UNIVERSIDAD NACIONAL DE EDUCACIÓN
Enrique Guzmán y Valle
Alma Máter del Magisterio Nacional
FACULTAD DE CIENCIAS SOCIALES Y HUMANIDADES
Departamento Académico de Lenguas Extranjeras y Educación Artística
MONOGRAFÍA
Géneros teatrales en la enseñanza de la educación
básica
Examen de Suficiencia Profesional Resolución No 0917-2019-D-FCSYH
Presentada por:
García Paredes, María
Para optar al Título de Segunda Especialidad Profesional
Especialidad: Educación Artística
Lima, Perú
DEDICATORIA
A Enrique, Axl y Nik que son el motor y motivo más importante
de vida, que me impulsa hacia la superación y por entender las
horas que no puedo estar con ellos por los estudios.
A mis padres: Wagner, Liliana, Herlinda y Flor de María por su
amor y ayuda, con todo el respeto y admiración que se merecen.
A mis hermanas Delia, Mercedes y Carmen por su valioso
cariño y amor, por estar siempre a mi lado en cada logro
Tabla de contenidos
Introducción………...………vi
Capítulo I: Historia del teatro y sus géneros………..7
1.1 Preámbulo ………..7
1.2 El antiguo teatro griego ……….…8
1.3 La arquitectura del teatro griego ………..…14
1.4 Géneros teatrales griegos ……….…20
1.4.1 La tragedia ………....21
1.4.2 La comedia ………...23
1.4.3 El drama satírico ………..26
1.4.4 Autores de las tragedias griegas ……….………..26
1.4.5 Autores de las comedias griegas ……….………….30
1.4.6 Esquema de la tragedia griega ……….………....32
1.4.7 Esquema de la comedia griega ……….……..….34
1.5 El teatro romano ………..………35
Capítulo II: Géneros teatrales en la educación básica ………...…42
2.1 Los géneros teatrales ………42
2.1.1 Géneros teatrales mayores ………...…45
2.1.2 Géneros teatrales menores ………...…46
2.1.3 Géneros teatrales mixtos o musicales ………...……48
2.2 Importancia del teatro en la educación básica ……….48
2.3 El teatro en la educación infantil ……….…………52
2.3.2 Ejercicios de psicomotricidad ……….59
2.4 El teatro en la educación juvenil ……….61
2.4.1 Ejercicios de expresión corporal ……….…………62
2.4.2 Ejercicios de juegos colectivos ………..………….65
Capítulo III: Aplicación didáctica ………..……….68
Conclusiones ………...…………79
Síntesis ………....80
Apreciación crítica y sugerencias ………...…81
Referencias ……….……83
Introducción
Si consideramos que el teatro se encuentra relacionado con la actuación y que
representa diversos tipos de historias frente a los demás, empleando para ello una mixtura
de gestos, discursos, escenografía, música, sonidos y espectáculo; entonces debemos
aceptar y comprender que el ser humano y sobre todo los estudiantes, tienden a mejorar
su desarrollo emocional y sus relaciones interpersonales. Debido a estas consideraciones
el teatro aplicado en el aula es considerado como una estrategia pedagógica, motivadora,
multidisciplinar, lúdico y transversal, haciendo que todos los participantes sean
protagonistas y autores, valorándose todas las opiniones.
Esta monografía enfoca los diferentes géneros teatrales que se imparten en la
educación básica, tales como tragedia, comedia, drama, monólogo, farsa entre otros ya
que, mediante el proceso de interpretación y el aprendizaje del texto y los diálogos, el
alumno mejora su capacidad de comprensión lectora, alcanza mejores habilidades en su
entorno, enriquece su vocabulario y refuerza su comunicación a través de las dinámicas
teatrales desarrolladas.
Debemos indicar entonces que, practicando el teatro, el estudiante es el actor de su
propio aprendizaje, ejercitando sus destrezas innatas, de memoria, expresión y creatividad,
así como las concernientes con la autoestima e iniciativa. Todas estas capacidades
personales son reforzadas trabajando en grupo; así, los estudiantes obedecen, entregan y
contribuyen en el desarrollo de un propósito ensayando y debutando en escena, viviendo
todos ellos el reconocimiento del trabajo realizado y el bienestar del éxito cooperado.
Capítulo I
Historia del teatro y sus géneros
1.1 Preámbulo
Del conjunto de las artes escénicas, el teatro constituye una manifestación singular
y atrayente, dado que articula diferentes disciplinas y formas de comunicación, como son
la palabra, el gesto, los códigos visuales y auditivos, el guion, el vestuario, la iluminación,
etc. una vez integrados todos los elementos podrá representarse recién escenarios de la
vida del hombre bajo un solo fin, servir de espejo al comportamiento humano.
El teatro es un arte activo, ya que actor o actores interpretan dilemas que se
desarrollan a partir de tramas que pueden ser quitados del contexto, la historia, la ficción
o las creencias. El teatro admite parecidos y alusiones tomadas de los caminos de la vida,
circunstancias o sucesos, sean reales o supuestos, el objetivo es reflexionar sobre la
condición humana.
Los asuntos y los problemas humanos presentados en teatro, desde la tragedia y
comedia griegas o las escenificaciones dramáticas de diferentes poblados del mundo,
nacían de la vena fijada en relatos orales, cuentos y leyendas que cada pueblo construía
de acuerdo con su tiempo y espacio. Cada una de estas historias eran creadas para el
auditorio adulto y formaban un imaginario por medio del cual la muchedumbre se
registraba y erigía toda una identidad de pueblo y nación.
Estas historias, concebidas desde las comunidades primitivas hasta las diversas
formas teatrales creadas por las poblaciones, eran narradas por los adultos y para los
adultos. La comunidad infantil, tal cual, todavía no era considerada como el ser capaz de
comprender y apreciar las expresiones dramáticas. Cuando las comedias y tragedias, y los
Roma de los Césares, y más tarde por toda la Europa meridional. El infante apenas era
considerado para la actuación y la apreciación, se trata, decían los gobernantes del Ática,
de un ser en proceso de desarrollo.
El concepto moderno del niño, el de ser pensante, creador e imaginativo es reciente
la comprensión sobre él va a aparecer en los tiempos de la Ilustración, exactamente, en la
propuesta pedagógica de Juan Jacobo Rousseau. Sobre él, y la primera infancia dice:
“El niñodebe aprender por sí solo ya que tiene capacidades desde que nace para
hacerlo. La experiencia es vital para que el niño aprenda y también lo es el hecho
que el niño viva en la naturaleza, que aprenda de ella…el desarrollo natural es el
ideal y no hay que dejar que nada interfiera.” (1977, pág. 46)
La capacidad y la experiencia que Rousseau expone, eran para identificar una
época, en que el niño tenía limitaciones, las mismas que impedían su normal crecimiento
y desarrollo. En buen ardid, el niño y el adulto capaz y con experiencia, puede decirse
que renacen en los tiempos de la Ilustración.
1.2 El antiguo teatro griego
El teatro en Grecia en el siglo VII a. C. al VI a.C. surgió de la poesía lírica y de la
satírica, estas nuevas formas de arte consideradas superiores y estimadas por el público
son los que vendrán a encumbrarse como la tragedia y la comedia.
Testimonios escritos señalan que, en la región histórica de Grecia, el Ática durante
los siglos VI y V a.C. las fiestas fueron celebradas durante la primavera para honrar al
dios Dionisio denominadas “Magnas Dionisiacas”. Estas fiestas comenzaban con la
procesión de la estatua del dios Dionisio y el acompañamiento de músicos y bailarines.
danzas y cánticos de manera briosa y alborozada. Llegado el siglo IV a.C. preparado ya
un piso liso y de forma circular denominado “orchestra”, las celebraciones a Dionisio,
ahora se le denomina “ditirambo”. Tespis, un poeta lírico, introdujo en el ditirambo el
coro, una especie de forma teatral constituida por dos partes, una, donde aparece el
personaje principal, la otra, donde yace el canto del coro.
