UNIVERSIDAD NACIONAL DE EDUCACIÓN Enrique Guzmán y Valle
Alma Mater del Magisterio Nacional
Escuela Profesional de Educación Inicial FACULTAD DE EDUCACIÓN INICIAL
Monografía
El ritmo y su aplicación a niños del II ciclo de educación
inicial
Examen de Suficiencia Profesional Res. N°0006-2019-D-FEI
Presentada por:
Yohana Edith Pérez Osorio
Para optar al Título Profesional de Licenciado en Educación
Especialidad: A.P. Educación Inicial A.S. Niñez Temprana
A Dios por llenar de bendiciones mi camino y
llenar mi vida de color.
A mi familia por todo su apoyo y su
Tabla de contenido
Portada ... i
Miembros del Jurado ... ii
Dedicatoria... iii
Tabla de contenido... iv
Lista de figuras ... viii
Lista de tablas. ... x
Introducción ... xi
Capítulo I: Generalidades 1.1. Música ... 12
1.1.1. Definición de la música ... 12
1.1.2. Breve reseña histórica de la música ... 13
1.1.3. Elementos físicos de la música ... 19
1.1.3.1. El sonido ... 19
1.1.3.2. El silencio ... 20
1.1.3.3. El ruido ... 21
1.1.3.4. Los parámetros de sonidos ... 21
1.1.4. Elementos de la música ... 23
1.1.4.1. Ritmo ... 23
1.1.4.3. Armonía ... 24
1.1.4.4. Textura ... 26
1.1.4.5. Forma ... 26
1.1.4.6. Dinámica ... 27
1.2. Lenguaje musical ... 28
1.2.1. Definición del lenguaje musical ... 28
1.2.2. La representación de la altura: pentagrama, notas, claves ... 29
1.2.3. La representación de la duración: figuras y silencios ... 31
1.3. Educación musical ... 33
1.3.1. Conceptualización de Educación musical ... 33
1.3.2. Importancia de la Educación musical ... 34
1.4. Educación Inicial ... 36
1.4.1. Conceptualización de Educación Inicial... 36
1.4.2. El II ciclo de Educación Inicial ... 37
1.4.3. La educación musical en la Educación inicial ... 38
1.4.4. Importancia de la Educación musical en los niños ... 39
1.4.5. Características del desarrollo evolutivo y musical del niño del II ciclo de Educación inicial ... 41
Capítulo II:El ritmo y su aplicación a niños del II ciclo de Educación Inicial
2.1. Ritmo ... 46
2.1.1. ¿Qué es el ritmo? ... 46
2.1.2. El ritmo en la historia de la música ... 47
2.1.3. Elementos del ritmo ... 48
2.1.3.1. Pulso ... 48
2.1.3.2. Acento ... 48
2.1.3.3. Compás ... 49
2.2. La Educación rítmica ... 54
2.2.1. Definición de Educación rítmica ... 54
2.2.2. Educación rítmica en la Educación Infantil ... 55
2.2.3. El primer contacto del niño con el ritmo y la música ... 55
2.2.4. Metodologías de la educación rítmica ... 56
2.2.5. Adquisición del sentido rítmico ... 60
2.2.6. Importancia de la Educación rítmica ... 61
2.2.7. Bases de la educación rítmica en la Educación Infantil ... 62
2.3. Características del desarrollo evolutivo y musical del ritmo en niños II ciclo de Educación inicial ... 70
2.4. Orientaciones didácticas para los elementos del ritmo ... 71
2.6. El rol del docente para la enseñanza del ritmo ... 101
2.7. Criterios metodológicos para la enseñanza del ritmo ... 101
Capítulo III:Aplicación didáctica 3.1. Propuesta de Taller de música ... 104
Síntesis ... 109
Apreciación crítica y sugerencias ... 110
Referencias ... 111
Lista de figuras
Figura 01: La melodía 24
Figura 02: Los acordes 25
Figura 03: Dinámica 28
Figura 04: Grados de intensidad 28
Figura 05: Pentagrama 29
Figura 06: La melodía 30
Figura 07: La clave 30
Figura 08: La clave fa 31
Figura 09: Figuras y silencios 31
Figura 10: Figuras musicales 32
Figura 11: La corchea 32
Figura 12: Corchetes 33
Figura 13: Pulso 48
Figura 14: Pulso 49
Figura 15: Compases simples 50
Figura 16: Compas ternario 50
Figura 17: Compas cuaternario 50
Figura 18: Compas 2/4 51
Figura 19: Ligadura 52
Figura 20: El puntillo 52
Figura 21: El calderón 52
Figura 22: El tempo 53
Figura 23: Acentuación 53
Figura 24: Contratiempo 54
Figura 25: Tresillo y seisillo 54
Figura 26: Técnica de Dalcroze 57
Figura 27: Líneas cortas y largas 58
Figura 28: Melodías 59
Figura 29: Pulso 60
Figura 31: Una palmada 73
Figura 32: Objetos 74
Figura 33: Cartilla 74
Figura 34: Lámina con canción 75
Figura 35: Ejercicio de pulso y medio pulso 76
Figura 36: Canciones infantiles 77
Figura 37: Musecografía 80
Figura 38: Música para inicial 81
Figura 39: Ejercicio de pulso y medio pulso 82
Figura 40: Sonido y silencio 83
Figura 41: Juego de memoria 84
Figura 42: Ilustración de música 84
Figura 43: Descubriendo canciones 88
Figura 44: Sonidos onomatopéyicos 91
Figura 45: Descubriendo el silencio 91
Lista de tablas
Tabla 01: Áreas de educación inicial 37
Introducción
A través de estudios de los más grandes pedagogos y psicólogos relacionados a la
educación, se ha dado una gran importancia a la música en la educación inicial. La música va
a ser el medio, por el cual el docente llegará más fácil a los estudiantes en la tarea de
desarrollar los aprendizajes.
En el primer capítulo tomamos bases generales, definiciones, en el segundo capítulo
abordaremos el ritmo y su aplicación en niños del II ciclo de Educación Inicial, y en el tercer
capítulo desarrollaremos la aplicación didáctica.
La música es el medio por el cual el ser humano se expresa, es considerado, una
ciencia, un arte, un lenguaje, manifestando lo que siente y piensa el ser humano.
Dentro del currículo de la Educación Básica Regular, la música va a desarrollar
diferentes capacidades en los niños y la formación de la inteligencia musical contribuyendo a
un desarrollo lingüístico, espacial y corporal.
La educación rítmica tiene como base diferentes medios para desarrollar sus objetivos:
los movimientos corporales, las danzas, la expresión oral, la palabra y los instrumentos
musicales.
Se plantea para el estudio de los elementos del ritmo: el pulso, el acento y el compás
para la realización de las actividades en niños de 3, 4 y 5 años de edad.
El docente tiene que estar preparado musicalmente, disfrutar con los niños de las
diferentes actividades, el docente utiliza los recursos junto con las estrategias para lograr el
Capítulo I
Generalidades
1.1. Música
1.1.1. Definición de la música Pascual (2006) refiere que:
Etimológicamente, música proviene de la palabra griega musike y del latín
musa. (…), la música puede ser considerada como arte, como ciencia o
como lenguaje y adquiere también distinto contenido según se la considere
en relación con los sentidos, los sentimientos y la afectividad, la
inteligencia, la sensorialidad, el lenguaje o la moral (p. 4).
Károlyi (1981) menciona “La música es al mismo tiempo un arte y una ciencia, por lo
cual debe ser apreciada emocionalmente y comprendida intelectualmente. (…).” (p.1)
Entonces decimos que la música, es combinar con un propósito los diferentes sonidos que
1.1.2. Breve reseña histórica de la música
Para abarcarla música en nuestra actualidad, es debido enterarse cuál fue el principio
de la música, sus cualidades, y su trasformación en años.
