EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
Por causa de las continuas relaciones entre España e Italia llegó a España el Renacimiento. No obstante se introdujo tarde, a finales del s. XV porque el gótico estaba muy arraigado en nuestro país.
El Renacimiento español se aleja del italiano entre otras cosas porque en España no existía una burguesía rica y emprendedora como en Italia. El mecenazgo en España está a cargo de la nobleza cortesana y de la Iglesia, lo que va determinar obras diferentes a Italia, casi exclusivamente religiosas.
Si en Italia el Renacimiento había surgido a partir de la reflexión sobre obras de la antigüedad, en España los artistas se basaron directamente en las creaciones de sus contemporáneos italianos.
En los comienzos del siglo XVI se produce la venida a España de artistas italianos y la ida a Italia de artistas españoles en busca de formación , la llegada de los tratados de los grandes maestros italianos y la llegada de grabados que divulgan las nuevas formas decorativas (grutescos) .
ARQUITECTURA
La arquitectura del renacimiento español se divide para su estudio en tres etapas:
Plateresco. Fines del siglo XV y primer tercio del XVI. Coincide con el reinado de los Reyes Católicos y principios del reinado de Carlos V. Fue una etapa de introducción de elementos decorativos del Renacimiento italiano que se incorporaron a obras góticas. Purista o Clasicista Hasta el segundo tercio del siglo XVI. Coincide con el reinado de Carlos V nieto de los Reyes Católicos. En esta etapa se abandonó el estilo gótico definitivamente y se adoptó una concepción más clásica de las obras arquitectónicas. Herreriano Último tercio del siglo XVI. Coincide con el reinado de Felipe II .Esta última etapa estuvo marcada por el espíritu de la Contrarreforma , muy austero. La obra principal es el Palacio del Escorial.
PLATERESCO
Recibe este nombre por ser un arte fundamentalmente decorativo que se asemeja a la labor decorativa de los orfebres y plateros. Características de este estilo es la suntuosidad decorativa en las fachadas de los edificios mientras en el interior se seguían empleando bóvedas de crucería góticas y en el exterior cresterías y pináculos góticos. Combina el estilo Reyes católicos con elementos decorativos del Renacimiento italiano como grutescos o medallones con bustos clásicos.
La ciudad más representativa de este estilo es Salamanca. La Fachada de la Universidad adorna un edificio gótico .Tiene forma de retablo con varias calles y tres cuerpos separados por cornisas. La decoración combina elementos renacentistas: grutescos, bustos de deidades paganas, con elementos propios del estilo Reyes católicos: medallones con la figura de los Reyes católicos, escudos, candelabros, etc. Debajo un doble pórtico de arcos rebajados.
La fachada tiene un sentido ascendente y se crea una sensación de exhuberancia a medida que subimos de nivel. Se corona el conjunto con una crecería gótica.
Otra importante obra plateresca es la fachada de San Esteban de Salamanca, que aparece enmarcada por un gran arco de medio punto y combina elementos de los Reyes católicos con otros renacentistas
Universidad de Alcalá
Fue realizada por el arquitecto Rodrigo Gil de Hontañón con criterios clásicos mientras construía en estilo gótico los catedrales de Salamanca y Segovia.
Vemos como se van reduciendo los motivos ornamentales. Está construida en piedra y dividida en tres niveles separados por cornisas que subrayan la línea horizontal. La parte central de la fachada recoge toda la decoración ornamental.
En el nivel inferior hay un arco rebajado o carpanel enmarcado por columnas pareadas de orden jónico.
En el nivel medio hay tres vanos enmarcados de profusa decoración y cubiertos por un frontón curvo.
En el nivel superior el cuerpo central tiene decoración heráldica y a los lados una galería de ventanas con arcos de medio punto El conjunto se remata con pináculos góticos y un frontón en la parte central.
Otros edificios de este estilo son el Hospital de Santa Cruz en Toledo, la Escalera dorada de la Catedral de Burgos o el Ayuntamiento de Sevilla.
