El arte romano: escultura y pintura
[13.1] ¿Cómo estudiar este tema?
[13.2] La escultura romana
[13.3] El retrato romano
[13.4] El relieve histórico
[13.5] La pintura romana
[13.6] El mosaico romano
M ito ló gi co s, pai saj es , b ode go n es , r etr at os E l ar te r o m a n o : e sc u lt u ra y p in tu ra C op ia s li te ra le s d e e sc u lt u ra s g ri eg as TI P O S E S C U L T U R A P I N T U R A E sc u lt u ra s o rig ina le s r om an as Mod el o s: bu st o, es cu lt u ra d e cu er p o en te ro , es cu lt u ra ec u es tr e. Te n d en ci a s: re al is ta , id ea li za d o y s im b ól ic o Evo lu ci ó n : Æ Rep ú bl ic a : re tr ato r eal is ta Æ Im p er io : S. I : re tr at o id ea li za d o S. I I: i d ea li sm o y te n d en ci a a ex p res iv id ad S. III: m en os id ea li sm o y m ás p rof u n d id ad p si col óg ic a S. IV -V : re tr at o s im b ól ic o m ás e sp ir it u al , i n fl u en ci a or ie n ta l R E T R A T O Ca ra ct er ís ti ca s: -P ro fu n d id ad e sp ac ial : l ín eas ob li cu as, d ist in to s n iv el es d e r el ie ve -R ea li sm o -A ir e s ol em n e y a tem p or al S. I V : es ti lo m ás es p ir it u al y or ie n ta l (r íg id o, m aje st u os o) : in fl u ir á e n E d ad M ed ia R E L I E V E M ant ie ne n i n fl u en ci a gr ie ga y e tr u sc a D os ám b ito s d estac ad os : r et rato y re li ev e n ar rati vo PI N T U R A MO S A IC O C a ra ct er ís ti ca s Es ti lo s Te m a s -I gu al es c ar ac ter ís ti ca s q u e p in tu ra (j u eg o l u ce s y s om b ra s, bú sq u ed a p ro fu n d id ad es p ac ia l, re al is m o) -D if er en te té cn ic a: te se la s un id as fo rm an d o f igur as -P ue de n se r co p ias d e p in tu ras he le n ísti cas u o b ra s o ri gi n al es -1 ª fa se o e tap a de la s in cr u st ac io n es -2 ª f ase o e tap a ar qu it ec tó n ic a -3 ª f as e o e ta p a or n am en ta l -4 ª f ase o fa se il u si on ist a G ra n in fl u en ci a g ri eg a p ero c ará ct er ro m an o: g u st o p or an ec d ót ic o M ás im p ort an ci a d e c ol or qu e d e l ín ea B u sc an re p res en ta r el es p ac io u sa n d o c la ro sc u ro s y es co rz os
Esquema
Ideas clave
13.1. ¿Cómo estudiar este tema?
Para preparar este tema debes estudiar las Ideas clave expuestas a continuación. Continuaremos estudiando el arte romano, centrándonos, en esta ocasión, en las manifestaciones escultóricas y pictóricas de este periodo. A lo largo del tema, veremos los rasgos originales de las artes plásticas romanas, su dependencia del arte griego y etrusco y las obras más destacadas.
13.2. La escultura romana
La escultura romana es heredera directa de la escultura griega. Primero Roma
entró en contacto con Grecia a través de los etruscos que estaban ya fuertemente helenizados, luego por el contacto con las colonias de la Magna Grecia y, posteriormente, con la conquista de la Península Helénica. Desde entonces, adoptó no solo su estilo escultórico, sino sus propias obras.