Edad Antigua
Hacia el año 50 000 a.c., el homo sapiens empieza, pues a inventar la música,
probablemente al mismo tiempo que el lenguaje.
El ser humano desde un principio usó su voz e inquirió las expectaciones del sonido de
sus manos, pies, etc., para seguir con ritmo sus canciones; igualmente se utilizarían
instrumentos (huesos, troncos, piedras), al percatarse que se podía causar sonidos con estos
materiales.
La música en Palestina, Mesopotamia, China, Egipto, y otros pueblos está relacionada
con lo religioso y con las expresiones ceremoniales.
Los hebreos tienen dependencias musicales de la Sagrada Escritura: cantos religiosos en las
iglesias o cánticos.
Los romanos introdujeron el canto en todo momento, en las ceremonias de la iglesia, en el
trabajo, en el amor y en fiestas.
Para las culturas antiguas la música cumplió una representación social. Los mitos sobre
la música se les atribuyen por origen divino y los numerosos dioses y héroes relacionados con
ellos. Tenemos a Apolo, dios de la armonía, a quién se representa con la lira, mezcla razón y
fantasía; y Dionisios, dios del vino, su música apela al sentimiento.
Para Aristóteles todo conocimiento proviene de los sentidos, considera a la música un
Para Pitágoras el número es el principio fundamental que regula la rotación de los planetas y
los intervalos musicales.
Aizenberg (2010) manifiesta que para Aristóxeno “el estudio de la música debía tener
un carácter práctico, y no solo teórico, prefiere dedicarse a descubrir los siete principales
temas de la práctica musical: notas, intervalos, género, escalas, modos, composición,
modulación” (p.34-35).
Los griegos utilizaban signos alfabéticos para consignar las alturas de las notas, y otros
signos para consignarla duración. Podemos observar en piedras o manuscritos. Los más
famosos son Epitafio de Seikilos y el Stasimon; fragmento de la tragedia de Orestes, de
Eurípides.
Así mismo para los griegos la música cumple una función educativa. Es aquí donde se
recoge y transmite el caudal de las civilizaciones de las culturas iniciales.
En las obras de Platón Las Leyes y La República se le considera a la música como
utensilio educador presente y la conceptúa como ciencia o fuente de placer.
Edad Media
En la cultura cristiana Pascual (2006) refiere “La música formaba parte de la liturgia y
desempeñaba un papel importante dentro de ella. El canto era la forma de expresar los
sentimientos religiosos, la alabanza a Dios, la súplica y la acción de gracias” (p.7).
San Agustín y Boecio consideran a la música como ciencia. La música para San
Agustín está más ligada a la razón que a los sentidos relacionados con las leyes del número y
Guido D´Arezzo se preocupó por resolver problemas concretos de la práctica musical.
Precursor del actual solfeo, dando los apelativos de ut, re, mi, fa, sol, la (tomadas de las
primeras sílabas del texto de cada verso de un canto a San Juan) a las notas. Este método
podía hacernos recordar tonalidades sin acudir a la remembranza. La articulación UT fue
alterada por la articulación DO, y la articulación SI por el santo (Santus Iohannes).
Perfeccionó el sistema de notación musical con notas cuadradas escritas sobre un
conjunto de cuatro líneas horizontales (tetragrama), con las claves móviles, el cual permitía
escribir la altura exacta de las notas de cada canto. Simplificó la clasificación de los modos en
tan solo ocho, cuatro auténticos y cuatro plagales.
En la Baja Edad Media, en las iglesias y monasterios, se abrieron escuelas con el
propósito de enseñar a cantar a los niños en grupo (coro), incluyendo la educación musical.
Sin embargo, la preparación no era buena. Hacia el siglo X, estas escuelas se transforman en
un modo de educación y formación al clero.
La música profana surge por el nacimiento de las lenguas vulgares. Los tropos,
realizaban tonadas en el que se realizaban textos inventados a los manuales de San Gregorio
para la iglesia. La cruzada daría el nacimiento de los trovadores y juglares, ellos informaban
las crónicas. Los trovadores eran cultos que escribían sus poesías propias. Los juglares eran
más populares, acróbatas y cantantes que narraban descripciones de batallas.
La música era mayormente vocal y los instrumentos acompañaban al canto o para la
Edad Moderna
En el renacimiento la música inicia por dividirse de la poesía y la liturgia, y una de sus
representaciones es la de “mover los efectos”. Se observa la diferencia entre compositor e
intérprete, la música es dirigida por la corte. Los lugartenientes que cuidaban la música eran
hombres cultos que tocaban instrumentos.
La música se ordenaba para ser percibidos por nuestros sentidos y ser motivo de
manifestación de las emociones.
Se comenzó a tocar los órganos y violas, que demandaban intérpretes capaces de
realizar una técnica difícil.
Al ministril en la Edad Media se le conceptuaba como una persona ingenua, pero en la
Edad Moderna es alguien importante porque toca obras difíciles y compone.
En Italia se pueden identificar a mujeres trabajando como músicas profesionales.
Los libros de partitura comenzaron a ser accesibles a un público mucho más amplio.
Aizenberg (2010) manifiesta que “el siglo XVI suele ser considerado como la edad de oro del
canto a capella: obras vocales sin acompañamiento instrumental, en las cuales la escritura
resalta por sobre todo la belleza y capacidad de la voz humana” (p.67).
La música tuvo un papel importante en la contrarreforma luterana del siglo XVI, puesto que se
le atribuye un otorgamiento liberador y prometedor frente al mal, por lo que es obligatorio que
todos los jóvenes en la escuela se eduquen.
Edad Contemporánea
En el ámbito de la monarquía y en los candores de la Revolución francesa a marchar
enseñanza a las mujeres. Rosseau conceptuaba a la música como un lenguaje universal
propio, que es cabal la formación del solfeo y va a recomendar la enseñanza de canciones
sencillas y de ejemplar comprensible para los niños.
La enseñanza se daba en las Capillas de Música de las iglesias, los niños se volvían
cantores, instrumentistas, compositores o maestros.
En el siglo XIX el romanticismo considera a la música como forma de expresar emociones; el
impresionismo aspira calar a la persona que escucha, el nacionalismo espabila el gusto
folklórico y la manifestación nacional desde la música popular. Al empezar el siglo XX,
aparecen las “Escuelas Nuevas”, manifestando que la educación musical sea dinámica,
cooperativa y encaminada para todo el pueblo.
Aparecen los siguientes músicos, para ello menciona lo siguiente Pascual (2006) “son los
llamados métodos activos: Dalcroze, Martenot, Kódaly y, posteriormente, Orffy Willems.
Gracias a estos métodos, la educación musical consiguió salir de la austeridad y dio los
primeros pasos hacia el juego y hacia la creatividad musical” (p.9).
Froebel, Decroly, M. Montessori y las hermanas Agazzi pedagogos de la educación
infantil mencionan la relevancia de la música en la educación infantil y descubren direcciones
de cómo se harían las aplicaciones musicales en el aula.
La música experimentó variaciones que perjudicaron a los elementos del sonido. Se
realizó las pruebas de músicas con datos electrónicos, se iniciaron las industrias discográficas
y el cine acústico. En Estados Unidos, aparece el Jazz, el Occidente descubre el exotismo
A mediados de la mitad del siglo XX, Murray Shaffery John Paynter conceptúan el
ruido y el sonido como maneras de manifestación musical, Usan escrituras no usuales y
determinan la magnitud del desarrollo de la creatividad musical.
Música en la actualidad
Pascual (2006) manifiesta que “los profundos cambios que se han dado en las ciencias
y tecnologías han provocado una transformación de la sociedad y de la cultura, que han
afectado significativamente la música” (p.10).
Hoy en día algunos intérpretes componen sin una enseñanza académica debido a la
informática.