PURISTA O CLASICISTA
Se introduce en España hacia la segunda mitad del s.XVI durante el reinado de Carlos V. Se trata de la incorporación del estilo renacentista puro italiano que valora la estructura por encima de la decoración. Elementos que se adoptan son: arcos de medio punto, bóvedas de cañón, columnas, pilastras y frontones triangulares y curvos.
La ciudad de Granada reúne dos de los edificios más importantes de esta etapa: El Palacio de Carlos V, muestra de arquitectura civil y la Catedral de Granada.
La catedral de Granada.
Había sido iniciada según un proyecto gótico del arquitecto Enrique Egas pero el emperador Carlos V decidió cambiar el proyecto y levantar la catedral según el modelo renacentista. Se encargó la obra a Diego de Siloé quien había estado en Italia y conocía el arte renacentista de Bramante y Miguel Ángel.
La planta es basilical de cinco naves y presenta dos grandes innovaciones:
- Desarrollo de una gigantesca cabecera con deambulatorio o girola. . El espacio se corona con una gran cúpula
de 22 m de diámetro iluminada por una serie de ventanales en el tambor .Una serie de pasillos cubiertos con bóvedas de medio de cañón y casetones comunican la girola con el altar mayor, de manera que desde cualquier punto de la girola se puede seguir el oficio religioso.
- Para respetar las elevadas proporciones del proyecto gótico pero con columnas clásicas proporcionadas, construye unos pilares con medias columnas adosadas terminadas en capiteles y para elevar la altura coloca un entablamento y un pilar más corto ( recuerda el sistema empleado para elevar las naves de la Mezquita de Córdoba). Este mismo tipo de soportes los emplea Siloé en las catedrales de Málaga y Guadix y un discípulo suyo, Vandelvira, en la catedral de Jaén.
En torno al altar mayor se sucede un programa iconográfico con pinturas en dos niveles realizadas en parte por Alonso Cano. La fachada de la catedral es ya de época barroca también de Alonso Cano.
Otros edificios renacentistas son los realizados por Vandelvira en las ciudades andaluzas de Úbeda y Baeza.
Palacio de Carlos V
El emperador Carlos V vino a Granada en viaje de novios. Se enamoró de la Alhambra y por eso quiso construir un palacio junto a los palacios nazaríes. Su construcción fue encargada a Pedro Machuca (pintor, retratista y excelente arquitecto) que había trabajado en Italia y conocía los modelos renacentistas.
Siguiendo los esquemas y la austeridad de Bramante proyectó un edificio de planta central inscribiendo un círculo en un cuadrado, símbolo de la perfección, como queriendo transmitir la idea de imperio universal.
El patio interior se compone de un círculo de 30m de diámetro rodeado por una doble galería con columnas de órdenes superpuestos: piso inferior dórico y superior jónico, separados por un entablamento dórico de triglifos y metopas. El primer piso se cubre con una bóveda anular (bóveda de cañón circular)
La fachada está dividida en dos niveles separados por una cornisa .Se mantiene la misma superposición de órdenes anterior sólo que se sustituyen las columnas por pilastras.
El piso inferior presenta el almohadillado típico de los palacios florentinos y un ritmo de vanos y óculos que se repite en el piso superior.
La portada presenta un cuerpo central con una puerta adintelada rematada por un frontón y flanqueada por columnas pareadas de orden jónico sobre un zócalo de mármol con relieves alusivos a las campañas del emperador. Sobre las dos puertas laterales hay dos óculos con relieves.
En la parte central del cuerpo superior hay ventanales cubiertos por frontones circulares o triangulares con óculos y flanqueados por columnas adosadas de orden corintio.
