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CAV I

Apuntes 3

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IES SAN ISIDRO – ADRID

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DEPARTA ENTO DE DIBUJO

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IMAGEN DINÁMICA

En estos apuntes vamos a analizar la gramática visual que se utiliza en la imagen dinámica así como su utilidad en documentos audiovisuales como la publicidad, la contrapublicidad y el stop-motion.

En concreto, este será el índice:

1. Publicidad

1.1. Publicidad subliminal

1.2. Crítica social en la publicidad 2. Contra-publicidad

3. Stop-motion

4. Gramática audiovisual: 4.1. Figuras retóricas 4.2. Tipos de plano 4.3. Ángulos de cámara 4.4. Movimientos de cámara

4.5. Toma, plano, secuencia, plano-secuencia 5. La guionización

6. Roles en un equipo de rodaje

1. Publicidad

Definición: Es la disciplina comunicativa cuyo objetivo principal es persuadir al público para la compra de un producto o un servicio ofrecido por una organización.

Elementos: como en todo producto comunicativo, sus elementos son:  Emisor : El estudio publicitario

 Fuente: La empresa anunciante

 Receptor: El espectador y/o posible consumidor

 Mensaje: El producto o servicio que se quiere vender y sus cualidades  Canal: El medio en el cual se encuentra ese anuncio (revista, tv, cine,

periódico, internet, buzoneo, vallas publicitarias, marquesinas de autobuses, etc)

 Código: Varios códigos como: visual-icónico, visual-escrito, auditivo, visual-dinámico…

Público: Es el conjunto de personas relacionadas entre sí por intereses o afinidades comunes, que va a ser el receptor de una publicidad concreta. Hay dos tipos:

 Público potencial: Es el conjunto total de personas susceptibles a adquirir un producto o servicio determinado . Viene determinado por su poder adquisitivo, edad, sexo, estilo de vida, nivel sociocultural, cultura de origen, influencias del mercado, corrientes de opinión (amistades)..

 Público objetivo o real: Es el conjunto de personas que ya es consumidora de ese producto o servicio. Por lo tanto, tiene una relación de fidelidad con el producto y/o la marca.

Los estudios de mercado están dirigidos a determinar ese público potencial dentro del conjunto de la sociedad. De este modo, el publicista adaptará su campaña publicitaria a las preferencias y necesidades de esos posibles consumidores y contribuirá a elevar las ventas.

Nicho de mercado y Ventaja diferencial: El nicho de mercado es un concepto abstracto. Significa un espacio libre dentro del mercado, es decir, se han descubierto unas necesidades insatisfechas dentro de un público potencial que aún no han sido cubiertas por ningún producto o servicio. Es un espacio dentro del mercado que una empresa puede conquistar sin ningún competidor.

La ventaja diferencial es lo que hace distinto a un producto de otro, son sus cualidades específicas, aquellas que hacen al producto mejor que otros similares en el mercado.

Necesidades: Son los estados psicofísicos que nos marcan lo que nos falta para obtener lo que deseamos. Muchas veces esas necesidades son subconscientes y el consumidor no sabe que las tiene hasta que descubre el producto que se las resuelve. Tipos de necesidades:

 Necesidades básicas: alimentación, hidratación, abrigo, sueño, etc

 Necesidades de seguridad: vivienda, leyes, normas viales, protección familiar, etc

 Necesidades sociales: grupos de pertenencia, amistades, filiación a un clan o cultura nacional, etc

Finalidad de una publicidad: La publicidad tiene por finalidad mostrar que se puede satisfacer una necesidad de las personas con un producto o servicio, y movilizar a las personas hacia su compra.

El departamento de Marketing de una empresa se encarga de realizar estudios de mercado con los que localizar nichos de mercado, públicos potenciales y necesidades que la empresa puede cubrir. Además, (en función del público potencial) especifica la ventaja diferencial del producto de forma que la empresa publicitaria focalice su campaña en esas ventajas y esas necesidades.

1.1. Publicidad subliminal

Definición: Es aquella publicidad que contiene mensajes ocultos no percibidos conscientemente por el espectador. Estos mensajes ocultos buscan condicionar al espectador hacia la compra del producto.

