas y
burlescas, con exageraciones de sonidos y movimientos para acentuar la ridiculez en la opulencia del abolengo. Es esta la manera como la música da sus primeros pasos lejos de la iglesia, y aunque su producción en un principio se mantuvo signada por cuestiones religiosas, ciertos compositores comenzaron a tratar temas que recogían aspectos de la vida, la
imaginación y la fantasía.
Posteriormente, el desarrollo musical entró a una carrera de avance, con momentos tan prolíficos y significativos en la historia de la humanidad que han sido designados como
períodos, cada uno de ellos con sus expositores claramente reconocidos y estudiados. Desde la
música antigua, pasando por el renacimiento, el barroco, el clasicismo y romanticismo, hasta llegar al período moderno y más. Y compositores como Pierluigi da Palestrina, Bach y Haendel, o Mozart y Beethoven, hasta Mahler, Debussy y Ravel, entre muchos otros; se trataba del abordaje de la música desde una perspectiva académica, tanto desde la composición como desde la interpretación, lo que ha posibilitado su documentación y preservación. Pero no tuvo que pasar mucho tiempo para que desde los ámbitos más populares germinara un sonido característico que luego desbordaría el cause musical de la historia.
Es entonces cuando un canto de júbilo irrumpe como el grito de desahogo de una minoría encadenada al arduo trabajo que le fue impuesto por terratenientes adinerados; era la voz que entonaba una comunidad africana traída como esclava a los Estados Unidos, y lo hacía para encender los corazones de sus hermanos y así olvidar las opresiones. Era el nacimiento del
jazz. Pero el jazz no solamente se convertiría en un nuevo estilo musical, con un típico sonido sincopado5 -lo que será su característica principal-, sino que significará una importante
revolución en la producción musical, pues es su ritmo el origen de la música de consumo (Berendt, 1994, pág. 13). Y es importante resaltar de antemano que en este último concepto viene implícita la introducción de un nuevo medio, que se extiende y ramifica en tecnologías que le servirán de soporte para facilitar y ampliar su transmisión.
A saber, la música de consumo se caracteriza por tener una forma6 claramente definida, con secciones repetitivas y reconocibles nombradas como la estrofa, el verso y el solo, para enumerar las más conocidas, además de reiteraciones en la lírica y en algunas ideas sonoras. La duración
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5Síncopa: es una estrategia musical empleada por los compositores para alterar las notas y así evitar la regularidad en el ritmo. Oxford Dictionary of Music. 6
! "/! del evento o de la pieza musical era un factor determinante, y en este caso queda reducida a la elaboración de composiciones cortas -o canciones7-, y esto en gran medida por la llegada del gramófono y el disco de grabación creados por Emile Berliner en 1887 (Billboard Newspaper, 1969, pág. 19), en el momento que esta nueva posibilidad de registro sonoro se mostrara interesante para los músicos, pese a la reticencia de muchos. Se trataba de una proeza en la producción de música, puesto que en las sesiones de grabación de aquella época solo se lograban imprimir más o menos cuatro minutos de música: los intérpretes se aceleraban para tocar sus temas a través de un cuerno que en su extremo más pequeño se cerraba en una aguja, y ésta era posada sobre un disco de cera que giraba sobre un eje a una velocidad constante, trazando unos canales sobre el material en forma de surcos. Luego, al colocar nuevamente la aguja en el disco encaminada sobre los surcos zanjados se lograba escuchar lo que se había interpretado previamente, y más o menos cuatro minutos era el tiempo que le tomaba a la aguja recorrer la superficie de tal disco. Es así como inicia la industria musical (“Historia del disco de vinilo”, 2012). Llegados a este punto vale la pena recordar que, de alguna u otra manera, esta economía en la duración de la pieza musical se ha mantenido en el tiempo e incluso hasta la actualidad en la música popular, pero esto debido no a una cuestión material o tecnológica, como lo fue en estos antecedentes, sino a una estrategia de mercadeo conmovida por la reminiscencia tardía de un sonido breve fácil de distribuir y de consumir a través de los medios modernos, caracterizados por la rapidez y el olvido.
Pero mientras Berliner trabajaba en el desarrollo de su creación, otros personajes como Rudolf Hertz, Aleksandr Popov, Michael Faraday, Guillermo Marconi, Lee De Forest, Wilhelm Conrad Röntgen y David Sarnoff (Trujillo, 1999, p. 8) también estaban encaminados en teorías y experimentos que iniciarían una revolución en estas tecnologías, buscando ampliar el rango de alcance de las comunicaciones, y en la vía lograron invenciones tan importantes como el telégrafo y el teléfono, para luego llegar al primer medio de masas, la herramienta que llevó la voz del ser humano a kilómetros de distancia y que luego uniría a los continentes en una transmisión: la radio, en su llegada para 1920 (De Sola, en Williams, 1992, p. 87).
En sus principios, el potencial que tenía la radio sólo fue entendido por sus desarrolladores técnicos, quienes conocían su alcance y preveían su función destinada a la orientación en el espacio tratándose de distancias remotas, entre otros usos similares, pero luego las emisiones públicas estuvieron fuertemente determinadas por los intereses de las grandes pretéritas !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
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! ""! potencias, quienes controlaban el establecimiento de las emisoras junto con la producción de aparatos receptores y de contenidos a emitir, cada caso con su particularidad: Estados Unidos, Gran Bretaña, Alemania, la Unión Soviética. Según De Sola Pool (Williams, 1992, p. 94), los americanos asumieron la radio como un modelo de producción comercial altamente rentable que sostenía los incipientes actos de entretenimiento emitidos con anuncios de productos y servicios que apelaban a las emociones de los escuchas, y también las muy populares franjas de jazz que gozaban de gran aceptación, todo esto generando importantes ingresos a los
propietarios de la cadenas radiales. Por su parte, los británicos a través del modelo que
implantó la BBC8 “elevaron” el sentido de la radio y ofrecieron una programación basada en lo cultural, con elaboraciones dramáticas más refinadas, interpretaciones de orquestas sinfónicas de primer nivel y discusiones críticas serias; era claro que el sentido elitista estaba fuertemente marcado en sus emisiones y esto se veía incluso en sus empleados, pues sólo profesionales e intelectuales llegaban a trabajar allí, lo que era significado de orgullo. En cambio por su parte, tanto alemanes como soviéticos vieron en las transmisiones el instrumento perfecto para la manipulación y el control. La radio fue el vehículo de una sola vía que transportaba las diatribas y verborreas políticas, las cuales llegaban como verdad absoluta por apoyar sus discursos sobre nacionalismos. Se permitían ligeras intervenciones de sinfonías y músicas propias de los partidos, pero las noticias e informaciones con sentido político eran la carga principal de la programación, y aunque la mayoría de la población no contaba con una radio por no tener con qué pagarla, desde los altos mandos se estimulaba la escucha colectiva ubicando transmisores en lugares populares estratégicos.