ESTILO HERRERIANO
Esta etapa se corresponde con la época de Felipe II y se enmarca dentro del rigor religioso derivado del Concilio de Trento y la Contrarreforma. El aspecto grandioso responde al esplendor de un imperio donde nunca se ponía el sol. La arquitectura llega a una absoluta austeridad en consonancia con los ideales religiosos y artísticos del rey que quería un edificio que debía de servir de palacio, panteón y convento:
- sede política de los Austrias
- mausoleo de los reyes españoles, defensores de la ortodoxia católica
- sede de una comunidad religiosa con seminario incorporado (siguiendo las indicaciones del Concilio de Trento)
Fue mandado construir después de vencer en la Batalla de San Quintín a los franceses y en honor de San Lorenzo del Escorial.(Se dice que la planta tiene forma de parrilla invertida, donde fue martirizado San Lorenzo) Se levantó en la Sierra de Guadarrama con un clima saludable y cerca de canteras.
Su principal arquitecto fue Juan de Herrera, conocedor de los tratados italianos de arquitectura, que proyectó un edificio caracterizado por la sobriedad, la geometría y la simetría.
Todas las dependencias se agrupan en torno a grandes patios. El eje central va desde la fachada principal, pasando por el Patio de los Reyes, la iglesia, hasta las habitaciones reales. El panteón de los reyes está debajo del altar mayor y las habitaciones del rey rodean el presbiterio para poder oír misa sin abandonar sus aposentos.
El exterior es un juego de volúmenes austero, sólido e impenetrable como el propio carácter del rey. Está realizado en granito con cuatro torres en los vértices y cientos de ventanas que se suceden sin frontones ni cornisas, ni molduras. Sólo la portada principal es algo más elevada que el resto Los únicos elementos decorativos son los capiteles y las bolas de los remates.
La iglesia es una de las partes más importantes. Es de cruz griega inscrita en un cuadrado. Los brazos se cubren de bóvedas de cañón con una cúpula sobre el crucero. Es de gran seriedad y robustez. Bajo la capilla mayor está la cripta. La fachada presenta calles separadas por columnas de orden toscano. El cuerpo superior se remata con un frontón.
ESCULTURA RENACENTISTA ESPAÑOLA
Durante el primer tercio del siglo XVI, los escultores españoles abandonan el estilo gótico e inician las formas renacentistas. Hay un continuo contacto con Italia. Algunos escultores marchan a formarse a Italia pero también hay escultores italianos que trabajan en España.
Se crea un estilo propio donde el material va a depender de la obra: - El mármol y el bronce se utilizan para realizar monumentos funerarios. - La madera policromada para realizar retablos e imágenes.
- La madera sin policromar se emplea en las sillerías de coro
Para policromar la madera se aplica el color sobre una fina capa de yeso. En la parte correspondiente del vestido se usa el estofado que consiste en aplicar láminas de oro sobre el yeso, encima se pinta y posteriormente se raya haciendo los dibujos necesarios para que salgan los bordados de oro de las vestiduras.
El encarnado consiste en aplicar color imitando piel en las zonas desnudas.
En el primer tercio del siglo XVI Granada es una ciudad de enorme creatividad artística porque la ciudad recién conquistada está siendo sometida a un rápido proceso de cristianización. Coinciden artistas italianos que trabajan en la Capilla Real y españoles formados en Italia.
Entre los artistas italianos que trabajan en España, en la Capilla Real de Granada tenemos:
Fancelli hizo el sepulcro de los Reyes Católicos Jacobo Florentino:la Anunciación
Felipe Bigarni: el retablo
Entre los artistas españoles formados en Italia destaca Bartolome Ordoñez que realiza el sepulcro de Juana la Loca y Felipe el Hermoso en mármol blanco y con influencia de Miguel Ángel.
La imaginería española
En el 2º tercio del siglo XVI el foco de la actividad artística está en Valladolid donde hay una escuela de escultores que marcan el inicio de la imaginería española. Estos imagineros. Destacaron por la intensidad y dramatismo con que plasmaron los sentimientos religiosos, buscando la representación de la espiritualidad más que la belleza Sus obras son antecedentes de la imaginería Barroca. Las obras son esencialmente religiosas. Hay que tener en cuenta que el espíritu de la Contrarreforma presente en la iglesia animaba el uso de imágenes para despertar devoción. a través del dramatismo y la expresión.