Gran parte de la producción escultórica romana consistía en copias en mármol de
las estatuas griegas más famosas: el Discóbolo de Mirón, el Doríforo de Policleto,
la Afrodita de Cnido y el Hermes de Praxíteles, el Apolo del Belvedere, el Apoxiomenos de Lisipo, los Galos moribundos, el Fauno Barberini… todas estas esculturas las conocemos por sus copias romanas, ya que los originales griegos no se conservaron hasta nuestros días. El interés, sobre todo por parte de la aristocracia romana, por poseer esculturas famosas (aunque fueran copias) era superior al interés por obras originales y a esta tarea se dedicaban los escultores, tanto romanos como procedentes de las antiguas monarquías helenísticas.
Sin embargo, no todas las esculturas romanas fueron simples copias o reproducciones. También existieron esculturas puramente romanas, que combinaban el estilo romano con la influencia griega y etrusca.
Influencia griega
Como los griegos, los escultores romanos se interesaban por la representación de la
anatomíadel cuerpo humano, utilizaban el contrapposto para dar una mayor
naturalidad a las figuras y prestaban un gran interés por la representación de los pliegues,
asimétricos, pesados y profundos. También como los griegos, los materiales más utilizados son el mármol y el bronce, pero mientras los griegos usaban preferentemente el bronce y
sólo en algunas ocasiones el mármol, los romanos se decantarán más por el mármoly
usarán de modo ocasional el bronce.
Además, dentro de los modelos griegos, los romanos preferirán las figuras más macizas
y robustasa las más estilizadas, de modo que imitarán más frecuentemente a Polícleto que
a Praxíteles.
Influencia etrusca
Como los etruscos, los romanos intentan que las imágenes representadas sean realistas y representen con fidelidad los rasgos de los retratados.
Originalidad romana
Existen dos ámbitos en los que los romanos mostraron una mayor originalidad así como una
notable perfección técnica: el retratoy el relieve histórico.
13.3. El retrato romano
El retrato romano tiene su origen en el culto a los antepasados. Junto a los cultos públicos, los romanos tenían sus propias divinidades privadas:
Divinidades privadas romanas
ÆLares: dioses de la familia
ÆManes: antepasados difuntos
ÆPenates: dioses del hogar
Estos dioses tenían en cada casa un pequeño altar donde se adoraban sus imágenes. En el caso de los manes, estas imágenes se realizaban a partir del rostro del difunto y se buscaba que fueran lo más fieles posible para poder ser identificados sin problemas. Originalmente, el modelo de escultura más habitual será el busto (solo cabeza y cuello o cabeza, cuello, hombros y parte del torno), como una muestra de continuidad con el culto a las cabezas de difuntos. Posteriormente se difunden también estatuas de
cuerpo entero, pero incluso en esos casos la atención se concentrará en el rostro del
Otro tipo de escultura son las estatuas ecuestres, que representan al emperador a caballo, en actitud de dirigir las tropas. Solamente se ha conservado una hasta nuestros días: la representación de Marco Aurelio en el Capitolio, por creerse durante mucho tiempo que representaba a Constantino.
Tendencias en el retrato romano
En los retratos romanos se pueden diferenciar tres tendencias diferentes: retrato realista, retrato idealizado y retrato simbólico.
Retrato realista
Es el más típicamente romano y se utiliza, sobre todo, durante la República Romana y en aquellos momentos del Imperio en los que se trata de regresar a los ideales republicanos. Los romanos heredaron la tendencia realista en la escultura de los etruscos, quienes a su vez la habían heredado del Helenismo. Pero en el caso de los romanos el realismo de los retratos
era extremo, ya que en muchas ocasiones realizaban las esculturas a partir de mascarillas
funerarias de cera, que tomaban de los difuntos antes de sepultarlos.
La cera permitía plasmar con un gran detallismo todos los rasgos de la persona
representada: sus arrugas, las mejillas flácidas, los ojos hundidos… Por ello, las esculturas destacan por su plasticidad, su blandura. El naturalismo de estos retratos se corresponde con los ideales de los representados: no se valoraba la belleza física ni la juventud, sino la experiencia, la sabiduría, la virtud o la sobriedad.
