Método práctico de armonía y
composición musical
Autor: graciela nuñez
Presentación del curso
Si quieres aprende a crear tus propias canción este curso te será de gran ayuda. Una buena canción que se repita en la cabeza de quien la escucha, requiere de una serie de componentes que en las lecciones de este curso te desvelamos.
Este curso de una manera sencilla te capacitará para poder producir y componer tus propios temas. Aprende sobre las notas musicales, los tonos y semitonos, las
armonías, los fraseos melódicos y muchos otros conceptos que te harán hacer disfrutar componiendo tu propia música.
1. Las notas musicales
Se llaman notas a los sonidos que tienen una altura (frecuencia) determinada y establecida en Hz (Herz) y en base a ellas se crean instrumentos musicales que se afinan de acuerdo a la frecuencia de 440 hz, en la nota "la" 4.
La orquesta actual utiliza a la nota "La" como referente para lograr el unísono y la
afinación correcta de todos los instrumentos.
El nombre de las notas actuales se originó con las iniciales de un himno muy
antiguo y hoy su nombre ha evolucionado y se denominan entre otras: re, si, sol,
mi , fa, do, etc
Cuando estas notas son alteradas o modificadas en su altura llevan delante una
simbología propia, llamada alteración. En el caso de un sonido un poco más grave
(o más bajo) se coloca una b de bemol, que indica un descenso de esta nota (un semitono más grave) y si la nota aumenta su altura, se coloca el símbolo de
sostenido (cuyo grafismo es parecido a la grilla del ta-te-tí, con dos líneas
paralelas verticales y dos líneas paralelas y horizontales, cruzadas, e indica que la
nota natural ha sido ascendida un semitono en su altura
En occidente las notas se hallan en relación de tonos y semitonos. En Oriente existen espacios sonoros más pequeños que los semitonos, llamados microtonos y que a nuestros oídos, es muy difícil de detectar
2. Los tonos y semitonos
Semitono: distancia mínima en altura entre dos sonidos (en oriente, existen
alturas menores, llamadas microtonos). Ejemplo: do-do sostenido ; do-do bemol)
Tono: distancia formada por dos semitonos contiguos. Ejemplo: do-re (formado
entre do-do sostenido y do sostenido-re)
Las melodías se crean en base a esta alternancia de alturas . Algunos
instrumentos como el piano, permiten ejecutarlos de manera indistinta, ya que existe una tecla para cada semitono.
La relación entre tonos y semitonos se llama grado (primer grado, por ejemplo,
3. La interválica
Se llama intervalo al espacio existente entre tonos y semitonos. Es asi como entonces se forman intervalos de mayor distancia (mayores) o de menor distancia (
menores).
Se toma como referencia una nota determinada (cualquiera quieras) y se cuenta su distancia desde esa nota con otra ascendente o descendente . Ejemplo: tocamos la nota FA y luego LA (más agudo que ese FA. Aquí se forma un INTERVALO
ASCENDENTE de TERCERA MAYOR. Este intervalo, se forma con dos tonos (fa-sol; sol-la = fa-la).
Existen infinidad de intervalos (de segunda, cuarta, sexta, etc) y ellos establecen resultados sonoros interesantes para componer canciones.
El intervalo de 2° menor, se forma por un semitono de distancia entre la primer nota y la segunda ( do-do sostenido); el de 2° mayor, por .dos semitonos (do-re). El de 3° menor, por un tono y medio (un tono, mas un semitono asc. o desc., ej: do-mi b o mi b-do ), 3° mayor, por dos tonos (ej: do-mi), cuarta justa, por dos tonos y un semitono (ej: do-fa), 5° justa por tres tonos y medio y un semitono (do-sol), 6° menor por 3 tonos y 2 semit. Ej: do-la b), 6° mayor por 4 tonos y medio (do-la),7° menor por 4 tonos y 2 semit; 7° mayor, por 5 tonos y 1 semit.
Explico que la interválica consiste en ejecutar primero una nota y luego la otra, de manera ascendente o descendente en forma indistinta, o ambas a la vez, pero NO MAS DE DOS NOTAS, ya que ejecutar tres, no es interválica..., es otra historia, para el próximo capítulo...
4. ¿Qué es una armonía?