Objetivos:

 Crear un estímulo que no perciba conscientemente

 Crear una necesidad en el consumidor que previamente no tenía  Influir en la conducta de los posibles compradores

Procedimientos: Hay varias formas de introducir información subliminal en un anuncio publicitario:

 Imágenes escondidas: Aprovechando las texturas en determinadas zonas de la imagen, o incluso formas fragmentarias que luego se unen, se introducen imágenes inductoras al sexo, a la violencia, al delirio, etc .Ejemplo: en los hielos de un vaso aparecen siluetas de mujeres desnudas y formas fálicas.

 Ilusiones visuales: El juego compositivo entre líneas, formas y espacios vacíos generan siluetas que a primera vista no se aprecian, pero que el subconsciente recoge.

 Emisiones de ultra-frecuencia: Este procedimiento es ilegal y está prohibido por la legislación vigente, pero se utilizó mucho entre los años 60 y 80. Consiste en colocar fotogramas aislados en un documento audiovisual y repetirlos con una frecuencia determinada. El ojo no llega a ver la imagen conscientemente, pero el cerebro la registra y genera esa necesidad. Los experimentos marcaron una alta eficiencia en este procedimiento, ejemplo: en una película se insertó “Beba Coca-Cola” cada 20 s; en el descanso, el 90 % del público compró Coca-Cola.

 Luz y sonido: Los efectos de luz y sonido en un documento audiovisual generan emociones irracionales en el publico; el publicista puede hacerse consciente de esos vínculos y utilizarlos a su favor.

 Simbolismo del color: El color tiene un fuerte significado simbólico,. Es la herramienta más comúnmente utilizada en publicidad para transmitir significados subconscientes y movilizar al espectador. En este procedimiento también entran las connotaciones emocionales de las tipografías y de los principios compositivos de una imagen.

1.1. Crítica social en la publicidad

En ocasiones, la publicidad pone en cuestión lo establecido socialmente para captar la atención del espectador y movilizarle hacia una conducta específica. Se aprecia porque el documento publicitario resulta provocativo. Se suele producir en campañas de concienciación: consumo responsable, amor a la naturaleza, compromiso social, seguridad vial, cuidado de los animales…

Finalidad: Acercar una idea al consumidor y concienciarle de su importancia, generando el mayor impacto posible.

Solución: La crítica social debe utilizarse para construir mensajes positivos y no sólo criticar lo que no funciona.

2. Contra-publicidad

Características:

 Rechazo del modelo económico dominante  Rechazo de las prácticas empresariales abusivas

 Crítica al lenguaje visual, simbólico y expresivos utilizados  Denuncia de la publicidad como motor de consumo sin límites

 Evidenciación de las realidades distorsionadas mostradas por la publicidad  Ridiculización de las falsas necesidades de consumo, promovidas por la

publicidad

 Propuesta de alternativas éticas y conectadas a valores solidarios

Elaboración:

 Paso 1: Elaboración de equipos de trabajo y distribución de roles (director, cámara, actores, atrezzistas, maquillaje, cámara fija, etc)

 Paso 2: Determinación dentro del equipo del área temática publicitaria en la que se quiera trabajar y de los valores que se quieren denunciar. Ejemplo: Cervezas, cosmética, productos deportivos, desodorantes, ropa, juguetes, etc.

 Paso 3: Búsqueda, visionado y selección de un anuncio publicitario que se quiera versionar

 Paso 4: Discusión sobre los contenidos subliminales del spot elegido y sobre los valores que se quieren aportar en su versión contrapublicitaria.  Paso 5: Elaboración de guiones: idea inicial, guión literario y guión técnico  Paso 6: Filmación

 Paso 7: Edición de los clips filmados y elaboración de la película. La película ha de contener en este orden: Productora (inventada por el equipo), título, spot contrapublicitario, frase final o moraleja, créditos, tomas falsas.

Finalidad: Trasladar a la sociedad modelos de comportamiento alternativos a la producción y consumo en masa a los estereotipos sociales y a la discriminación de cualquier tipo, reelaborando los mensajes publicitarios.

3. Stop-motion

Definición: técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas.

 Está compuesto por fotogramas, consistentes en tomas fotográficas individuales que retratan sucesivos momentos del movimiento de los personajes.

 Tiene una estructura temporal regular: las fotos se encajan en una trama temporal homogénea, de forma que van cambiando en intervalos idénticos. Ejemplo: una foto/segundo, 2 fotos/segundo, etc. Cuando queremos generar un estado de quietud, repetimos la misma foto las veces que sea necesario. Ejemplo: en una estructura de 2 fots/seg, pondremos 6 veces la misma foto si queremos que el personaje esté parado durante tres segundos.

