Parte 2 : El arte
Francisco de Goya
(1746-1828)
Presentación del pintor
● Francisco de Goya
● Fecha y lugar de nacimiento: 1746 en Zaragoza
● Fecha y lugar de muerte: 1828 en Burdeos
● Nacionalidad: Español
● Actividad: Artista Pintor
● 1776- 1792 : elevación social, se pintó un retrato del rey Carlos III y se convirtió en el pintor del rey en 1786. Era muy ambicioso.
● Hizo para basílicas, iglesias, edificios reales.
● Debido a su sordera, cayó en la angustia. Esto se refleja en sus obras.
● A finales del siglo XX fue el primer pintor de la corte (tenía una estrecha relación con el rey).
● Pintó el cuadro de la Maja desnuda y vestida . Esta desnudez ofende la moral católica, muy presente en España. Después de la caída de Godoy (jefe del gobierno), el cuadro fue confiscado y Goya se encontró en el Tribunal de la Inquisición.
● Movimiento artístico: pintura prerromántica
● Temas: escenas de guerra (las guerras napoleónicas) ; escenas históricas; escenas populares; caza; seducción; política y la religión.
Principales obras
Una serie de ochenta y dos grabados realizados entre 1810 y 1815. Representan la guerra, el hambre, la familia borbónica de la monarquía absoluta y el clero.
El cuadro fue encargado y pintado antes de 1800 y representa el cuerpo de una mujer bella y real,
tumbada tranquilamente sobre cojines y mirando al espectador. La historia de la obra es interesante gracias a sus aventuras: en 1807, Fernando VII se la confiscó a Godoy, y en 1814, la Inquisición decidió ocultarla al público por obscenidad y entabló una demanda contra Goya, pero el pintor fue absuelto gracias a la influencia del cardenal Don Luis María de Borbón y Vallabriga.
Los Desastres de la Guerra La Maja Desnuda
Dos de Mayo
Esta pintura pintada en 1814 representa el escenario del levantamiento del 2 de mayo de 1808 en Madrid contra José Bonaparte. Éste, para invadir Portugal, había ocupado España en 1808, obligó al rey de España a abdicar, y luego dio su trono a su hermano José, quien más tarde se convirtió en rey de España bajo el nombre de José I.
Tres de Mayo
Este lienzo pintado en 1814 también se llama Los fusilamientos de la montaña del Príncipe Pío. Es la continuación de los eventos descritos por Dos de mayo. En la noche del 2 al 3 de mayo de 1808, los soldados franceses ejecutaron a los combatientes españoles prisioneros durante la batalla. Denuncia los horrores de la guerra. Al abordar el tema de la guerra, este cuadro tiene un carácter religioso gracias a la mano derecha de la víctima que muestra un estigma (una herida sufrida por Jesucristo durante su crucifixión) y la presencia de un monje.
La Familia de Carlos IV
Esta pintura de 1800 representa la familia real de Carlos IV de España. Todos los miembros de la familia están presentes, así como Goya al fondo, que se representa a sí misma pintando. Los últimos hijos garantizan la sucesión de la familia.
La memoria histórica y Goya
Goya, por ejemplo, con sus famosas obras, Dos de Mayo y Tres de Mayo, expuestas en el Museo del Prado de Madrid, puede considerarse como un precursor de la ley de la memoria histórica. Estas pinturas representan la ejecución de revolucionarios españoles que fueron
fusilados por hombres del ejército de Napoleón. De hecho, estas grandes cuadros de 1814 son ya una prueba de los acontecimientos históricos relacionados con la guerra y los masacres. El pintor da testimonio de la represión que afectó al pueblo español en el siglo XIX. Esta pintura hace
posible recordar y tener en cuenta esta masacre incluso años después. El Tres de Mayo estaba destinado a ser presentado al público, con un mensaje claro: las víctimas inocentes no habían muerto por nada. A Goya se le encargó la tarea de ilustrar "las acciones heroicas de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa". Muestra crueldad contra la impotencia.
Finalmente, Goya, con sus obras realistas, da testimonio de otra época y actúa también como ley (artística) de la memoria histórica. Muestra la agitación de su tiempo. Este presenta como visionario y de una manera muy original la esclavitud, la estupidez, la crueldad y la inhumanidad de los hombres. Es un testigo de su tiempo.
La memoria histórica y Goya
El arte es una forma de recordar el pasado, de presenciar los horrores de la guerra para que la gente tome conciencia de la atrocidad de estos masacres y no las reproduzca. Una pintura resiste con el tiempo y es una imagen fija, indeleble incluso para todos aquellos que no la han experimentado. Resisten la prueba del tiempo y son un recuerdo valioso.
Además, Picasso ha retomado la misma figura del hombre que levanta los brazos en Tres de mayo en su famoso cuadro Guernica. Finalmente es un homenaje a Goya, pero también muestra que la crueldad humana se repite en la historia en diferentes momentos.
