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El expresionismo abstracto (J. Pollock). El informalismo
(M. Millares). El minimal art (R. Morris). Las tendencias
neofigurativas: el pop-art (A. Warhol). El hiperrealismo
(Antonio López). El panorama artístico actual en Castilla y
León.
Contexto histórico-artístico.
1. Ciencia y tecnología: La Revolución Industrial comienza a dar paso a la revolución tecnológica que se presenta como uno de los factores más influyentes en el desarrollo histórico del siglo XX. La gran revolución social y política de la industrialización y la tecnificación va seguida de un cambio espiritual fundamental para la cultura y el arte. La proliferación de máquinas y del trabajo en cadena, de los sistemas de producción en masa que proyectan la sociedad de consumo de masas, el crecimiento urbano con su nuevo y acelerado ritmo urbano, los nuevos medios de transporte (automóviles, barcos y aviones) y de comunicación (prensa, radio, teléfono, extensión de la prensa,…). Avances en la medicina (vitaminas, rayos X, antibióticos), física (teoría cuántica, relatividad). El impacto de los medios de comunicación, que ofrecen nuevos puntos de vista y una percepción cambiante de los objetos, es recogido en las obras de arte. Se rompen las perspectivas armoniosas, entran en juego las angulaciones, los escorzos casi imposibles, la multiplicación de los puntos de vista y de los planos. En el mismo sentido, el movimiento, juega un papel importante en la evolución plástica de fin de siglo. El movimiento es un elemento que condiciona el entorno y las sensaciones ambientales que el artista percibe. 2. Las nuevas ideas. Las propuestas revolucionarias de Marx y su expansión, el vitalismo
crítico de Nietzsche, el subconsciente de Freud, el irracionalismo de Bergson,
3. Las transformaciones políticas. Es indudable que los cambios políticos provocados por la I Guerra Mundial y la Revolución Rusa provocan una conmoción en el mundo artístico. La primera echa por tierra el optimismo en el progreso que habían caracterizado, de forma general, la cultura europea desde la Revolución Industrial; surgiendo una crítica hacia esa “razón” responsable del horror de la guerra de ahí que muchos movimientos artísticos derivasen hacia lo absurdo (Dadá) o bien descubrieran el valor de lo irracional o el subconsciente como rechazo a la “lógica y coherencia” de lo cotidiano (Surrealismo). En el caso de la Revolución Rusa reafirma la creencia en la posibilidad de un mundo nuevo al que correspondería un “arte nuevo”, un arte al servicio de la sociedad que ayudase a la construcción de la misma (constructivismo ruso). El arte podía tener un papel en la historia.
Características generales de la pintura de vanguardia.
2 Cronología.- Conocen una continuidad durante la segunda posguerra, y también en las décadas posteriores, hasta la actualidad (para algunos autores los años 30 cierran el ciclo de las vanguardias históricas debido al agotamiento de los propios movimientos artísticos, la crisis del 29 y el establecimiento de regímenes totalitarios en Alemania, Italia y URSS para los que la vanguardia no es sino arte “degenerado” pequeño-burgués). Pero, después de 1945, por muy diversas circunstancias, las funciones y las formas de legitimación y difusión de la vanguardia cambian notablemente, y aún más a partir de los años setenta y hasta el final de la guerra fría.
Escasa duración.- los nuevos movimientos son como estallidos, fragmentos cortos, rápidos, múltiples y simultáneos. Su corta duración hace que se encabalguen, pasando los artistas muchas veces de un movimiento a otro (Picasso sería el caso más paradigmático). Rechazo a la tradición.- Tal vez uno de los elementos más comunes a todas las
vanguardias, y que tienen un carácter más nítido en todos los manifiestos, sea el de rechazo a la tradición anterior, a todo lo que huela a “tradición”. Uno de los principales imperativos que se generalizan en las proclamaciones rupturistas de la vanguardia es la abolición de la ilusión de espacio tridimensional en la pintura.