 Normalmente dura al menos 2 minutos: Esto hace que, si escogemos una estructura temporal de 2 fots/seg, necesitemos organizar la narración en un mínimo de 240 fotografías.

 Narra una historia: Si bien podemos ver muchos stop-motion que quieren mostrar una gran habilidad técnica y tienen guiones con poco interés narrativo, es importante recordar que, por sencilla que sea la historia que queremos narrar, debe tener una introducción, un conflicto o nudo, y un desenlace.

 Es un documento audiovisual: Esto significa que, para enriquecer el resultado necesita, además de la serie fotográfica:

o la exhibición de una “productora” y de un título, al inicio

o la exhibición de los títulos de crédito, y de las tomas falsas o el “making of”, al final.

 Emplea o puede emplear todos los elementos de la gramática audiovisual que vemos en estos apuntes.

 Requiere planificar cuidadosamente las tomas fotográficas para ajustar la velocidad que deseamos aportar a cada movimiento de los personajes, de manera que la historia se capte perfectamente, se hagan las pausas que nos interesan y se logren movimientos con velocidades distintas.

 Se pueden generar los personajes con multitud de estrategias: personas, juguetes, maquetas, plastilina, dibujos, post-it, etc.

Elaboración:

 Paso 1: Elaboración de equipos de trabajo y distribución de roles (director, cámara, actores, carpintería, creadores de marionetas, atrezzistas, maquillaje, cámara fija, etc)

 Paso 2: Determinación de la idea inicial y redacción del guión literario.  Paso 3: Elaboración del guión técnico. Revisión de la fragmentación

temporal y ajuste del número de fotogramas necesario para cada “movimiento” o plano.

 Paso 5: toma fotográfica ordenada.

 Paso 6: Edición de las tomas fotográficas y elaboración de la película. Generación de efectos especiales a través de la manipulación de las fotografías.

 Paso 7: Inclusión del sonido para potenciar la tensión narrativa y las emociones. La película ha de contener en este orden: Productora (inventada por el equipo), título, stop-motion, créditos, tomas falsas.

Finalidad: Explorar expresividad y creatividad de las personas y los materiales, así como influir en la sociedad a través de la comunicación de una idea y/o unos valores.

4. Gramática audiovisual:

Se refiere a todas las herramientas y estrategias que utilizamos para generar documentos audiovisuales.

4.1. Figuras retóricas

Definición: Son estrategias visuales utilizadas por los publicistas para reforzar o introducir determinados significados simbólicos en los anuncios publicitarios. Vamos a ver 18 figuras retóricas:

 Símil o Comparación: Es la comparación explícita entre dos elementos. Los dos objetos aparecen en la imagen, con un tamaño similar, uno al lado del otro, para que los veamos claramente y de manera equivalente.

 Hipérbole: Es la exageración de un objeto en su tamaño y se aprecia claramente porque su contexto tiene una escala más reducida o porque al lado aparece un objeto/persona con un tamaño relativo menor al que le corresponde.

 Metonimia: Es una figura de apreciación compleja, pues está basada en la idea de representar sólo una parte del objeto según alguna de estas estrategias:

o parte-todo: Se ve una parte del objeto anunciado. Ejemplo: anuncio de pantalón Lois, en el que sólo se ve el bolsillo trasero con la marca bordada.

o autor-obra: El objeto no aparece en la imagen y sí quien ha hecho ese objeto. Ejemplo: anuncio del último de Almudena Grandes, en el que se la aprecia a ella mirando al espectador sonriente.

o continente-contenido: Se ve lo que está dentro del objeto pero no la forma exterior. Ejemplo: anuncio de un coche en el cual la carrocería no está y sí los asientos y los pasajeros.

 Metáfora: Relación simbólica entre el objeto anunciado y otro que lo representa. El objeto anunciado no aparece en la imagen, sólo su símbolo. ¡Ojo!, no estamos hablando aquí del logotipo del objeto, sino de otro objeto que encarna las cualidades del producto. Ejemplo: un jarabe para la tos fuertemente mentolado, en la imagen sólo se ve una cuchara con hojas de menta.

 Alegoría: Es una metáfora compleja compuesta por varios símbolos o metáforas. Muchas veces incluye encarnar un valor en la figura de una persona. La alegoría siempre aborda temas universales como ideas religiosas, sociales, políticas, científicas y éticas. Ejemplo: en un anuncio de Greenpeace, aparece una figura femenina con los ojos vendados y una balanza en la mano. En un platillo de la balanza está el logo de Greenpeace y en el otro platillo césped y varios árboles.