De este recorrido vale la pena rescatar el hecho de que los tres modelos funcionaron como paradigmas determinantes para la producción radial, y en su evolución el operador que cambiaba discos y ajustaba los micrófonos para registrar el gramófono –quien era en gran parte el que hacía la radio- fue relevado por una suerte de secciones creativas, espacios que resultaban de la estructuración intencionada de los contenidos pensando en públicos, horarios, temáticas y otras características que fueron perfilando los distintos modelos de emisión. Por su parte, la música siempre gozó de mucha importancia en este nuevo medio, siendo la protagonista en la programación regular a través de segmentos musicales o conciertos en directo, pero también se introdujeron dramatizados, noticieros, charlas de opinión y otras formas que de alguna manera se apoyaron en su uso extra diegético9para aportar cargas de
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8BBC: British Broadcasting Company, fue la unión de las empresas fabricantes de radios que la vez querían emitir contenidos para 1922 en el Reino Unido. Ithiel de Sola Pool, Discursos y Sonidos de largo alcance; en Historia de la Comunicación, Raymond Williams (1992).
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! "#! modo, ánimo y ambiente especiales; introducciones, cortinillas, despedidas. De alguna forma la música amplificaba los sentidos, estimulaba la creatividad y llenaba de color la imaginación de los escuchas que cada vez se notaban más interesados en el fenómeno radial: en Europa, para 1926, se registraron un millón y medio de aparatos con licencia, mientras que en los Estados Unidos un año antes se calculaban cerca de cinco millones y medio, casi la mitad del total mundial, para más adelante, en 1950, alcanzar el exorbitante número de 72 millones de unidades en propiedad de las familias norteamericanas (p. 96).
Es apenas justo reconocer aquí el interés que siempre han venido demostrando las personas en adoptar nuevos artefactos y tecnologías buscando ampliar el alcance de las comunicaciones, las informaciones, y por tanto de los contenidos transmitidos y utilizados para avivar los
momentos de entretenimiento y ocio, parte importante de la cultura colectiva. Para 1877 un periódico norteamericano reseñaba que el teléfono podía “popularizar la buena música en un grado desconocido hasta ahora”, en lo que Brigss y Burke señalan como los primeros usos del
teléfono de placer (2002, p. 169). Para la década de los 20, el regalo más esperado bajo el árbol
de navidad en una casa promedio de los Estado Unidos era una Victrola, y por su parte las ventas mundiales de aparatos de radio se multiplicaban con creces cada año, los números anteriores así lo demuestran. Y esta suerte de aceptación será la que le toque a una nueva caja eléctrica que producía imágenes vívidas en blanco y negro, que pese a toda creencia adversa persistía en proponer y eternizar nuevas ideas sobre la presencia, el tiempo y el espacio. “Nunca antes había existido una forma de actividad cultural que se pareciese a la televisión, con sus enormes audiencias mundiales, su creciente absorción de las horas de ocio disponibles y su capacidad para crear celebridades instantáneamente o centrar la atención en
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CAPÍTULO II
LA
CAJA MÁGICA*
PRODUCE MÚSICA
*Diego Amaral Origen y desarrollo del formato musical en la televisión
La idea de formato en los medios de comunicaciones se viene manejando desde la producción y clasificación de información para la prensa escrita, y con la radio las emisiones estructuradas según su contenido se potencializaron significativamente, introduciendo dramatizados que luego se formalizaron en géneros amplios como la ficción y otros más, pero con la llegada de la televisión, este concepto se consolida como un marco que permite el desarrollo de estilos concretos y fórmulas de éxito seguro en un proceso inagotable que permite contar
prácticamente las mismas historias de unaforma distinta. El ingenio, la innovación y la frescura son el sello que definen a estos formatos, características que han mantenido en el paso del tiempo, aunque a su vez impliquen una falta de tratamiento serio de los temas que se abordan en sus contenidos, o una preocupación exclusiva por el entretenimiento fácil, lo que ha sido el estandarte de los detractores de este medio de comunicación de masas por antonomasia.
! "1! intencionadas, aunque vale la pena resaltar que la mayoría de las interpretaciones se hacía en directo, lo que implicaba un mayor esfuerzo tanto en la producción técnico - audiovisual como en la ejecución musical. Ejemplos como American Bandstand a partir de la década de los 50 (Oldenburg y Levin, 2012) se cuentan como los primeros acercamientos a un programa
musical, aunque su variación fue incluir gran cantidad de personas bailando en el estudio junto a la banda, registrado en un gran plano general sin mayores cuidados estéticos.