Aumenta la adquisición de toda clase de música, favorece la igualdad de los gustos
musicales y va desapareciendo el sentido crítico. Por ende, carece de integridad artística. Se
preocupan únicamente de la venta de discos. Hay conciertos que sólo usan playback y no hay
educación de voz.
La música se escucha por efectos de la moda y los medios de comunicación influyen
en ello.
Música en el Perú
Se observa que en la antigüedad las evidencias más concretas que tenemos con respeto
a la música son los instrumentos musicales que se encontraron en las culturas antiguas, estos
instrumentos fueron elaborados con: arcilla, oro, plata, cobre, madera, caña, huesos, plumas,
semillas, calabazas, etc. Estos instrumentos eran utilizados para celebrar y adorar a sus Dioses,
La música estaba unida a la danza y a la religión, usaban máscaras y trajes con una
expresión sagrada y ritual altamente importante. Este tipo de músicas y bailes duró un largo
plazo con las yuncas.
Los españoles que llegaron al Perú, eran soldados que sabían de cantos, al comienzo
bajo el dominio barbárico y luego en la época del renacimiento la árabe.
Luego de un tiempo se creó un dilatado horizonte musical de mestizaje usando
instrumentos como la zampoña, quena, charango y el cajón. Las personas de las regiones del
Perú aún conservan sus ritmos tradicionales.
La música en Perú actual es escuchada por efectos de la moda, pero aún tratan de
preservar su identidad.
Aguirre (2003) “Para llevar una convivencia pacífica, potenciando el respeto y
valoración de las minorías étnicas, otras culturas, etc., como también en la aceptación de la
existencia de la pluralidad en los gustos musicales” (p.43). Si de vez en cuando incluimos
grupos populares, se ampliará sus gustos y su repertorio habitual y se crearán fusiones.
Por lo que observamos en nuestra sociedad el profesor de Educación Infantil tiene que
desarrollar contenidos del área para que sensibilice al estudiante respecto a ello.
1.1.3. Elementos físicos de la música 1.1.3.1. El sonido
Hinostroza (1989) manifiesta que el sonido “es el aspecto producido por las
vibraciones de los cuerpos sonoros en contacto con el aire los cuales producen las ondas
Lo percibimos a través del oído, por las vibraciones de los cuerpos sonoros puestos en
movimiento por un choque o frotamiento.
Clase de sonidos:
Sonido determinado es producido por una serie de vibraciones regulares llamado también sonido musical, Ej. frotar una cuerda de violín, bajar la tecla del piano.
Sonido indeterminado es producido por una serie irregular de vibraciones, Ej. golpear una carpeta, caída de un libro.
El sonido tiene fenómenos sonoros algunos de ellos son:
El eco es un sonido que percute contra una zona dura, esto va a ser que escuchemos el sonido luego del original.
La reverberación es un eco compuesto que, al sonar al instante luego del sonido original, lo extiende desproporcionándolo.
La resonancia se crea porque el balance de las prominencias sonoras hace oscilarla opresión del aire y produce que un material comience a oscilar por el predominio de otro.
1.1.3.2. El silencio
Llongueras (1989) menciona “es la interrupción del sonido, que en la partitura se
indica mediante símbolo, que corresponde a las distintas duraciones” (p.15).
Hinostroza (1989) alude “Son figuras musicales que indican la ausencia momentánea
del sonido” (p.25).
Entonces podemos definir al silencio como lo contrario del sonido. Los silencios
1.1.3.3. El ruido
Pascual (2006) menciona “el ruido es producido por vibraciones irregulares, que nos
dan una sensación confusa carente de una entonación determinada. Un ruido es también, el
sonido de algo que no deseamos escuchar” (p.15).
El ruido y el sonido cooperan en la música contemporánea como: música futurista, serial,
electrónica, en estilos de la popular moderna y en algunos estilos usan sonidos no musicales.
Los niños en la escuela deben discernir de que hacer ruido sin un fin puede producir
graves lesiones a la salud, como: falta de claridad sonora, sordera y desequilibrios psíquicos
que afectan a nuestro sistema nervioso ocasionando mal humor, agresividad, violencia, etc.
1.1.3.4. Los parámetros de sonidos a) La altura
Castro (2003) refiere “Es la posición que ocupa el sonido de acuerdo con su frecuencia
(número de vibraciones por segundo) y que lo coloca en un determinado lugar en una escala
que va de lo grave a lo agudo” (p.7)
Se refiere a la grabación del sonido, de grave a agudo o viceversa, representando la
base de las secuencias de sonidos que componen las melodías. La longitud de la frecuencia se
manifiesta en Hertzio (Hz), que por segundo es un ciclo.
Cuanto más elevada es la frecuencia, más agudo es el sonido; cuanto más baja el
sonido es más grave.
En la escuela debe trabajarse la diferencia entre agudo-grave, tonos-alturas, el
b) La duración
Pascual (2006) menciona “La duración es una cualidad que depende del tiempo que
dura el movimiento vibratorio que origina el sonido. Para que el sonido produzca una
sensación clara de altura son necesarias 1,20 segundos de duración” (p.17)
Es el tiempo de duración del sonido y es la base del concepto de figura rítmica y su
valor.
En la escuela debe trabajarse la diferencia entre rápido-lento; largo (como el sonido de
la tuba)- corto (como el sonido del violín), progresiones y la diferencia de elementos del
ritmo.
c) La intensidad o volumen
Hinostroza (1989) menciona que
Es determinada por la amplitud de la vibración tocada con un impulso fuerte,
la cuerda vibra más amplia y el sonido suena fuerte, en cambio tocado con
menos impulso, la vibración será una amplitud menor y el sonido será más
suave (p.28).
El decibelio (dB) es la unidad de longitud, que va a medirlas diferentes intensidades
sonoras entre dos sonidos.
Los instrumentos ya tienen su intensidad definida, dispuesto a ser cambiado por la
intensidad del músico, como: con la flauta y la trompeta.
En la música, la intensidad va a decidir el volumen de un sonido (los acentos y los
matices).
En una partitura por letras pp (muy suave) piano, crescendo (aumenta el sonido)
decrescendo (disminuye el sonido).
d) El timbre
Riu, Nuria (2000) menciona que timbre “se refiere al color del sonido según el tipo de
voz o de instrumento que lo produce” (p.35).
Hinostroza (1989) alude “Es la cualidad especial del sonido, por la que se diferencian
dos voces o dos instrumentos y que depende de varios factores: del instrumento de la calidad,
del material o el medio en que se produce” (p.28).
Define las particularidades sonoras de un instrumento o de una voz. En los
instrumentos una misma nota no tendrá la misma sonoridad.
Los sonidos armónicos son sonidos secundarios que definen el color del sonido o
personalidad del sonido.
Las descripciones en las partituras se originaron cuando en la música se combinaron
los instrumentos y agrupaciones muy complejas cuya respuesta sonora necesitaba de los
distintos timbres.
1.1.4. Elementos de la música 1.1.4.1. Ritmo
Morante (2009) menciona “Es la combinación de una serie de sonidos con diversas
duraciones. Dota a la música de sentido” (p.17).
Hinostroza (1989) alude “Es la combinación y acentuación simetría de valores largos y breves
1.1.4.2. Melodía
Morante (2009) menciona “Es la sucesión de sonidos diferentes por su altura, duración
e intensidad debidamente ordenados que producen una sensación agradable al oído” (p.17).
Hinostroza (1989) alude “Es la combinación sucesiva de los sonidos que ejecutados unas de
otras forman un concepto musical.” (p.29)
Es el elemento que fácilmente reconoceremos y recordaremos de la música.
El lenguaje musical se estructura en frase; la frase es una representación musical que
se articula, al mismo tiempo, en partes pequeñas.
Las expresiones más simples se bisecan en otras dos partes primordiales o semifrases,
en el estilo de pregunta y respuesta mayormente.