Retrato idealizado
Durante el final de la República y comienzos del Imperio Romano se fue tendiendo a una cierta idealización en los retratos pero sin perder totalmente el carácter realista. Se conserva el parecido con el retratado pero suavizando los rasgos y eliminando detalles menos
favorecedores, subrayando así la superioridad e incluso el carácter divino del retratado.
Retrato simbólico
No busca el parecido físico, sino traslucir el espíritu del representado. Por eso, el rostro se deforma, agrandando y alargando ciertos rasgos para aumentar la expresividad. .
Estas tendencias en el retrato irán sucediéndose en el tiempo, pero no en una
evolución lineal, sino alternativamente según los ideales de los emperadores
gobernantes:
República: retrato naturalista, con gran preocupación por la fidelidad a los
rasgos del retratado, incluso los menos favorecedores. Se prefiere representar a
S. I a.C―I d. C.: realismo suavizado. Hay una mayor preferencia por representar a los personajes en una edad más joven y las imágenes togadas se alternan con figuras con vestimenta militar.
Durante la dinastía Julio-Claudia hay una tendencia a la idealización, aunque sin abandonar la fidelidad a los rasgos del representado, los hombres tienen el cabello algo más largo, con flequillo en la frente y las mujeres tienen el cabello ondulado y recogido en la nuca.
En cambio en la dinastía Flavia, el realismo, aunque suavizado, es algo más
acusado. A partir de esta dinastía se va prestando especial atención al tratamiento
de los cabellos: algo más largo y rizado en los hombres y con sofisticados y complicados peinados en las mujeres. Los cabellos se trabajan con un taladro denominado trépano que permitía dar profundidad al peinado aumentando el claroscuro y la expresividad de la imagen.
S. II: las imágenes ganan aún más en expresividad y dinamismo. Los cabellos
se representan más largos y rizados y los emperadores comienzan a llevar barba (por influencia griega). Además, se comienza a tallar la pupila en los ojos, lo cual proporciona también expresividad.
S. III: desaparece la idealización de los rasgos, así como el detallismo en la talla y,
en cambio, se gana en profundización psicológica.
S. IV―V: se abandona la fidelidad de los rasgos del retratado y se trata de que el
rostro represente la interioridad y espiritualidad del personaje, dando lugar a un retrato simbólico. Las imágenes muestran una mayor influencia oriental: tienen ojos grandes, expresión solemne y un cierto hieratismo.
13.4. El relieve histórico
El relieve narrativo o relieve histórico es otra de las aportaciones del arte romano. Son relieves que representan escenas históricas, cercanas en el tiempo, normalmente relacionadas con una victoria bélica y generalmente realizadas con
Este género no existía en el arte griego, que prefería las representaciones mitológicas, aunque sí existían los relieves históricos en el arte egipcio y mesopotámico. Sin embargo, en ambas culturas se trataba de un bajorrelieve que más bien parecía un grabado, mientras que en el arte romano el relieve tiene más profundidad y la talla oscila entre el altorrelieve y el mediorrelieve.
Características de los relieves históricos romanos
Interés por la profundidad espacial. La logran representando:
- La composición en líneas oblicuas (escorzos)
- Uso de distintos niveles de relieve (bajorrelieve muy suave para los elementos más lejanos, mediorrelieves para los intermedios y altorrelieves para los más cercanos)
Realismoen la representación de los rostros y de detalles anecdóticos
Aire solemney atemporal
Los relieves romanos suelen acompañarse de motivos decorativos recurrentes, que también estarán presentes en la pintura romana, como por ejemplo:
Roleos: son plantas estilizadas que se enroscan formando grandes espirales.
Bucráneos: cabezas de buey.
Guirnaldas de plantas, flores y frutas, normalmente dispuestas en forma
semicircular.
Candelieri: decoración fantástica a base de plantas, niños, animales mitológicos, etc., dispuestos simétricamente, imitando un candelabro (de ahí su nombre), que suele encontrarse en soportes verticales, como las pilastras.