Los británicos, desde la década de los 60, presentaron propuestas más formales y
probablemente más arriesgadas en comparación con los anteriores, acorde con el espíritu de la época, donde los Beatles y los psicotrópicos estaban a la orden del día. Eran programas con entregas periódicas semanales que al poco tiempo se establecieron como éxitos de
teletransmisión. Top of thePops fue uno de los primeros ejemplos, emitido por primera vez en 1964 por la BBC (TOTP 1964 – 2006; 2006), y tenía como propósito poner en escena a los músicos con mayores ventas alcanzadas semanalmente para realizar audiovisualmente registros a multi-cámara de las presentaciones en estudio con un público espectador, en un escenario poco más elaborado con fondos temáticos, utilería y decorados. Aunque las distintas
perspectivas aportaban una dinámica innovadora, con movimientos y planos poco
convencionales para estos formatos, una de las desventajas era la imposición del doblaje, es decir, la falsa acción de los músicos interpretando la música con un fondo pre-grabado de apoyo. La irreverencia de muchos de los artistas invitados dejaba en evidencia la “mímica musical” en forma de burla a la mentira. Con todo, el programa resultó un triunfo absoluto en la recepción de las audiencias jóvenes, sobretodo si tomamos en cuenta que se mantuvo al aire hasta el 2006, más de cuarenta años de transmisión continua. No obstante, a principio de los setentas sale al aire The Old Grey Whistle Test, programa que se mantuvo al aire durante más de 15 años y fundamento de los siguientes experimentos de televisión musical. Todas las
presentaciones en este programa eran registradas en directo en un estudio, con la conducción de un presentador haciendo ligeras intervenciones y sin audiencia. Su premisa era la de presentar músicos serios y de prestigio, que no pertenecieran a las listas de ventas en un
ambiente austero pero concentrado en las actuaciones musicales. Este show, que se mantuvo al aire hasta 1987, es reconocido por los productores de programas musicales actuales tan
significativos en la música británica como The Tube, Later with Jools Holland y From the
! "2! Si el rock and roll y la psicodelia fueron los géneros que acapararon las pantallas de la
televisión durante los sesentas, los sonidos del funk, soul, rhythm and blues y de la música disco se apoderaron en buena parte de los medios durante la década de los setentas y
definieron las estéticas narrativas y visuales de los entonces nuevos programas que surgieron para responder a un movimiento socio-cultural, a una moda inspirada fuertemente en el baile de las discotecas norteamericanas, estimulada por la llegada de los colores a la televisión.
Soultrane es uno de los programas mejor recordados en este estilo. Producido por una estación
de televisión independiente sitiada en Chicago, comenzó emisiones a partir de 1971 y fue transmitido durante 35 años. Era un programa de variedades que incluía doblajes de interpretaciones musicales acompañadas principalmente de un grupo de bailarines. La expresividad era la característica definitoria principal, y los participantes llevaban vestuarios y maquillajes que aumentaban los gestos y la impresión de movimiento. En los estudios se incorporaron luces, flashes, cortinas de humo y explosiones pirotécnicas; en general, el ejemplo demuestra ser un primer acercamiento al tratamiento audiovisual desde una perspectiva estética, correspondiente a las posibilidades artísticas que ofrecía este nuevo formato.
! "4! Con la llegada de la década de los ochenta se introdujeron nuevos avances y mejorías en las tecnologías de transmisión de las comunicaciones (Dávila, 1991, p. 70), y las emisiones de televisión al aire se vieron amenazadas por las virtudes de la televisión por cable, la cual comenzaba a llegar a distancias remotas e inalcanzadas por las antenas parabólicas, y que a su vez permitía una nueva modalidad de distribución para las compañías y sus formatos de consumo: la televisión por suscripción, caracterizada por ofrecer canales temáticos con contenidos específicos y escogidos a preferencia de sus suscriptores. Así, aparecieron los primeros canales informativos e infantiles, y cada vez más se va notando un aumento en la segmentación de los contenidos de entretenimiento. Siendo este el panorama, una compañía discográfica y una multinacional bancaria en alianza formaron una empresa de la cual surge el primer canal musical temático, dedicado a la emisión de videoclips y conciertos musicales durante sus 24 horas de programación: MTV Music Television (Sedeño, 2006, p. 52).
Así como el disco de acetato, la radio y la televisión, siendo estos artefactos tecnológicos que aumentaron las experiencias de entretenimiento de las audiencias, cambiando en su medida las formas de escuchar, entender, producir y consumir la música, la colocación en las pantallas de este nuevo canal transformará las reglas del juego social y económico de una juventud
aparentemente susceptible por los eventos musicales que llevaron a una revolución de cambio en los comportamientos tanto de productores como de consumidores. Gary Herman (2009, p. 290) reconoce en la cadena musical su potencial económico y con tono irónico compara al canal con la fábula de lagallina de los huevos de oro al ver el afán de las industrias detrás de las grandes estrellas musicales por hacerlas ingresar a su programación para escalar entre las posiciones basadas en las solicitudes de las audiencias y lograr ubicarse en los primeros lugares de las listas top, lo que aseguraba la atención de millones de suscriptores; pero además de estimular las ventas discográficas –continúa Herman-, MTV recompuso la escena del rock, antes sumida en los efectos especiales de los viejos programas y que, como extrae de la revista
TV Guide, “creó una nueva moda y definió una cultura juvenil”.
! "5! auto-competencia (VH1 The surreal network, 2006). Conciertos, entrevistas, biografías, documentales, videoclips, y más adelante concursos, maratones musicales, realities… la oferta de este tipo de canales musicales, en conjunto con una constante reinvención de los distintos formatos de entretenimiento, venían demostrando que la televisión musical consolidaba un nuevo lenguaje y una nueva experiencia audiovisual, elementos que definieron el corpus filosófico de millones10 de jóvenes en la búsqueda incansable de su identidad.
Pero si de alguna manera el caso de MTV resulta apropiado para engrosar los párrafos de esta investigación, es debido a la relación que se evidencia con su programa MTVUnplugged: una producción original de la cadena grabada en un pequeño set interior donde el grupo musical aparece en formato de desconectado11, dejando a un lado la pirotecnia de los grandes
conciertos para enfocarse exclusivamente en la interpretación: se trata de una presentación que a través de recursos técnicos (planos, movimientos, cortes, enfoques) y estéticos (iluminación, ambientación, cualidades sonoras), aproxima a la audiencia espectadora al hecho musical de una forma directa e íntima. Es por ello que afirmamos que el espíritu de este programa representa un antecedente importante para los formatos de musicales relacionados con el que proponemos en la presente investigación.