Figura 01: La melodía
1.1.4.3. Armonía
Canchari (2011) refiere “La armonía es la forma de combinar sonidos en forma
Hinostroza (1989) alude “Es la sucesión de acordes formadas y analizadas conforme a
determinadas leyes. La armonía resulta de varios sonidos oídos a la vez y que producen que
los llamamos acordes” (p.29).
Entonces manifestados que es la correspondencia entre las notas que se consideran
cuando suenan al mismo tiempo. Se fundamenta en leyes del modo tonal. Mientras que la
melodía es horizontal la armonía será vertical.
a) Tonalidad y modalidad
La tonalidad es la correspondencia entre establecidos sonidos alrededor de uno
primordial denominado tónica. Se dice que una obra está en do cuando el sonido primordial de
la gradación, su tónica, es do.
La modalidad son las múltiples formas de manifestación que muestra la tonalidad. b) Los acordes
Son varios sonidos simultáneos.
Se configuran por la anteposición de sonidos en segmentos de tercera (tónica-mediante
y dominante) de las gradaciones mayor o menor.
Figura 02: Los acordes
Las composiciones de música moderna y popular suelen acoplar con acordes alineados
c) Consonancias y disonancias Los acordes pueden ser:
Consonantes son aquellos cuya audición genera una impresión fascinante y de sosiego. Son correspondientes de la escala.
Disonantes son periodos cuya audición no genera una impresión de sosiego, no tienen permanencia tonal e implican cimentarse en un acorde consonante.
1.1.4.4. Textura
Morante (2009) menciona “Es el modo en que se relacionan entre si las diferentes voces”
(p.17).
Es la forma de trenzarla armonía y la melodía de una composición. Tenemos los siguientes
tipos de textura:
- Monódica, esta línea melódica se percibe en la música oriental y en el canto
gregoriano.
- Polifónica, estas líneas melódicas resuenan al mismo tiempo.
- Homofónica, en la que una voz lleva la melodía y las otras se unen a través de
acordes. Podemos distinguirlo en las canciones de música rock y pop.
- No melódica, podemos encontrarla en la música de la vanguardia del siglo XX, en la
que se renuncia de las reglas de composición actual y se adicionan las anteriores
texturas. 1.1.4.5. Forma
Morante (2009) menciona “Es la organización de las diferentes partes de la obra
musical. Ejemplo: introducción-estrofa-estribillo” (p.17).
La forma ha cambiado en el transcurso de los años.
Pueden clasificarse en: -Vocales- instrumentales
-Homofónicas- polifónicas- contrapuntistas.
-Mayores-menores (mayores, si son de enormes tamaños, como la sinfonía, la sonata, el
recital, etc. y menores, si se compone de un solo movimiento).
-Cultas o populares.
Formas musicales elementales que nos ayudan en la educación infantil:
-Ostinato o reiteración continua de un añico musical (Si A es el añico musical, la letra será AAA, etc.).
-Eco o reiteración precisa o similar de un añico musical (AA´BB´). -Lied es la reiteración de la primera estrofa (A B A).
-Rondó o sucesión entre un estribillo repetido y diferentes estrofas (A B A C A D).
-Canon, forma acoplada en la que las voces o instrumentos entran simultáneamente. Como implica la continuidad sonora esta forma musical no será un tema en la educación infantil.
1.1.4.6. Dinámica
Morante (2009) menciona “Son las variaciones de intensidad relacionada con la
expresión, carácter y fraseo” (p.17).
Es un aspecto que hace alusión a la energía del sonido a través de unos términos y
signos que se llaman matices.
Los primordiales vocablos de intensidad colocados de menor a mayor intensidad son
los siguientes:
Figura 03: Dinámica
Los grados de intensidad pausada se manifiestan con voces, siglas y los signos reguladores.
Figura 04: Grados de intensidad
1.2. Lenguaje musical
1.2.1. Definición del lenguaje musical
Pascual (2006) menciona “(…). El lenguaje musical es la representación gráfica del
Entonces manifestamos que el lenguaje musical es una expresión artística en la que
existe una melodía, un pulso y un ritmo. En grupo crearán una canción o composición
musical.
1.2.2. La representación de la altura: pentagrama, notas, claves
La altura es una característica que nos admite pactar si un sonido es grave o agudo. A
continuación, se van a mostrar los elementos gráficos que nos ayudan a simbolizar la altura.
Pentagrama:
Canchari (2011) refiere “Es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás
signos musicales. Tiene cinco líneas y cuatro espacios, que se cuentan de abajo hacia arriba. (…)” (p.9).
Se puede escribir nueve notas entre los espacios y las líneas, pero además tenemos los
espacios y líneas adicionales, que van a servir para escribir encima y debajo del pentagrama.
Para arriba representa lo agudo, y para abajo lo grave.
Los espacios adicionales son los espacios entre ellas. Su empleo está limitado, porque
la lección se hace difícil cuando se superan las líneas por encima o debajo del pentagrama.
Figura 05: Pentagrama
Las notas:
Hinostroza (1989) menciona que las notas “Son signos musicales que representan a los
Las notas se sitúan en una línea o espacio. Serán graves cuanto más bajen y agudas
cuanto más suban.
En el occidente son doce notas, siete naturales y cinco alteradas. Ellas son do, re, mi,
fa, sol, la, sí.
Figura 06: La melodía
La clave:
Va a ser un signo musical que se coloca al inicio del pentagrama, da el apelativo y la
ubicación en que se encuentra una nota. Una nota puesta en el pentagrama va a depender de la
clave, porque por sí misma no tiene el mismo apelativo ni la altura,
A partir de esta nota sabremos el nombre de las demás
Son cinco:
Figura 07: La clave
Hinostroza (1989) menciona que la clave de sol “Es el primer símbolo musical que se
escribe en la segunda línea del pentagrama, que indica, que la nota escrita en dicha línea toma
el nombre de la clave” (p.24).
La clave de sol es la que primero aprendemos porque se adecua al ámbito infantil y a
Se dice en segunda línea pues el sol se ubica en la segunda línea. Desde aquí, se da las
otras notas.
La clave de faen cuarta línea se escriben las notas más graves. Desde aquí, se da las
otras notas.
Figura 08: La clave fa
1.2.3. La representación de la duración: figuras y silencios
La duración es una propiedad del sonido por el cual vamos a diferenciar los sonidos
cortos de los largos.
Las figuras, Hinostroza (1989) define “Son símbolos o signos que indican la duración de los sonidos” (p.19).
Son los múltiples aspectos que acogen las notas para señalan su duración.
Los silencios, Siu Chong (1997) define “Son signos que indican la interrupción de los sonidos musicales; los silencios tienen el mismo nombre y valor que las figuras” (p.19).
No tienen sonido, pero si duración.
La cabeza, plica (menos la redonda) y corchete (corcheas y semicorcheas) son partes
de la figura.
Se observa en el cuadro las figuras musicales más comunes y sus silencios
correspondientes, al lado de la designación de Kodaly.
Figura 10: Figuras musicales
Las figuras que tienen corchete se pueden escribir por medio de barras.
La figura denominada redonda es la que tiene una mayor duración. A cada figura se le
concede un dígito que la representa, y cada figura señala el doble de duración.
• 1 representa a la redonda.
• 2 representa a la blanca (dos blancas corresponden a una redonda).
• 4 representa a la negra (cuatro negras corresponden a una redonda).
• 8 representa a la corchea (ocho corcheas corresponden a una redonda).
Tipos de silencios:
a) Los silencios de complemento surgen luego de las figuras y complementan el compás. b) Los silencios de preparación proceden a la figura.
Figura 12: Corchetes
Se observa que el corchete y doble corchete adoptan el aspecto de barra y doble barra,
respetivamente, cuando emergen juntas por las líneas horizontales.
