EL BARROCO EN ESPAÑA (S.XVII)

EL BARROCO EN ESPAÑA (S.XVII)

Contexto histórico

S. XVII = periodo de crisis económica, demográfica (tres oleadas de peste, expulsión de los moriscos, aumento de la emigración por dificultades económicas….) y política. Coincide con el reinado de los denominados Austrias menores (Felipe III, Felipe IV y Carlos II):

- La Corona pierde poder y prestigio ya que delegaron el poder en manos de validos

- España queda relegada a un segunda plano internacional tras la Guerra de los Treinta Años, mientras que Francia emerge como potencia hegemónica

- El estado permanente de guerra exigió un enorme esfuerzo económico y fiscal, que provocó el endeudamiento de la Corona con la banca extranjera y agravó las dificultades de la sociedad al subir los impuestos.

En conclusión, la monarquía hispánica pasó del esplendor de un inmenso imperio territorial en el s.XVI a una situación de decadencia y ruina en el XVII. Sin embargo, en el aspecto cultural y artístico se alcanzó un altísimo nivel, por lo que este siglo se conoce como El Siglo de Oro. Destacó la producción escultórica, pero sobre todo la pictórica (Velázquez, Zurbarán, Murillo, Ribera…) y la literaria (Cervantes, Lope de Vega, Quevedo, Góngora, Calderón de la Barca…).

Características generales

 Al igual que el arte barroco europeo, se trata de un arte propagandístico al servicio de la monarquía y la Iglesia, dirigido a las masas y con un lenguaje aparatoso y teatral que busca conmocionar emocionalmente al público.

 Peculiaridades:

- Ausencia de grandes proyectos arquitectónicos o urbanísticos dada la crisis económica. La producción artística fue más destacada en el campo de la escultura y, sobre todo, de la pintura.

- El protagonismo cultural recayó en la Iglesia (principal clientela: clero) más que en la Corona, que atravesaba momentos difíciles, por lo que hay un predominio absoluto de los tema religiosos en pintura y escultura, tratados con acentuado realismo para fomentar la devoción popular.

ARQUITECTURA

 De todas las artes, la arquitectura fue la más afectada por la crisis económica. Escasos proyectos urbanísticos (a diferencia de París o Roma) ni nuevas grandes construcciones (las pocas que hay se realizan con materiales pobre). La actividad arquitectónica se centra en ampliaciones y mejoras de obras preexistentes (adición de fachadas, torres, decoración…), y destaca en la arquitectura religiosa pues la civil fue casi inexistente.

 Evolución: arranca de la sobriedad herreriana/escurialense (finales s.XVI) y progresivamente se va haciendo más ornamental hasta llegar a la explosión decorativa de finales del s.XVII. El estilo se prolonga en el siglo XVIII añadiendo influencias del Barroco francés a través de la entrada de la casa de Borbón en España.

 La estructura de las Iglesias es muy simple, lejos de la imaginación borrominesca.

 Las cúpulas van a ser fingidas: son de yeso con armazón de madera: “Cúpulas encamonadas”, a diferencia de las grandes cúpulas italianas.

 Destacan los grandes retablos en el interior de las Iglesias. En un principio más bien clasicistas hasta culminar con los grandes conjuntos de Churriguera.

 Las fachadas se van a concebir como Retablos. En un principio muy sencillas y cada vez más fantasiosas, trabajando la piedra como si de madera se tratase.

 Tipologías nuevas:

- PLAZA MAYOR: espacio de reunión cuadrangular y porticado. Múltiples usos. Gran aportación urbanística del Barroco español.

- PALACIOS: Seguidores de la influencia de Versalles a partir de la llegada de los Borbones.

a) PRIMERA MITAD S.XVII

 No supone una verdadera ruptura con la arquitectura de finales del s.XVI. Perviven las influencias de Juan de Herrera y El Escorial, que se observan en su discípulo Gómez de Mora.

 Gran sobriedad estructural y decorativa.

 JUAN GÓMEZ DE MORA:

- Plaza Mayor de Madrid: arquetipo de “plaza mayor” barroca española.

Cerrada, planta cuadrada/rectangular, porticada y rodeada de edificios iguales con balcones (originalmente de 5 pisos de altura, tras varios incendios se modificaron a 3 pisos). Carácter utilitario y teatral: Lugar de celebraciones públicas (autos de fe, corridas de toros, ajusticiamientos…).