A estas instancias y en medio de todos los elementos que representan de forma clara el aprovechamiento de la música en la televisión, podemos reconocer que el formato musical propiamente dicho -aquel programa de presentaciones de bandas musicales interpretando sus temas en directo-, se venía fortaleciendo como un programa sólido e independiente con cabida en cualquier tipo de canal y no solamente en los musicales, permitiéndole un amplio espectro de difusión y recepción. Nos referimos a un formato que presenta un lenguaje audiovisual definido, incorporando formas dinámicas de narración con elementos visuales atractivos. Y estos ajustes se perfilaron gracias también a la llegada de un medio de transmisión de mensajes que cambiaría lo masivo por lo global; la comunicación vertical por el contacto horizontal,
persona a persona, rompiendo las reglas mercantilistas del juego hegemónico del comercio,
afectando consigo no solo a la música y el flujo de contenidos, sino también a las dinámicas de consumo y relación entre las nuevas generaciones emergentes del siglo XX.
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En 2006, MTV contaba con más de 71 millones de suscriptores en EE.UU y otros trescientos en el resto del mundo. Videoclip musical: desarrollo industrial y últimas tendencias internacionales. Ana María Sedeño, p. 7.
! "6! La música en la televisión colombiana
Podemos considerar de afortunado el ejemplo que demuestra el caso nacional, ya que en los primeros ensayos de transmisión iniciados el 13 de junio de 1954, en lo que sería la
inauguración de la televisión traída al país por el anhelo del coronel Rojas Pinilla, uno de los pilotos utilizados fue Los Tolimenses, un programa de tipo cómico – musical (Amaral, 2004, p. 23), sobre dos campesinos que intercambiaban comentarios jocosos –y a veces subidos de tono para la época- que interpretaban canciones populares con guitarras y voz, y que luego de superadas las pruebas y afinados ciertos detalles en la elaboración de los libretos, comenzó su emisión regular poco tiempo después. Así vemos cómo la música acompañó a la televisión nacional desde sus primeros días, en el sentido de un buen augurio que iniciaría un largo camino de abundantes producciones, algunas tan exitosas que marcaron su huella en la historia y en las memorias de las audiencias.
Pero los primeros años pasaron entre altibajos. La motivación iniciática fue la de superar el camino del ensayo y del error, quizás a causa del desconocimiento de este nuevo medio que aparte de demandar conocimientos técnicos específicos -equipos, lenguaje audiovisual,
personal capacitado-, precisaba de contenidos atractivos y significativos, lo que era la finalidad de esta conmoción tecnológica. Lentamente “se fueron ampliando los espacios televisivos, que eran trabajados prácticamente con las uñas y casi siempre bajo la improvisación, pues no había una programación establecida, ni espacios de televisión concretos” (Historia de la Televisión en Colombia, 2005). Siendo este el panorama llega Punch, la primera programadora privada creada en 1956, que se destacaría por especializarse en programas de entretenimiento como el deportivo Telehipódromo, que combinaba la transmisión de carreras de caballos desde el Hipódromo de Techo de Bogotá con concursos, intervenciones humorísticas y musicales (Ospina, Zapata, 2004, p. 117), espacio donde Los Tolimenses, además de otros cantantes y músicos populares se presentaban en cada emisión. Y aunque canciones, ritmos y melodías habían alcanzado un espacio codiciado en la pequeña pantalla, los rellenos musicales
! "7! Es entonces cuando llega Agencia de Artistas, el primer programa musical de la televisión nacional, conducido por Fernando Gonzales Pacheco, un joven áspero de apariencia y ajeno a las personalidades de los medios del momento, pero con un talento innegable para la
locuacidad ante las cámaras, con el que se aseguró el reconocimiento entre las teleaudiencias. De forma similar, el joven Julio Sánchez Vanegas presentaba La revista dominical para finales de los años cincuenta. Se trataba de un programa de variedades en el que se incluían
intervenciones musicales con artistas de la época dorada y otros segmentos de
entretenimiento. Ambos programas se convirtieron rápidamente en éxitos de programación.
A partir de los años sesenta y durante las décadas siguientes, nuevos programas musicales llegaban a las pantallas chicas y contagiaban con sus ritmos y bailes a los espectadores, toda vez que consagraban a sus presentadores como íconos de los espectáculos televisivos. Nombres como Otto Greiffenstein, Hebert Castro, Jimmy Salcedo, Guillermo Hinestroza, Luís
Eduardo Gutiérrez, Gloria Valencia de Castaño, Alfonzo Lizarazo y Eucario Bermúdez son recordados con nostalgia efímera por amenizar las tardes y noches de los hogares colombianos. En este sentido vale la pena hacer una mención especial a Jorge Barón por liderar el camino de los musicales y postularse como una figura insigne de la televisión colombiana.
Impulsado por programas musicales que se mantuvieron en los picos más altos de rating, y que incluso uno de ellos sigue al aire luego de más de 30 años, Jorge Barón es reconocido como una personalidad pública que representa la paz a través de la música, al sacar su Show de Las
Estrellas de la seguridad de los estudios para llevarlo a las incertidumbres de las zonas en
! #/!
CAPÍTULO III
DISEÑANDO EL FORMATO PARA EL PROGRAMA
MUSICAL
SONORAMA
A partir de la revisión de distintas propuestas de sesiones musicales televisivas encontradas en canales internacionales, además de la observación de distintos programas de espectáculos musicales colombianos, proponemos un seguimiento de los aspectos narrativos, visuales, sonoros, estéticos y técnicos recurrentes de cada uno de estos programas, para definir unos patrones básicos que sirvan como linterna para iluminar el comienzo de un camino del que pocos han dejado bitácora. En cuanto a la consecución de manuales o guías de producción para la televisión, cabe destacar que la producción de formatos musicales ha sido muy poco documentada, por lo que la aproximación a elaborar este tipo de formato es de forma intuitiva y propositiva, característica del quehacer diario dentro de la producción audiovisual.