1.3. Educación musical
1.3.1. Conceptualización de Educación musical
Nos sugiere la idea de una formación espiritual e intelectual del individuo ejercitada a
través de la música incluso obtenible en cierto modo sin estudio ni intervención alguna
consiente de la técnica; mediante el aprovechamiento de las facultades propias de cada
persona y de la condición instintiva del alma humano.
Va a comprender todo lo que se encuentra alrededor de los procedimientos de
enseñanza aprendizaje en relación a la música: programas educativos, el sistema educativo,
Magallanes menciona que “Es un aspecto muy importante para la formación artística
del educando (p.241).
1.3.2. Importancia de la Educación musical Va a ser significativo por los siguientes aspectos:
Ayuda a desarrollar la capacidad auditiva: Hinostroza (1989) manifiesta que las “Los niños que perciben y procesan más estímulos acústicos tienen mejores resultados en todos los
cursos. Por eso actividades a escuchar y ser escuchados, logra atención y concentración”
(p.73).
Entonces decimos que un buen desarrollo de estímulos auditivos ayuda al aumento de
su capacidad para aprender. Teniendo como base la sensibilidad para atender, asimilar,
apreciar y valorar la música.
Contribuye al desarrollo del intelecto: va a aumentar el nivel académico de los estudiantes. Al recibir una adecuada formación rítmica, los niños van a tener pocos problemas en el
aprendizaje de la lecto-escritura. A través de la musicoterapia se han observado grandes
mejorías, en cuanto a dificultades como retardo del desarrollo motor, mala tonalidad muscular,
hiperactividad y en las alteraciones de desarrollos sensoriales, así como en niños autistas.
Contribuye al desarrollo lingüístico: la música aumenta las conexiones neuronales en el cerebro, estimulando capacidades de comprensión y expresión. A través del uso de las
articulación, la vocalización, etc. Podemos trabajarlas al realizar números, partes del cuerpo,
etc.
Colaborar al ordenamiento psicomotor y coordinación fina: una adecuada educación psicomotriz desde muy pequeño va a preparar al niño para otros aprendizajes en la escuela. El
juego y la acción del niño cooperan a fraguar rutas neuronales para el avance cognitivo, la
resolución de problemas, la adquisición del lenguaje, recordar, planear y la creatividad.
Tratar de oír música siguiendo la agudeza del sentido auditivo expresado con nuestro cuerpo y
al tocar instrumentos musicales.
Colaborar al desarrollo de la memoria: los estudiantes requieren retener lo escuchado para producirlo en el momento, por ende, es necesario repetir experiencias, como entonar melodías,
producir sonidos, etc.
Favorece el desarrollo de la facultad de expresión y de creación: la música lo ayudará a encontrarse a sí mismo y, por lo tanto, afirmar su personalidad. Con ello adquirirá seguridad y
confianza e ingresará al ámbito de la creación expresándose de diferentes formas.
Favorece la socialización: el establecer un grupo permite que sus integrantes actúen en cooperación, que se comuniquen y que vivan juntos la música. Lo observamos en las primeras
Coopera a la formación ética y espiritual: la responsabilidad; la disciplina y la voluntad son vistas en todo momento en la educación musical, ayudando a discernir a los alumnos lo
correcto de lo incorrecto.
La música lo transportará a un espacio de paz y tranquilidad generando en los niños conductas
buenas hacia sus compañeros.
Conexión con la cultura a la que pertenece: de manera más respetuosa, creando, recreando y fortaleciendo su identidad cultural y personal.
Contribuye al aprendizaje de las diferentes áreas del currículo: las letras que se aprenden de las canciones permitirán que se recuerden fechas, nombres, lugares, acciones, operaciones,
etc.
Actitudes: lo observamos al momento de la atención, la persistencia, la tolerancia y la indagación que demuestra el estudiante.
1.4. Educación Inicial
1.4.1. Conceptualización de Educación Inicial Ministerio de Educación (2017) afirma que:
La Educación inicial es el primer nivel de la Educación Básica Regular.
Atiende a los niños y las niñas menores de 6 años, es decir, se hace cargo de la
relevancia, pues en ella se establecen las bases para el desarrollo del potencial
biológico, afectivo, cognitivo y social de toda persona. (p.14)
Fernandez (2011) menciona “La educación inicial fue establecida como primer nivel
del sistema educativo peruano mediante el Decreto Ley N°19326 de 1971 y ratificada en la
ley de 1981.
Se conceptúa como un nivel de funciones preventivas, protectoras y terapéuticas de las
potencialidades del niño” (p.28).
Está determinada a la atención integral del niño durante los primeros cinco años, a la
orientación y trabajo conjunto con la familia.
1.4.2. El II ciclo de Educación Inicial
El nivel de Educación Inicial está organizado de la siguiente manera:
Ciclo I: 0- 2 años
El primer ciclo está dirigido a los niños de 0 de 2 años. Ciclo II: 3- 5 años
El segundo ciclo está dirigido a los niños de 3 a 5 años.
Tabla 01: Áreas de educación inicial
Áreas Competencias
Personal Social ➢ Construye su identidad.
➢ Convive y participa democráticamente en la búsqueda del
Fuente: Programa curricular de Educación Inicial. Lima, Ministerio de Educación.
1.4.3. La educación musical en la Educación inicial
La música colabora a que los pequeños expresen sus necesidades e intereses.
La música fomenta la tolerancia, superación de prejuicios, descartando la violencia.
Contribuirá a la mejora de oportunidades en el desarrollo social a través de una formación
cultural y humanística.
➢ Construye su identidad, como persona humana, amada
por Dios, digna, libre y trascendente, comprendiendo la
doctrina de su propia religión, abierto al diálogo con las
que le son cercanas.
Psicomotriz ➢ Se desenvuelve de manera autónoma a través de su
motricidad.
Comunicación ➢ Se comunica oralmente en su lengua materna.
➢ Lee diversos tipos de texto en su lengua materna.
➢ Escribe diversos tipos de texto en su lengua materna.
➢ Crea proyectos desde los lenguajes del arte.
Castellano Como Segunda Lengua
➢ Se comunica oralmente en castellano como segunda
lengua.
Matemática ➢ Resuelve problemas de cantidad.
➢ Resuelve problemas de forma, movimiento y localización.
Ciencia y Tecnología ➢ Indaga mediante métodos científicos para construir sus
La educación musical es una labor pedagógica que contribuye la formación del niño.
Abarca un conjunto de actividades que le posibilita educar su voz, afianzar su oído y
formar su sentido rítmico expresándose por medio de su cuerpo.
La música formará la personalidad, su sentimiento, cuerpo y su inteligencia.
Permite desarrollar, motivar o reforzar nociones de aprendizajes. Presentándolo
mediante canciones, juegos musicales (actividades psicomotrices).
Tiene un papel pedagógico esencial, porque va a contribuir en la formación integral del
estudiante.
Debe estar orientada a generar una sólida y consistente capacidad de concentración y
abstracción del estudiante.
Aguirre (2003) afirma que:
La educación musical en edades tempranas es una forma de estimulación de las
potencialidades expresivas, colaborando con el desarrollo de habilidades rítmicas,
auditivas y de entonación, favoreciendo de esta manera, el despertar y la mejora de
las capacidades expresivas y comunicativas del alumnado (p. 13).
1.4.4. Importancia de la Educación musical en los niños
Se mencionará a grandes investigadores que han contribuido en la cimentación de la
significación de la música en los niños:
Gardner
Creador de la teoría de las inteligencias múltiples. Una de las facultades del modelo de
Gardner era la inteligencia musical que deduce la capacidad de componer, interpretar y tasar
Gardner manifiesta que la música de Mozart incita al desarrollo del cerebro y su ordenamiento
racional. Se debe emplear mayormente como fondo la música en bajo volumen durante el día;
se puede colocar música instrumental, música clásica. Ello va a permitir mayor concentración
en los niños, un ambiente positivo, los niños se encuentran más calmados, y mejora el
aprendizaje.