La mémoire historique et Goya
Goya à travers par exemple ses célèbres tableaux, Tres de Mayo et Dos de Mayo, exposés au musée Del Prado à Madrid peut être considéré comme un précurseur de la loi de la mémoire historique. Ils représentent l'exécution de révolutionnaires espagnol qui se font fait fusillés par des Hommes de l’armée de Napoléon. En effet, ces tableaux de grandes dimensions datant de 1814 sont déjà des témoignages d'événements historiques liés à la guerre et à de grands
massacres. Le peintre témoigne de la répression qui a touché le peuple espagnol au 19ème siècle. Ce tableau permet de se souvenir et de garder en mémoire un tel massacre même des années après. Tres de mayo était destinée à être présenté au public, avec un message clair : les victimes innocentes n’étaient pas mortes pour rien. Goya se voit confier la tâche d’illustrer « les actions héroïques de notre glorieuse insurrection contre le tyran d’Europe ». Il montre la cruauté contre l’impuissance.
Finalement, Goya, avec ses peintures réalistes, apporte un témoignage d’une autre époque et fait lui aussi office de loi (artistique) de la mémoire historique. Il y montre l’agitation de son temps. Celui-ci présente en visionnaire et de façon hautement originale l’asservissement, la bêtise, la cruauté et l’inhumanité des hommes. C’est un témoin de son époque.
La mémoire historique et Goya
L’art est une façon de se souvenir du passé, de témoigner des horreurs de la guerre pour faire prendre conscience aux Hommes de l’atrocité de ses massacres afin de ne pas les reproduire. Un tableau résiste à travers le temps et est une image figée, comme indélébile y compris pour toutes les personnes qui ne l’ont pas vécu. Elles résistent aux temps et constitue une mémoire précieuse.
D’autre part, Picasso a lui même repris dans son célèbre tableau Guernica la même figure de l’homme qui lève les bras dans Tres de mayo. C’est finalement un hommage à Goya, mais, cela montre aussi que la cruauté des Hommes se répètent dans l’histoire à différentes époques.
Goya, un testigo de su tiempo
Bartolomé Esteban Murillo
(1617 - 1682)
Presentación del pintor
● Bartolomé Esteban Murillo
● Fecha y lugar de nacimiento: 1617 en Sevilla
● Fecha y lugar de muerte: 1682 en Sevilla
● Nacionalidad: Español
● Actividad: Artista Pintor
● Movimiento artístico: Pintor barroco, siglo de oro espanol (influencia cultural de España en Europa del 16e hasta el 17e siglo)
● Al contrario de muchos pintores, Murillo no va en talleres y decide ser un pintor independiente. En 1640, encuentra un estudiante de Van Dyck que se llama Pedro de Moya que le aprende la técnica flamenca.
● Se inspira del realismo de Velázquez.
● Murillo pintó muchas escenas realistas, de la miseria de los niños y de las mujeres y religiosas.
Quiere mostrar la realidad de su tiempo con la fuerte presencia de la religión y la miseria de su pueblo.
Principales obras
Una de las obras no religiosas más conocidas del artista, donde los elementos del barroco aparecen de manera notable. Podemos ver la luz que ilumina el niño.
En obra se plasma la devoción religiosa del propio artista. Murillo era católico y pertenecía a la Cofradía del Rosario, quienes practicaban con especial fervor la oración del santo rosario. Esta pintura está conservada en el Museo del Prado en Madrid.
Joven Mendigo La
Virgen del Rosario
Principales obras
San Jerónimo leyendo
La obra muestra a San Jerónimo, quien en el siglo V fue uno de los mayores eruditos de idiomas hebreo, latín y griego del mundo. Está conservada en el Museo del Prado.
Esta es una de las obras más reconocibles del pintor, combina los elementos en el que el artista más se manejaba: la pintura de niños y el estilo barroco.
Los niños de la concha
La mémoire historique et Murillo
A travers plusieurs peintures, Bartolomé Esteban Murillo représente la vie des habitants de Séville de son époque soit celle du XVIIe siècle. Le jeune mendiant est la première représentation connue d'enfants des rues parmi les oeuvres de ce peintre. Un jeune garçon y est représenté essayant de se débarrasser de puces. Malgré le titre de cette oeuvre, le peintre n’a pas peint un mendiant mais un simple enfant de la ville.
Tout comme ses compatriotes Velásquez et Ribera, Murillo fait le choix de peindre la vie quotidienne à Séville, où la misère régnait au Siècle d'or. Ils préféraient donc peindre des pauvres handicapés afin de montrer leur malheur.
Garçons mangeant raisin et melon est une oeuvre qui représente une scène de la vie quotidienne de deux garçons à Séville. La misère et la pauvreté est soulignée, le peintre ne cherche donc pas à embellir la réalité soit la misérable condition dont souffraient les jeunes mendiants.