Sobre el ditirambo se sabe que apareció como género literario en Corintio durante
el siglo VII a.C. más tarde en Atenas en el siglo V a.C. se convirtió en un componente de
competición en los festivales dedicados a Dionisio y otros. Escribieron ditirambo
Simónides, Píndaro y Baquílides. De los tres poetas se puede mencionar:
a) Simónedis o Simónideos de Ceos
Fue un poeta lírico y escritor de epigramas y tragedias en el siglo V a.C., de sus
obras ditirámbicas, podemos decir que, han quedado muy pocas, lo que ha subsistido de
sus escritos y que los recoge Quintiliano, a través de su obra: “La institución de la
oratoria”, es la mnemotecnia o nemotecnia, una técnica de la memoria que la utilizaban
los oradores para exponer estrofas que no podían recordar por su extensión o complejidad
verbal. En el teatro actual la técnica les sirve de mucho a los actores y las actrices para
recordar los textos de las obras que representan, ya que por la represión en lo inconsciente
se ocasiona el olvido de palabras que pueden ser muy concisas hasta usuales, la estrategia
de la técnica consiste en convertir la información en imágenes que se almacenan en partes
de la memoria, luego, cuando se necesita recordar, se parte del lugar donde se dejó la
asociación, se recordará la asociación hecha y la imagen que personifica el dato buscado,
se interpretará y se habrá recordado lo que se demandaba.
b) Píndaro
Fue el más célebre de los poetas liricos de la Grecia clásica tendió su obra durante
el siglo V a.C. pero va a ser muy conocido recién entre el año II a.C. a II d.C. los escritos
de este aristócrata griego suman alrededor de 45 odas y unos 10 fragmentos de himnos,
cantos, partenios, peanes; sobre sus ditirambos más que rendir el culto a Dionisio fueron
destinados al triunfo deportivo de los atletas, para Píndaro la victoria era reflejo de lo
bello y lo noble, un acto contrario era la mediocridad. Estudiosos del poeta dicen que, su
obra reviste complejidad y dificultad para entenderla, por eso se inscribe como única. Los
aportes de Píndaro al teatro aparecen en sus himnos, partenios y peanes, respecto los
primeros diremos que; fueron cantos con sentimientos positivos, de alegría y celebración
a los dioses en general; de los segundos explicaremos que, yacieron como cantos
ejecutados por mujeres jóvenes y destinadas a divinidades femeninas asociadas a la
fertilidad y a la juventud; finalmente, de los terceros revelaremos que, son cantos corales
dedicados al dios Apolo o al triunfo de los combates navales. No nos equivocaremos en
decir que, Píndaro fue el que en la posterioridad da las luces a la tragedia.
c) Baquílides
Fue un poeta lirico del siglo VI a V a. C. pero, más versátil y popular que
Simónides (su tío) y Píndaro. Sus odas, himnos y cantos se acercan más a la vida real que
a la ideal. De sus ditirambos podemos decir que, son de estructura dramática y trágica. En
sus obras como: Los hijos de Antenor, Hércules, Teseo, Idas y Lo se introducen por vez
primera un diálogo, en las que el director del coro se transforma en personaje y el coro en
un personaje secundario, por la forma de escritura los ditirambos de Baquílides puede
considerarse que son un antecedente remoto de la tragedia Ática. De sus distintas obras se
en Egipto se encontraron rollos de papiro que contenían 20 poemas, y sus conocidos
ditirambos en el que el poeta reconoce la participación importante del director del coro y
el resto de cantantes. Para confirmar lo dicho, la editorial Gredos de España, en el año de
1990, edita la obra de Baquílides “Odas y fragmentos”, debajo tenemos la ilustración del
libro.
Figura 1: Portada del libro de Baquílides “Odas y fragmentos”. Este poeta lírico griego nació a
finales del siglo VI a.C. en la isla de Ceos, y murió hacia el 450 a.C. Viajó por buena parte de Grecia y residió en la corte de Siracusa, donde rivalizó con Píndaro, lo que da muestra de su importancia. En los ditirambos, composiciones corales dedicadas a Dionisio, Baquílides hace también gala de su talento singular, al tiempo que se revela como uno de los grandes hitos de la tradición lírica.
Fuente: www.casadellibro.com
Regresando al inicio del capítulo, a fin de establecer el origen del teatro, decíamos
que, Tespis siendo un poeta lírico en la ciudad más antigua del mundo se dedica a escribir
obras en favor de Dionisio, con su experiencia participa del primer concurso de tragedias
Tespis desde del momento en que se le declara ganador de la tragedia, ha de
dedicar su tiempo a escribir obras de forma teatral. Lo que le hace acreedor el título de
primer dramaturgo y actor en la historia del teatro. Aristóteles, en su Poética, afirma:
“Fue el primero en introducir el personaje o actor (el hipócrita) frente a la absoluta
participación del coro.”
Los trabajos de Tespis se conocen por autores posteriores a él, destacando cuatro
piezas teatrales con temas mitológicos: Sacerdotes, El mito de Teseo, Juegos en honor de
Pelias y Penteo. Tespis agrega al teatro máscaras singulares para los actores, pues, ellas
definían la caracterización de los diferentes personajes en las obras, los actores, por
ejemplo, cubrían sus rostros a partir de un simple maquillaje a base de una pintura blanca
o simplemente se colocaban máscaras de lino. Temistio filósofo del siglo III d. C. senador
en Roma en el año 355 y estudioso de las tradiciones griegas afirma que, Tespis inventó
también el prólogo para el ditirambo, un discurso que se pronunciaba antes de presentar
al poema dramático ante el auditorio.
Plutarco un relator de la vida de Tespis cuenta que, Solón uno de los siete sabios
de Grecia se sintió disgustado al ver una de las representaciones de éste en la orchestra, al
preguntarle si se sentía bien por decir tantas falsedades frente a un gran número de
pobladores. El dramaturgo griego le respondió, con mi obra no hago daño a nadie, ya que
se trata tan sólo de una simple representación teatral.
Al parecer esta respuesta no satisfizo a Solón y buscó de cualquier forma
desacreditar a Tespis y en un tiempo corto logró que fuera exiliado de Atenas, esta
condena hizo que Tespis junto con su compañía y su carro fueran de pueblo en pueblo a
para el arte dramático y la actuación, así nos lo confirma una de las imágenes que se
presenta a continuación.
Figura 2: En la iglesia Santa María de Fiore, en Florencia, Italia hay una torre en la que existe una cubierta de mármoles blancos, verdes y rosas. La base se divide en dos zonas; una con paneles y relieves que representan las artes y las obras humanas de Andrea Pisano y Luca della Rubia. La otra parte está decorada con nichos con estatuas, dedicadas a los sacramentos, las virtudes y las artes liberales. Uno de los relieves alude a Tespis con su carro la cual se aprecia en la imagen arriba. Los estudios indican que la obra pertenece a Pisano elaborada entre 1334 y 1336 d.C. Fuente: educalingo.com
Finalmente, Tespis en sus ditirambos fija la intervención de 50 hombres y jóvenes
que bailarán y cantarán al compás de los músicos. El precursor de la tragedia griega
tendrá como sucesor a Frínico, un poeta que otorgó la condición de protagonista al
director del coro, aclamado como el corifeo. Antes, es preciso señalar que, la tragedia se
promovió en el año 538 a.C. Cuando Pisístrato gobernó Atenas de forma tirana y
decretará que se desarrolle el primer torneo de las tragedias en un punto lateral de la
1.3 La arquitectura del teatro griego
Las representaciones teatrales requerían un espacio para un desarrollo seguro y
convincente. Así, en el siglo VIII a.C. las personas se colocaban alrededor de un ruedo y
una pequeña garita que funcionaba como la estancia del coro. En algunos años más, del
siglo VI a.C. se levantaron unas graderías de madera y cuando terminaban las fiestas se
desmotaban y guardaban para el año siguiente, siempre conservando el lugar.
