El recitativo, hilo conductor entre drama y música

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PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA

FACULTAD DE ARTES

ESTUDIOS MUSICALES

PRESENTADO POR: CARLOS JULIO HERRERA CRUZ

ENSAYO ANALITICO

EL RECITATIVO, HILO CONDUCTOR ENTRE DRAMA Y MUSICA

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ENSAYO ANALITICO

EL RECITATIVO, HILO CONDUCTOR ENTRE DRAMA Y MUSICA

CARLOS JULIO HERRERA

Documento de proyecto de grado

Presentado como requisito para optar por el titulo de

MAESTRO EN MUSICA CON ENFASIS EN CANTO

Asesor: Carlos Godoy

PRESENTADO POR: CARLOS JULIO HERRERA CRUZ

PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA FACULTAD DE ARTES

CARRERA DE ESTUDIOS MUSICALES DEPARTAMENTO DE CANTO

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El recitativo, hilo conductor entre drama y música.

A través de la historia, las artes se han relacionado directamente coexistiendo entre ellas la música, la literatura y la pintura. Esta estrecha relación ha permitido que los artistas se colaboren unos a otros dando como resultado la innovación y evolución en general del arte.

Una de las relaciones más fuertes es la que vincula la música a la literatura, ya que al leer un texto, la prosodia natural del lector genera acentos y fluctuaciones en el ritmo y la melodía de las palabras, resultando una declamación cantada al leer. Los griegos en la antigüedad ya eran conscientes de esta relación, esto se ve claramente en sus tragedias, puesto que los textos no eran simplemente recitados, sino que algunos eran declamados con melodías simples, señalando así la importancia de algunos eventos y/o también, para que todas las personas reunidas en torno al espectáculo pudieran escuchar el relato sin importar

si su ubicación era cercana o lejana al escenario (Grout, 2003. 9 – 12).

Esta relación música-literatura también está presente en los dramas litúrgicos medievales, donde los textos tomados de la liturgia o de los tropos son entonados no solo sin una métrica fija, sino con los acentos naturales de las palabras, dándole una mayor expresión al texto, permitiendo que se entienda claramente tanto el mensaje implícito en ellas, como las

melodías que las acompañan (Grout, 2003. 14 – 16).

En el renacimiento, la música empieza a cobrar una importancia tal que en las representaciones teatrales no solo se narra la historia de manera hablada, sino que surge el canto de algunos de los textos escritos en los libretos, dando pie a dos maneras distintas de interpretar el relato, una, narrando de manera hablada toda la acción y pasión del drama, y otra, ejecutando de manera cantada las escenas reflexivas y líricas.

En el s. XVII, estudiosos interesados en las tradiciones poéticas y literarias de la antigüedad griega trabajan con manuscritos originales, dando como resultado a sus investigaciones, nuevos comentarios e interpretaciones, redescubriendo las practicas musicales de la antigüedad. Este hecho es muy importante, considerando que una de las principales características que se empieza a imitar de los griegos, es la de utilizar líneas melódicas simples para expresar la emoción de los textos, generando un nuevo estilo de composición, en el que la palabra predomina sobre la música. Este estilo se populariza entre los compositores de su tiempo y comienza a ser utilizado en las óperas para dar continuidad a

la acción sin que la música deje de sonar, generando así un mayor drama (Grout, 2003. 33 –

36).

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musical de las arias (Grout, 2003. 37 – 38). Esta manera de recitar cantando recibe el

nombre de recitativo, y a partir de su redescubrimiento, empieza a transformarse y amoldarse de acuerdo a lo que los compositores requieren.

El recitativo, según Nicholas Temperley, es una forma de cantar hablando, intentando

imitar la declamación dramática, libre en ritmo y con melodías sencillas en estructura. Esta manera de cantar, se utiliza para que la música esté supeditada al texto, siendo así el principal modo de expresión. Para que éste efecto se lleve a cabo, es importante que el acompañamiento no obstaculice la melodía del cantante, sino que la enriquezca, enfatizando las palabras más importantes del texto. Por esta razón es ideal el bajo continuo como herramienta acompañante, ya que puede seguir la expresión espontánea del cantante

sin necesidad de llevar un tempo estricto (Temperley, Grove Online, 2009).