Se llama acorde a le ejecución de dos o más notas simultáneas (ejecutar solo
dos, te recuerdo, es realizar un intervalo).
La armonía es la parte de la música que estudia la relación entre los acordes (3 o más notas que se tocan al mismo tiempo).
Las notas tienen una relación interválica determinada que da como resultado la formación de acordes mayores o menores, entre otros. Si Tomamos la nota DO,
luego el MI como 3° mayor respecto al DO, y SOL como 5° justa respecto al DO , estamos creando un acorde mayor, que, para llamarse de tal modo, depende de la relación de la tónica (o nota DO) con su intervalo de tercera (MI). En este caso,
tenemos una tercera mayor, por lo que el acorde, es DO-MI-SOL y su relación con la quinta nota (quinta justa, en este caso), es igual para la formación del acorde
menor (DO- MI B - SOL).
Por lo tanto, el acorde menor, se forma con la tónica o fundamental (así se la suele llamar): (DO), tercera menor (MI B) y 5° justa (SOL).
En próximos capítulos ahondaros sobre la relación entre los acordes para el acompañamiento de canciones para que puedas ¡componer tus propias producciones!
La armonía se relaciona directamente con los acompañamientos de tus
canciones, aquellas notas que conviene ejecutar cuando vos cantás o tocás un
instrumento. Esos acordes tan lindos que suenan en tus oídos y que te erizan la piel cuando los escuchás... tienen una razón de ser, y un momento para aparecer... En la próxima, te lo cuento...
A través del tiempo y de la historia, la armonía ha tenido su evolución. En la época de Bach, había cosas que no podían hacerse. Por ejemplo, tocar "octavas paralelas", al mismo tiempo entre una melodía y el acompañamiento ( ¿te acordas de lo qué era una octava....?), o 5° justas "paralelas". Pero hacia finales del siglo XX, por suerte, se permitió "yuxtaponer" (o enlazar) acordes que no tengan que ver unos con otros, lo que se llama en armonía , acordes lejanos. Charlie García, Spinneta, usan muchísimo éstos tipos de enlaces armónicos, que sorprenden al oyente, ya que éste no sabe lo que va a pasar auditivamente en el próximo instante y se sorprende permanentemente!
Próximamente, veremos cómo se enlazan los acordes para que tu canción funcione correctamente de manera auditiva y guste a los que escuchan tus creaciones
5. La armonía. Relaciones armónicas
Todo acorde se relaciona de manera atractiva, con otros acordes llamados "cercanos", ya que, poseen en su estructura o conformación , notas
COMUNES con éstos primeros.
Volvamos al ejemplo del acorde de DO MAYOR ( notas do-mi-sol): Se llama
SUBDOMINANTE al acorde de 4°| JUSTA ASCENDENTE respecto al de DO ,
(acorde de FA MAYOR , notas fa-la-do), en el que la nota DO es común a ambos acordes. En este caso, podemos inventar una canción usando la nota DO como nota
"larga" y que nuestros acompañantes cambien el acorde Y NOSOTROS MANTENER LA NOTA DO CANTADA O EJECUTADA , ya que quedará bien, pues ambos llevan esta nota en su estructura.
El acorde DOMINANTE es aquél que lleva una distancia de 5° justa ascendente respecto al de tónica (ej: acorde de Do es tónica, por lo que, acorde de SOL, es dominante). Este acorde dominante, en este caso, se forma con sol-si-re como
notas estrcucturales y funcionan auditicamente muy bien con la tónica del acorde DO. En el caso de canciones pop o rock, es muy frecuente encontrar estos enlaces
armónicos, ya que quedan muy bien desde el oído del que escucha. La canción "La Bamba",por ejemplo, lleva en sus enlaces armónicos, I (tónica), IV (subdominante) y V (dominante), IV, permanentemente en toda la extensión de la canción.
Los enlaces armónicos más difundidos en lo popular, son I-V-IV-VI-II, pero actualmente cualquier enlace es bien visto y aceptado por el público, que ha ampliado su oreja para escuchar cosas nuevasy un tanto mas exóticas???????????.
6. ¿Qué es una melodía?
Es aquella formada por ordenamientos de notas, de acuerdo al criterio del compositor y obedecen generalmente a patrones que se vinculan con la armonía o acompañamiento de la misma.