Hacia el siglo V a.C. las galerías de madera quedaron cortas, y tuvo que levantarse
gradas de piedra para recibir a un mayor gentío. Es por ello, que se aprovechó el desnivel
de la colina que existía junto a la Acrópolis, y de esta manera se edificó lo que sería el
primer teatro del mundo antiguo, el teatro de Dionisio.
Que no quepa duda que, para construir este se necesitó de los buenos oficios de
arquitectos y especialistas en construcción. La razón es que un inmueble, como el teatro
de Dionisio, al día de hoy sobrevive, a pesar de las vicisitudes y acontecimientos bélicos
ocurridos en torno a él. En fechas presentes, el teatro es utilizado para presentar obras,
espectáculos y acontecimientos importantes. Como fue, la declaración de la
independencia de Grecia, el 22 de enero de 1822.
Para el siglo IV a.C. las representaciones teatrales sentían complicarse y los
beneficios de la imponente arquitectura quedaban pequeños, entonces, había que
modernizar el coloso dedicado a Dionisio. Si bien la construcción duro más de 70 años,
es en este periodo que se presentaron las obras de Esquilo, Sófocles, Eurípides y
Aristófanes, de quienes hablaremos más adelante.
Apoyado sobre el propio relieve de la ladera de la colina de la Acrópolis y el
espacio reservado para la adoración a los dioses consagrado como témenos, el teatro llega
caminos, el mármol valió para el revestimiento de los muros y paneles. El año 320 a.C.
cuenta la historia que la obra llega su fin total con monumentos de coregos mirando hacia
la norte y el oeste del teatro.
De aquella construcción no queda casi nada, lo que hoy se aprecia es nada más que
los restos de cuando los romanos ocuparon Grecia. Con todo y la adversidad el esquema
constructivo del teatro se conserva respetando el patrón griego. Un patrón que considera
tres partes a ver, a continuación:
a) La orchestra
Considerada la parte con más antigüedad del teatro al ser utilizada por los coros y
las danzas rituales, en un inicio tenía un tabernáculo en el centro, donde se sacrificaba un
cordero para honrar al dios de la vendimia, con el tiempo el altar o thymile fue reduciendo
de tamaño hasta desaparecer por completo.
En este círculo se presentaban las obras conformadas por el ditirambo, un coro
conformado por 50 personas que entonaban poemas. La orchestra tenía una dimensión de
25 metros de diámetro, en tierra lisa y firme, instalada al aire libre, cuando se creó el
skené fue reduciendo su tamaño hasta llegar a la séptima parte de su dimensión original.
La orchestra en algunas ocasiones fue utilizada para proclamar discursos, pero en la
mayor parte del tiempo se usó para presentar a los coros, las danzas y la oratoria.
Terminaremos diciendo que, en algunos teatros como el de Epidauro y Metaponto
la orchestra tenía forma semicircular. La misma característica la presentan teatros
b) Skené
Es la franja constructiva de forma rectangular alargada y ancha, situado detrás de la
orchestra y elevada por encima de los 2 metros de altura. El lugar está contenido por el
proskenion, la columnata y los decorados. Esta plataforma se estima que fue construida
en 435 a.C. cuando se consideró la presencia de actores.
En el año 430 a.C. los dramaturgos comenzaron a utilizar el telón para cubrir el
escenario y a los actores con la finalidad de ocultarse detrás y poder cambiar de vestuario
durante la función de la obra. Con el tiempo se convirtió en una pared de ladrillo y en
425 a. C. fue llamada paraskenia, desde ese instante fue un elemento habitual en los
teatros; esta pared larga y proyectada hacia delante, en los lados podía tener puertas para
la entrada y salida de los actores. Debido a su necesidad y función, la Skené recibió más
adelante el nombre de proskenion.
Un punto a considerar es que, la Skené podía adornarse con estatuas y decorados,
según la obra que se presentaba. También podía contener algunos recursos escénicos
como pistas giratorias, plataformas móviles, poleas que servían para subir pesadas figuras
o personajes relacionados con el monte del Olimpo.
Orchestra y Skené constituían la parte fuerte de la acción dramática y con ellas,
nace el respeto por la actuación y la contemplación. Obras de los dramaturgos griegos
fueron admiradas por parte de la muchedumbre adulta, más no así de los niños, debido a
que no se permitía su participación. Con todo, el teatro griego surgió para vernos
reflejados en él y meditar respecto a quienes somos, y por qué nuestra existencia.
c) Koilon
Conformada por graderías donde se sentaban los espectadores, antes recibió el
principal del koilon es que, tiene una forma semicircular y asientos situados en gradas y
niveles. Las graderías de las dos primeras filas, eran de mejor calidad y reservados para la
élite, los sacerdotes y los ciudadanos más respetados, en tanto que, las graderías de los
niveles superiores estaban reservadas para el común de los mortales. Para el
desplazamiento de los nobles y de los demás había pasillos semicirculares llamado
“diazoma” y escaleras definidas y delimitadas.
Con los tres elementos descritos de forma breve, en las páginas siguientes veremos
imágenes que ilustran la historia de la arquitectura de teatro griego. Antes, reseñamos una
lista de teatros que en la actualidad conservan el modelo griego, los cuales se encuentran
en distintas partes de Europa y uno en Asia. El estado actual de los teatros a mencionar,
en su mayoría, presentan conciertos de música, festivales de teatro, ceremonias sociales y
eventos políticos. Pero, lo que les da vida a estos recintos culturales, es el turismo.
Información oficial del gobierno griego dice que: cada año Grecia y sus teatros reciben
4,5 millones de turistas al año.
El teatro de Dionisio en Atenas, Grecia
El teatro de Epidauro en Argólida, Grecia
El teatro de Delfos en Parnaso, Grecia
El teatro de Odeón en Atenas, Grecia
El teatro antiguo de Arles, Francia
El teatro de Orange, Francia
El teatro romano de Bosra, Siria
El teatro romano de Marcelo, Italia
El teatro romano de Amman, Italia
El teatro romano de Mérida, España
Figura 3: La pintura griega se caracteriza por retratar de modo fehaciente, las otras actividades artísticas que los griegos realizaban entorno a sus hábitos y costumbres. El fragmento de una cerámica expone una escena de los ditirambos.
Fuente: Erasmus.ufm.edu
Figura 4: En la fotografía se aprecia la orchestra, parte en el que actuaban los coros en los inicios del teatro griego.
Figura 5: El teatro de Epidauro se destaca por un gran semicírculo de 120 metros de diámetro y 24 m de desnivel, teniendo dos zonas, alta y baja, separadas por una galería central. Tiene una capacidad para 15.000 asistentes. Fue construido a mediados del siglo IV por el arquitecto Policleto el Joven.
Fuente: Geografía, Historia y Arte
Figura 6: El teatro de Delfos destaca por su ubicación y zonas altas y bajas. La orchestra semicircular se caracteriza por su piso de piedra, el teatro tiene un aforo de unos 5.000 espectadores.
Figura 7: Plano de un teatro griego señalando sus tres partes importantes la orchestra, la skené y el koilon.
Fuente: www.educalingo.com
1.4 Géneros teatrales griegos
Sabido es, el teatro tiene un origen religioso, unido al culto del dios Dionisio, dios
del vino, dios de las vendimias, de la infracción, la fiesta popular y de las grandezas
espirituales. Dentro del tiempo de unas fiestas inscritas como de las “Grandes o Magnas
Dionisiacas” en las procesiones del dios unos sátiros formaban parte de un cortejo
cantando y declamando ditirambos, los sátiros marchaban disfrazados de machos cabríos.
Para Aristóteles el disfrazarse de macho cabrío tenía un solo significado y justifica
la palabra “tragedia”, porque el origen de esta viene del griego antiguo (koiné) y es
τράγος = macho cabrío y ωδή = canto, es decir, “canto del macho cabrío”; y “comedia”
Aristóteles dice: “unos cantos se consagraron al tema del sufrimiento del héroe divino,
dando origen a la tragedia y la sátira, y otros cantos se hicieron con motivaciones cómicas
para producir la risa, fundando la comedia.”