Es fundamental e importante tener en cuenta el acompañamiento, ya que es éste el que está soportando toda la línea melódica. Al estar la música supeditada al texto, los cambios armónicos se utilizan para enfatizar palabras importantes, variando según el afecto que tenga el texto. Es muy característico del bajo continuo el tener un ritmo lento y un bajo estático, generando una sensación de declamación libre al cantante; los acentos prosódicos son acentuados con cambios armónicos, y ciertos pasajes afectivos o palabras individuales son enfatizados con fuertes disonancias entre la melodía y el bajo. A este tipo de

acompañamiento se le denomina recitativo secco.

Hacia el siglo XVIII, con el pasar del tiempo y la evolución de la ópera, la manera en que se acompaña también cambia, por esta razón surgen dos formas de recitativo con funciones

distintas. El recitativo secco, que es el recitativo tradicional en el que la voz es acompañada

solamente por el bajo continuo (descrito anteriormente), y el recitativo accompagnato u

obbligato, donde la voz es acompañada por toda la orquesta; este tipo de acompañamiento es utilizado en momentos intensos de crisis dramática, confusión mental o escenas mágicas

que necesitan un color de fondo. Contrariamente al recitativo secco, el recitativo

accompagnato tiene ritmos y melodías más complejas, con figuraciones, imitaciones y cambios de carácter según indicaciones del texto. Este tipo de acompañamiento es el que se

utiliza en los soliloquios (monólogos) y diálogos más importantes (Dale, Grove online,

2009).

Con la popularización de la ópera seria, los patrones melódicos y las cadencias se

estandarizan, mientras que en la ópera buffa el diálogo ligero se convierte en un vehículo

para comprender la complejidad de las escenas. Así mismo, para ayudar a la mejor comprensión musical, el recitativo se organiza con un esquema armónico simple, donde son comunes los enlaces de dominantes secundarias, el uso de progresiones I – IV – V – I donde el último enlace V – I se convierte en I – IV del siguiente, y la yuxtaposición de

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El acompañamiento es importante en la medida que apoya tanto al texto como al cantante, pero sin limitar las decisiones interpretativas que éste tome con respecto al afecto del texto; es de allí que parte la importancia del recitativo, puesto que transforma un texto escrito en un drama musical, mostrando a la audiencia innumerables interpretaciones de un mismo sentimiento; por tal razón, los cantantes deben abordar los recitativos con ciertos parámetros que los guíen hacia una interpretación aproximada a la deseada por el compositor.

Existen manuales que explican cómo abordar un recitativo y dan varios consejos para hacer un acercamiento correcto al momento de cantarlos. Los primeros manuales sobre cómo

cantar un recitativo fueron escritos por miembros de la camerata fiorentina1

(principalmente Caccini con su publicación “Le Nuove Musiche”, 1602), quienes entre

otros aspectos, señalan tres características principales e importantes para cantar un recitativo: Primero, el texto se tiene que entender claramente, razón por la cual, se debe interpretar por una sola voz con el acompañamiento más sencillo posible, preferiblemente por un laúd tocado por el cantante y sin contrapunto. Segundo, las palabras deben ser cantadas con declamación correcta y natural, como si se estuviera hablando, evitando las métricas danzables; aunque hay acordes tocados por el bajo y una melodía guía para cantar, el objetivo es hacerlo más hablado que cantado. Tercero, la melodía no debe describir solamente detalles del texto sino que debe interpretar el sentimiento del pasaje completo haciendo uso de la intensidad e imitación de los acentos y entonaciones propios de una

persona que está hablando bajo la influencia de una emoción determinada (Grout, 2003.

36).