 Antítesis: Es una comparación entre dos ideas opuestas para resalzar la diferencia cualitativa de uno de los productos (el que se quiere vender). Aparecen los dos objetos uno al lado del otro con un tamaño similar. Ejemplo: En un anuncio de cosmética, aparece un rostro a la izquierda fresco y juvenil, y a la derecha el mismo rostro recorrido por grietas y arrugas.

 Paradoja: Se relacionan dos ideas incompatibles entre sí dentro de una misma imagen, para potenciar la cualidad específica del producto que estamos anunciando. Son ideas mutuamente excluyentes, desde la lógica no podrían estar juntas; se fuerza esa asociación para generar impacto y desconcierto en el espectador. Ejemplo: En un anuncio de Nespresso descafeinado se ve una taza de café solo, la espuma conforma una luna creciente y el slogan dice algo parecido a “Lo mejor para dormir”.

y/o luz. Ejemplo: anuncio de polos Lacoste en el que se ven multitud de polos doblados uno encima del otro en perfectas columnas llenando toda la imagen y variando tan solo la gama de color.

 Concatenación: Repetición de imágenes parecidas generando una secuencia o historia. Ejemplo: anuncio de Mac Donalds, tipo cómic de cuatro viñetas, en el que se ve a un niño abrir su Happy-meal y comérselo.

 Elipsis: Eliminación del objeto que se está anunciando dentro de la imagen, aunque por los elementos contextuales se ve claramente que falta. Ejemplo: anuncio de cámara Kodak, en el que se aprecian unas manos sosteniendo una cámara para fotografiar un maravilloso paisaje alpino; la cámara no está y entre las manos sosteniendo un “espacio vacio” se ve el paisaje que se quiere fotografiar.

 Eufemismo: Es la sustitución de lo que se quiere anunciar por algo más suave y que facilita su aceptación social. Ejemplo: anuncio de preservativos en el que se sólo a dos ositos de peluche besándose.

 Humorismo: Consiste en potenciar el producto a través del sentido del humor. Muchas veces exagera la eficiencia del producto para lograr ese sentido cómico. Ejemplo: anuncio de una pantalla de tv 3D; se ve a una mujer en el salón de su casa riñendo a un velociraptor para que entre de nuevo en la pantalla.

 Ironía: Es un humorismo exagerado en el cual la imagen llega a mostrar lo contrario de lo que se quiere decir.

 Sarcasmo: Es una ironía mordaz e incluso cruel. Tiene un gran impacto visual y suele presentar una realidad demoledora. Ejemplo: anuncio de Greenpeace denunciando el cambio climático en el que se ve a un oso polar pidiendo limosna en un pueblo de Alaska y totalmente ebrio.

 Prosopopeya o Personificación: Atribución de cualidades humanas a animales o seres inanimados. En la imagen ese objeto o animal tiene apariencia inteligente. Ejemplo: anuncio de Ballerina, en el cual una bayeta tiene ojos y boca y se pone a bailar recorriendo toda la casa.

hojas, recortadas contra un cielo claro producen la percepción de un rostro fantasmagórico.

 Hipérbaton: Es la alteración del orden lógico de los elementos que componen una imagen. Ejemplo: anuncio de National Geographic en el que se ve un elefante cortado en tiras verticales y todas esas tiras desordenadas entre sí a modo de collage.

 Tipograma: Juego tipográfico en el cual mediante el uso acumulativo de letras se configura la forma del producto que se quiere publicitar. Ejemplo: anuncio de zapatillas Nike, en el cual las letras del slogan van variando de tamaño rellenando y adaptándose a la silueta de una zapatilla de baloncesto.

4.2.

Tipos de plano

Son las distintas formas en que la realidad es captada por una cámara fotográfica o video-gráfica. En concreto se refieren a la cantidad de espacio que entra en el campo de visión (en la imagen).

 GPG (Gran Plano General): aparece un gran paisaje, en el que los humanos apenas se verían. Suele utilizarse para escenas introductorias en las que se quiere describir el contexto en el que va a suceder la historia. También para generar cambios importantes en el desarrollo, tanto espaciales como temporales. Si lo comparásemos con una novela, aparecería al principio y además se utilizaría para señalar el cambio de capítulo.