Es preciso decir que, no siempre la tragedia, la sátira y la comedia estaban
dedicadas a Dionisio o algún otro dios, sino y muchas de las veces al común de los
hombres y mujeres de Grecia. Visto así, el teatro griego se compone de tres géneros
llamados mayores: la tragedia, la comedia y el drama satírico.
1.4.1 La tragedia
La tragedia para los griegos puso en escena los grandes problemas del hombre, tal
como lo hiciera, el compositor alemán Richard Wagner (1813-1833) quien, al meditar y
estudiar la tragedia clásica, le valió de referencia para realizar sus óperas, sinfonías,
corales y oberturas. Wagner dice que: las tragedias fueron las herramientas que le
ayudaron para escribir algunos de sus poemas, dramas y composiciones musicales.
En el terreno del teatro Wagner fue un innovador de los recursos escénicos, pues,
influenciado por su amigo y compañero Semper, solicitó para el teatro de ópera de
Múnich, se construyera una fosa delante del proscenio para que la orquesta se ubicara sin
incomodarse y estar fuera de la vista del público.
De regreso a nuestro tema, la tragedia griega solía contarse a través de una situación
dolorosa que, solamente podía superarse por medio del sacrificio, la renuncia y la muerte;
las historias de vida están envueltas por un destino difícil de desatar, se tiene que recurrir
a fuerzas superiores o similares para enfrentar los conflictos provocados por la miseria
Durante el desarrollo de la historia trágica se promueve en el oyente una
purgación por la consternación y la compasión. La tragedia trata de dar lecciones sobre
moral, sino entiendes el mensaje de la obra, entonces no entiendes la vida, proclamaba un
actor, al momento de representar una tragedia griega.
Se afirma que la tragedia griega clásica tiene un carácter educativo. Y es que, para
no repetir la historia sobre sucesos adversos, debe aprenderse de manera racional que vida
azarosa no lleva a nada. Al respecto, un lema de la tragedia reza: sobre los escombros se
edifica lo pulcro.
La tragedia técnicamente se presenta enaltecida, vistosa y solemne, incluido el
verbo puesto en el texto trágico, autores como Harold Pinter, John Osborne y Bernard
Shaw señalan que, la tragedia y la poesía épica son dos caras de una misma moneda.
A fin de comprender bien, cómo es la tragedia de un ser heroico, en las páginas
siguientes, transcribimos un fragmento de la obra atribuida a Esquilo, Prometeo
Encadenado. La historia relata el mito de un Titán (Prometeo) que desafía a Zeus y le
roba el fuego para dárselo a un poblado, por estos actos es sometido a un castigo perenne.
Cratos (la fuerza), Bia (la violencia) y Hefesto encadenan a Prometeo por orden de Zeus a
una roca, en la región más accidentada y fría de la antigua Grecia, Escitia.
Atado Prometeo a la roca, Zeus proclama que le quitará el castigo, si confiesa
quien es la persona que un día lo derrocará de su estrado. Prometeo no confiesa y sufre la
Figura 8: El pintor Pedro Pablo Rubens el año de 1612 crea un lienzo que lleva por título “El castigo de Prometeo”, en la actualidad la tela se encuentra en el Museo del Prado, España.
Fuente: abc.com.es
1.4.2 La comedia
Llevó los grandes problemas del hombre a un desenlace feliz. La vida hay que
tomarla con placer, festividad y humor, pedía un comediante al público cuando miraban
su espectáculo en la plaza. La vida no es solamente tragedia, también es atinada y
fantástica, uno no está exonerado de encontrarse con seres afables y simpáticos. Reírse de
sus propias desgracias y penas no es un acto deshonesto consigo mismo, se trata más bien
de entrar a un estado de purgación.
La purgación deriva en renovación, la renovación lleva a la trasformación y esta
conduce a la mutación. No es acaso cierto que, si uno ríe de contento, la probabilidad de
prolongar la vida crezca, pues, por qué no reír entonces y vivir situaciones gozosas a
satisfacción, el goce y la alegría; las historias de vida están fáciles de desatar, no hay que
recurrir a fuerzas superiores o similares para enfrentar los conflictos provocados por la
miseria humana, el punto es saber tener alegrías y satisfacciones.
Durante el desarrollo de la comedia se promueve una purgación, la risa y la
carcajada son sus indicadores. La comedia da lecciones sobre la moral, cuando está bien
escrita y llevada al oyente. Al respecto, Charles Chaplin (1920), dijo: “un día sin risa, es
un día perdido.”
La comedia clásica tiene un carácter educativo. La comedia vulgar no lo tiene. Y es
que, para llegar a entenderla se necesita no más que de la libertad, las lecciones que da la
comedia la hace más por medio de sus actores, que por obra de los escritores. La comedia
griega pinta la realidad histórica del tiempo vivido, critica con sapiencia las ideas
políticas y filosóficas.
El escritor de comedias vive oculto al público, el actor de comedias hace reír al
auditorio y le llena de felicidad. Esto es lo que le ocurría, al comediante más grande de la
historia del siglo XX, Charles Chaplin, quien era famoso por su personaje Charlotte, que
por lo que escribía para las películas en las que actuaba.
La comedia es más libre que la propia tragedia desde el punto de vista técnico y
formal, explican los expertos, porque no se aferra a la desgracia, ni a la miseria, ni a lo
inmoral, la acción más inesperada es la que hace divertir. La comedia llega más al
público que la tragedia, por el uso del lenguaje y el estilo poco elegante, la comedia
emplea expresiones y términos de la lengua popular.
De la comedia, Aristóteles, dijo que, se trataba de una representación del hombre
es en cierto modo una fealdad, pero que no produce lastima o desgracia, sino por el
contario, causa risa y contento.
Como ejemplo, Aristóteles escribe: “la comedia lo tenemos en la máscara cómica,
la cual es fea y deformada pero no dolorosa.”
A fin de percibir bien, cómo se muestra la comedia a un auditorio, en las páginas
siguientes, transcribimos un fragmento de la obra: Pluto, de Aristófanes. La historia tiene
tres partes y relata la vida de un anciano ateniense (Cremilo) y su esclavo Carion, ambos
reciben el consejo del oráculo a que inviten al primer hombre que se les cruce en su
camino a quedarse en casa para ser atendido por ellos, sin querer invitan a Pluto (dios de
la riqueza) quien es ciego. Cremilo y Carion están convencidos que si Pluto sanara de su
vista la distribución de la riqueza sería equitativa entre los hombres
Al entrar en escena la esposa de Pluto (la diosa de la riqueza), trata de convencer a
Cremilo que es mejor ser rico que pobre, la razón no habría esclavos, lujos y poder.
Cremilo de modo irónico, expresa: el dinero es ciego. La obra en su momento causó
impacto en los ricos de Grecia, tanto que, se pidió que Aristófanes fuera expulsado de
Atenas.
Figura 9: Una compañía de teatro español adaptó la obra de Aristófanes, Pluto, el 2015. En detalle vemos a Pluto cuando recobra la vista y se le dijera, el dinero es ciego
1.4.3 El drama satírico
Del género podemos decir que, es un hermano menor de la tragedia y un primo
hermano de la comedia, y es que independientemente de ser representado por personajes
sátiros vestidos de machos cabríos, que cantaban y danzaban ante la dirección del corifeo,
las obras eran escritas tanto por autores de la tragedia como de la comedia.
El drama satírico es también un género bufo, esto es, lo cómico se presenta de
forma grotesca y burda. Análogamente a este y en el tiempo actual, los que en la
televisión salen en programas haciendo papeles ridículos y tontos, serían en los tiempos
de Grecia los sátiros y faunos. En buena cuenta, el género no reviste de mayor
trascendencia, ni importancia.