En el siglo XVIII, debido a la evolución del género, se escriben nuevos manuales y tratados musicales que complementan y enriquecen los consejos para cantar recitativos anteriormente mencionados. Entre algunos de estos, se destacan las siguientes características: El recitativo se debe interpretar como una declamación, y como tal, se debe comenzar por leer el texto, descifrando cuál es la emoción que se pretende reflejar; se deben imitar los acentos y entender los significados de las palabras por encima de las notas que están en la partitura, al leer el texto con el sentimiento implícito, la melodía guía del compositor cobra sentido en sí misma; de igual manera, todos los patrones escritos en la partitura como ritmo, métrica y dinámicas, son simplemente una guía para llegar a expresar correctamente las emociones de la acción, lo cual le da al cantante la libertad de flexibilizar

el tempo, estirándolo o encogiéndolo según las necesidades del texto (Zeiss, 2004. 143).

Entender el texto a la perfección es de vital importancia, ya que se pueden resaltar algunos acentos o jugar con los colores de ciertas palabras especificas. Al no tener idea de lo que significan pierden el sentido, rompiendo así el hilo que existe entre la música y el texto. El       

1 Camerata Fiorentina: Grupo de pensadores, entre ellos el Conde Bardi, los compositores Rinuccini, Peri y

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  4 recitativo se interpreta distinto dependiendo el idioma en el que se cante, estas diferencias de interpretación tienen que ver directamente con los acentos prosódicos de los textos y la métrica típica de la poesía de cada idioma, características que los compositores toman como

referencia para hacer la partitura guía y la música que acompaña un recitativo (Zeiss, 2004.

143).

Los gestos también son muy importantes al interpretar un recitativo, ya que no solo es el texto y la música lo que el espectador está percibiendo, sino también su presencia escénica. Por esta razón, todas las acciones que tengan lugar mientras se canta, deben estar encaminadas a la mejor comprensión del texto y no a la distracción de la atención. Los gestos al igual que los acentos, se pueden utilizar para enfatizar palabras importantes del

texto, o para clarificar situaciones que no quedan explicitas con el canto (Zeiss, 2004. 143 –

144).

Por otro lado, el cantante tiene una herramienta que puede usarse para enfatizar aun más la importancia del texto y es la improvisación y ornamentación de las melodías escritas. Se ha hecho especial énfasis en que la partitura es simplemente una guía rítmico-melódica que ayuda al cantante en su decisión al momento de interpretar el recitativo, pero el intérprete tiene la libertad de agregar o quitar notas para expresar mejor un sentimiento o para resaltar una palabra, de hecho, los compositores del siglo XVIII permitían a los cantantes cambiar algunas notas siempre y cuando no se cambiara la armonía del acompañamiento; esto servía a los cantantes en la medida en que ellos podían encontrar caminos que los llevaran a una

mejor expresión e incluso a una mayor comodidad en su tesitura (Zeiss, 2004. 144 – 145).

Es propio de los recitativos que se utilicen apoggiaturas en las cadencias finales e incluso

en ciertos momentos al interior de ellos, y es más común aún, el finalizar la voz antes que el acompañamiento como símbolo de emoción. Finalmente, la velocidad a la que se canta un recitativo, definitivamente está directamente relacionada con la emoción o sentimiento que

se quiera expresar en ese momento (Zeiss, 2004. 145 – 146).

Abordar un recitativo parece fácil a primera vista, pero en el momento en que el cantante se da cuenta de todo el proceso por el que tiene que pasar, entiende realmente la dificultad de cantar recitativos y la importancia que tienen dentro de la ópera a la que pertenecen. Este escrito se centrará particularmente en la importancia del recitativo como hilo conductor entre el drama y la música, cómo reconocerlo como pieza vital en la ópera y así mismo cómo abordarlo e interpretarlo, ya que es él quien narra la historia a desarrollar, da continuidad a las acciones y conecta la trama con los personajes expuestos en las arias. Para

este propósito se analizará el recitativo que antecede al aria “Dalla sua Pace (Don

Giovanni)” de W. A. Mozart.

En la ópera de W. A. Mozart, Don Giovanni, el personaje interpretado por el tenor (Don

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obliga a protegerla sin importar lo que tenga que hacer para defender su honor. En el aria “Dalla sua Pace”, Don Ottavio declara lo enamorado que está de su prometida Donna

Anna dejando en claro que de la paz que ella tenga depende la de él, y si algo le hiere a ella

a él le da la muerte. Este es un ejemplo de cómo el aria se utiliza para describir emociones, sentimientos o reflexiones propias:

Dalla sua pace la mia dipende; Quel che a lei piace vita mi rende, Quel che le incresce morte mi dà.