El primer referente que estimuló los inicios de esta investigación se refiere a la presentación de Kieran Hebden y Steve Reid en el programa From TheBasement (Kieran Hebden & Steve Reid – Mom´s Marmalade, 2007), grabado en los estudios Maida Vale de la BBC de
Londres en diciembre de 2007, y transmitido por el canal SkyArts de la compañía británica de comunicaciones Sky. En este se evidencia un tratamiento audiovisual detallado e íntimo, sin la intromisión de un conductor o de una audiencia que altere el momento único de una sesión musical, junto a un aspecto audiovisual general atractivo y muy bien elaborado. Por otra parte, se cuenta también entre los ejemplos El Nuevo Sonido de Venezuela, programa de producción nacional independiente emitido por el canal público TVes (BabylonMotorhome – Como Cumbia – Sesión ENSDV, 2007) que sirve de espacio para las agrupaciones musicales del género fusión, elaborado con una factura de menor presupuesto en comparación con el anterior, pero con el mismo espíritu de narración y puesta en escena. Y por último, cabe también nombrar el ejemplo que propone el canal del Ministerio de Educación de Argentina “Encuentro”, a través de su programa Encuentro en el Estudio, en el que se presentan artistas de trayectoria nacional dentro de un estudio insigne. De éstos dos últimos es necesario resaltar su motivación y destino, puesto que son programas transmitidos por televisoras públicas y
! #"! A continuación presentamos el desarrollo de la idea de formato musical a través de los
parámetros formales establecidos por el Ministerio de Cultura en la guía para la formulación de proyectos audiovisuales, que recoge los aspectos principales e ideales del formato.
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DESARROLLO DE LA PROPUESTA CREATIVA !
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Referencia del proyecto: Sonorama
Formato: HD
Número de capítulos: 6
Duración: 23’00’’
Presupuesto: 20.000.000 pesos colombianos.
Público objetivo: Jóvenes, adultos contemporáneos.
Medios de difusión: Televisión y radio nacionales; con potencia para internet.
1. Formulación de la idea
Idea central o “storyline”:
Es la sesión de grabación en directo de un grupo musical desde la intimidad del estudio.
Desarrollo de la idea:
A partir de la gran variedad y calidad de grupos musicales del ámbito local y nacional
! ##! recursos que unificados en un registro audiovisual significará un producto de alto impacto visual y sonoro.
Investigación:
En estos momentos Colombia atraviesa por un momento especial entre los caminos de la producción musical, ya que en el transcurso de la última década se ha hecho notorio el abundante flujo de diversas propuestas que reinterpretan los sonidos tradicionales del folclor nacional, ajustados a la globalización de la escena musical; el resultado es una fusión de géneros modernos con un sabor propio indiscutible que recuerda el espíritu de la música colombiana. No obstante, la televisión nacional carece de un espacio enfocado en la música, que deje de lado la espectacularización de los realities, concursos y competencias para detallar la experiencia musical dentro del lugar más apropiado para su producción como lo es un estudio de grabación musical, cuando por su parte se enumeran varios referentes
internacionales que han demostrado un altísimo nivel en su realización, y una buena recepción por parte del público, contando también con ciertas producciones nacionales independientes que, sin tener el ánimo de convertirse en programas para televisión de emisión pública, se destacan por tener una producción audiovisual notoria.
Punto de vista:
El espectador es testigo en primera persona de los acontecimientos y acompaña de cerca la interpretación de los músicos sin la guía de un presentador; está ubicado dentro del estudio siguiendo las acciones de los músicos.
Cubrimiento geográfico:
Las sesiones se realizarán dentro de las instalaciones del Estudio de Grabación del Centro Ático de la Universidad Javeriana de Bogotá, Colombia. En un principio el casting de las agrupaciones que participarán en las grabaciones se limitará a Bogotá, pero como propuesta para desarrollo del programa a mediano plazo se propone extender la consecución de las bandas a otras regiones del país, en especial de las costas atlántica y pacífica.
Delimitación del tema:
! #0! moderna, ya sea en la formación del grupo, su instrumentación y sonoridad. Grupos como
Audiotrópico, El Frente Cumbiero, Bomba Estéreo, Ondatrópica, La Mojarra Eléctrica, La 33, La
Revuelta y todas las bandas relacionadas con La Distritofónica; la intención primera es trabajar
con grupos que tengan proyección nacional y que su localización sea Bogotá, pero con ánimos de proponer un desarrollo al programa a corto plazo, la investigación y consecución de
agrupaciones se puede extender a todo el país, empezando por las costas atlántica y pacífica que se reconocen por ser muy ricas musicalmente. De ser así, la cantidad de grupos posibles para participar en el proyecto sería suficiente para elaborar varias temporadas.
Estrategia para comunicarse con el espectador, atraerlo y cautivarlo:
Es un programa que va dirigido a jóvenes desde los quince años hasta adultos contemporáneos de cincuenta años, apasionados por la música, músicos de profesión y de corazón, y público en general interesado en escuchar media hora de música en experiencia con la imagen. El
espectador asistirá a la revelación del evento musical que antes estaba reservado sólo para músicos, y que ocurría bajo el más íntimo de los secretos, y que ahora se puede conocer con detalle en primera persona.
2. Tratamiento audiovisual
Formato:
El programa se desarrolla en forma de registro documental musical. No tendrá narrador ni presentador; sólo las intervenciones entre los músicos y los responsables de la grabación, productor y asistentes. Se espera que el frontman del grupo propicie el desarrollo de los eventos con su carisma y personalidad.
Lenguaje visual, sonoro y literario y montaje:
! #1! registrado en el ambiente, como los ajustes de los instrumentos y volúmenes, y en la interpretación musical se utilizará el sonido finalizado como producto de la grabación musical, y no habrá una tema musical de identificación del programa. Para el manejo de la palabra no se utilizará un libreto, por lo tanto el intercambio espontáneo entre los músicos es considerado como recurso valioso, pues ello permitirá acercarnos al proceso, además de comentarios y anécdotas que surjan en el momento. El montaje será activo, de planos cortos con movimientos precisos.