Les tableaux de Murillo ont donc permis de marquer son temps en représentant le quotidien des habitants de Séville
La memoria histórica y Murillo
A través de varias pinturas, Bartolomé Esteban Murillo representa la vida de los sevillanos de la época, la del siglo XVII.. El joven mendigo es la primera representación conocida de los niños de la calle entre las obras de este pintor. Un niño es representado tratando de deshacerse de las pulgas. A pesar del título de esta obra, el pintor no pintó a un mendigo sino a un simple niño de la ciudad.
Al igual que sus compatriotas Velázquez y Ribera, Murillo optó por pintar la vida cotidiana en Sevilla, donde reinaba la miseria en el Siglo de Oro, por lo que prefirió pintar a los pobres discapacitados para mostrar su desgracia.
Niños comiendo uva y melón es una obra que representa una escena de la vida cotidiana de dos niños sevillanos. La pobreza y la pobreza se ponen de relieve, por lo que el pintor no busca embellecer la realidad, que es la condición miserable que sufrieron los jóvenes mendigos.
Así pues, la pintura de Murillo ha permitido marcar su época representando la vida cotidiana de los sevillanos.
Pablo Picasso, Guernica 1937
La pintura
Guernica es un óleo sobre lienzo de 7 m 52 de largo y 3 m 51 de ancho. La pintura de Picasso no es simplemente una ilustración de un acontecimiento, sino su transposición en una sucesión de imágenesextremadamente complejas. Las figuras representadas por Picasso son a veces muy claras en lo que
expresan, a veces más ambiguas. Es esta complejidad la que hace a Guernica tan rica.
Además, la pintura está compuesta de colores monocromos que simbolizan la seriedad del tema. La austeridad y la falta de color pueden simbolizar el duelo y la muerte.
Las figuras
Primero, en el centro del cuadro, vemos la lámpara. Esta lámpara domina la escena. Tiene la forma de un ojo que puede representar el ojo del pintor que desea mostrar su percepción del acontecimiento. Puede ser un rayo de esperanza a pesar de la tragedia de este bombardeo.
A la izquierda, El Toro es un motivo central en la obra de Picasso. En medio de la debacle aparece impasible, estático. Sólo la boca abierta y la lengua puntiaguda le dan una expresión, y sus ojos son los de un ser humano. Parece estar mirando fijamente al espectador. Es una figura ambigua. Algunos lo ven como una figura de bestialidad y crueldad (represente los Nacionalistas), otros como un símbolo de resistencia.Al caballo, que está casi en el centro de la composición, simboliza a los oprimidos y a los republicanos. Una lanza le atraviesa el flanco y lo hiere hasta matarlo. La cabeza se echa hacia atrás, la boca parece gritar y deja visibles los dientes y la lengua puntiaguda.
La paloma simboliza la paz y la esperanza. Sin embargo, aquí se sitúa entre el toro y el caballo y podemos observar que desaparece en la oscuridad, lo que significa que la paz es imposible entre las dos partes, que se oponen en esta guerra.
Esta mujer tiene en sus brazos su hijo muerto, evocando una pietà, la figura de la Virgen llorando por la muerte del Cristo.
Otra figura se dirige hacia la izquierda y hacia el centro de la composición. La extensión de su brazo y de su cabeza, de forma afilada, da una impresión de movimiento muy dinámico. Podemos ver a una vela en el centro de la composición. Quizás sea una antorcha, símbolo de esperanza. Su llegada del exterior puede también significar la indignación de la comunidad internacional que quiere destacar lo que acaba de ocurrir.
El soldado está desmembrado y su espada está rota. Este miliario representa la determinación, el valor, la lucha hasta la muerte. Simboliza la imposibilidad de continuar la lucha, la dificultad de la guerra, la falta de armas. Este personaje representa a los Republicanos. En efecto, los republicanos no habían tan recursos militares como los nacionalistas. De su mano, sale una flor símbolo de esperanza y de renacimiento pero su fragilidad esta subrayada gracias a la delicadeza de los contornos. La mujer que está abajo y a la derecha, tiene una lesión en la pierna que le impide andar. Está fascinada por la luz de la bombilla. A pesar de su discapacidad, sigue caminando hacia la libertad.
Por fin, el prisionero a la derecha, está quemado vivo. Todo su cuerpo, pero sobre todo su cara y su cuello desproporcionado, están estirados hacia la lámpara. Podemos ver que ruega a Dios con el brazo levantado al cielo. Sus ojos están en forma de lágrimas lo que puede significar el sufrimiento y el dolor.
La composición
El cuadro se “lee” como una línea, de izquierda a derecha. Después, podemos distinguir una organización en triangulo. Al pie de la pirámide, la muerte esta representada a través el soldado. Esta disposición en triangulo resalta una repartición en tres partes que estructuran la pintura. Finalmente, podemos ver la parte inferior del cuadro, en la que se enredan formas horizontales que evocan la muerte y el desorden y la parte superior, en la que las formas, son por el contrario, verticales, mas distanciadas y expresan la vida mas claramente.