S'ella sospira, sospiro anch'io; È mia quell'ira, quel pianto è mio; E non ho bene, s'ella non l'ha.

De su paz depende la mía, Lo que le place me da vida, Lo que la hiere muerte me da.

Si ella suspira, suspiro también; Es mía su ira, su llanto es mío. Y no tengo dicha, si ella no la tiene.

Por otro lado, para poder conectar la acción que se está desarrollando antes con esta aria, es necesario un recitativo que la preceda y explique el por qué se llega a este pensamiento tan

profundo de Don Ottavio. Antes de la entrada a escena de Don Ottavio, el padre de Donna

Anna (el Comendador) se debate en un duelo con Don Giovanni, quien lo deja herido de

muerte. Donna Anna, al presenciar este crimen le pide a su prometido (Don Ottavio) que

vengue la muerte de su padre. Así, salen todos los personajes concluyendo la escena.

Don Ottavio por su parte, queda solo en el escenario todavía atónito por lo ocurrido, por esta razón, jura vengar la muerte de su futuro suegro, demostrando a su prometida el amor que él siente por ella y la seguridad que ella debe sentir al tenerlo a él como esposo

protector. En este caso, la acción dramática de Don Ottavio es la decisión que toma de

vengar al Comendador y es por medio de un recitativo secco que se expone rápidamente tal

decisión.

Como se ha observado a lo largo de este escrito, lo más importante a tener en cuenta al abordar un recitativo, es lo que está escrito en el libreto y el contexto de éste. Siguiendo los consejos de los manuales, lo primero que hay que hacer, es saber el significado de lo que se está cantando:

Come mai creder deggio, Di sì nero delitto

Capace un cavaliere!

Ah! di scoprire il vero Ogni mezzo si cerchi.

Io sento in petto E di sposo e d'amico Il dover che mi parla:

Disingannarla voglio, O vendicarla.

Jamás hubiera creído, De tan negro delito, Capaz a un caballero!

Ah! busquemos la verdad Por todos los medios.

Siento en mi pecho, De esposo, de amigo, El deber que me llama:

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  6 Ahora, sabiendo el significado del texto, es importante notar cuál es la emoción que predomina durante el recitativo para cantarlo todo con ese afecto. En este caso las dos

emociones predominantes son: La venganza y la indignación. Venganza porque Don

Ottavio desea servir a su prometida, limpiando su honor y no dejando impune el asesinato de su padre; e indignación porque aún no comprende cómo un caballero de tal envergadura

como Don Giovanni, es capaz de burlarse de una dama como Donna Anna y más aun,

cometer un crimen para luego salir huyendo.

Una vez entendido ésto, el siguiente paso en la interpretación del texto sugiere señalar qué palabras son importantes para decidir cuáles enfatizar y cuáles no, dejando en claro lo que está sucediendo de acuerdo a las emociones.

En primera instancia se pueden encontrar muchas palabras a las que se les puede hacer un énfasis claro, es deber del cantante escoger de todas las opciones posibles las que le parezcan más adecuadas a su interpretación.

En la primera frase, hay tres palabras importantes para resaltar: nero (negro), delitto

(delitto) y cavaliere (caballero). Nero y delitto son importantes ya que hacen referencia al

asesinato del Comendador. En nero el compositor sugiere una pausa, ya que cambia la

figura rítmica de corcheas y semicorcheas a una negra, esta pausa se debe a que se está

hablando de muerte. En delitto se puede hacer una appoggiatura resaltando una disonancia

entre el Bb de la melodía y el A del bajo continuo dándole importancia a la acción que

reprocha Don Ottavio. En cavaliere, se está refiriendo a Don Giovanni, agresor del

Comendador y protagonista de la ópera, por tal razón se puede enfatizar esta palabra

alargando un poco el tempo, con una dinámica forte y una appoggiatura que destaque el C

sobre el Bb de la armonía (Gráfica 1).