 PG (Plano General): es una vista completa del escenario en el que va a suceder la acción. Suele tratarse de una vista de exterior (una calle, un centro comercial, un jardín, etc) o de una vista interior (el salón de una casa, el hall de un hotel, etc). Es descriptivo, sitúa a los espectadores en los cambios de escenario. Permite por lo tanto construir saltos temporales, pues suponemos que entre lo sucedido anteriormente en un escenario y la imagen del nuevo ambiente, algo ha pasado que la historia no narra, y por lo tanto, ha pasado cierta cantidad de tiempo.

personaje que estamos siguiendo dentro del grupo con el que interactúa: cuál es su rol en el grupo, qué actitud muestra ante los demás, qué prestigio tiene…

 PE (Plano Entero): La cámara sigue al personaje, dejándolo enmarcado en la imagen. Es ya un plano narrativo que muestra las acciones que este desempeña. Normalmente se centra en desplazamientos, acciones simbólicas, movimientos rápidos y violentos, peleas, etc.

 PL (Plano Largo): La cámara enfoca al personaje desde la cabeza hasta las rodillas o algo por debajo, por lo que el personaje aparece incompleto. Es también un plano narrativo, aunque se centra más en los movimientos de brazos y del cuerpo que en los desplazamientos. Por lo tanto, expresa la voluntad del personaje, sus acciones intencionadas.

 PA (Plano Americano): El personaje aparece desde la cabeza hasta la cadera o algo por debajo. Narra acciones del personaje centradas, normalmente, en la comunicación. Suele utilizarse para mostrar conversaciones convencionales, distanciadas o entre personas con poco grado de intimidad. También se utiliza mucho en el cine americano para seguir las acciones frenéticas del personaje: al haber poco más de medio cuerpo a la vista, la sensación de que se puede salir de plano es mayor; esto hace que se incremente el dinamismo de la imagen.

 PM (Plano Medio): Sólo se ve hasta la cintura del personaje. Es un plano a caballo entre la acción y las emociones. En este plano se empieza a apreciar con bastante detalle las expresiones del rostro, por lo que se utiliza en acciones individuales con una fuerte carga emocional y que están centradas en la mímica del rostro y de las manos.

 PC (Plano Corto): Es un plano emocional. Se ven los hombros del personaje y la cabeza. Se utiliza en conversaciones íntimas, nos permite intuir que los personajes que están hablando, se encuentran muy cerca uno de otro. Se valoran mucho los silencios y las expresiones del rostro. En ocasiones se utiliza para expresar ensimismamiento y/o soledad.

 GPP (Gran Primer Plano): Es el plano emocional por excelencia. Se ven sólo los ojos del personaje, quizás también la nariz. Es como acercarnos mucho al personaje, como compartir su espacio vital, como contagiarnos de sus obsesiones. Buscamos identificarnos totalmente con lo que el personaje está sintiendo. Así pues, se utiliza para hacer que el espectador empatice con él y viva en su propia piel las emociones del personaje.

 PD (Plano de Detalle): Son planos en los que aparecen detalles tomados de cerca, por ejemplo: la mano del personaje sosteniendo las llaves del coche, la medalla de mi abuela caída sobre la moqueta junto al sofá, unas manos vertiendo una píldora en la copa de vino… se trata de expresar detalles clave de la historia que hacen que todo tenga sentido o que provocan un giro en los acontecimientos. A menudo muestran cosas de gran importancia que pasan desapercibidas para los personajes y que son mostradas al espectador, para que viva la tensión de saber más que los protagonistas y que sufra por sus meteduras de pata. Por lo tanto, la utilidad de los planos de detalle es aportar tensión narrativa y suspense.

4.3. Ángulos de cámara

Son las diferentes posiciones que toma la cámara en relación con lo que está retratando o filmando. Son cinco:

 Ángulo Cenital: La cámara se encuentra por encima de lo retratado. Por lo tanto enfoca totalmente hacia abajo, mostrando una vista similar a la que podría tener un pájaro en vuelo. Se utiliza a menudo para generar vértigo y/ o incertidumbre. Ejemplo: el personaje camina sobre un andamio en lo alto de un rascacielos, a continuación aparece un plano cenital: se ven los pies del personaje, la barra de acero sobre la que pisa y mucho más abajo, la calle, los coches y los transeúntes.

 Ángulo Picado: La cámara se encuentra más alta que lo que se retrata, pero no está exactamente encima. Se utiliza para “humillar” al personaje y poner la cámara en una situación de superioridad moral o prepotencia. En ocasiones, esta cámara está expresando el punto de vista de uno de los personajes de la historia.

generalizada, pues permite transmitir descripciones, acciones, comunicación y emociones con naturalidad.