El nuevo artista. La autonomía artística.- Desde la Revolución Francesa el artista comienza a replantearse el “tema” de su obra, convirtiéndose en un auténtico “investigador” que explora de forma cada vez más libre el mundo que le rodea, sin someterse ya de forma rígida a las instituciones artísticas tradicionales (Iglesia, Estado, nobleza). El artista es, cada vez más, un creador en el sentido pleno de la palabra, que busca, de forma personal, una nueva forma de representar. El interés por la subjetividad, por la propia verdad individual, es pues un valor a destacar.
Nuevos materiales y técnicas.- Las artes plásticas incorporarán durante el siglo XX nuevos materiales y técnicas sin dejar de utilizar los procedimientos tradicionales, en unos procesos de integración que, en ocasiones, hacen difícil establecer una separación entre las diferentes artes (o la fotografía). La utilización de “collages”, “assemblages” y “fotomontajes” es, por ejemplo, una constante entre futuristas, cubistas o constructivistas. Estas transformaciones suponen la utilización de nuevos materiales y técnicas en un proceso de búsqueda constante. Entre ellas podremos mencionar:
“Collages”. Procedimiento que incorpora al lienzo pintado materiales y objetos diversos, fundamentalmente papeles de periódico o pintados, o bien trozos de madera, cuero,… (Picasso y Braque con sus papeles pegados o papiers collées)
“Assemblage”. Obras de tres dimensiones, compuestas por objetos diversos ensamblados. Supone la incorporación directa de la realidad a la obra de arte. Puede ir desde los propios “collages” a los “ready made” del arte dadá (objetos encontrados o fabricados por el hombre que adquieren valor de obra por voluntad del artista). Fotomontaje. Supone la combinación de imágenes fotográficas, siendo una variedad
de los collages por yuxtaposición de recortes de fotos. Al resultado se le podrán añadir textos, colores o dibujos.
La nueva libertad formal provocará una gran diversidad de formas: verticales, horizontales, abiertas, cerradas, diagonales, cóncavas, convexas,….
Principales movimientos y artistas.
El expresionismo abstracto.
3 Fue un movimiento pictórico de mediados del siglo XX, cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional.
Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra de Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa. La llegada a la ciudad de Nueva York durante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores europeos de vanguardia difundió el espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950.
Action painting: Este nombre define a la corriente pictórica abstracta de carácter gestual que adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto. Desde el punto de vista técnico, consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo de manera espontánea, es decir, sin un esquema prefijado, de forma que éste se convierta en un "espacio de acción" y no en la mera reproducción de la realidad. El término fue acuñado por el crítico estadounidense Harold Rosenberg en 1952 y se refiere principalmente a la obra de Jackson Pollock. La estética del Action Painting ponía el énfasis en el propio acto de pintar, al margen de cualquier aspecto expresivo o representativo que pudiera poseer. Simplemente reflejaba un instante de la vida del artista, uno de sus actos y, por consiguiente, un elemento único de la biografía de éste. Era la expresión de la personalidad del creador de una manera muy primaria y básica. Consecuentemente, tales obras se entendieron a menudo en términos muy formalistas como el mero resultado del encuentro entre un artista y sus materiales.
Jackson Pollock es la figura más representativa de la action painting, cuya finalidad es dar a la composición, al trazo y al color una violenta carga emocional, el artista deja liberar sus impulsos que trasladaba al lienzo sin ningún control. Sus obras son impetuosas, vigorosas y de gran tamaño. Las características son: la violencia en el gesto, violencia en el color, pinturas de grandes tamaños, que muchas veces se situaban en el suelo para poder trabajarlas desde todos los ángulos y trabajar toda la superficie inaugurando una técnica que se llama all over, de manera que el cuadro no tiene ni un centro ni un final definido. Jackson Pollock encarnó una clara voluntad de romper con el cuadro de caballete y para ello usó la técnica del Dripping (chorreado de pintura sobre la tela puesta en el suelo) con nuevos materiales como el barniz al aluminio, esmaltes sintéticos, etc. Pollock danzaba alrededor de su obra, corriendo a veces, con sus botes de pintura, a lo largo del estudio para poder conferir con uniformidad a sus grandes pinturas.