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En la segunda frase, hay dos palabras importantes: vero (verdad) y cerchi (buscar). En vero

y en cerchi se pueden hacer appoggiaturas, resaltando el C de la melodía con respecto al B

del bajo continuo en vero y resaltando el D con respecto al C de la armonía en cerchi. Estas

palabras son importantes porque predicen el plan que Don Ottavio junto a Donna Elvira y

Donna Anna ejecutarán para descubrir las intenciones que tiene Don Giovanni con Zerlina (Gráfica 2).

En la tercera frase, hay tres palabras que tienen que ser enfatizadas: petto (pecho), sposo

(esposo) y amico (amigo). Estas tres palabras son muy importantes debido a que anteceden

el tema a tratar en el aria siguiente, que es el amor que siente Don Ottavio por Donna Anna,

además deja entrever no solo su preocupación por la injuria cometida a su prometida, sino

la indignación que siente al ver el comportamiento de Don Giovanni. Para hacer énfasis en

estas palabras hay que comenzar por un súbito cambio en el tempo al llegar a la palabra petto, seguido de un ritardando hasta la palabra amico. Tanto en sposo como en amico, se

pueden hacer appoggiaturas quelas resalten (Gráfica 3).

En la última frase las palabras más importantes son voglio (quiero) y vendicarla (vengarla)

ya que indican el deseo de Don Ottavio de regresarle el honor a su prometida y la

realización en palabras de la emoción predominante en el recitativo, la venganza. Para

resaltar voglio se puede hacer uso de una appoggiatura que resalte la disonancia entre el C

de la melodía y el B de la armonía, mientras que para vendicarla el tratamiento es diferente

al de todas las palabras en el recitativo.

Vendicarla es la palabra más importante de todo el recitativo, no es casualidad que sea la última en ser cantada, ya que ésta expresa directamente la emoción predominante y el fin por el cual Don Ottavio se ha quedado reflexionando solo. Para resaltarla, la dinámica debe

Gráfica 2

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cambiar súbitamente a un forte mientras que para el F que la precede con el conector “o”,

se debe alargar el tiempo, preparando la resolución hacia esta palabra que se dice ansiosamente (Gráfica 4).

Una vez analizada la partitura, el texto y la música, el siguiente paso es tomar decisiones interpretativas que resuman todas las emociones allí expresadas siguiendo los consejos anteriormente expuestos.

Se puede concluir que no basta con cantar las notas escritas por el compositor, los recitativos van mucho más allá de la música, pues no solo hay que entender los afectos de la escena, sino que se debe comprender la relación que hay entre estos y los demás personajes, como afecta si se enfatizan ciertas palabras, si se canta muy calmado o si se canta muy agitado, si el carácter en el que se está cantando realmente ayuda a la comprensión de la escena, en fin, no solamente es cantar, es narrar la historia claramente y para hacer esto es importante tener dominio del idioma, de la música, del texto, del estilo y de los afectos.

Este es tan solo un ejemplo que demuestra la importancia del recitativo dentro de la ópera, cómo al abordarlo conscientemente hace que el interprete exprese de manera fiel al texto lo que la narración propone, lo que el compositor probablemente quiso expresar, cómo éste puede involucrar la música y el drama a través de un mismo hilo conductor para una mejor comprensión de los hechos narrados y de qué forma puede conectar las acciones a desarrollar con las ideas, sentimientos y reflexiones de cada personaje. Sin el recitativo la ópera no existiría, sería simplemente lo mismo que en sus comienzos, teatro con momentos cantados y éste no hubiese evolucionado, porque es a través del recitativo que la música, literatura y teatro se conjugan en un solo arte al servicio de la sensibilidad del público.

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Bibliografía

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University, c2003: p. 9-12, 14-16, 21-38

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Latham. Oxford Music Online. 01 Jun. 2009

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Singing – The Official Journal of the National Association of Teachers of Singing 61:2 (November-December 2004): 143-153

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• Orrey, Leslie. Opera: A Concise History. Singapur: Thames and Hudson, 1996: p.

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figura rítmica de corcheas y semicorcheas a una negra, esta pausa se debe a que se está

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Referencias

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