Atmósfera y tono - Dirección de arte:
La dirección de arte junto con la dirección de fotografía desempeñarán el trabajo más determinante y de mayor cuidado en la producción, junto con el registro sonoro. Se trata de la adaptación audiovisual al espíritu del grupo para evocar visualmente su sonido, por lo que cada programa tendrá su propio tono, enmarcado dentro de la estética general del programa, la cuál se pretende sobria con tono ligeramente serio y experimental, y pequeños toques de diversión motivados por improvisaciones de los músicos.
Se tiene premeditado por su parte una iluminación concentrada, puntual y suave con bordes oscuros para momentos musicales emotivos o dramáticos; contraluces, destellos, sombras y sobreexposiciones para descargas o sonidos más tensos; y una iluminación general, amplia, bien degradada y completa para el registro de base. En cuanto al arte, elementos como alfombras, cortinas, lámparas, artefactos, utilería, proyecciones y otros recursos serán tomados en cuenta y utilizados acorde a la experiencia sonora modal del grupo.
Personajes, conductores o protagonistas:
! #2!
CAPÍTULO IV
LIBRO DE PRODUCCIÓN - SONORAMA
SINOPSIS
Las sesiones de grabación musical de las bandas de nuestro país se han mantenido como un misterio celosamente guardado durante mucho tiempo. Sonorama le abre la puerta de los estudios a las audiencias y los invita a conocer de cerca de la banda Audiotrópico, dentro de un ambiente íntimo y tranquilo, donde se asegura la magia de una ópera prima en directo.
TRATAMIENTO
A partir de la propuesta sonora que presenta la agrupación Audiotrópico, quienes alternan entre elementos del jazz, funk y la música colombiana, por una parte, y de los recursos con los que se disponen en el Centro Ático de la Universidad Javeriana para la realización y conjugación de proyectos audiovisuales y sonoros, por otro, se propone realizar una sesión de grabación donde el aspecto de profesionalismo y sofisticación queden evidenciados a través de la narrativa desarrollada en el programa.
En este sentido, la economía en varios aspectos de forma pueden asegurar lograr esta premisa; la ausencia del tradicional conductor y público permiten concentrar los sentidos y la atención en el hecho musical, en las dinámicas internas que evoca cada músico al interpretar su
instrumento o al proyectar su voz. Entonces se plantea una vista desinteresada en la literalidad: no se trata de la narración insistente del momento protagónico, sino por el
contrario de observar cómo sucede la acción principal a través de los ojos de los que la rodean para contemplar su efecto.
! #4! Sobre los aspectos relacionados con la imagen, se pretenden relacionar los ambientes acordes con las cualidades sonoras de cada canción presentada, sugiriendo ideales sinestésicos que estimulen los sentidos de los espectadores y que genere un look estético impactante, registrado a multicámara para proporcionar el ritmo y dinamismo apropiado para los géneros musicales latinos. Por su parte, la puesta en escena esperada en el desarrollo de arte debe estar
enmarcada en relacionar el concepto de urbanidad sonora que se desprende de la imagen general de Audiotrópico.
PERFIL DE LOS PERSONAJES AUDIOTRÓPICO EN ESCENA Concepto
Audiotrópico se estructura como un proyecto de vida dentro de la escena musical
independiente, donde además de una excelente calidad musical, se buscan nuevos elementos como una puesta en escena impecable y un desarrollo de identidad creativo.
Con temáticas urbanas, entre lo cotidiano y social, las letras de las canciones son una
invitación a ver la vida como un viaje lleno de situaciones y de personajes que se cruzan en el camino y que generan una impresión en nuestra cotidianidad y rompen con ella.
Todo acompañado por el aporte musical de cada integrante, armonías inteligentes, arreglos de una cuerda de vientos exquisita, voces con colores diferentes, y una base rítmica que galopa y lleva las riendas del sabor.
Audiotrópico se convierte entonces en todo un combo de músicos académicos, artistas que vibran, sienten y creen en la música de autoría, en la vanguardia fundamentada en el conocimiento y en la gozadera de pura calidad.
Trayectoria
2012: Cartagena de Indias Jazz Fest, Evento KEA.
2011: Black is Secret, Fiesta Jack Daniels, Oktober Fest, Loca Pasión de Canal Telmex, Entre Casa de RCN internacional, Bar Kúkaramákara.
! #5!
PROPUESTA DE DIRECCIÓN
Departamento de Fotografía
Registro
FORMATO: HDV 1920 x 1080; 24p.
Con el aspecto del programa musical pretendo capturar la dinámica y la sensación de los sonidos latinos y tropicales del grupo en un ambiente sofisticado y elegante, influenciado por el jazz. Una narrativa ágil, apoyada en registros simultáneos a multi-cámara desde distintas perspectivas y aproximaciones a los músicos para cubrir con distintos detalles las acciones, visibilizará el movimiento y la energía de las melodías. Propongo utilizar 6 cámaras de distintos formatos para enriquecer las texturas de la imagen, y emplazarlas, según su funcionalidad, de la siguiente manera:
Dos cámaras Sony XDCAM X3 sobre trípode, situadas en los laterales exteriores de los músicos.
Una Sony XDCAM X1 montada sobre sistema de desplazamiento (Dolly, estrella, grúa, otros).
Una Sony XDCAM X1 montada al hombro. Una Canon 5D al hombro.
! #6!
La versatilidad de la cámara GoPro permite su posicionamiento en lugares inaccesibles por cámaras de gran formato, sin comprometer la calidad de la imagen, y sin necesidad de un operador. También la Canon 5D cuenta con una versatilidad y disponibilidad de ópticas que generan efectos y distorsiones en la imagen como exageraciones en las perspectivas y pérdidas en la profundidad de campo, apreciables y de buen gusto para la vista. Por su parte, la Sony XDCAM X1 al hombro, por su estabilidad, registrará planos con movimientos rápidos pero definidos, concretos, para aportar una buena carga de dinamismo. Todas estas cámaras podrán a su vez registrar detalles cerrados de los músicos, instrumentos, equipos, cables, utilería y demás elementos situados en escena.
La Sony XDCAM X1 sobre la estrella realizará desplazamientos constantes entre los laterales, además de acercamientos y alejamientos de los fronts en momentos de
protagonismo, y finalmente, las dos Sony XDCAM X3 situadas en trípodes, realizarán paneos y tilts rápidos, con acercamientos, encuadres y enfoques rápidos.