El informalismo.
Comparte todas las características del expresionismo abstracto, sin embargo también incluye en el cuadro todo tipo de objetos o materiales como arena, serrín, cortezas, telas, cuerdas, etc.; de ahí que en ocasiones se le denomine pintura matérica. Esta “irreverencia” les hace descendientes directos de dadá. Es un movimiento con fuerte repercusión en España e Italia. En España destacan Antoni Tápies y Manolo Millares.
4 isla. Se servirá de los dibujos geométricos de los aborígenes de Gran Canaria y de los signos rupestres del Barranco de Balos.
Segunda etapa: Millares empieza a utilizar las arpilleras, aquí son todavía un elemento que añade a la superficie del cuadro junto con otros materiales como arena, cerámica o madera. La arpillera es una evocación de las telas con las que se envolvían las momias guanches, descubiertas por el pintor en el Museo Canario.
El minimal art.
Minimal Art, Estructuras Primarias o Arte Minimalista denomina a un grupo de artistas que aspiran a un estilo más estricto geométricamente pero donde la imposición del orden no es inflexible sino más bien moderada. Las diferentes formas están reducidas a estados mínimos de orden y complejidad desde el punto de vista morfológico. Las obras Minimal personifican estados de máximo orden con los mínimos medios o complejidad de elementos y está más interesado por la totalidad de la obra que por las relaciones entre las partes singulares o por su ordenamiento composicional. Tanto las propiedades del material, como las de la superficie y el color permanecen constantes con objeto de no desviar la atención de la obra como un todo.
La Pintura minimalista es la aplicación del minimalismo al campo pictórico. Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose durante los años 1970. Entre sus rasgos están: formas rectangulares y cúbicas, que no eran metáfora de nada; igualdad de las partes del cuadro, repetición, superficies neutras, materiales industriales, todo lo cual lleva a un impacto visual inmediato. Suelen realizar telas de gran formato en los que predomina, ante todo, el color.
Robert Morris (Kansas City, 1931) Artista estadounidense. Explora las múltiples relaciones existentes entre la obra, el artista, el público y el espacio circundante, con una especial atención al proceso mismo de creación de la obra, en el que tanto el espacio como los materiales empleados se transfiguran poéticamente (Observatorios, 1971; Laberintos, 1974). En la expresión artística recurre a la utilización de formas simples, por lo que cabe considerarlo como uno de los precursores del arte minimalista a comienzos de la década de los sesenta y como autor de obras antiformales: arreglos de Fieltros recortados (a partir de 1967), amontonamientos de tierra y basuras (1968), bloques de piedra (1977). Autor también de series de dibujos como Blind Time (1986).
Las tendencias neofigurativas: el pop art.
En torno a los años 60 se reacciona contra el informalismo y el expresionismo abstracto, hay interés en recuperar la imagen y en establecer contacto con el gran público, bastante excluido de estas tendencias y procesos artísticos, que habían sido mucho más afines a la intelectualidad. Una de sus variantes fue el pop art.
El pop art o arte popular utiliza imágenes de la publicidad, los grandes mitos, los comics, etc., aunque lo hace con un sentido crítico. Enlaza con movimientos anteriores especialmente con dadá. Recurren al uso del collage y a técnicas tipográficas. Utilizan colores fuertes, planos y un dibujo preciso. El pop art se basó en la representación del objeto de consumo de la sociedad industrial como protagonista de la obra de arte, exaltándolo como símbolo de la sociedad capitalista. Sus principales representantes fueron Roy Lichtenstein y
Andy Warhol.
5 popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.
Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.
El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. Sus obras se caracterizan por la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió despojar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo. Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario.
El hiperrealismo.
Surgió en EEUU a finales de los 60, por influencia de la fotografía, de la pintura figurativa y pop y de la obra de Dalí. Su objetivo era la reproducción fotográfica de la realidad, representando las cosas cotidianas. Entre sus principales representantes está Antonio López.