1.4.4 Autores de las tragedias griegas a) Tespis
De él ya hemos mencionado páginas atrás, cuál fue su rol en la Atenas de Pericles.
Pero, no está de más en decir que, Aristóteles le reconoce sus virtudes y defectos como
escritor de ditirambos. En su Poética más que atacar a Tespis resalta sus dotes de actor y
director de coros, así como, el de poeta de héroes y dioses.
b) Esquilo
Escritor de trilogías, mayor que Sófocles y Eurípides, es considerado un destacado
autor de la tragedia griega, el argumento de sus obras no renuncia a la tradición y modo
de vivir de los antiguos griegos. El mundo académico al rescatar sus trabajos y
conservarlos en los anaqueles de una biblioteca de Europa, sigue estudiando y analizando
cómo fue el mundo antiguo clásico.
Las características de su obra son las siguientes:
El diálogo de sus coros es extenso y complexo.
La maquinaria o recursos escénicos es básica para el despliegue de los actores.
El lenguaje de sus obras es conservador y elegante, no recurre al vulgarismo.
El mensaje de sus obras contiene un profundo mensaje religioso.
La moral, la justicia, la verdad y la prudencia son conceptos perennes en las obras.
Escribe trilogías, himnos y odas.
Las obras representativas y difundidas por compañías de teatro actual en el mundo
son:
Trilogía de la Orestiada “Agamenón”, “Las Coéforas” y “Las Euménides”.
“Las Suplicantes”
“Los Persas”
“Prometeo Encadenado”
“Los Persas”
“Los Siete contra Tebas”
c) Sófocles
Es considerado una figura del teatro griego y universal, el argumento de sus obras
conserva los mitos, creencias y tradiciones de las cicladas, sus trabajos conservados y
conocidos están continuamente siendo analizados por investigadores de diversas
disciplinas. Se le atribuye un conservador nato del mundo antiguo clásico.
Las características de su obra son las siguientes:
Incrementa a cuatro o más el número de actores.
Los diálogos de los personajes son dinámicos y no cansados.
No escribe trilogías, sus tragedias son completas.
Disminuye la intervención del coro.
Usa un lenguaje más sencillo y comprensible para el auditorio.
Los personajes son únicos en todas sus obras, aunque sean ideales.
La mujer alcanza, por vez primera, la misma dignidad al hombre.
La resignación es un sello importante en sus personajes.
No utiliza un lenguaje de replana en sus obras.
Las obras representativas y difundidas por compañías de teatro actual en el mundo
son:
“Antígona”
“Electra”
“Áyax”
“Las Traquinias”
“Filoctetes”
“Edipo en Colono”
“Edipo Rey”
d) Eurípides
Es considerado un autor rebelde en el arte escénico, el argumento de sus obras
rompe todas las creencias y tradiciones griegas, mantiene una independencia frente a la
moral y valores religiosos, sus trabajos al igual que sus predecesores, están
continuamente siendo analizados por investigadores de diversas disciplinas. Quizás por
pertenecer a una educación y formación sofista, es un autor atrevido, crítico e inquieto de
su tiempo.
Las características de su obra son las siguientes:
Quita la participación del coro en algunas de sus obras.
Apela a recursos escénicos para dar espectacularidad a sus obras.
Sus personajes son reales más que ideales.
Sus personajes mujeres son apasionadas y sentimentales.
Hace una crítica al mito y tradiciones de modo racional, no se aleja de los dioses.
Usa un lenguaje más coloquial que conservador en sus personajes.
Las obras representativas y difundidas por compañías de teatro actual en el mundo
son:
“Medea”
“Las Bacantes”
“Las Troyanas”
“Hipólito”
“Ifigenia en Aulide”
“Ifigenia entre los Taurus”
“Orestes”
“Alcestis”
“Helena”
“Hécuba”
“Electra”
“Las Fenicias”
“El Cíclope”
Los nombres de Esquilo, Sófocles y Eurípides se reservan en el mundo de la
literatura y las artes escénicas como consagradas, porque permiten entender de primera
posteriores. Las cerca de treinta y cinco obras atesoradas por los manuscritos medievales,
e impresas más adelante, creemos no deben dejarse de conocer en el futuro.
1.4.5 Autores de las comedias griegas
a) Susarión
Es un poeta de la Grecia arcaica, lo que significa que su comedia no está escrita de
modo formal, sino hecha en métrica antigua, el aporte de Susarión radica en sus farsas y
tramas regulares, esto es, en sus declamaciones improvisadas se decían mofas de forma
graciosa. Se le atribuye ser el comediante del Ática.
b) Epicarmo
Aristóteles le reconoce como el escritor de comedias populares y el mimo. Nato
bromista de las parodias mitológicas y caseras, en vida no se le consideró un ciudadano
libre, la diferencia con otros cómicos contemporáneos es que mentalmente era rápido
para crear sus loas y apologías graciosas. Lamentablemente, a pesar que varias de sus
obras están perdidas, han llegado hasta el día de hoy fragmentos hechos en papiro, las
cuales se conocen y difunden en partes en teatros del mundo.
c) Aristófanes
De él se sabe que era un conservador, un monárquico antes que democrático, un
opositor y a veces un enemigo declarado de las guerras. Su escrito en el género comedia
van a ironizar el ambiente político y a los políticos, de los cuales es un provocador y
burlador, sus sátiras están enfocadas en las mujeres, quienes se declaran en huelga de
sexo ante los hombres que van a la guerra. En otras comedias ironiza el conflicto entre los
viejos y las jóvenes generaciones, dando a uno y otra la razón antes que la emoción.
Las características de su obra son las siguientes:
Los diálogos de sus personajes son ágiles y graciosos.
Sus personajes héroes son débiles, penosos y poco sociables
Hay expresiones obscenas y picantes de parte sus personajes femeninos.
Al igual que los trágicos emplea maquinarias para el montaje de sus obras.
Es uno de los primeros en emplear un lenguaje de replana en sus obras.
El corifeo (el director del coro) tiende a dialogar con el público.
Las obras representativas y difundidas por compañías de teatro actual en el mundo
son:
“Lisistrata”
“Las Ranas”
“Las Nubes”
“Las Aves”
“Las Avispas”
“Los Caballeros”
“La Paz”
“Las Tesmoforinas”
“Los Acarmienses”
“Pluto”
d) Menandro
Considerado el comediógrafo representativo de Atenas y de la Grecia clásica, sus
obras fueron influyentes en los romanos, pues, ellos tomaron los personajes menándricos
para ironizar políticos y generales de los Cesares. Volviendo a Menandro, sus comedias
ponen sobre la mesa los caracteres simpáticos y campechanos de la población. Tal vez, es
de la tragedia, el drama y la comedia, se le sigue aprendiendo mediante el análisis de sus
obras dejadas.
Las características de su obra son las siguientes:
Sus prólogos son menos largos que el de las tragedias.
Los diálogos de sus personajes son pintorescos y humoristas.
No existe casi los personajes míticos, muchos son simples mortales
Las expresiones de parte sus personajes son hilarantes.
Las obras representativas y difundidas por compañías de teatro actual en el mundo
son:
“El Misántropo”
“El Arbitraje”
“El Adulador”
“La Samia”
“La Trasquilada”
1.4.6 Esquema de la tragedia griega
Se dice que un esquema es la estructura de un todo, es este caso, se trata de ver las
partes de la que está compuesta la obra teatral en el género comedia. Los expertos indican
que cinco son las partes donde cada una cumple una función en toda la estructura de la
obra.
Las partes de la tragedia:
a. El Prólogo: Pone al espectador los antecedentes de la historia.
b. El Párodo: Es el cántico de entrada del coro. El corifeo da la primera voz y el resto
sigue.
d. El Estasimo: Es la participación del coro durante el intermedio de la obra, servía
para que los actores se cambiaran de vestuario y maquillaje, también para cambiar
la escenografía y montar estructuras que necesitase la obra.
e. El Éxodo: Es la salida cantada de los actores y el coro terminado de la obra.