Iluminación
! #7! A continuación se enlistan los equipos necesarios para la grabación del programa:
-XDCAM EX3 Compact Full HD Camcorder (2) -XDCAM EX1R Compact Full HD Camcorder (2) -EOS 5D MARK II DSLR
-GOPRO Hero2
-Trípode CartoniHiDV (3) -Kit de luces ARRI
-Kit Studio Portable Dedolight -Super Kit Dedolight
-Equipo de Grip -Regleta 10 tomas (2)
! 0/!
PROPUESTA DE ARTE
Alejandra Rivas Ramírez.
Mi propuesta es optimizar al máximo los recursos, aprovechando el look "pro" del estudio y potencializarlo con elementos puntuales de tamaño o efecto relevantes, tales como
amplificadores, cabinas, cases e instrumentos varios de gran formato. La idea es generar una puesta en escena interesante con un clima elegante y muy profesional.
Paleta de colores y materiales:
Blanco & Negro (vestuario) Naranja (batería)
Azul (blue velvet)
Plateado (Cadenas, accesorios, bases, borde cases y baquetas batería).
Madera (resaltar la madera del estudio y los pies con luces y planos desde piso)
En el vestuario de la banda buscaremos generar un look vanguardista y muy elegante. Músicos formales, elegantes, “perchados” con acentos rockeros, urbanos y algunos elementos que los caracterizan.
(ver referencias vestuario/imagen)
Destacando por supuesto el front, es muy importante que cada músico de la banda resalte y sea relevante en la puesta en escena y en la edición. Así mismo cada uno debe verse muy pro y estar instrumental y técnicamente engallado: rack completo de congas, doble teclado, dos guitarras, dos bajos, rack completo de batería, y micrófonos profesionales.
Debemos revisar la referencia a utilizar de los micrófonos, pues sobretodo los de las tres voces deben verse muy elegantes. A nivel de imagen lo mas interesante sería contar con los
micrófonos: AKG 414 (front)
En cada una de las canciones propongo trabajar un clima y una disposición. Concentrándonos en grabar únicamente 3 temas de manera muy profesional.
! 0"! Así mismo sugiero aprovechar el segundo piso como espacio para desplazamiento de cámara así como incluir planos cerrados a elementos: zapatos y pies del front, accesorios plateados y cadenas, manos y bocas en micrófonos, manos en guitarra, bajo, piano, congas y pitos con iluminación estallada.
Como lo hablamos anteriormente, el ideal es contar con un gran stock de luces y filtros para lograr un efecto contundente en la fotografía.
Adjunto Tiro frontal según disposición del espacio.
1. Oye
Iluminación cálida tropical: Naranja, Amarillo y Rojo. Disposición tipo concierto.
En esta canción sugiero buscar que Manuela resalte incluyendo planos cerrados de sus movimientos, boca, accesorios, manos anillos y uñas plateadas.
! 0#!
2. Bloque C
Paleta de azules.
En esta canción propongo variar la disposición enviando a Pipe y a Manuela hacia el lado izquierdo del plano (disposición tipo coros) y Santiago siendo resaltado al lado derecho. Si fuera posible valdría la pena revisar la posibilidad de iniciar la canción con una luz cenital que se enciende. Todo a oscuro azuloso, se prende foco de luz en Santiago y se mantiene de esta manera en la parte inicial de la canción. Cuando entra la orquesta se ilumina el espacio en azules y con una bola disco (utilizándola para generar el efecto pero sin que se vea) se generan flares y destellos.
Nota: Es importante probar la ubicación de la bola disco.
! 00!
3. Reiterativo
Paleta Ámbar.
En esta canción utilizaríamos el concepto hablado del contraluz. Sincronizando como vimos en la referencia momentos de la luz con la música. Sugiero variar nuevamente la disposición a una disposición interactiva, ubicando la banda en circulo (voces mirando hacia adentro) y cámara en el centro permitiéndonos planos muy interesantes desde la intimidad de la
interacción y desde atrás de los integrantes. Para esta canción seria muy interesante incluir una maquina de humo (ver referencia).
Es importante tener en cuenta que desde algunos planos veríamos la cabina; por esta razón es muy importante que si se ven los ingenieros, estos se vean acordes.
Dress Code: Atuendo formal en paleta blanco y negro.
NOTAS
Adjunto listado de elementos y presupuesto:
A) Los elementos subrayados en azul tendría que conseguirlos la producción/asistencia de dirección para el día de rodaje.
B) Los elementos para compra o alquileres coordinaríamos una salida de compras.
C) Los otros elementos que aparecen sin costo en el presupuesto los puedo gestionar yo con la banda.
D) La única pieza que realizaríamos en mi taller seria la parte superior del vestuario de Manuela, para el cual solicitaría un anticipo del 50% y el saldo contraentrega en el rodaje. E) Es indispensable que la parte contable y el presupuesto se maneje de una forma muy organizada y clara. Toda compra debe tener factura y asistencia de dirección debe llevar un Excel (yo puedo suministrarle formato) con el presupuesto ejecutado del proyecto.
! 01! FICHA TÉCNICA
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Información general
Título: Sonorama
Fecha de producción: 29 de abril de 2013 Duración: 23’00’’
Género: formato de programa musical Capítulo: piloto
Temas: música, sesión de grabación, nuevas fusiones musicales.
Producción
Entidad productora: El Cielo en Llamas
Empresas coproductoras:
Austral. Participación: 40%
Créditos
Dirección: Carlos Torres
Realización: Alejandro Home
Asistencia de dirección: Andrea Ortiz
Script: Karen Gutiérrez
Guión: Carlos Torres
! 02! Jefe de producción: Adriana Bravo
Asistencia de producción: María Clara Quintero
Dirección de fotografía: Christian Arbeláez
Cámara: Emilio Rodríguez; Alejandro Home; Juan Sebastián Infante; Fidel Barboza; Álvaro Peña.