Ejemplos más destacados Ejemplos destacados ÆAra Pacis ÆArco de Tito ÆColumna Trajana
ÆColumna de Marco Aurelio
ÆArco de Septimio Severo
ÆArco de Constantino
Ara Pacis (s. I a.C.):
Altar construido por Augusto para conmemorar las victorias sobre hispanos y godos y, como consecuencia, la paz del Imperio. Sus cuatro paredes representan imágenes en relieve: alegorías en los frentes (Eneas como fundador mítico de Roma y una personificación de la Tierra) y a los lados una procesión encabezada por el emperador acompañado por su familia, amigos y magistrados. La parte inferior de estas escenas está decorada con roleos, bucráneos, guirnaldas y decoración a candelieri.
Se aprecia la influencia de Fidias y su relieve de la Procesión de las Panateneas en el Partenón, así como del Altar de Zeus en Pérgamo, aunque el realismo de los rostros, el interés por los detalles anecdóticos y la búsqueda de la profundidad espacial son típicamente romanas.
Arco de Tito (s. I d.C.):
Es uno de los más antiguos de los arcos conmemorativos conservados en Roma. Su decoración exterior es muy sobria y se concentra en el friso y las enjutas, mientras que los elementos más interesantes son dos paneles con relieves situados en el intradós, que representan escenas de la victoria del emperador sobre los judíos en Jerusalén.
Hay un evidente interés por representar la profundidad del espacio, mediante el uso de
escorzos y gradaciones en el relieve. En efecto, las escenas alternan distintas
profundidades de relieve, de más a menos sobresaliente, resaltan la parte central
dando a la imagen un aspecto convexo y representan a las figuras de distintos tamaños, creando así una línea ondulante, llena de dinamismo. A diferencia del Ara pacis, tiene menos influencia griega y se puede considerar más típicamente romano.
Columna Trajana (s. II d.C.):
Es una columna conmemorativa cuyo fuste está decorado con
una banda helicoidal con relieves que representan
escenas de las batallas del emperador Trajano contra los dacios, un pueblo que habitaba en la actual Rumanía. A pesar de tratarse de una temática bélica, el relieve no representa escenas de batallas, sino expediciones, preparativos y tácticas militares.
En este caso el relieve prescinde del detallismo en las figuras para poder representar un gran número de figuras y el medio
natural en el que se encuentran, pero dándole siempre menos importancia que a la figura humana.
Columna de Marco Aurelio (s. II d.C.):
Es también una columna conmemorativa y su estructura, con una banda helicoidal decorada con relieves bélicos, está copiando a la Columna de Trajano, pero en esta copia se puso menos interés y cuidado que en la columna original. Por esa razón, las diferencias entre ambas son evidentes: las figuras de esta columna son más grandes, por lo que la espiral con relieves da menos vueltas en torno al fuste, los relieves de la columna de Marco Aurelio son más toscos y la diferencia de volumen no es tan delicada como en la columna de Trajano, sino que las figuras están todas en alto y mediorrelieve, con lo cual producen una intensa sensación de claroscuro pero no de profundidad espacial.
Arco de Septimio Severo (s. III d.C.):
Está situado en el Foro Romano, muy cerca del Coliseo. En este caso se trata de un arco con tres vanos, tipología que influirá mucho en composiciones posteriores. Hay mucha más superficie decorada con relieves que en el Arco de Tito, pero el estado de conservación en el que se encuentran es bastante peor. Aún así, se aprecia el mismo intento por lograr un mayor
dinamismo componiendo las figuras en líneas sinuosas y llenas de movimiento, aunque prosigue la tendencia al esquematismo y hacia la disminución de detalles anecdóticos.