En el centro de uno de sus lados mayores se levanta la Casa de la Panadería, flanqueada por dos torres con chapiteles.

Diversos arcos de ingreso dan acceso a la plaza desde las calles adyacentes.

- Palacio de Santa Cruz (Madrid): influencia escurialense:

formas clásicas y sobrias, planta rectangular y torres en las esquinas con chapiteles de pizarra.

- Casa de la Villa (antiguo Ayuntamiento de Madrid):

Combina la piedra con un material pobre, el ladrillo.

- Clerecía de Salamanca: le corresponden el interior y la parte baja de la fachada.

- Iglesia de los Jesuitas de Alcalá de Henares

 ALONSO CARBONELL

- Antiguo Palacio del Buen Retiro. Hoy quedan escasos vestigios (Casón del Buen Retiro y Salón de Reinos).

b) SEGUNDA MITAD S.XVII

 Se van abandonando las estructuras sencillas y sobriedad escurialenses, en favor de elementos decorativos y formas curvilíneas.

 PEDRO DE LA TORRE

- Capilla de San Isidro (Madrid): combina ladrillo visto con piedra (granito). Rica decoración: pilastras pareadas en las esquinas, ménsulas en el entablamento, nichos y pilastras en el tambor de la cúpula, dos portadas-retablo en las fachadas oriental y occidental.

 ALONSO CANO

- Fachada de la Catedral de Granada: fachada estructurada a modo de arco de triunfo, con tres cuerpos coronados por arcos de medio punto sostenidos sobre pilastras, similar a San Andrés de Mantua de Alberti. Destacan los medallones, los óculos y los originales frontones curvilíneos de carácter manierista que rematan los vanos. El interior mezcla elementos góticos y renacentistas.

c) BARROCO FINAL: PRIMER TERCIO S.XVIII (estilo churrigueresco)

 El siglo XVIII se inaugura con una nueva dinastía, la de los Borbones, siendo Felipe V el primero.

 Culminación del barroquismo español. Se acentúa la tendencia decorativa, configurándose un estilo recargado y exuberante.

 La familia de los Churriguera alcanza tal importancia, que a este período se le conoce como “estilo churrigueresco”.

 JOSÉ DE CHURRIGUERA

- El más importante de la familia

- Arquitecto y autor de retablos. Recargamiento y uso muy imaginativo de los elementos. Gusto por la columna salomónica y los estípites.

- Retablo mayor del convento de San Esteban (Salamanca)

 ALBERTO DE CHURRIGUERA: Plaza Mayor de Salamanca

 JOAQUÍN DE CHURRIGUERA: Colegio de Calatrava (Salamanca)

 PEDRO DE RIBERA: -Puente de Toledo

- Cuartel del Conde-Duque - Antiguo Hospicio de San Fernando

 FERNANDO DE CASAS NOVOA:Fachada del Obradoiro

 NARCISO TOMÉ:Transparente de la Catedral de Toledo

 PALACIOS BORBÓNICOS: influencia del estilo francés de Versalles, importando a la corte española por los Borbones

 FELIPE JUVARA: Palacio Real de Madrid.

 TEODORO ARDEMANS: Palacio de La Granja de San Ildefonso

ESCULTURA

La escultura barroca española del s.XVII es una de las manifestaciones más interesantes del arte español, con características propias que la diferencian del resto de Europa.

 Predominio absoluto de la imaginería: arte de la talla de imágenes religiosas. Se van a realizar Pasos Procesionales para la Semana Santa (que empieza a tener ahora su mayor auge).

 Se restringe el desnudo en las fihuras.

 Acusado realismo para fomentar la devoción popular:

- Material: madera policromada, que aporta un mayor realismo que el mármol o el bronce. A veces se aplica la técnica del estofado, que aporta luminosidad

- Las esculturas se visten con telas verdaderas. Algunas esculturas, especialmente las destinadas a pasos procesionales, sólo se tallan cara, manos y pies, y el resto del cuerpo se cubría con amplios ropajes.