 Ángulo Contrapicado: La cámara se encuentra más bajo que aquello que se está retratando. Aporta fuerza a lo retratado y prestigio. Sitúa al espectador en una actitud de humildad y admiración; en ocasiones transmite impotencia y fragilidad ante el poder de lo que se está retratando.

 Ángulo Nadir: La cámara se encuentra muy baja respecto a lo que se está retratando, prácticamente a sus pies. Lo retratado aparece agigantado, grandioso, terrible, y el espectador se siente sobrepasado por la potencia de lo que se muestra. Muy a menudo, este ángulo se utiliza para mostrar lo que ve uno de los personajes en la historia al mirar hacia arriba.

4.4. Movimientos de cámara

En las filmaciones, muy a menudo la cámara se mueve mientras está filmando para acompañar a los personajes o para generar determinados efectos. Estos movimientos tienen nombre específicos, que son:

 Panorámica: Giro de la cámara sobre su propio eje. Esta panorámica puede ser:

o horizontal, si la cámara gira horizontalmente.

o vertical, si la cámara gira de arriba hacia abajo o de abajo hacia arriba.

o diagonal, si el enfoque de la cámara gira lateralmente al tiempo que sube o baja

o circular, si gira sobre sí misma recorriendo toda la habitación (360º)

o barrido, si la cámara hace el giro muy rápido de modo que se pierde la nitidez de la imagen.

La panorámica tiene varias funciones:

o Descriptiva: se hace el giro para abarcar más espacio del plano y describir la totalidad del escenario. Suele utilizarse con planos descriptivos (GPG, PG y PC)

o De acompañamiento: sigue el desplazamiento del personaje. Se utiliza con planos de acción (PE, PL y PA)

 Travelling: Es el desplazamiento longitudinal de la cámara. Aporta un punto de vista dinámico, generando la sensación de movimiento. Puede ser de tres tipos:

o De avance: la cámara se acerca a lo que está retratando o filmando. Ejemplo: la cámara sustituye a la mirada del protagonista al asomarse por la ventana del tren en movimiento y observar cómo se está acercando a la estación y a su novia (quien espera de pie en el andén)

o De retroceso: la cámara se aleja de lo que está retratando. Ejemplo: la cámara está mirando por la escotilla de una nave espacial y capta la Tierra cada vez más pequeña y lejana.

o De acompañamiento: La cámara se mueve en paralelo al personaje

que retrata, acompañándole en su viaje. Ejemplo: la cámara enfoca a una mujer que conduce un descapotable y se ve que el paisaje de detrás se mueve. Sin embargo, la distancia entre el personaje y la cámara permanece estable.

 Zoom: Es un falso movimiento de cámara. En realidad esta se encuentra quieta, pero se hace un cambio en el enfoque, de modo que el espacio capturado varíe. Y así, parece que la cámara se acerca o se aleja del personaje. Puede ser de dos tipos:

o Zoom-in: la cámara capta cada vez menos espacio. El resultado es que parece que el espectador se acerca al personaje.

o Zoom-out: la cámara capta cada vez más espacio, parece que nos alejásemos del personaje.

 Plano secuencia: Es un plano de larga duración, en el que suceden varias acciones del personaje, o incluso de varios personajes, sin que se produzcan cortes. En los planos secuencia la cámara se suele mover por el espacio de manera más o menos libre, siempre al servicio de la narración.

 Grúa: Este movimiento se caracteriza por su amplitud y diversidad, ya que al colocar la cámara en una grúa, esta se mueve con bastante libertad. El resultado es un movimiento homogéneo y suave que produce una sensación en el espectador de observador imparcial y neutro.

subjetividad, como si la cámara estuviera realmente dentro de la película y fuera la cabeza (y los ojos) de uno de los personajes.

4.5. Toma, plano, secuencia, plano-secuencia

Igual que en un texto escrito las letras se organizan en palabras, estas en frases, las frases en párrafos y estos últimos en capítulos, en un documento audiovisual las imágenes también se articulan y organizan para que la información pueda ser transmitida. En este sentido, diferenciamos entre:

 Toma: es cada una de las veces que se filma la misma imagen/acción (el mismo nº de plano recogido en el guión técnico). Algunas veces los protagonistas se ríen, se caen, se traban o sufren imprevistos que desvían la acción de lo guionizado. Otras veces la iluminación no es la correcta. Por eso es necesario repetir el plano hasta que la toma quede bien.

o Por cierto, siempre se filma un poquito de más por delante y por detrás, para luego cortar el clip en el proceso de edición.

o En el montaje se escoge la mejor toma o bien la que, por interpretación o por iluminación, encaja mejor en el conjunto.