Los representantes de esta escuela fueron Berruguete y Juan de Juni. Berruguete
Viajó a Italia (Roma y Florencia) y recibió una profunda impresión ante el Laoconte y las esculturas de Miguel Ángel. De uno y otro tomó sus características fundamentales: la fuerza dramática, la expresividad casi patética y el movimiento distorsionado que caracteriza el estilo manierista.
Sus figuras son estilizadas, nerviosas, huesudas. Trabaja muy bien la madera policromada pero su técnica no es muy acabada.
Entre sus obras destacan El Retablo de San Benito el Real en Valladolid compuesto por relieves y esculturas de bulto redondo. A él pertenecen la figura de San Sebastián que se alarga siguiendo una linea helicoidal o serpentinata, y el Sacrificio de Isaac en el que podemos ver el canon alargado en el que el cuerpo es 10 veces la cabeza, la línea serpentinata, la fuerza expresiva de los cuerpos y el grito de angustia de los personajes. Vemos las dos influencias en el estudio anatómico de Miguel Ángel y en el grito del Laoconte.
En su San Jerónimo muestra un gran arrebato místico. En la Adoración de los Reyes muestra la técnica del dorado.
Como preludio del barroco realiza la sillería el coro de la catedral de Toledo. Son figuras de santos y de profetas arrebatados por una intensa vida interior, en madera de nogal. y sin policromía.
Realiza el sepulcro en mármol del Cardenal Tavera en Toledo Juan de Juni
Es de origen francés. Desarrolló .su vida artística en Valladolid pero se había formado en Italia. Su técnica es más perfeccionista que la de Berruguete, el movimiento menos impetuoso, pero tiene la misma fuerza expresiva y el patetismo muy acentuado que lo sitúan dentro del manierismo.
Realizó el Santo Entierro de Valladolid donde representa el Santo Entierro como un drama teatral. Las figuras del entierro, llenas de intenso dolor se retuercen en angustiosas actitudes en torno al cuerpo del Cristo muerto. El grupo lo componen la
Virgen y cinco personajes. La expresividad de los gestos llega a la teatralidad. Uno de los personajes conecta con el espectador y le enseña una de las espinas de la pasión. Está realizado en madera policromada con la técnica del estofado.
En la Virgen de los Cuchillos vemos el inicio de las vírgenes dolorosas del barroco
PINTURA RENACENTISTA
En el segundo tercio del siglo XVI llegan a la Península ibérica la influencia de los grandes maestros del renacimiento en Italia. Tanto la influencia romano florentina como la influencia veneciana.
Entre los pintores mas representativos destacan :
Juan de Juanes, autor de la Santa Cena con influencia de Leonardo.
Luis de Morales que en su Virgen con Niño recibe influencias de Leonardo y Rafael. En el último tercio del siglo, bajo el reinado de Felipe II aparecen una serie de pintores italianos atraídos para trabajar en la decoración del Escorial. Sobre todo hay retratistas españoles como Sánchez Coello, Pantoja de la Cruz o la pintora de corte Sofonisba Anguissola.
EL GRECO
Doménico Theotocópulos
Nació en Creta a mediados del s. XVI iniciando allí su vida artística . Se trasladó a Venecia donde conoció la pintura de los grandes maestros venecianos y quedó fascinado por Tiziano y Tintoretto de quienes le influyó el colorido y el movimiento . En Roma estudió la obra de Miguel Ángel, Después de su estancia y Roma se trasladó a España (1577) atraído por la posibilidad de trabajar en el Escorial.
Fue un hombre apasionado y fervoroso que sintió la necesidad de plasmar los temas sagrados de una manera llena de agitación y espiritualidad.
Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, cuadros de devoción para instituciones religiosas y un grupo de excelentes retratos.
En sus primeras obras se aprecia la influencia de los maestros italianos. Sin embargo evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas alargadas, con iluminación propia, delgadas, muy expresivas, con un gama de colores buscando contrastes. . El alargamiento de las figuras nos lleva a incluirlo en el arte del Manierismo.