En sus inicios, su pintura estaba impregnada de irrealidad: los objetos flotan y las personas confunden sus contornos con el resto del cuadro. Hacia los años cincuenta su pintura dio un giro vertiginoso y se orientó decididamente hacia la precisión realista ejercida sin retórica; realidad desnuda y silenciosa.
Siente predilección por los temas cercanos, las escenas caseras, las imágenes de su familia, de su mujer y sus dos hijas. Los objetos y los acontecimientos de la vida cotidiana serán los protagonistas de sus cuadros y los tratará con un enorme detallismo fotográfico. En su producción también abundan las vistas madrileñas y los elementos sacados de la propia naturaleza. Algunos ejemplos son Los novios, Taza de water y ventana, Cuarto de baño, Membrillos y granados, Madrid desde Torres Blancas o La Gran Vía.
Pinta con gran lentitud, de forma meditada, buscando la esencia del objeto representado. Sus cuadros se desarrollan a lo largo varios años, retocándolos en infinidad de ocasiones hasta que los considera definitivamente acabados.
El panorama artístico actual en Castilla y León.
Arquitectura
6 Importante es también la incorporación de las corrientes posmodernas con su recuperación de formas históricas entre las que podemos destacar al propio A. Fernández Alba, que realiza la ampliación de la Escuela de Arquitectura de Valladolid, al ingeniero J. Villena que construye la Fábrica de la Harinera Villafranquina de Arévalo (Ávila).
Por otra parte debemos destacar la arquitectura de autor que nos ha dejado obras de J. Navarro Baldeweg en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Salamanca (1985-82), así como el moderno Museo de la Evolución Humana, de Burgos, (2010).
El equipo formado por Emilio Tuñón y Luis M. Mansilla, realizan entre 1993 y 2004 una serie de obras institucionales, entre las que podemos destacar el Museo Provincial de Arqueología y Bellas Artes de Zamora, el Auditorio de León y el MUSAC en la misma ciudad. En Valladolid R. Moneo y Enrique de Teresa realizan el Museo de la Ciencia (2003), obra muy relacionada con la arquitectura High Tech.
Por último Richard Rogers después de planificar el soterramiento del ferrocarril en Valladolid, ha construido la Bodega Protos en Peñafiel, al igual que Norman Foster ha hecho lo propio con la nueva bodega, en Ribera de Duero, del grupo Faustino en Gumiel de Izán (Burgos).
Escultura
En los últimos años el desarrollo urbanístico ha demandado escultura monumental, pudiendo destacar la obra de Concha Gay en Valladolid y de Miguel Isla en Tudela de Cuero (Valladolid). También se han incorporado obras de autores foráneos como E. Chillida, J. Oteiza y Antonio López, quien realiza una obra sobre los Reyes de España de tamaño espectacular ubicada en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, con su peculiar estética hiperrealista. La variedad de planteamientos escultóricos queda representada por Alberto Bañuelos-Fourier (Burgos, 1949) que practica el informalismo, y Sara Jiménez (Torrubia, Soria, 1958) autora de esculturas siempre cargadas de misterio.
Pintura
La abstracción cobra importancia de la mano del segoviano Esteban Vicente (1903-2001). A comienzos de los años cincuenta da el salto hacia la pintura no figurativa, ayudado por el uso de collages en sus cuadros, técnica que mantendrá hasta sus últimos cuadros. En la escuela de Nueva York practica con el expresionismo abstracto entre la “action painting. En su obra propone al espectador unos paisajes interiores que éste debe recomponer mentalmente.
En el interior de Castila desarrolla su obra Modesto Ciruelos, que evoluciona desde el cubismo hasta el expresionismo abstracto.
Los ecos surrealistas se advierten en José Manuel Capuletti y en Ramiro Tapia, mientras que la nueva figuración la desarrolla plenamente el burgalés Luis Sáez. El leonés Manolo Sierra se acerca a la estética pop.