 Plano: Es el trocito de historia que se filma de una tacada con el mismo encuadre, angulación y movimiento de cámara, sin cortes. Es también cada uno de los cortes visuales que hacemos en el desarrollo de la historia.

o Se nombra por el número que le corresponde dentro del guión técnico.

o Cada una de las veces que se filma un mismo plano es, como ya hemos explicado, una toma distinta.

o En el proceso de filmación se identifica cada clip porque al principio de la toma se pone delante de la cámara una “claqueta” (especie de mini-pizarra en la que se señala el número de plano que y el número de toma que se está filmando).

o Normalmente una acción completa se desarrolla a través de varios planos. De este modo, retiramos los momentos poco significativos y potenciamos los más importantes, ahorrando tiempo y potenciando la tensión narrativa.

 Secuencia: Es un conjunto de planos que se desarrollan dentro de un mismo escenario y tiempo.

o Cuando cambiamos de escenario en la historia, se produce una nueva secuencia.

o Sucede lo mismo cuando, en el mismo escenario, hay un cambio

temporal (“Unas horas más tarde…”). En el montaje, dicho cambio temporal se suele representar con una cortinilla o bien con subtítulos.

 Plano-secuencia: Es el desarrollo de una acción completa a través de un solo plano de cierta duración (varios segundos, entre 15 y 30) y movimiento libre (la cámara sigue a los personajes sin producir elipsis). Se utiliza cuando queremos adaptar el ritmo narrativo a la vida real.

o ¡OJO! Este ritmo es percibido por el espectador como algo muy lento, por lo que este recurso debe ser usado con prudencia.

5. La guionización

Para elaborar un documento audiovisual, es necesario planificar nuestra idea y detallarla lo más posible, pues un documento escrito constituye el lugar común en el que todos los miembros del equipo encuentran las referencias que necesitan.

La guionización es un proceso en el que las ideas se van concretando a través de varios tipos de guiones, que se realizan de forma consecutiva. Son estos:

 Idea inicial: Este guión consiste en poner por escrito en pocas líneas el argumento de lo que se quiere narrar. Es la columna vertebral de la narración y lo que va a guiar todo el proyecto. Por eso, en esta fase es muy importante lograr una idea original, adaptada a nuestras posibilidades de rodaje y edición, sorprendente, con un final inesperado y, a la vez, con lógica interna.

 Guión literario: Consiste en generar un “libreto” a partir de esa idea inicial. Se vuelve a escribir todo, concretándolo al máximo: escenario, descripción de personajes, vestuario y diálogos. Se enuncian todas y cada una de las acciones que se van a filmar. El guión literario se parece al libreto de las obras de teatro, pero está dividido en secuencias, en vez de en escenas.

analiza y se detallan sus condiciones técnicas. Si bien todos los guiones técnicos tienen una base común, aportaremos ahora la adaptación a los dos proyectos audiovisuales que hacemos en CAV I:

o Guión técnico para el spot de contrapublicidad . Debe contener estas columnas:

 Nº de plano: es el nombre de ese plano. Cuando filmemos, identificaremos cada clip filmado precisamente por este número.

 Acción desarrollada: qué va a aparecer en ese plano

 Personajes: quiénes aparecen en la imagen

 Tipo de plano: esta es su gramática, qué cantidad de espacio se va a ver en la imagen.

 Ángulo y movimiento de cámara: desde qué punto de vista se va a filmar y si se va a utilizar cámara fija o algún tipo de movimiento en la cámara.

 Figura retórica empleada: si la hay, es necesario señalarla para que todos, tanto los actores como el equipo técnico, tengan en cuenta que esta se está fabricando

 Escenario e iluminación: En que lugar se va a rodar y qué iluminación lleva (interior/exterior, día/noche, luz natura/focos/lámparas, etc)

 Diálogos: En ese plano, específicamente qué van a decir los personajes. Qué parte de los diálogos se van a rodar.

 Otros (utilería, etc): se señalan elementos que hemos de tener en cuenta para organizar la filmación.

o Guión técnico para el stop-motion . Debe contener estas columnas:

 Nº de foto: es el nombre de cada imagen. Cuando luego montemos el documento, vamos a identificar cada foto con estos números.