Figura 11: Portada del libro de Sófocles “Edipo Rey”, 2010, Editorial Universitaria, Chile. Fuente: www.buscalibros.com
1.4.7 Esquema de la comedia griega
El esquema de la comedia no es muy diferente al de la tragedia, la estructura de la
primera, es más versátil y expedito, la obra teatral en el género comedia por su mismo
carácter tiende a contar con otros elementos o partes en tofo su esquema. Los escritores
de comedia teatral al día de hoy siguen las pautas dadas por los clásicos griegos.
Las partes de la comedia:
a. El Prólogo: Coloca al espectador en la obra y presenta a los personajes.
b. El Párodo: El corifeo y el coro entonan odas y canciones.
d. El Agón: Es la parte conflictiva de los personajes cuando son antagónicos.
e. La Parábasis: Es la parte en que el coro interactúa con el auditorio.
f. El Éxodo: Es la salida cantada de los actores y el coro, pero celebrando el triunfo
del personaje principal.
1.5 El teatro romano
El teatro en Roma no tuvo la misma consideración que en Grecia, a pesar que los hombres sabios estaban al corriente que era la poesía dramatizada. Para los romanos, las
representaciones escénicas eran ludi scaeneci, esto es, juegos con escenificaciones en las
manifestaciones religiosas y rituales.
Los festivales dramáticos en Roma fueron tomando una naturaleza profana y
meramente lúdica. Más no así la victoria de los generales o los funerales de grandes
personajes. La práctica teatral no fue vital en el alma de los ciudadanos romanos, como si
lo fue la poesía dramática para el alma de los griegos. En Roma, el teatro nace de las
tradiciones populares del pasado unido a fiestas de naturaleza agrícola, como el de las
huellas etruscas y, por último, de lo visto del teatro en Grecia, cuando los romanos entran
en contacto con las ciudades vecinas por acción de las guerras romanas.
En Roma, el teatro fue pensado para divertir a las masas, y en ocasiones un
espectáculo que hacía pasar un momento grato a la muchedumbre. En los tiempos de
contienda electoral, los candidatos a ediles y magistrados ofrecían, a cambio de votos,
diversión a sus electores. La diversión, por entonces, era el circo. Como si se tratará de
tiempos actuales, un candidato fue al pueblo agradecer los votos de las gentes, entonces,
el político lanzó la frase siguiente: “me preocupa su vida y su recreación, ahí les dejo lo
Finalmente, a los romanos, las artes escénicas de los griegos no les interesó darlas a
conocer a su pueblo. La justificación: a Roma, le interesa la diversión de su pueblo, a
Grecia le interesó su teatro. A Roma, le interesa más los espectáculos circenses, que el
teatro.
Las formas teatrales en Roma tienen un antecedente que viene 200 a. C., se
manifestaron a través de las obras llamadas preliterarias, constituyendo los versos ácidos,
las métricas variadas, las danzas etruscas y las farsas. Cada una de estas piezas teatrales
tuvo a la vez un modo de expresarse y decirse, los cuales influyeron en la construcción de
las fiestas de los Césares.
Los versos ácidos
Se denominaron también los versos violentos, porque una vez terminado los
combates, los navegantes solteros verbalmente se enfrentaban a otros navegantes,
acompañados siempre de músicos y bailarines. Los versos de origen etrusco los
exclamaban los hombres y mujeres para realizar limpias al cuerpo.
En tanto que, los de origen bélico pasaron a las fiestas de la vendimia, la cosecha,
las bodas y las procesiones, el propósito de declamar versos ácidos o violentos era nada
más que, para ahuyentar los malos aires.
Las métricas variadas
Mediante diálogos cantados, o lo que se conoce en nuestro medio como
contrapuntos, las primeras poblaciones romanas liaban con versos extensos y graciosos
entre sí, durante horas, la población ganadora recibía premios del contendor. Pasada la
Las danzas etruscas
Terminada la cosecha, celebrada una boda o realizada una procesión, tropas de
bailarines etruscos llegaban invitados para presentar sus mejores danzas. Se estima que,
mediante las danzas los etruscos conocen a los griegos, y estos a la vez, a los romanos.
La farsa
De todas las festividades romanas antiguas, ésta es la que más bríos y
representantes tuvo, en razón de que los jóvenes se especializaron en recitar versos y
cantos de tipo literario. Cubiertos de máscaras fijas y representando personajes
caricaturescos como: el bobo, el chepudo, el bocón y el chambón reunidos hacían la fiesta
que duraría tres días. Lo atractivo de la farsa residía en la habilidad de los personajes para
improvisar versos y cantos.
Con los antecedentes mostrados, se considera que en la antigua Roma el teatro se
origina de las festividades etruscas y otras, y el contacto que tuvieron con los artistas
griegos, con la religión griega y los escritos griegos. Todos estos ingredientes les
permitieron conocer el teatro como texto y como obra arquitectónica.
Pero, qué conduce a los romanos a crear sus propios dramas, sus textos y sus
coliseos, la respuesta la hallamos en Tito Macío Plauto y Lucio Anneo Seneca, máximos
exponentes de la tragedia y comedia romana. Cada uno de ellos supo construir, desde su
propio terreno, qué significado era ser un ciudadano de Roma.
Tito Macío Plauto
Dedicado a rasguear dramaturgia cerca al año 200 a.C. y a la actuación años más
tarde, se estima que escribió más de cien comedias, pero solo han llegado a nosotros 21
registradas por sus estudiosos. Plauto se empeñó en hacer reír a toda la población romana,
Siguiendo el esquema griego, sus comedias se abren con un prólogo recitado por un
dios o por un personaje mítico que pone al oyente en autos que es lo va a ver en las
tablas. El argumento en casi todas sus obras es la burla a la población marginal de Roma.
Plauto destaca por el uso elegante del lenguaje y el buen decir de la métrica, algo que le
valió para reconocerlo como un comediante singular e impar.
Las características de su obra son las siguientes:
Existe una romanización en dioses y personajes.
Existe mayor comicidad que la de los griegos.
Los argumentos están cargados de travesuras, trampas y laberintos.
Los recursos escénicos están pensados para mejorar la puesta de la obra.
El estilo y uso del lenguaje de sus personajes es rico y amplio.
Añade variedad y originalidad a los temas y personajes, su propósito hacer reír.
Las obras representativas y difundidas por compañías de teatro actual en el mundo
son:
“Casina”
“Curculio”
“Epiducus”
“Mercator”
“Vidularia” y muchas más.
Lucio Anneo Seneca
Escribe tragedias y otros géneros literarios, también le entró a la política, la
filosofía y la ciencia. En el argumento de sus obras, aparte de haber hechos inexplicables,
obras tiene mucho de los griegos, pero no así sus personajes porque alcanzan un tono de
melodrama.
Las tragedias del hombre de Hispania, están escritas en un estilo retórico, es decir,
metáfora pura. Sus personajes llenos de intrigas saben salir de los problemas de manera
serena. Un punto que en la vida real no supo desenredar, pues, se le acusó de conspirar
contra Nerón, siendo inducido a suicidarse en pleno capitolio romano.
Las características de su obra son las siguientes:
Coexiste una romanización en sus personajes.
Existe mayor siniestro que en la tragedia de los griegos.
Los argumentos están cargados de intrigas, engaños, trampas y traición.
Los recursos escénicos están pensados para mejorar la puesta de la obra.
El coro cumple la misma función que la de los griegos.
Añade el melodrama y las pasiones oscuras a sus personajes.
Las obras representativas y difundidas por compañías de teatro actual en el mundo
son:
“Las Troyanas”
“Tiestes”
“Medea”
“Fedra”
“Hércules Eteo”
“Las Fenicias” y otras más.
El teatro en Roma tuvo peculiaridades que iremos a narrar de forma breve y
tragedia los temas están relacionados a la mitología y los héroes quienes tienen un destino
inesperado. Por lo tanto, el lenguaje es sublime y su ritmo es único.