Arco de Constantino (s. IV d.C.):
Es uno de los monumentos más tardíos, y su estilo pertenece ya al arte romano tardío, como el retrato de Constantino que hemos comentado. Combina relieves tomados de construcciones anteriores (tal vez para ahorrar material o tal vez por admiración hacia los emperadores a los que estaban dedicadas) con otros relieves originales, en los que se aprecian las características de la escultura romana tardía: figuras de ojos grandes, de rasgos secos y duros y rostro inexpresivo, colocadas rígidamente y con las cabezas a la misma altura.
El estilo del Arco de Constantino muestra un cambio en los valores de la cultura y la civilización romana: ya no se observa el interés por el realismo y por lo anecdótico, muestras ambos del espíritu práctico y emprendedor de los romanos y de su fidelidad a las costumbres. Ahora hay una mayor inclinación por lo oriental, con lo que esto supone de revalorización de lo espiritual por encima de lo material.
El realismo se deja de lado en favor de la expresividad y los rasgos para resaltar los elementos más “espirituales”: los ojos, la boca y las manos. Se deja de lado la búsqueda de movimiento para que las figuras resulten más majestuosas, aunque eso les haga estar más rígidas y hieráticas. Un ejemplo de este estilo son unas esculturas, conservadas en la Basílica de San Marcos de Venecia, que representan a los Tetrarcas (Diocleciano, Maximiano, Galerio y Constancio Cloro) a finales del s. III d.C., majestuosas pero a la vez rígidas e inexpresivas, y cuyos rostros, hermosos y juveniles, no guardan sin embargo ningún parecido con un personaje real. Este estilo será el que dará lugar al arte de época medieval.
13.5. La pintura romana
Como en el caso de la escultura, la pintura romana también deriva de la pintura
griega. De ella toma algunos modelos, que copia literalmente o en la que se
inspira, conservando el realismo en las escenas representadas, sobre todo en las
especies vegetales y animales, y en el gusto por lo anecdótico, que asimilan a partir del arte de época helenística.
También se aprecia la influencia de los etruscos, en el dinamismo y la vitalidad que transmiten las escenas representadas. Para lograr esa vitalidad, la pintura romana no tiene perfiles sólidos ni líneas claramente definidas, sino que los contornos se difuminan y los trazos son nerviosos, tenues, de modo que el color es más
importante que la línea, gracias también a la gran variedad de colores que los
romanos utilizaban.
Aunque existían pinturas sobre caballete, la mayoría de las pinturas de época romana eran pinturas murales, realizadas sobre las paredes de las cosas para ornamentar y enriquecer las estancias. Las pinturas eran símbolo de prestigio social y de gusto artístico.
Por desgracia, como en el caso de la pintura griega, no son muchos los ejemplos que han llegado hasta nuestros días y, salvo algún ejemplo aislado en Roma y sus alrededores, los más interesantes son las pinturas murales de Pompeya y Herculano y las pinturas funerarias de Egipto, en especial de la zona de El Fayum. De ellas, el muestrario más completo es el conservado en Pompeya, y en estas pinturas se han basado los estilos y fases en que se suele clasificar la pintura romana. En general, se suelen citar cuatro fases sucesivas desde época republicana hasta finales del s. I d.C.
Fases de la pintura romana
1ª fase o etapa de las incrustaciones:la pintura imita placas de mármoles, con
colores variados y muy intensos.
2ª fase o etapa arquitectónica: la pintura imita paisajes arquitectónicos tratando
de representar profundidad y perspectiva.
3ª fase o etapa ornamental: la pintura combina las placas de mármol con los
paisajes arquitectónicos, no iguales a la 2ª fase, sino muy estilizados y acompañados por figuras de pequeño tamaño.
4ª fase o etapa ilusionista: la pintura imita paisajes arquitectónicos pero no reales
sino muy teatrales, entre cortinajes y telones y con un gran recargamiento de elementos decorativos.