Dijimos otras veces que podemos componer melodías en base a acordes pre
establecidos. Aquí, haremos ese intento, qué te parece?
Te doy como pauta el enlace armónico de I grado , o tónica, IV grado o
subdominante y V grado, o dominante, como estructura a seguir para componer tu
melodía. Esta podría ser entonces: DoMayor como tónica (do-mi- sol), FA MAYOR
como subdominante (fa-la-do) y SOL MAYOR como dominante (sol-si-re).
Supongamos que tus amonías comienzen utilizando notas del acorde de DO
MAYOR. Tu melodía debiera tener en alguna de sus partes las notas do-mi-sol, para que "armonicen" con la estructura del acompañamiento, en alguno de sus
momentos. Luego, cuando pasa el acorde de la base armónica a la subdominante (Fa-la-do, en este caso), la canción debe "pasearse" por alguna de estas notas. Así, tus armonias tendrán un sentido melódico y armónico al mismo tiempo, quedando auditivamente agradables a tus oídos y a los del oyente.
Cuando tu melodía es sencilla de cantar, es más fácil de recordar y si tenés suerte de conseguir un buen arreglador o armonizador, podrás darle un entorno sonoro muy interesante a tus canciones. Mi consejo siempre, es que estudies música, ya que este curso puede resultarte escaso en cuanto a ejemplos auditivos. Ojalá te incentive para animarte a entrar en este mundo mágico del arte mismo...
En cuanto a la interválica, de la que hemos hablado en otros capítulos, conviene que sea "cercana", es decir, que no tenga "saltos" en grandes distancias de otras notas. Es preferible que estén cerca las notas a cantar o a ejecutar para que la
memoria del oyente se sensibilize y recuerde tu canción, sobre todo, en los
estribillos y pueda entonarla, aún cuando no la escuche! ¿La seguimos la próxima? ¡Bay!
7. La melodía
En la melodía podemos distinguir dos grandes partes, que son la estrofa y el estribillo (siempre y cuando, hablemos de música popular). Estas tienen
diferenciaciones importantes, ya que, generlamente el estribillo es más
"pegadizo" que la estrofa y es lo que nos hace recordar la canción en su totalidad. Si vas a componer una canción para ser cantada, es importante que conozcas que hay voces femeninas agudas (sopranos), semi agudas (mezzo sopranos) y graves (contraaltos). En cuanto a las masculinas, las voces agudas son tenores, las semigraves, barítonos y las más graves, bajos.
Cuando una melodía no puede ser cantada por el cantante estamos en problemas, pero son solucionables. Utilizamos lo que se llama transporte. LLevamos la misma
melodía hacia tonalidades más graves o más agudas, de acuerdo a la necesidad
del cantante.
Hoy en día, lo teclados, tienen ésta función dentro de sus posibilidaes y es cuestión de ir a "transpose" e ir al signo + para "subir" la melodía, o al - para "bajarla" de registro, tocando incluso la melodía en la misma tonalidad en que la compusiste , aunque debes saber que si "subis", estás tocando en un tono, pero en la realidad física, estás más agudo de lo que tocas. Ej: si subis al número 2 en transpose, significa que de la nota do, estás subiendo dos semitonos, por lo tanto, estás en la tonalidad de re mayor, en vez de la de do. Tocás en DO, pero estás en re, se
comprende???????
Sé que si esto no se escucha, es difícil interpretarlo, pero bueno, hago lo que puedo y te lo quiero regalar para que lo sepas, lo aprendas y lo apliques en tus
composiciones... No abandones el curso, que tengo más para contarte aún...
8. Fraseos melódicos y transporte
Son una parte del lenguaje musical que dan sentido a una parte del fragmento que escuchas o tocas. En la música clásica, si mira una partitura, verás unos signos
o líneas largas o cortas que son curvos por encima de las notas. Estos indican el fraseo melódico.
Así como en el lenguaje hablado tenemos "formas" o maneras de expresarnos, la música también tiene lo suyo al respecto. Estos fraseos indican al oyente que algo melódico comienza y que tiene una resolución también melódica.