- Adición de elementos que incrementan el realismo: ojos y lágrimas de cristal, dientes de marfil, pelucas…

A) ESCUELA CASTELLANA: Valladolid como centro principal. Profundamente realista y dramática: resalta los rasgos expresivos y dramáticos de la imagen representada, a veces mostrando figuras desgarradas, para despertar sentimientos de compasión y conmover al espectador.

 GREGORIO FERNÁNDEZ

- Figura central de la escuela y uno de los imagineros más importantes.

- Pliegues quebrados y angulosos, como si las telas fuesen almidonadas.

- Realiza retablos, figuras sueltas y pasos procesionales.

- Crea tipos iconográficos de gran éxito que se van a reproducir constantemente:

o Cristos yacentes, crucificados o atados a la columna

o La Piedad o Santa Teresa o La Inmaculada

B) ESCUELA ANDALUZA: más amable, sosegada y serena que la castellana, buscando la belleza antes que el dramatismo.

 JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS (SEVILLA)

- Figura central de esta escuela. Influirá en otros artistas más jóvenes (Juan de Mesa, Alonso Cano).

- Se caracteriza por la serenidad expresiva que busca el realismo y emocionar sin recurrir a lo trágico y exagerado.

- Cristo de la Clemencia: Cristo crucificado vivo, con bello y sereno rostro que contrasta con el patetismo de los cristos de la escuela castellana. Emociona sin recurrir a lo trágico. Perfecto conocimiento del desnudo.

- Inmaculada Concepción (Catedral de Sevilla): gran belleza, dulzura y serenidad. Abundancia de ropajes.

 JUAN DE MESA (SEVILLA)

- Discípulo de Juan Martínez de Montañés.

- Su obra destaca por el dramatismo y violencia expresiva de sus imágenes.

- Jesús del Gran Poder: rostro envejecido y desgarrado, con muestras de sufrimiento.

 ALONSO CANO (GRANADA)

- Artista polifacético: arquitecto, escultor y pintor

- Su obra se caracteriza por la belleza, equilibrio e idealización de sus figuras, apartándose del realismo de la época. Huye del dramatismo y el dolor, que son sustituidos por la serenidad.

- Gusto por las imágenes de pequeño tamaño de temática femenina e infantil, de gran ternura y delicadeza.

- Inmaculada Concepción (facistol¹ de la Catedral de Granada).

Pequeño tamaño (50 cm) Sencillez y delicadeza. Manos juntas, en actitud orante.

- Niño de la Pasión

- Virgen de la Oliva (Virgen con el Niño)

 PEDRO DE MENA (GRANADA)

- Discípulo de Alonso Cano, aunque viajó a Castilla por lo que también estuvo influido por la escuela castellana.  obra a medio camino entre el patetismo castellano y la serenidad andaluza.

- Destacan los bustos de Dolorosas y Ecce Homos² muy expresivos en sus manifestaciones.

- Magdalena Penitente: Magdalena observando un crucifijo, con un extraordinario gesto mezcla de amor y sufrimiento.

- Sillería del Coro de la Catedral de Málaga

PINTURA

 El siglo XVII es el Siglo de Oro de la pintura española

CARACTERÍSTICAS

 Principales clientes: la Iglesia y la Corte.

 Temas: predominio de la pintura religiosa, a excepción de Velázquez por ser pintor cortesano y actuar con absoluta libertad. También se van a realizar bodegones y retratos, aunque en menor medida. El retrato no cuenta con muchos pintores especializados, aunque la calidad y cantidad de los realizados por Velázquez compensa esta escasez. El tema mitológico es escaso.

1 Facistol: atril grande donde se ponen el libro o libros para cantar en la iglesia.

2 Ecce homo: tipología de representaciones de Jesús en el momento en que Poncio Pilato (gobernador romano de Judea) presentó a Jesús ante la muchedumbre hostil a la que sometía el destino final del reo. Puede aparecer solo o con los demás personajes (Pilato, la multitud de judíos, soldados romanos…). Cristo aparece semidesnudo y atado, con una caña en las manos (que representa un cetro, que sus torturadores le dieron en burla por considerarse "rey de los judíos").

 Realismo puesto al servicio de la religión, que emplea tipos reales y escenarios cotidianos para hacer más próximos y comprensibles los temas religiosos.