Pestalozzi
Considera que el canto tiene acción sobre el carácter y manifiesta la importancia de usar
canciones nacionales en las escuelas.
Froebel
Iniciador de los jardines de infantes. El niño debía actuar en el canto, modelado y pintura, pero
no para llegar a ser un artista sino para tener conciencia de sus intereses y para apreciar el arte.
La enseñanza de la música debía ser práctica, sin acumular a los niños con lecciones teóricas.
Dalcroze utilizó los juegos y las rondas que planteaba Froebel para su método.
M. Montessori
Díaz (2013) menciona que “M. Montessori, tenía un gran interés porque sentía por la música
como factor formativo”(p.56).
Realizaba la comparación de la música con el lenguaje hablado, como natural en la persona.
Menciona que a los pequeños se los puede ir gestando en la música, pero el desarrollo más
1.4.5. Características del desarrollo evolutivo y musical del niño del II ciclo de Educación inicial
A los tres años
• Sigue una música percutiendo, por ejemplo, al golpear con la mano sobre la mesa.
• Pascual (2006) manifiesta que “Puede reproducir estructuras rítmicas de tres o cuatro
elementos” (p.81).
• El pequeño puede cantar pequeñas canciones, aunque mayormente se salgan de tono.
• El niño está explorando sonidos rítmico-musicales de las palabras y lo realiza a través
de juegos cantados.
• Le gusta experimentar con grupos rítmicos y diferencia la representación de un pulso.
• Empieza a reconocer algunas melodías.
• Experimenta con instrumento de percusión.
A los cuatro años
• Los niños en la música se manifiestan alegremente al entablar relaciones sociales.
• Va a controlar un poco más su voz y el entorno melódico se va a hacer más agudo.
• En grupo canta canciones con razonable armonía.
• Dramatiza canciones fáciles.
• Inventa juegos vocálicos y canciones.
• Va a confundir intensidad con velocidad.
• Va a diferenciar más rápido y más lento.
• Va a discriminar agudo y grave.
• Va a comenzar a identificar melodías simples.
• Va a aumentar su memoria auditiva.
• Le gusta indagar objetos sonoros.
A los cinco años
• Al haberse casi construido su yo corporal va a realizar ejercicios más complejos y
bailará rítmicamente al sonido de la música.
• Canta melodías cortas, reconoce y apreciar muchas canciones.
• Va a ser competente de crear canciones cortas con ápices sonidos.
• Se va a divertir con ejercicios sonoros, de concentración rítmica, etc.
• Va a ejecutar agrupaciones de sonidos e instrumentos.
• Va a ejecutar dictados musicales expuestos en grafías.
• Va a poner en práctica con la voz o instrumentos el lenguaje musical.
• Va a percibir lo incompleto de una frase rítmica.
• Presenta gran disposición de juicio musical.
1.4.6. La música en el currículo Nacional
El ser humano desde su experiencia fetal ya se encuentra en un mundo de vibraciones
sonoras. En los primeros meses el bebé se comunica mediante sus llantos, gritos, que va a ir
regulando según sus necesidades hasta que comienza a comunicarse mediante el habla. Todo
este proceso es melódico. Luego utilizará su cuerpo como exploración rítmica y mostrará
inicial va a formar parte del sonido con el juego, mediante el canto o al manipular materiales
sonoros.
La existencia de la música en el currículo no tiene como fin último formar artistas, sino
cultivar en nuestros niños, el amor a la belleza, la estética y a la práctica de valores. Busca
hacer de los pequeños personas sensibles, creativas, críticas, comprometidas y capaces de
actuar de manera consciente y acertada ante los demás.
El docente debe aprovechar para convertirlos en recursos dirigidos a desarrollar las
capacidades de sus estudiantes.
Dentro del área de Comunicación encontraremos la música, enfocándose en la
competencia: Crea proyectos desde los lenguajes artísticos.
Ministerio de Educación (2017) menciona el siguiente estándar “Descripción del nivel de la competencia esperado al fin del ciclo II
Crea proyectos artísticos al experimentar y manipular libremente diversos medios y materiales
para descubrir sus propiedades expresivas. Explora los elementos básicos de los lenguajes del
arte como el sonido, los colores y el movimiento. Explora sus propias ideas imagina vas que
construye a par de sus vivencias y las transforma en algo nuevo mediante el juego simbólico, el
dibujo, la pintura, la construcción, la música y el movimiento creativo. Comparte
espontáneamente sus experiencias y creaciones (p.136)
Tabla 02: Descripción del nivel de la competencia esperado al fin del ciclo II
AREA: Comunicación
Competencia “Crea proyectos desde los lenguajes artísticos”
Explora y experimenta los lenguajes del Arte. Aplica procesos creativos. Socializa sus procesos y proyectos.
Explora por iniciativa
propia diversos
materiales de acuerdo
con sus necesidades e
intereses. Descubre las
posibilidades
expresivas de sus
movimientos y de los
materiales con los que
trabaja.
Representa sus ideas
acerca de sus vivencias
personales usando
diferentes lenguajes
artísticos (el dibujo, la
pintura, la danza o el
movimiento, el teatro,
la música, los títeres,
etc.).
Muestra y comenta de
forma espontánea a
Explora por iniciativa
propia diversos
materiales de acuerdo
con sus necesidades e
intereses. Descubre los
efectos que se producen
al combinar un material
con otro.
Representa ideas acerca
de sus vivencias
personales usando
diferentes lenguajes
artísticos (el dibujo, la
pintura, la danza o el
movimiento, el teatro, la
música, los títeres, etc.).
Muestra y comenta de
forma espontánea a
Explora de manera
individual y/o grupal
diversos materiales de
acuerdo con sus
necesidades e
intereses. Descubre
los efectos que se
producen al combinar
un material con otro.
Representa ideas
acerca de sus
vivencias personales y
del contexto en el que
se desenvuelve usando
diversos lenguajes
artísticos (el dibujo, la
pintura, la danza o el
movimiento, el teatro,
la música, los títeres,
etc.).
Muestra sus
compañeros y adultos
de su entorno, lo que
ha realizado al jugar y
crear proyectos a través
de los lenguajes
artísticos.
compañeros y adultos de
su entorno, lo que ha
realizado al jugar y crear
proyectos a través de los
lenguajes artísticos.
las creaciones de
otros. Describe lo que
ha creado.
Capítulo II
El ritmo y su aplicación a niños del II ciclo de Educación Inicial
2.1 Ritmo
2.1.1. ¿Qué es el ritmo?
Károlyi (1981) menciona
La simple observación de la naturaleza nos ofrece ya el primer testimonio de la
presencia del ritmo en el universo. La alternancia de los días y las noches, el
continuo vaivén de las olas del mar, los latidos del corazón, nuestra respiración,
todo sugiere que el ritmo está íntimamente relacionado con los movimientos que
se repiten con regularidad en el tiempo. Este ritmo puede observarse hasta en la
conversación cotidiana, pero es en la poesía, en la que en las palabras y las sílabas
están más o menos agrupadas con riguroso orden, donde somos especialmente
conscientes de la existencia de ritmo (p.8).
Briceño (1995) alude:
Es la sucesión alternada de sonidos fuertes y débiles de diversas sucesiones que se
obra. Por ejemplo, cuando escuchamos una música que nos gusta
inconscientemente acompañados ya sea con los movimientos de la mano, pies,
cabeza o con el cuerpo (p.130).
2.1.2. El ritmo en la historia de la música
Al principio la música fue más vocal que instrumental, totalmente ligada a la palabra.
En Grecia la rítmica dependía del ritmo de la prosa, la poesía y la danza, es decir, el ritmo va
unido al texto. Así surgirán las combinaciones de largas y breves.