Cualquier fraseo puede llamarse "pregunta", por lo que tiene entonces una "respuesta" melódica o rítmica solamente. Si palmeás un ritmo tuyo, inventado, y
algún amigo te "responde" de manera coherente pero distinta a ese ritmo que vos expresaste, estamos hablando de "pregunta y respuesta rítmica o melódica". Vos preguntas y él, responde.
En tus canciones es importante que tengas esto en cuenta ya que a más fraseos,
más difícil de aprender es la canción aunque, paradójicamente, es más rica en su
composición y en su valor estético.
Las frases pueden mantenerse en su ritmo, aunque tu melodía cambie. Es el caso de Bach, cuando realiza "progresiones", es decir, cuando modifica las notas, pero
mantiene su ritmo. Esto es muy interesante al oído del que te escucha. Tus frases pueden estar a distancia de 4° o 5° justa respecto a la tónica, ascendente o descendente, te lo digo como propuesta didáctica para que
empieces a hacer algo ya. ¡No olvides releer tus capítulos anteriores, donde te explico con detalle estas herramientas!
Suponete que tu melodía es do-mi-do-sol. Podés "transportarla" luego, a sol-si-sol-do. ¿Por qué? Porque mantenés los mismos intervalos en el acorde de Do como en el de sol ( que en este caso, es el quinto grado del acorde de do.
¿Te acordas de eso?) No te saltees ni un solo paso de todo lo que te informo pues, podés quedar en el camino y la idea es que en pocas clases, aprendas a componer melodías sencillas.
Solo vos podés determinar cuál elemento vas a destacar: o muchos fraseos distintos o fraseos similares repetidos, incluso, en otras notas de la escala que estés
utilizando.
Ultimamente en la radio, se escuchan cosas melódicas aburridas y por citarte compositores creativos en el rock, no dudo en mencionarte a Charly García , León Gieco, Spinetta en nuestro rock nacional , pero en lo internacional , creo que debés escuchar Styx, U2, Inxs, Lionel Richie, James Taylor, Deep Purple (Mujer de Tokio y
La próxima, continuaremos aprendiendo más de esta belleza que es poder componer... ¡no te eches atrás!
9. Figuras musicales
Son aquellas que determinan ritmos determinados y conforman la duración de los mismos.
Es típico escuchar en al ambiente musical el tema del "PULSO". Este, está
determinado por la figura de la negra, que dura un tiempo musical (que no tiene que ver con los minutos ni segundos físicos), sino que lo pre - determina la VELOCIDAD de la canción (canción más rápida, pulso más rápido). Si haces
una canción lenta, tu pulso será lento y desde él, armáras la composición rítmica de tu tema (lo veremos más adelante).
Se llama pulso al ritmo que representa una determinada velocidad en una
canción. Se representa con la figura de la negra casi siempre, y desde ella,
determinamos las duraciones y otros valores rítmicos de nuestra composición. Esta negra puede ser más rápida o más lenta, depende del estilo de tu melodía. En el
caso del bolero, la negra es lenta; si hablamos de rock o disco, la negra, SERÁ MÁS RÁPIDA. QUIERE DECIR, QUE ESTO ES RELATIVO al estilo de música que hagas. Otra figura más pequeña que la negra, matemáticamente hablando, es la
corchea. Cada una de ellas vale medio tiempo (la mitad de la negra), generalmente
se escriben de a dos y podemos recordar su ritmo, con la palabra "CO-RRO" acentuando la primera de esas corcheas "có-rro"
acentuando la primera de esas corcheas "có-rro" . Se unen con una línea en la
parte superior o inferior en pentagrama, depende el caso.
La Semicorchea, en cambio, vale 1/4 tiempo. Quiere decir que en un tiempo,
entran 4 de estas figuras. Recordar su ritmo con la palabra "RÁ-PI-DI-TO" será suficiente para que inventes algo con ésta figura tan interesante, acentuando
también la primer semicorchea. La propaganda de "la gotita", ¿recordas?: "Ló que la
gotíta pega, nada, nada lp despega" está conformada por semicorcheas. Creo
que aquí tenes un ejemplo práctico de la semicorchea y de su uso práctico.
La blanca, dura dos tiempos y a diferencia de la negra, no se pinta por dentro. En
su grafismo. Equivale a dos negras en cuanto a su duración. Es una figura
doblemente más larga que la del pulso, entonces y se utiliza en partes más lentas de una melódía.