En casi todos esos estilos se busca dar sensación de profundidad, mediante la disposición de las figuras en escorzo y juegos de luces y sombras. Sin embargo, no hay una coherencia interna en la forma de distribuir el espacio o la luz: las luces y sombras se distribuyen de manera diferente en unos edificios y en otros, y los edificios y elementos se colocan en escorzo pero sin seguir unas líneas generales de fuga.
Estos estilos se combinan con otros temas que también se representan en pinturas murales, como motivos mitológicos, paisajes, bodegones o retratos.
Temas mitológicos:
Son un muestrario muy interesante de escenas mitológicas los relatos de Homero o los temas de las grandes tragedias griegas.
Los dioses y héroes se representan con gran naturalidad, introduciendo de forma
casi casual los detalles que permiten reconocer la escena. El paisaje y la
ambientación del relato también están muy cuidados. Destacan los Paisajes
Odiseicos, una serie de paneles con escenas de la Odisea encontrados en una casa en la ciudad de Roma, así como la decoración de las estancias del gran palacio de Nerón conocido como la Domus áurea.
También en Pompeya y Herculano hay representaciones de los mitos de Eneas, de Perseo, de Edipo, de Aquiles, de Venus, de Teseo, etc. Pero una de las imágenes más conocidas por su delicadeza y gracia es la representación de la Primavera, a la que también se denomina como Flora o Perséfone.
A medio camino entre una escena mitológica y costumbrista están las representaciones de la llamada Villa de los Misterios, en Pompeya. Se trata de una casa situada a las afueras de la ciudad, decorada con abundantes pinturas de gran calidad, entre las que destaca una sala pintada con un rito de iniciación de cultos dionisíacos. Se trata de una escena difícilmente encuadrable. Lo real se mezcla con lo fantástico, pues además de las mujeres que se están iniciando aparecen silenos y faunos, figuras aladas o las bodas de Baco con Ariadna. Las escenas llaman la atención por sus grandes proporciones, ya que su tamaño es superior al natural. Y, sobre todo, destaca la violencia de las actitudes, acentuadas por las líneas curvas en que se basa la composición y por el intenso color rojo del fondo.
Paisajes:
Son representaciones de naturaleza, como bosques, playas o jardines, con animales y personas en torno a ellos. Llaman la atención por la riqueza de colorido, por su luz y su brillo y por la forma de lograr, aunque sea intuitivamente, la profundidad espacial y la perspectiva aérea.
Un ejemplo interesante son las pinturas murales de la Villa de Livia, cerca de Roma, que representan un jardín lleno de exuberante vegetación a base de árboles frutales y flores. Otro ejemplo, más íntimo y preciosista es un jardín representado en una casa en Pompeya con una fuente en la que se han posado unas palomas.
Bodegones:
Otro motivo pictórico son los bodegones o naturalezas muertas, composiciones realizadas con alimentos, flores o frutas y objetos de uso cotidiano. También en estas representaciones se intenta lograr sensación de profundidad, bien sea por el uso de luces y sombras bien sea colocando las figuras en escorzo. Estas representaciones encajaban muy bien con el carácter romano y su interés por lo concreto y lo cotidiano.
Retratos:
Algunas casas pompeyanas estaban decoradas con retratos pintados de las personas que vivían en ellas. Aunque existen varios, el ejemplo más conocido es el retrato de una Joven escritora, a veces identificada con la poetisa Safo, tal vez por la manera en que combina el realismo y la cotidianeidad del gesto con la belleza y la delicadeza de sus rasgos.
Además de estas pinturas murales, no hay que olvidar la que probablemente sea la mejor colección de retratos de época romana: las pinturas de El Fayum.
Se trata de una serie de retratos funerarios realizados para ser colocados sobre las momias de los difuntos, a modo de máscaras. Suelen pintarse sobre tablas de madera o lienzos, utilizando una técnica llamado encausto, que consiste en mezclar los pigmentos con cera derretida, lo cual proporciona un brillo y un colorido especial a estas imágenes.