En Grecia y Roma el propósito pedagógico no se orienta a la educación de músicos,
sino al desarrollo de conocimientos rítmicos y melódicos necesarios para lograr ser un mejor
orador.
En la Edad Media el ritmo libre gregoriano va a basarse en Grecia por los pies
métricos y sus distintas combinaciones, dando lugar a seis modos eclesiásticos, se empiezan a
diferenciar las figuras: breve, semi breve, mínima y longa.
En el Renacimiento el ritmo es más simple, se simplifica en la misa profana. En el
Barroco, se inicia la notación moderna con el sistema de compases (binario, ternario y
cuaternario); además se caracteriza por tener un ritmo más mecánico.
En el Clasismo la importancia del acento se acrecienta y el ritmo, como anticipo del
Romanticismo, empezará a tratarse como una expresión del afecto, capaz de transmitir
dinamismo, tensión, movimiento o emoción. El Romanticismo cargará todo tipo de emociones
a la música iniciándose la práctica de la polirritmia; aparecerá gran cantidad de terminología
del siglo XX hay momentos en obras orquestales en los que diferentes secciones llevan
tiempos diferentes. (…)” (p.95)
En el siglo XX aparecerán todo tipo de ritmos asimétricos, polirritmias y se sustituye
el compás por el tempo individual de cada intérprete.
2.1.3. Elementos del ritmo
Tenemos tres elementos que son: el pulso, el acento y el compás:
2.1.3.1. Pulso
Briceño (1995) alude “Es la unidad rítmica como la sucesión constante del movimiento
equivalente a un tiempo dentro de cualquier compás” (p.132).
Podemos definirlo como el movimiento interno de la música, que se presenta por
medio de impulsos continuos.
Figura 13: Pulso
2.1.3.2. Acento
Morante (2009) menciona “Es un énfasis en lugares particulares del ritmo” (p.18)
Briceño (1995) alude “Es el mayor golpe de voz que recaen en el primer tiempo de cada compás; (…).” (p.132)
Es un pulso fuerte de la música, porque concentra una mayor intensidad. Se puede
definir como un pulso que se destaca. Encontramos tres tipos: fuerte, semifuerte, débil. Los
primeros tiempos (velocidad generada con la que interpretamos una obra musical) de los
el segundo débil. Cuando tiene tres tiempos el primero es fuerte, y el segundo y el tercero
débiles. Cuando tiene cuatro tiempos el primero es fuerte, el segundo es débil, el tercero es
semifuerte y el cuarto es débil.
Por ende, puede ser binaria (o cuaternaria) y ternaria; que da sitio a la estructura del
argumento musical en compases (2/4, 3/4, 4/4, etc.).
Los acentos binarios son los que se generan cada dos pulsaciones. Se observa en la
marcha. Los acentos ternarios son los que se generan cada tres pulsaciones. En ella tenemos al
vals y de numerosas danzas populares españolas.
Figura 14: Pulso
2.1.3.3. Compás
Briceño (1995) manifiesta que “Es el espacio de tiempo de una duración determinada
en el que generalmente se escriben varios sonidos, el primero de los cuales es más acentuado,
se representa mediante cifras graficadas al inicio de la composición musical” (p.128).
Hinostroza (1989) alude “Es la división en partes de igual duración de tiempo de las
obras musicales” (p.26).
Son partes de igual duración, sirven para ordenar la música. Hay tiempos acentuados o
fuertes y tiempos no acentuados o débiles. Bisecan los pentagramas en unas divisiones que
Las líneas divisoras van a ser líneas verticales que ayuda a dividir los compases. La
doble barra se coloca para culminar. Al repetirse la doble barra se acompañará de dos puntos llamados puntos de repetición.
Compases simples
Estos compases tienen un numerador 2,3 ó 4, los que tienen 2 y 4 tiempos son
llamados binarios y el de 3 ternarios.
Compás binario: tiene 2 pulsos o partes con acento binario.
Figura 15: Compases simples
Compás ternario: tiene 3 pulsos o partes con acento ternario.
Figura 16: Compas ternario
Compás cuaternario: tiene 4 pulsos o partes con acento cuaternario.
Estos compases se representan a través de números, a modo de quebrado, que se
ubican al inicio del pentagrama luego de la clave. Tenemos: 2/4, se interpreta dos por cuatro y
así sucesivamente.
En estos compases, el numerador representa las partes del compás y el denominador
representa cuál es la figura que dura una parte.
Ejemplo: 2/4 nos indica que el compás tiene dos partes y que la figura que dura una
parte es una negra.
Los compases se pueden delegar en el espacio a través de mímicas que realizamos con
el brazo “marcar el compás”.
Figura 18: Compas 2/4
Compases compuestos
Son compases con numerador 6/8,9/8,12/8. Para obtener un compás compuesto
Consideraciones:
-Los signos de prolongación
Pascual (2006) menciona “Las figuras musicales no son capaces de representar
cualquier valor, necesitamos otros signos. Los signos de prolongación del sonido son ligaduras, el puntillo y el calderón” (p.33).
La ligadura es una curvatura que va a juntar dos notas del mismo nombre y agregando valores. La ligadura se escribe por la cabeza.
Figura 19: Ligadura
El puntillo es un punto que se ubica a la derecha de una figura o silencio. Sirve también de prolongarla en la mitad de la duración.
Figura 20: El puntillo
El calderón va a ser un signo que suspende el pulso y alarga la duración, depende del músico, un tiempo impreciso.
-Eltempo es la aceleración con la que interpretamos una obra musical. Mayormente se van a usar términos italianos, que se colocan al empezar una obra sobre el pentagrama y señalan
velocidades cercanas.
Bellon y Moreno muestran un cuadro donde se observa a los vocablos elementales del tempo,
estructurados de menor a mayor velocidad.
Figura 22: El tempo
-Cambios de acentuación estos se realizan en relación a la acentuación común de los compases, a consecuencia de los siguientes:
Síncopa es la alteración de acentuación que va a producirse cuando una nota que inicia en fracción débil se alarga a una fracción fuerte. Se va a producir un sonido breve, otro largo, y
otro breve.
Figura 23: Acentuación
Figura 24: Contratiempo
-Grupos de valoración especial
Van a ser de fórmula ternaria (tres en vez de dos, seis en vez de cuatro). Tenemos al tresillo y
el seisillo.
Figura 25: Tresillo y seisillo
2.2. La Educación rítmica
2.2.1. Definición de Educación rítmica
Va a ser una de las tres áreas que desarrolla la educación musical en la Educación
Infantil, correspondiendo las demás a la auditiva y vocal.
Se da a través de la música y el movimiento que van a desarrollar la creatividad,
competencias sociales y la sensibilidad.
Maneveau (1993) “La educación rítmica no plantea, pues, al pedagogo más que las
cuestiones debidas a la relativa complejidad del objeto rítmico y aquellas otras, enormes, que
2.2.2. Educación rítmica en la Educación Infantil
Va a educar a los niños en la identificación de los valores de tiempo.
Pascual (2006) menciona:
El ritmo ocupa un lugar importante en las actividades diarias de los niños y es
muy importante en la enseñanza musical, porque preside la mayor parte de los
juegos infantiles como golpear, andar, correr, rodar; proporciona orden,
equilibrio, seguridad, induce al movimiento. Los juegos infantiles en los que
interviene el factor rítmico como base del movimiento corporal harán que los
niños tomen conciencia de su cuerpo y enriquezcan su potencial rítmico. Desde
el punto de vista de la pedagogía musical, entenderemos el ritmo como todo
aquello que pertenece a la cualidad temporal del sonido musical (p.190).
Entonces decimos que, en esta etapa, de modo espontáneo, el desarrollo corporal y
rítmico se va a desarrollar en el ámbito de los juegos simples como saltar, escondite, juegos
musicales y físicos.