 Predominio de la corriente naturalista italiana propia de Caravaggio, con iluminación tenebrista.

 No hay gran interés por la composición (excepto Velázquez y Ribera). Predominio de la diagonal barroca.

 La perspectiva parte de la perspectiva lineal propia del Renacimiento para llegar al pleno dominio de la perspectiva aérea.

 El color evoluciona desde un color seguido y de grosor uniforme a pinceladas sueltas, casi de manchas.

AUTORES:

A) ESCUELA VALENCIANA

 RIBALTA:

Es probable que completase su formación con un viaje a Italia, aunque también es posible que fuese en el Escorial donde conociese a los pintores italianos de las colecciones reales. Características de su obra: pleno realismo, gusto por una gama de colores cálidos, seguridad del dibujo y tenebrismo. Obras destacadas: La Última Cena / Cristo abrazando a San Bernardo / Visión de San Francisco.

 RIBERA (JOSÉ DE RIBERA,EL ESPAÑOLETO)

Primero de los grandes maestros del Barroco español, y quizás el mejor pintor tenebrista español del s.XVII.

Transcurrió la mayor parte de su vida en Nápoles (Italia). Su obra se caracteriza por un excelente dibujo y una pincelada pastosa que aporta textura y relieve. En sus obras pueden distinguirse dos etapas:

- Una que se caracteriza por el riguroso tenebrismo, aprendido de Ribalta y Caravaggio. Las figuras semidesnudas de apóstoles, santos y mártires destacan con crudeza sobre fondo oscuro.

 San Andrés

 Martirio de San Andrés

 Sileno ebrio (mitológica)

- La segunda etapa, bajo influencia clasicista y de la pintura veneciana, se caracteriza por una tendencia hacia los fondos claros hasta llegar a fondos de luz dorada, aunque persiste el crudo realismo. Hay una mayor luminosidad y riqueza cromática.

 Martirio de San Felipe

 El sueño de Jacob

 Inmaculada Concepción (Convento de las

Agustinas, Salamanca)

 El niño patizambo (tema profano)

B) ESCUELA ANDALUZA

 ZURBARÁN

Se formó en Sevilla. Desde el primer momento recibió numerosos encargos, sobre todo de monasterios, lo que limitó su producción y su estilo, renunciando a cualquier innovación compositiva y temática.

Sus dos características fundamentales serán el claroscurismo y el naturalismo. Ausencia de movimiento y pobres estudios de perspectivas, a veces incorrectos.

Entre sus primeras obras destacan los lienzos sobre la vida de S. Pedro Nolasco y una serie de retratos de teólogos. Realiza la Serie para la Cartuja de Jerez, donde destaca la Adoración de los Magos y S Hugo en el refectorio de los cartujos, composiciones equilibradas, con colores brillantes, volúmenes definidos y gestos graves.

Serie de la sacristía de Guadalupe, compuesta por ocho lienzos.

Santa Casilda: el personaje aparece como mujer de la época. Parece que era frecuente entre las nobles sevillanas retratarse como si fueran santas, llevando en la mano el símbolo del martirio o de la santidad.

Bodegones de gran calidad y realismo, con estructura similar: en un primer plano parecen distintos objeto con una iluminación muy fuerte

 BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

Nace en Sevilla y comienza a trabajar en la década de los 40, cuando ya la ciudad comienza a sufrir la ruina económica. Sus primeros trabajos se incluyen dentro del naturalismo tenebrista, con un dibujo preciso y tonos apagados. De esta etapa son Virgen del Rosario, Sagrada Familia del Pajarito, Adoración de los pastores, donde se aprecia sus sensibilidad para captar el mundo infantil.

En los años 50 se produce una evolución en su estilo, abandonando el claroscuro, mostrando cada vez más interés por la luz una pincelada más suelta y mayor riqueza cromática. En su obra se funde la influencia de los flamencos y venecianos con la de Zurbarán y Ribera.

Realizó numerosas series para distintos monasterios sevillanos.

En cuanto a su representación de la Inmaculada, Murillo creará una tipología de formas dinámicas y aparatosas, envuelta en un manto azul sobre el hábito blanco, rodeada de pequeños ángeles. También triunfará con sus pinturas de niños, bien en temas realistas (de género) como Niños comiendo melón, como en las religiosas Divino Pastor o Los niños de la concha.