La comedia tiene la particularidad de dar como protagónico al hombre común y
sencillo, es decir, al de la calle, lo que expresa el uso de un lenguaje sencillo y hasta
verde. Al darle el sello de romano a sus tragedias y comedias, crearon la fábula un
equivalente a los dramas griegos. Así, tenemos:
La fábula cothurnata
La fábula praetexta
La fábula palliata
La fábula togata
El teatro que fue más cercano a la población olvidada y marginal, lo constituyeron
los dramas menores. Estos dramas se mostraban en las calles o plazoletas porque eran
asequibles a todos. Así, tenemos:
El atellana
El mimo
La pantomima
Figura 12: Portada del libro de Plauto y Terencio “Obras Selectas”, 2013, Ediciones Cátedra, España.
Fuente: www.todostuslibros.com
Capítulo II
Géneros teatrales en la educación básica
2.1 Los géneros teatrales
Alguna vez se le preguntó a Moliere, qué era el teatro, respondió categóricamente:
“si te miras frente a un espejo, entenderás que es el teatro.” El arte dramático a diferencia
de otras artes, es precisamente eso, un espejo que nos hace ver todo lo que somos y
hacemos durante nuestra existencia.
Los que colocan el espejo frente a nuestra vista, no lo hacen por propio gusto o
satisfacción, sino porque es su responsabilidad hacerlo. Los dramaturgos del mundo
antiguo ya nos dijeron debemos dejar de humillar, sojuzgar o reírnos de otro ser que es
igual a nosotros.
En todas las formas, tamaños y colores los autores del arte dramático nos advierten,
cuidado con lo que piensas, haces y hablas. La existencia es distinta a lo que tú crees es,
como a lo que tú crees no es. Los grandes maestros del drama greco-latino lo decían, el
teatro no hace más que representar la miseria humana o la dicha. Igualmente, lo afirman:
Lope de Vega, Shakespeare, Goethe, Moliere, Brecht, Camus, Arthur Miller, etc.
Las obras que nacieron para ser representadas en un tablado, por unos actores y ante
un público, se le denomina género dramático o teatral. El género teatral está dividido en
las partes siguientes:
a. Los géneros mayores que tiene a: La tragedia, la comedia, el drama y la
tragicomedia como elementos importantes.
b. Los géneros menores que tiene a: El monólogo, el auto sacramental, el paso, el
c. Los géneros mixtos que tiene a: La ópera y la zarzuela como elementos
característicos.
Los argumentos que sostienen la clasificación de géneros mayores, menores y
mixtos son los siguientes: la calidad literaria, el texto dramático, la estructura dramática y
los elementos dramáticos.
La calidad literaria se refiere al hecho, en que el texto nos permite entender bastante
bien la obra, inclusive estudiarla minuciosamente en todas sus partes y formas. Cada
palabra del diálogo, cada texto escrito identifica al autor, a la obra y al contexto.
El texto dramático vale para representar la obra teatral y conocerlo cuando éste se
edita y publica como libro. Cuando el texto dramático lo conocen los actores, para luego,
declamarlo en el escenario y lo escuche el público, se dice, que es ahí donde
verdaderamente llega la obra. Analistas de la dramaturgia señalan que, el texto dramático
se ha de conocer estudiando tres elementos básicos: la acción dramática, los tipos de texto
y la estructura dramática.
Sobre la acción dramática diremos que es todo lo que acontece en el interior del
escenario, como la cadena de sucesos que se presentan ante el público. En el interior de
este encontraremos a los personajes, el conflicto, el lugar y tiempo (cronotopo).
En alusión a los tipos de texto dramático y su estructura hay dos: los diálogos que
están destinados para que el auditorio los escuche y los que están indicados solo para el
director, el escenógrafo y los actores, los que deben aprender y saber. Por su forma, están
los textos denominados diálogos, monólogos, soliloquios, aparte y cuchicheos.
Un segundo momento para los textos están los que por sus efectos impactan al
luminista y otros. La labor de cada uno del equipo técnico por llamarlos así, cuentan
también con textos llamados auxiliares. En la puesta en escena de una obra trabaja todo
un equipo que, si falta uno, las presentaciones sufrirían un desequilibrio.
El teatro de oro español y de Shakespeare cambió muchas estructuras en el texto
dramático, apostaron ellos, por un teatro más ágil y ligero sin que pueda significar romper
con la vieja estructura clásica. Así entonces, las obras se desarrollan en cuadros, actos,
entreactos y escenas.
Se explica que, un cuadro presenta una serie de escenas que se desenvuelve en un
mismo escenario. Cuando la obra es extensa y se divide en partes se conoce como actos, y
estos en partes se divide en escenas. Un ejemplo, la obra de Pedro Calderón de la Barca,
La vida es sueño, tiene varios actos, escenas y cuadros.
Un punto a tener en cuenta, los actos se desarrollan casi siempre en el mismo
escenario. Pero hay obras que presentan muchos saltos entre acto y acto, para enmendar y
no ser tan evidente estos saltos, dramaturgos crearon los entre actos, que no son más que
piezas breves o alguna persona que se presenta al público.
Se denomina escena, en cambio, cuando se aprecia la entrada y salida de los actores
en un acto, y en determinados momentos cuando salen y regresan al escenario. La escena
es más apreciada en las películas, programas de televisión y telenovelas. En la actualidad,
hay diversidad de segmentaciones que suele confundirse con actos.
Los géneros teatrales en la actualidad, han cambiado en relación al pasado y a los
lugares donde se presenta la obra. Pero, lo que se conserva y mantiene, no significa
renunciar a los tiempos contemporáneos. Para llevar a cabo una obra dramática es todavía
los coreógrafos y el personal técnico; cada uno ahora, necesita de los espacios y medios,
que ayudará a dar espectacularidad a la representación de la obra.
De ahí que, el espacio escénico o escenario, no es más que la zona donde
interactúan los actores con sus personajes. En la antigüedad se le conoció como
proskenion, el lugar hoy tiene divisiones que son los siguientes: la cavidad escénica, el
proscenio, el foro, el teso y el telón de boca.
Se agregan, también, los elementos visuales como; las bambalinas, los
rompimientos y el ciclorama estos en conjunto se llaman el cortinaje del escenario. La
tramoya y el attrezzo conforman esos elementos que van a dar mayor facilidad al trabajo
del actor, ya que se tratan de aquellos que dan realismo a una escena concreta.
2.1.1 Géneros teatrales mayores
a) Tragedia
Género dramático tradicional, contrapuesto a la comedia. Es una obra de contenido
pavoroso y desenlace fatídico, en la que intervienen personajes célebres o memorables.
La gran época de la tragedia corresponde a la Grecia y la Roma clásicas (Esquilo,
Sófocles, Eurípides, Séneca entre otros), luego renació en Inglaterra (Shakespeare) y en la
época del Renacimiento en Francia (Corneille, Racine).
b) Comedia
Género dramático cotidiano, contrapuesto a la tragedia. Su desenlace siempre es
deleitable y alegre y su objetivo es lograr a través de la risa del público, la declaración de
ciertos vicios y defectos, la burla a determinados personajes e instituciones; el enredo y
equívoco de las situaciones, son característicos de este género teatral cómico. Su auge fue
y Menandro.
c) Drama
Género teatral, en que se encarna una acción de la vida, utilizando el diálogo de los
personajes, que tratan argumentos serios y profundos. Su origen se remonta en las fiestas
de la vendimia, celebradas en honor de Dionisios, con bailes y danzas córicas realizadas
durante las bacanales. Evoluciona progresivamente hacia el diálogo, al tiempo que se van
articulando y diferenciando los géneros de la tragedia, la comedia y la sátira; alcanzando
su madurez en el siglo V a.C. Los primeros teatros griegos, fueron constituidos con un
espacio circular, propuesto a los desplazamientos de los coros y grupos de danzantes; en
el centro del cual se sitúa el tabernáculo con la estatua de Dionisios.
d) Tragicomedia
En esta obra existe una combinación de géneros trágico y cómico. Como ejemplo
tenemos la obra el Anfitrión de Plauto, quien fue el primero en utilizar este tipo de género
teatral. Su impulso a partir del Renacimiento, alcanzó gran popularidad durante los siglos
XVIII y XIX; además del drama romántico y el melodrama. La tragicomedia se identifica
por la indiferenciación de la clase social a la que pertenecen los personajes - aristocracia
y pueblo – y por el uso de diferentes tipos de lenguajes.