2.2.3. El primer contacto del niño con el ritmo y la música
El ritmo es uno de los fundamentos principales de la música: lo encontramos desde la edad
fetal, puesto que sentimos el ritmo de nuestra madre mediante el pulso, los latidos cardíacos,
la respiración, etc.; se va a experimentar por el nacimiento materno, por el habla y la música.
Podemos observar al ritmo en actividades diarias de los niños; cuando un bebe golpea
el objeto, cada vez lo va haciendo con más regularidad, más rítmico y mientras aumenta su
A partir del año se aprecia una gran cantidad de respuestas activas a la música
mediante variados movimientos rítmicos, e incluso los primeros intentos de baile. Al año y
medio se observa coordinaciones entre música y movimiento. Las respuestas rítmicas parecen
denegar a las edades de 3, 4 y 5 años, pues a estas edades más se desarrolla el juego y la
música siendo capaz de realizar coordinaciones entre varios movimientos y organizar
pequeñas danzas.
Llongueres (2002) menciona “En los primeros años de la infancia, la percepción
auditiva es inconsciente, la extensión y la potencia de la voz son muy limitadas (y es
indispensable no forzar ni la una ni la otra), y su emotividad es escasa” (p.87).
2.2.4. Metodologías de la educación rítmica Vamos a centrarnos en las teorías de:
Jaques Dalcroze
En su método, Gimnasia rítmica, desarrolla el concepto de ritmo y el menester de vivir la
música a través del ritmo.
Se plantea que el ritmo debe ser percibido por el niño a través de su cuerpo, con lo que se
favorecerá el sentido métrico-rítmico. Algunas de sus actividades son:
- División y acentuación métrica (actividades de marchas para marcar pulsaciones).
- Ejercicios de equilibrio corporal y de la continuidad del movimiento.
- Asimilación de frases musicales asociadas al discurso corporal.
- Polirritmos (interpretación simultánea de diferentes ritmos) individualmente o en
Sugiere transformar al cuerpo en un mecanismo de interpretación mental, emocional y
rítmica.
Se va a partir de la marcha y luego el movimiento, como un considerable origen de
diversos ritmos y naturales relacionadas con las competencias motoras básicas: gatear,
caminar, correr, etc. Examinados elementos primordiales: tensión y distensión, unido a la
regularidad e inhibición de los movimientos, pues el niño dejará de correr, saltar, etc., cuando
se termina la música o se menciona una indicación.
Figura 26: Técnica de Dalcroze
Barquero (2006) manifiesta que Dalcroze “(…) tomó como base la experiencia del
ritmo en el cuerpo para la vivencia musical. (…).” (p.41)
Willems
En su obra Las bases psicológicas de la Educación Musical menciona que el ritmo es parte de
tríada: ritmo, melodía y armonía. Para desencadenar el fenómeno musical de carácter rítmico
será preciso estimular la parte corporal y la imaginación motriz. Aportaciones didácticas:
- Percusiones rápidas y lentas. Se representa con palotes a mayor o menor distancia.
- Producir diferentes ritmos con onomatopeyas, movimientos, percusiones corporales y
otros materiales.
- Marcar los cuatro modos rítmicos (ritmo, tiempo o pulso, acento y subdivisión).
- Menciona a los sonidos cortos y largo que son representados a su vez con líneas cortas
y largas.
Figura 27: Líneas cortas y largas
En las canciones, los niños deploran el ritmo, la melodía y la armonía, por ende, en
este método hay canciones para bebés, para saltar, con movimientos del cuerpo, etc., Así
mismo se trabajará la importancia de expresión de los ritmos y la espontaneidad rítmica. Willems propone los “choques sonoros” o “golpes”, se dan encima de una superficie,
sentados en el suelo, en un lugar del cuerpo y también con claves. Al acompañarlo con
palabras con sentido y sin sentido, sonidos onomatopéyicos, permitirán la espontaneidad
rítmica y concientización de diferentes elementos métricos.
Carl Orff
Funda, junto a Gunther, La GuntherShull; esta escuela fue creada para la práctica de la
gimnasia, la música y la danza con adolescentes. Para Off palabra, música y movimiento será
el trinomio que conforme la base de la educación musical.
Barquero (2006) manifiesta que Orff” (…) tomó como elemento básico el ritmo de la
Orff toma como base el ritmo del lenguaje: al principio de un ejercicio musical hay un
ejercicio lingüístico”, asignando importancia al patrimonio tradicional (rimas, trabalenguas o
refranes).
El cuerpo va a funcionar como instrumento de percusión, con cuatro planos sonoros:
palmas en las rodillas, pies, etc. Para, más adelante, pasar al conocido instrumental Orff.
Propone la realización de:
- Actividades de canto con improvisación gestual.
- Actividades integrales: rítmicas, instrumentales y de movimiento vinculadas con el
lenguaje, el canto y la dramatización.
- Movimiento libre marcando acentos, cambios de ritmos, métricas o dinámica.
- Utilización del cancionero popular.
Figura 28: Melodías
La propuesta de Orff es activo, pues refiere que una buena enseñanza musical es donde
el pequeño participa, interpreta y crea.
Martenot
Se va a diferenciar por la significación que confiere a la distensión y control muscular.
Propone despertar el sentido rítmico partiendo de lo que él denomina tempo natural, a
La educación rítmica se va a realizar mediante la labor con sílabas rítmicas,
conformadas por una sílaba “la”, en la que los pequeños perciben el ritmo y el pulso de las
fórmulas rítmicas.
Figura 29: Pulso
La palabra o frase debe ser el elemento generador de trabajo rítmico y sugiere la
repetían de fórmulas encadenadas, así como los ejercicios de eco. Aporta material de juegos
para la práctica rítmica y su lectura, podemos destacar de entre ellos el Dominó de valores y la
lotería rítmica.
Kodaly
La educación musical gira alrededor de la canción popular, los ritmos surgirán como
consecuencia del canto. Los contenidos se percibirán por medio del oído, lo que consolidará el
desarrollo de su conciencia rítmica y melódica ejercitando su memoria.
En la iniciación rítmica utiliza los fonemas rítmicos o “sílabas rítmicas”.
2.2.5. Adquisición del sentido rítmico
Cada persona posee un ritmo fisiológico (latidos del corazón), natural no común en
todos (andar, hablar) y actividades motrices particulares (destreza, juegos de imitación,
A partir de los 3 años nos acompañan en las canciones con las manos o pies. A medida
que va creciendo empezará a armonizar mejor su ritmo.
Al adquirir el sentido rítmico el niño tomará conciencia y se adueñará de su propio
cuerpo, como instrumento musical y de expresión. Así afianzará su personalidad y adaptación
a la sociedad.
Compagnon, Germaine (1975) manifiesta “Al cultivar el sentido rítmico
(natural-musical), preparan al niño a prestar atención a todo lo que lo rodea; y más tarde, interpretar el
impulso y ritmo de la obra de arte: poesía, música, pintura, escultura y arquitectura” (p.73).
2.2.6. Importancia de la Educación rítmica
Lo encontramos en la mayor parte de los juegos, al golpear, andar, etc. El ritmo provee
orden, equilibrio, convicción e incita al movimiento.
Los ejercicios rítmicos ayudan a regularizar la acción motriz corrigiendo tensiones
musculares y posibilita la adquisición de automatismos, que son básicos para algunos
aprendizajes como la lectoescritura.
Contribuye al incremento de la psicomotricidad con diversos recursos: el uso de los
sonidos del cuerpo y del movimiento del niño, el interpretar canciones y de ordenamiento de
espacio-temporal de la música.
Pascual (2006) menciona que es importante, porque con ello “se pretende potenciar la
autonomía personal, el desarrollo psicomotor, la discriminación de tiempos, acentos y ritmos musicales, así como su interpretación con instrumentos corporales musicales y no musicales.”