 Acción desarrollada: Qué acción se está fotografiando. Es importante calcular bien el número de fotos que necesita, en función de la velocidad que queramos imprimir a dicha acción y de lo que queremos que dure en pantalla (ver apuntes sobre stop-motion)

 Tipo de plano: la cantidad de espacio que va a mostrar esa imagen.

 Ángulo y movimiento de cámara: Esto se aprecia a lo largo de a serie de fotos que retratan un movimiento/acción.

 Figura retórica empleada: ídem.

 Personajes: señalamos también a qué personajes estamos fotografiando

 Sonido: esto tiene interés porque la foto debe hacerse teniendo en cuenta la carga emocional que queremos ponerle

 Subtítulos: planificamos el teto que acompañará a la serie de fotos de cada “movimiento”, para ayudar a la comprensión de la historia. Hemos de calcular también su duración, para que permanezca suficiente tiempo en pantalla de modo que el espectador pueda leer el subtítulo. ¡OJO! Los subtítulos son sólo un apoyo para la narración visual. Por lo tanto, deben ser breves y no pueden construir la narración (las imágenes deben ser lo suficientemente expresiva e inteligibles)

 Efectos especiales: si la foto en cuestión va a ser procesada posteriormente en photoshop para añadir efectos especiales, es necesario concretarlo.

 Otros (utilería, etc): lo que corresponda añadir y tener en cuenta.

6. Roles en un equipo de rodaje

Un equipo de rodaje está jerarquizado. Normalmente cada persona desempeña una función distinta y tiene capacidad de decisión dentro de un ámbito muy específico. De este modo se garantiza la eficiencia y se evitan las discusiones.

Esto son los roles principales:

 Guionista: Elabora la historia y la transforma en guión literario y técnico. La procedencia puede ser diversa: una historia propia, una novela, un mito…

 Director: Tiene la narración visual en su cabeza y es quien decide cómo se va a filmar la narración, cuál va a ser el ritmo narrativo y cómo deben actuar los protagonistas. Es el que toma las decisiones creativas. Dirige a los actores en su interpretación.

 Director de fotografía: Interpreta las peticiones del director y genera los ambientes necesarios para lograrlo. Por lo tanto, dirige a los iluminadores, a los cámaras y a los atrezzistas.

 Foto fija: persona que se encarga de ir tomando fotografías del proceso de rodaje, y de realizar pequeñas filmaciones que documentan lo que sucede “detrás de las cámaras”, para dejar un testimonio del “cómo se hizo”.

 Iluminador: se encarga de los focos y de conseguir la luz necesaria para un ambiente determinado

 Atrezzista: genera el decorado, arregla el escenario, coloca y retira objetos, etc.

 Localizador: conforme a las necesidades del director, localiza los exteriores que necesita la película.

 Productor: hay varios tipos de productor en una película. Está el productor ejecutivo, que pone el dinero y financia la filmación; es un empresario que invierte, esperando sacar una rentabilidad económica. Está la “productora”, que es la empresa que se encarga de hacer toda la gestión técnica y de contratar y pagar al personal. Está el equipo de producción, que es un sinónimo de “equipo técnico”; normalmente en producción participan muchas personas (carpinteros, pintores y atrezzistas, chicos de los recados, vestuario, maquillaje, etc.). Está el director de producción y su ayudante, que organizan los horarios y cuadrantes de filmación, la contratación de extras y el alquiler de espacios para abaratar costes y aprovechar los recursos al máximo.

 Vestuario: elaboran los vestuarios de los personajes.  Maquillaje y peluquería: preparan a los actores.

 Actores: las personas que actúan delante de las cámaras.

Para simplificar, en nuestros equipos de rodaje, puesto que somos pocas personas, generaremos tan sólo 4 o 5 roles:

 Director: la persona que, en última instancia, tomará las decisiones.  Cámara e iluminación: la persona que se a ocupar de filmar.

 Vestuario y maquillaje: la persona que va a vestir y maquillar a los actores.

 Atrezzista y producción: La persona que va a estar pendiente que los materiales objetos necesarios para ambientar los escenarios.

Además, los guiones serán elaborados en equipo por consenso y reparto de trabajo. Igualmente, deben repartirse las tareas de:

 Documentación fotográfica del proceso.  Edición de la película.

 Selección de la banda sonora.

 Fabricación del logotipo de la “productora”.