Son retratos de un gran realismo, que representan a las personas con sus rasgos propios aunque, por lo general, se prefiera representarlos jóvenes incluso aunque no lo fueran tanto. Hay un énfasis especial en la representación de los ojos, muy expresivos, y se miman de modo especial los detalles como peinados, joyas vestiduras, objetos representativos de su oficio o sus aficiones, etc. Y esto a pesar de la diferencia de calidad entre unos y otros retratos y de la presencia de convenciones, como el mantener
el mismo tipo de encuadre o la misma posición de las figuras, que indican un cierto carácter repetitivo en la realización de estos retratos.
13.6. El mosaico romano
Los mosaicos, por su estilo y sus temas, se pueden encuadrar dentro de la pintura, aunque su técnica sea diferente.
Los mosaicos se componen a partir de pequeñas piezas de mármol, vidrio y piedras de colores llamadas teselas.
En los mosaicos romanos estas teselas solían ser de pequeño tamaño para permitir la
representación de colores matizados y casi difuminados. Estos mosaicos se
colocaban decorando el suelo y los muros de las casas romanas, así como de
lugares públicos como termas, templos o comercios.
La mayor parte de los mosaicos se han conservado en Pompeya y Herculano, aunque hay obras localizadas en lugares muy variados, incluso muy alejados de Roma.
Los mosaicos representaban motivos geométricos, animales y paisajes, escenas costumbristas o temas históricos y mitológicos. Los más elaborados podían ser copias de pinturas griegas o temas originales. Respecto a las copias de pinturas griegas, ya hablamos del gran mosaico que representa La batalla de Alejandro Magno contra Darío, que se encontró en Pompeya y que es probablemente el mosaico romano más conocido. Sin embargo, la maestría de estos mosaicos se plasma también en obras más sencillas, con temas cotidianos llenos de vitalidad.
Un ejemplo es el famoso mosaico encontrado también en Pompeya, en la llamada Casa del Poeta Trágico, que representa a un perro encadenado, en una actitud que pretende ser fiera, acompañado por la inscripción Cave canem (Cuidado con el perro). Otro ejemplo representa a un gato jugueteando con un ave doméstica, tratado con realismo que aún hoy sigue resultando impresionante.
Lo + recomendado
Clases magistrales
El arte romano: escultura y pintura
En esta clase profundizaremos en la escultura romana analizando diferentes tipologías: el relieve, el retrato, la escultura religiosa y la ornamental.
La clase magistral está disponible en el aula virtual
No dejes de visitar…
Las excavaciones arqueológicas de Pompeya Página de las excavaciones arqueológicas de Pompeya. Incluye planos interactivos para acceder a las galerías de fotos y vistas en 360º de los edificios de la ciudad (en inglés e italiano).
Realiza la visita desde el aula virtual o en la siguiente dirección web: http://www.pompeiisites.org/Sezione.jsp?idSezione=2194
Foro Romano
Mapa del Foro Romano en el cual, usando la opción Street Viewer o explorando en busca de fotos, podrás acercarte a monumentos como el Arco de Constantino, el Arco
de Tito o el Arco de Septimio Severo.
Realiza la visita desde el aula virtual o en la siguiente dirección web:
http://maps.google.com/maps?ll=41.890717,12.488585&spn=0.01,0.01&t=k&q=41.89 0717,12.488585
No dejes de leer…
Sir Flinders Petrie y los retratos romanos de Hawara
Artículo sobre el descubrimiento arqueológico de los retratos funerarios de El Fayum. El artículo está disponible en el aula virtual o en la siguiente dirección web:
http://www.egiptologia.com/arqueologia/48-sir-flinders-petrie-y-los-retratos-romanos-de-hawara.html
La Domus Aurea de Nerón
Artículo sobre la construcción de la Domus Aurea de Nerón, célebre por las pinturas murales que la decoraban y que tuvieron una gran influencia en el Renacimiento.