2.1.2 Género teatrales menores
a) Monólogo
Es conocido también con el nombre de monodrama. Este género teatral es
un parlamento de desenvolvimiento superior a lo tradicional en los diálogos, pronunciado
en solitario o en presencia de otros actores.
b) Auto sacramental
Son representaciones de eventos bíblicos, enigmas de la religión o problemas de
carácter moral y teológico. En sus inicios fueron realizados en los templos o cobertizos de
las iglesias; el más antiguo es el llamado Auto de los Reyes Magos. Después del Concilio
de Trento, muchos autores, especialmente del Siglo de Oro español, escribieron autos
destinados a consolidar el sistema de la Contrarreforma.
c) Paso
Es un segmento dramático de corta duración, teniendo una trama sencilla y de
tratamiento cómico, que en la antigüedad se entremetía entre las partes de las comedias.
El paso, denominado así por Lope de Rueda en el siglo XVI, se destaca por su lenguaje
sensato y es considerado como el antecesor del entremés.
d) Entremés
Es una representación de un fragmento teatral de carácter jocoso, en un solo acto y
de trama burlesca, se originó en España en el siglo XVI. Los entremeses eran puestos en
escena durante los intermedios de las presentaciones de una obra más extensa. Durante el
siglo XV, el término "entremés" se utilizaba en los homenajes de cortes y palacios, en
diferentes danzas y torneos que se realizaban asistidos de coros líricos.
e) Sainete
Fragmento burlesco de corta duración - inferior a un acto - de carácter y
demonstración popular, teniendo por objetivo ridiculizar a los vicios y convenciones
f) Farsa
Pieza cómica que se ejecuta con la finalidad de hacer reír. La diferencia entre la
farsa y la comedia se encuentra en el argumento; que en la primera al contrario que en la
segunda, no necesariamente tiene que ser concluyente o cercano a la realidad.
2.1.3 Géneros teatrales mixtos o musicales
a) Ópera
Representación teatral en donde los diferentes personajes cantan durante todo el
desarrollo de la obra. En esta puesta en escena se fusionan el ejercicio dramático con la
participación de la danza, palabra, orquesta, decorado y otros elementos. De acuerdo a su
estilo y contenido, se puede diferenciar en ópera bufa, idílica romántica, seria, legendaria,
etc. La ópera se origina en Italia a finales de siglo XVI, cuando el músico Emilio
Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni, estrenan El juego de la ciega, El Sátiro y La
desesperación de Fileno como las primeras piezas de este género.
b) Zarzuela
Se considera como obra musical con características dramáticas, en la cual se canta y
se declama. Tuvo sus orígenes remotos en España en la musicalización de diferentes
dramas y enigmas. Se dice que el que inició este género fue Calderón de la Barca, con su
pieza El jardín de Farelina, estrenada en 1648, sin embrago otros sostienen que fue Lope
de Vega con La selva sin amor de 1629; lo cierto es que muchas piezas de este género
fueran personificadas en la casa de recreo denominada La Zarzuela que la familia real
poseía en el Pardo, siendo esa la razón por la cual se confirió el nombre.
2.2 Importancia del teatro en la educación básica
El profesor y el educando deben recurrir al juego de los géneros teatrales para
divertida. El teatro usado como herramienta en el proceso enseñanza-aprendizaje permite
desplegar aptitudes que mejoran a la persona en toda su dimensión.
La dimensión de la persona es un constructo acuñado por el derecho constitucional,
que reconoce a la persona como el fin supremo de toda sociedad, la cual distinguiese por
desarrollar una serie de potencialidades que se traducen en el crecimiento personal,
integral y justo. A tiempo, la pedagogía humanista expone, que el ideal de educar es que
pueda desarrollarse cabalmente la persona en toda su dimensión o dimensiones, vale
decir, tener un crecimiento integral, un desarrollo colectivo y un progreso universal. Para
mejor entender, se trata de desarrollar tres aspectos que son natos en el ser: el bilógico, el
psicológico y el social; formada la persona en estos caracteres, indican los especialistas,
milita un bienestar y un progreso durante toda la existencia.
Sobre la existencia, Antonin Artaud, dramaturgo francés, de mediado siglo XX,
creía que el teatro habría afligir al público a lo más extremo, a ver y a hacer sentir que la
vida es cruel y que se debe rechazar del todo los abrigos de la miseria humana. Artaud
entendía que el teatro bien conducido quita la venda de los ojos a las personas que se los
pusieron, y el tapón de los oídos a quienes se los colocaron. El teatro apunta a apreciar los
más altos valores humanos que se han olvidado ejercitar. El teatro orientado hacía el
conocimiento permite tener una mente abierta hacia el mundo, asiente a la libre expresión
y a usar convenientemente el ingenio, la pericia y la fantasía. El dramaturgo peruano
Alonso Alegría por su parte entiende, que el teatro en la educación es la fuente para
expulsar la imaginación, la sensibilidad y la invectiva.
El teatro en la práctica pedagógica involucra un conjunto de caracteres en la
formación de los escolares de educación básica. Favorece, por ejemplo, a valorar los
con otras asignaturas, el teatro hace que el estudiante mejore su comunicación verbal y no
verbal, origina a escuchar y ser oído, y más de una vez a participar del desarrollo de su
cultura de forma agradable y sociable.
El teatro en la educación es un instrumento fuerte y compacto, su realización
dependerá de las edades. Esto es, la estrategia de aprendizaje de la tragedia griega en los
niños de los primeros grados de educación primaria, será distinta a la de los niños que
cursan los primeros grados de la secundaria. El juego resulta un instrumento básico en la
educación de los niños y una estrategia importante para dirigir el aprendizaje de las artes
escénicas. Sobre el particular, la profesora Ada Bullón (1980), indica, “…las primeras
experiencias de los niños relacionados al aprendizaje de arte dramático estarán
constituidas por los juegos y los ejercicios de imaginación. No es recomendable empezar
con improvisaciones ni con dramatizaciones de cuentos.” (pág. 187). Los juegos y los
ejercicios de imaginación siendo las primeras experiencias deben realizarse de forma
grupal, el motivo permite a los niños no sentirse cohibidos y espantosos. El trabajo en
grupo reduce el miedo y la timidez.
Figura 14: El juego resulta un instrumento básico en la educación de los niños y una estrategia importante para dirigir el aprendizaje de las artes escénicas.
De otro lado, la formación social del escolar implica cultivar la vida en sociedad,
pero por sobre todo habla de realizar al aprendiz consigo mismo y con los demás
segmentos de la sociedad. La afectividad, por otro lado, es un factor importante atenderla
ya que sirve de puente entre lo sensible y lo intelectual. Construir la afectividad desde el
teatro implica educar en los sentimientos, los afectos, las emociones y los ímpetus. La
importancia que estos tienen para la vida humana se relaciona con ejercer una conducta
responsable y solidaria.
Finalmente, el teatro como asignatura se hace necesario estimularla en todos los
niveles y grados de la educación básica.
Figura 15: (Izquierda) Portada del libro Juegos Dramáticos para nuestra clase de ELE, 2014, autoras, Beatriz Prior y Patricia Toubes, Ediciones Octaedro, España.
Fuente: www.amazon.com
Figura 16: (Derecha) Portada del libro Del juego dramático al teatro con niños, Delia María y Adriana Andersson, Editorial novedades Educativas, España.