 JUAN VALDES LEAL

Contemporáneo de Murillo, personalidad muy distinta. Su obra más importante son los Jeroglíficos de las Postrimerías, para el Hospital de la Caridad, que incluye los cuadros In ictu oculi (en un abrir y cerrar de ojos) y Finis gloriae mundi (el final de la gloria del mundo). En la primera avisa de la llegada inesperada de la muerte que obliga al hombre a abandonar sus glorias, pertenencias y placeres terrenales. En la segunda nos coloca ante una cripta con cadáveres corrompidos que esperan el juicio final, represetnado en la parte superior por una balanza sostenida por la mano de Cristo con las llagas de la Pasión, en la que se pesan las virtudes y los pecados.

 ALONSO CANO

También arquitecto y escultor. Se formó como pintor en el estudio de Pacheco, donde coincidió con Velázquez. Se inicia en el tenebrismo, pero al conocer las colecciones reales su paleta se fue haciendo más clara.Virgen con el Niño

C) DIEGO DE SILVA VELÁZQUEZ

Nace en Sevilla en 1599. Entra como aprendiz en el taller de Herrera el Viejo y tras unos meses pasará al taller de Pacheco, pintor modesto pero que supo orientar a sus alumnos hacia las novedades de la pintura del momento; su taller era lugar de reunión y tertulia de clérigos cultos, nobles aficionados, intelectuales.

a) Años de formación en Sevilla (1609-1623): En 1617 pasó el examen que le capacitaba para ejercer como pintor. En esta época sus obras presentan un estilo vinculado al naturalismo tenebrista de Caravaggio.

Dibujo preciso, pincelada cuidada, colores cálidos (ocres, rojos,…). Temas de género con pocos personajes que aparecen dispuestos en torno a una mesa, son los llamados bodegones a lo divino

 Vieja friendo huevos

 Aguador de Sevilla

 Cristo en casa de Marta y María

 La cena de Emaus (la mulata)

 La adoración de los magos

b) Llegada a la corte (1623-1629): En 1623 es llamado por el Conde-duque de Olivares, obteniendo el título de pintor del rey. Tras conocer la colección de pintura veneciana abandona el tenebrismo y comienza a hacer una pincelada más suelta, aunque mantiene el carácter realista. Conoce a Rubens, quien le influye, entre otras cosas en la luz y el color.

El cuadro más significativo es El triunfo de Baco o Los borrachos, versión personal del tema

mitológico de la Bacanal, presentando una reunión de campesinos y soldados de los tercios que adoran a un joven vulgar.

c) Primer viaje a Italia (1629-1631): Tras conocer a Rubens, pide autorización y viaja a Italia donde conocerá las obras del Renacimiento los maestros venecianos, el clasicismo boloñés y los restos de la Antigüedad clásica.

 La túnica de José

 La fragua de Vulcano

d) Afianzamiento en Madrid (1631-1648): A su vuelta a Madrid, Velázquez reinicia su actividad como retratista de la familia real. Técnica fluida y riqueza cromática.

Participa en la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro con un programa iconográfico y simbólico dedicado a ensalzar la figura de Felipe IV.

 La rendición de Breda o Las lanzas representa la entrega de las llaves de la ciudad de Breda. El centro de la composición es la llave. Los caballos sirven para limitar la composición. La luz y el color se convierten en protagonistas, al tiempo que refleja los efectos de la interposición del aire.

 Retratos ecuestres del Salón de Reinos

Para la Torre de la Parada de El Pardo pintará a la familia real en traje de caza y con la sierra de Madrid al fondo, además de retratos de personajes de la antigüedad como Marte o los filósofos Esopo y Menipo, representados como mendigos. En este pabellón estuvieron también los retratos de bufones como Francisco Lezcano, el niño de Vallecas, D Diego de Acedo el Primo o Calabacillas que formaban parte de la serie dedicada a los “hombres de placer”. Destaca el Pablos de Valladolid, en el que define el espacio creando la sensación de tres dimensiones sin utilizar ninguna referencia

geométrica, solo con la luz y las sombras.

e) Segundo viaje a Italia (1648-1651): Va a Italia encargado de comprar una serie de obras de arte para la colección real. En Roma realiza dos retratos, el de su criado Juan de Pareja y el del papa Inocencio X.