El artículo está disponible en el aula virtual o en la siguiente dirección web: http://victormacias.blogia.com/2004/111002-domus-aurea.php
+ Información
A fondo
La preparación de la pintura mural en el mundo romano
Artículo sobre los métodos y técnicas utilizadas para la realización de las pinturas murales en época romana.
El fragmento está disponible en el aula virtual o en la siguiente dirección web: http://books.google.es/books?id=H5mmxMBU4FoC&pg=PA106&dq=ROma+arquitect
ura+espectaculos&as_brr=3&cd=4#v=onepage&q&f=false
Webgrafía
Museo del Ara Pacis
Web del Museo del Ara Pacis, donde se cuenta su historia y su descubrimiento y puedes ver una galería fotográfica de este altar (en italiano).
Museo de Arte Romano de Mérida
Web del Museo de Arte Romano de Mérida, donde se puede realizar una visita virtual para conocer las colecciones de escultura, pintura y mosaicos conservados en él.
http://museoarteromano.mcu.es/visita_virtual.html
El mundo de Caius
Web para niños llamada “El mundo de Caius”, donde puedes visitar una casa de Pompeya, conocer las costumbres sobre comida, vestido, educación, juegos, etc., visitar el teatro de Herculano, organizar una obra de teatro, etc. (en inglés e italiano).
Retratos de El Fayum
Página web con una gran colección de retratos procedentes de El Fayum (en francés).
http://portraits.fayoum.free.fr/fayoum/fayoum1c.php?img=30&mus=0&pas=2&dat=0&ori=0
Bibliografía
CERAM, C.W. Dioses, tumbas y sabios. Barcelona. Orbis. 1985. (pp. 10-18).
El capítulo titulado Preludio en suelo clásico relata el descubrimiento de Pompeya y Herculano.
Test
1. ¿Cuál de estos géneros escultóricos no es uno de los que los romanos cultivaron con mayor originalidad?
A. Imágenes religiosas. B. Retratos.
C. Relieves narrativos.
2. Une cada uno de estos tipos de retratos con su definición.
Retrato realista Resalta algunos rasgos para reflejar la interioridad Retrato idealizado Disimula los rasgos menos favorecedores
Retrato simbólico Representa con fidelidad los rasgos del retratado 3. Une cada uno de estos tipos de retratos con el periodo en el que más se utilizaron.
Retrato realista Imperio romano hasta el S. III Retrato idealizado Época republicana y dinastía Flavia Retrato simbólico Finales del Imperio (S. IV-V)
4. ¿Cuál de estas técnicas no era usada por los romanos para dar profundidad a los relieves narrativos?
A. Elementos dispuestos en líneas oblicuas. B. Perspectiva matemática.
C. Combinación de distintos niveles de relieve. 5. Une cada motivo decorativo con su definición.
Roleos Cabezas de buey
Bucráneo Decoración fantástica dispuesta simétricamente
6. ¿Con qué se relaciona el gusto romano por los detalles anecdóticos? A. Con su valoración de las realidades cercanas y materiales. B. Con una espiritualidad de influencia oriental.
C. Con el interés por la profundización psicológica. 7. ¿Cuál de estos rasgos es propio de la pintura romana?
A. Línea muy definida y colores claros.
B. Línea poco definida y gran importancia del color. C. Línea gruesa y poca gama de colores.
8. Une cada uno de estos estilos pictóricos romanos con su definición. 1ª fase o de las incrustaciones Imita paisajes arquitectónicos 2ª fase o arquitectónica Arquitecturas teatrales y recargadas 3ª fase u ornamental Imita placas de mármol
4ª fase o ilusionista Arquitecturas muy estilizadas
9. ¿Cómo se llama la técnica de mezclar los pigmentos con cera usada, por ejemplo, en los retratos de El Fayum?
A. Fresco. B. Óleo. C. Encausto.
10. ¿Cómo se llaman las pequeñas piezas que componen un mosaico? A. Cuadrados.
B. Teselas. C. Plaquetas.