Asistencia de fotografía: David Moncada
Foto fija: Laura Ciendúa; Elizabeth Correa
Sonido: Pablo Henao
Mezcla: Felipe Martínez
Asistencia de sonido: Juan Ricardo Novoa; Juan Pablo Hormiga
Dirección de arte: Alejandra Rivas Ramírez
Asistencia de arte: Jéssica Ballesteros
Montaje y edición: Carlos Torres
Postproducción de sonido: Nicolás Ramírez
Diseño grafico: Laura Criollo
! 04! Autores de obras incluidas en la producción: (artísticas, fotográficas, audiovisuales, material de archivo-, literarias, dibujos animado, etc.)
Autor y título de las obras incluidas Duración
Autor Obra: Oye 3’48’’
Autor Obra: Mira 4’19’’
Autor Obra: Reiterativo 3’00’’
Autor Obra: Bloque C 5’18’’
Autores obras musicales e intérpretes:
Autor obra musical Título de la obra musical Interprete Duración Santiago Briceño;
Daniel López.
Oye Audiotrópico 3’57’’
Santiago Briceño: Daniel López.
Mira Audiotrópico
Santiago Briceño; Daniel López.
Reiterativo Audiotrópico 3’00
Santiago Briceño; Daniel López.
Bloque C Audiotrópico 5’18
Locaciones: País: Colombia.
Departamento/s: Distrito Capital. Ciudad: Bogotá
! 05!
SINOPSIS GENERAL DE LA SERIE PROYECTO:
Las sesiones de grabación musical de las bandas de nuestro país se han mantenido como un misterio celosamente guardado durante mucho tiempo. Sonorama le abre la puerta de los estudios a las audiencias y los invita a conocer de cerca a la banda Audiotrópico, dentro de un ambiente íntimo y tranquilo donde se promete la magia de la ópera prima.
Contacto:
Nombre: Carlos Torres
Dirección electrónica: carlos.torresd16@gmail.com
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! ! ! ! ! ! !
! 06!
CONCLUSIONES
Luego de un largo recorrido, el que desde antes de empezar a andarlo se veía oscurecido por la falta notoria de herramientas teóricas que brindaran conocimientos iniciales sobre los modos de hacer televisión musical, y después de haber descubierto nuevas sendas, abrir pequeñas trochas, caer por barrancos y volver en pie de nuevo a la jornada, es justa una pausa; detenernos al lado del camino y observar tranquilamente el paisaje, plantear nuevas
perspectivas o simplemente detallar el panorama. Reflexionar críticamente sobre el producto audiovisual.
Es innegable la potencia comunicativa que trae consigo la música, pero en relación a su circulación entre los medios de comunicación, ciertamente en espacios como la televisión la sonoridad es implacablemente vertical, con un flujo continuo de información empaquetada en ruidos y exclamaciones que pareciera solo terminara con el botón rojo de apagado. Vale la pena entonces introducir la idea del silencio, lo cual puede inducir una buena diferencia por
contraste. La economía en la palabra, en la postura y en la teatralidad -lo que significa dejar en el olvido a los presentadores invasivos que desbordan con arrogancia-, otorga una pequeña serenidad que lentamente se diluye en el tema musical. Definitivamente el espíritu de una emisión radial se recuerda a la luz de este análisis, por lo que creemos que luego de una documentación focalizada sobre temas oportunos, se pueden integrar elementos radiales que aporten una nueva dimensión a este formato.
Contrariamente, y de la mano con las estéticas tradicionales de la televisión en mente, durante el desarrollo conceptual de la idea original se propuso integrar una mayor cantidad de
elementos textuales y verbales, como por ejemplo entrevistas, insertos informativos y otros elementos técnicos que ayudaran a ampliar la información biográfica o estética de la banda, esto con el ánimo de establecer una estructura poco más compleja y acercar al espectador a las personas detrás de los músicos. Finalmente esta propuesta no resultó desarrollada
! 07! Ahora, con relación a resultados esperados, la producción del programa SONORAMA se planteaba servir de escenario para las propuestas sonoras de fusión musical, que trabajaran los sonidos tradicionales en mezcla con propuestas modernas como el jazz, el rock, y sonidos electrónicos. En esta primera entrega contamos con la participación de la agrupación
AUDIOTRÓPICO, quienes entre otros temas presentaron “Mira”, una canción estilo cumbia funk amenizada dentro de un ambiente ligado a la identidad del programa; nos referimos a un desarrollo de arte, fotografía y sonido vinculados a los imaginarios de lo urbano y lo
tradicional, lo sofisticado junto a lo tropical, para lograr el propósito. En este orden de ideas, ratificamos el ánimo de SONORAMA en su interés por acoger a las bandas que proponen nuevas sonoridades y presentarlos en un espacio cargado de atributos.
Otro de los puntos aguardados era el de encender una luz en el proceso de producción audiovisual musical, y para asegurarnos patrones formales y generalizados en el ámbito del quehacer audiovisual trabajamos sobre los lineamientos clarificados por el Ministerio de Cultura en sus formatos para la guía de producción audiovisual, de dominio púbico obtenidos a través de su portal en internet12. A través de ellos desarrollamos conceptualmente las ideas que consolidaron el formato para SONORAMA. El resultado es un libro de producción que contiene las descripciones detalladas a nivel narrativo, estético y técnico de la propuesta para el programa. Reconocemos también que cada programa tiene su forma única de elaboración y no pretendo ser concluyente con criterios adoptados.
En otro contexto, consideramos importante finalizar dejando documentadas algunas ideas que surgieron de la necesidad en medio de la dinámica real de trabajo. Generalmente, las
producciones audiovisuales son proyectos ambiciosos que implican movilizaciones
significativas de personal artístico, creativo y obrero, así como también de recursos y logísticas que generalmente exceden cualquier otra producción de contenido para el entretenimiento. Teniendo en cuenta además que los alcances efectivos del promedio del estudiante
universitario no cubren la totalidad de dichas propuestas, nos resulta más evidente una
encrucijada que tendría una salida conveniente, esto si se contara con la integración que todos anhelamos de nuestra Universidad Javeriana.
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