*Se instala en Toledo y le encargan El Expolio para la Catedral de Toledo. Es un cuadro que representa el momento en que Cristo, antes de su crucifixión es despojado de sus vestiduras. Aparece Jesús en el centro de la composición en disposición vertical. La composición es abigarrada. A la derecha , un sayón tensa la cuerda que sujeta el brazo de Cristo y delante otro sayón aparece en escorzo. Aparecen las tres Marías. La expresión de bondad de Cristo se opone al odio de los personajes.
La gama de colores recuerda a la de los venecianos: rojos, azules, amarillos, blancos plateados. Destacan la túnica roja de Jesús y la armadura brillante del militar.
El cuadro no gustó, ni que aparecieran las Tres Marías ni que hubiera cabezas por encima de Cristo.
*Dos años más tarde el rey le encarga el Martirio de San Mauricio para la basílica del Escorial. Una legión romana cristiana que se niega a rendir culto a los dioses va a ser martirizada. San Mauricio se dirige a sus soldados diciéndoles que entreguen sus vidas. Al fondo se ve el martirio, lo que no gustó a Felipe II.
Los colores son claros, fríos y luminosos. Hay un contraste entre la quietud del primer plano y el dinamismo del mundo celestial.
Después de esta obra el Greco se retiró a Toledo, donde residió hasta su muerte
En la Trinidad aparece el espíritu Santo, Dios Padre y el cuerpo de Jesús muerto con una composición en Zig zag y ángeles alrededor.
* Otra de sus primeras obras El Entierro del Conde de Orgaz .Representa una leyenda según la cual al morir el conde de Orgaz bajaron del cielo San Agustín y San Esteban para enterrarlo. La composición es la que se repite en sus obras: divide sus obras en dos registros terrenal y celestial.
En el registro inferior San Agustín y San Esteban inhuman los restos del Conde de Orgaz. Alrededor retrata amigos e intelectuales de la nobleza local vestidos de oscuro Incluso aparece el propio artista y su hijo (Jorge Manuel) que nos señala la escena. A la izquierda hay un monje con un hábito gris y a la derecha el sacerdote que dirige la ceremonia y otro oficiante que nos da la espalda con una casulla blanca transparente y que parece mirar al cielo.
Contrasta el dinamismo y movimiento de la escena superior y la composición estática de la escena terrenal. La unión de las dos escenas está representada por un ángel que lleva en sus manos el alma del conde.
No hay paisaje. Las formas ocupan todo el espacio. La pincelada es suelta. Hay gran riqueza cromática. Predominan los tonos amarillos de las vestimentas, el rojo y azul de la Virgen , las transparencias y brillos en la casulla y las armaduras y los tonos grises predominantes.
Esta obra dio al Greco gran prestigio en Toledo.
A medida que avanza su estilo este se va apagando, predominando los tonos grises, verdosos , amarillos y carmines. Las figuras acentúan la expresividad, la anatomía se alarga y deforma reduciéndose a delgados miembros que flotan en el aire con un movimiento ascendente. El paisaje desaparece sustituido por luces fantasmales : cielos llenos de nubes y luces.
Las composiciones llenan todo el espacio en una especie de horror vacui .Ejemplos:.La Crucifixión. La Asunción
*Entre las obras religiosas destacan los apostolados en las que las figuras aparecen de medio cuerpo con rostros alucinados y miradas llenas de espiritualidad. El mejor ejemplo es el cuadro de las Lágrimas de San Pedro donde la pincelada va dominando sobre el dibujo y crea efectos impresionistas.
Otra obra religiosa de su última etapa el la Adoración de los pastores
El Greco también fue pintor de retratos de primer orden con gran penetración *psicológica: El caballero de la mano en el pecho. O el Retrato del Cardenal.
Como temas mitológicos realiza El Laoconte y sus hijos que muestra la influencia que la visión del Laoconte provocó en el pintor.
Es autor también de un paisaje de Toledo bajo un cielo tormentoso.
Los siglos que siguieron a su muerte fue considerado un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte. Actualmente está considerado uno de los grandes artistas de la civilización occidental