Probablemente también realizó la Venus del espejo donde Venus, desnuda y de espaldas contempla su rostro en un espejo sostenido por Cupido. Contraste de color entre la cortina roa y la sábana gris que contribuye a dar sensación de sensualidad.

Parece que también son de esta fecha los paisajes de la Villa Medicis que se caracterizan por na técnica muy suelta con la que Velázquez logra reflejar la atmósfera y los cambios de luz y que fueron

estudiados por los impresionistas ya que Velázquez copió directamente de la realidad.

f) Última etapa (1651-1660): De nuevo en la corte continúa los trabajos para la decoración del alcázar. De ayudante de cámara para a aposentador mayor de palacio.

 Las hilanderas o Fábula de Aracne: cuadro mitológico. El tema principal (la fábula de Aracne) se desplaza al fondo, mientras que en primer plano aparece un taller de hilanderas y tejedoras. La fábula narra la historia de Aracne, quien orgullosa de su actividad como tejedora, desafió a Minerva, hábil en todas las artes, tejiendo, en uno de los tapices las aventuras amorosas de Júpiter, que aparece raptando a Europa en el tapiz del fondo. Minerva, ofendida, aceptó el reto y al perder Aracne fue castigada a tejer eternamente, convirtiéndola en araña. El foco de luz cae sobre Aracne (de espaldas), mientras que otro foco ilumina la escena del fondo, creando unas formas difuminadas, el aire se interpone y no se llegan a distinguir las formas del tapiz de las reales. Destaca la vieja de la izquierda (Minerva) cuya rueca va tan aprisa que sus radios desaparecen al impulso manual: increíble representación dinámica, dos siglos y medio antes de que la pintura europea se propusiera la expresión visual del movimiento (con los futuristas en particular).

 Las Meninas o La familia (1656) en cuanto al tema hay distintas interpretaciones. La primera es sencilla: la infanta Margarita, en el centro de la escena, visita el taller de Velázquez acompañada por dos camareras o meninas (Isabel de Velasco y Agustina Sarmiento), y otros miembros de su séquito

como Marcela Ulloa y el guardadamas y dos bufones, Maribárbola y Nicolasito Pertusano; Velázquez está realizando un gran lienzo, mientras que los reyes Felipe IV y Mariana de Austria entran en la sala o posan para el pintor; al lado del espejo el aposentador de palacio, José Nieto.

Hay una segunda lectura según la cual Velázquez intentó convertir este cuadro en un alegato en favor de la consideración de la pintura como un arte liberal que imprime nobleza y dignidad a sus creadores, rechazando la consideración de artesanal.

En cuanto a la composición, el cuadro se organiza en dos líneas oblicuas paralelas: la que va de la cabeza del pintor hasta el perro acostado y la que une los enanos con la figura del aposentador y se pierde en la luminosidad del fondo.

Perspectiva aérea. Dos focos de luz: el de la puerta del fondo, más intenso y el de una ventana lateral que ilumina a las figuras de primer plano y el lienzo.

Los personajes aparecen distribuidos en varios planos: un primer plano abarca todas las figuras iluminadas por la ventana lateral que al recibir la luz directamente presentan unos colores más nítidos y unos perfiles más definidos. Un segundo plano en penumbra donde aparecen Marcela Ulloa y el guardadamas y que comprende toda la habitación hasta la pared del fondo donde aparece el espejo y la puerta que forman el tercer plano. El último plano corresponde a la figura del aposentador y por último las imágenes reflejadas en el espejo que aludirían a un quinto plano exterior al cuadro. Estos planos no aparecen claramente delimitados, puesto que el aire que se interpone los une.

Las Meninas supone la conclusión de u proceso que se inicia con la perspectiva lineal del

Quattrocento, avanza con el sfumatto de Leonardo y termina con la perspectiva aérea de Velázquez: la representación de las tres dimensiones en un espacio que solo tiene dos. Desde ahora hasta el cubismo nadie se planteará otra forma de representar la realidad.

En estos últimos años realiza retratos de los infantes, sobre todo de Margarita.

En 1659 consigue ser nombrado caballero de Santiago.

En 1660 fallece en Madrid