Cualquier silencio que aparezca en tus canciones, implica una pausa sonora de la melodía. Las figuras musicales tienen todas un silencio respectivo, que dura lo
mismo que la figura que representa. En el caso de la negra, esa pausa, será de un
tiempo; en la blanca, de dos, en la redonda, de cuatro, etc. Durante un silencio
de cualquier figura, debe respetarse sin melodía la cantidad de pulsos respectivos a esa figura. (En silencio de redonda, debemos contar "para adentro" 4 pulsos sin ejecutar sonidos)
10. Nociones rítmicas básicas
Antes que nada quiero advertirte que el ritmo es la base o esqueleto de cualquier
canción, por lo cual, podés crear muchos de ellos, distintos, sin necesidad de
melodías (es lo que hace una batería, por ejemplo). Sobre estos ritmos podés
"construir" tu canción (o crear simplemente una base rítmica como
acompañamiento). El ritmo en sí, tiene vida propia.
En historia de la música se dice que el hombre comenzó a comunicarse a través de ritmos. Había uno para cada situación y era comprendido como un código auditivo: invitación a ritos tribales, disgusto, pena, alegría, fiesta, guerra, etc, y se ejecutaban sobre troncos de árboles huecos, tambores primitivos, y demás objetos. La melodía aparece después, a través del soplido de cañas huecas, cuernos de animales,
soplido en plantas envainadas, etc.
Existen infinitos ritmos, pero aquí quiero dejarte la estructura básica de ellos. El
pulso es un tipo de ritmo, que tiene frecuencia de velocidad idéntica entre
un primer golpe y el que le sigue (se dice que es el "corazón " de la canción, nunca se detiene en las pausas de las mismas). Lo marco con un objeto, instrumento, o alguna parte del cuerpo, (por ejemplo). En la orquesta, algunos músicos, suelen mover un pié mientras tocan, para no "apurar" la velocidad.
El verdadero músico, el de años de carrera, debe tener interiorizada esta noción,
por lo que no marca con nada mientras toca. Lo siente por dentro y jamás se acelera, ni siquiera, en lo silencios.
El Eco: Tipo de ritmo que se ejecuta o canta en forma idéntica a otro, hecho antes. Puede ser rítmico o melódico, ejecutarse en uno o varios instrumentos (uno
primero y el otro, después). Es lo que ocurre cuando vas a la montaña. Decís una palabra y segundos después, escuchás tu propia voz con el eco y tu palabra
completa. ¡Pero ojo! Si en la montaña aún estás hablando y ya escuchás tu voz, no es eco, es reverberación. Se diferencian en la distancia entre el que emite el sonido y la pared que lo hace rebotar.
El Ostinato: Tipo de ECO que se ejecuta generalmente en partes de una
canción, sobre todo, en aquellas en las que aparecen pausas melódicas o rítmicas.
Es lo típico que ocurre en las canchas de fútbol. El hincha, sin saberlo, siempre hace ostinatos con bombos, tambores, palmas, etc. A veces usa fragmentos melódicos de mucha rítmica hablada y entre estos fragmentos, "coloca" el obstinato.
Un ejemplo, es la canción "Manuelita" de M. E. Walsh: en la parte que canta
"Manuelita.... Manuelita.... Manuelita a donde vas", en los puntos suspensivos, suele hacerse un ostinato, que siempre es el mismo ritmo. Este se pauta entre las partes que intervienen (músicos, hinchas de fútbol, etc) sin dialogar, solo se escuchan, se agregan y repiten lo mismo todos juntos. ¿Se te ocurre algún otro ejemplo? Te darás cuenta que lo rítmico es parte de tu vida, ya desde el vientre de tu madre, donde el pulso del corazón latía mientras eras un ser diminuto.
En cuanto a la composición, podés tener tu "esqueleto rítmico" y sobre él, hacer tu canción. Si no sabés música, podés grabar lo que componés y llevárselo a un músico para que te lo "traduzca" en figuras musicales, como también para que lo "traspase" a pentagrama si es que ya tenés tu melodía compuesta.
11. Modos de acompañamiento
El acompañar una melodía, significa que cada parte posee un rol específico en
la obra. La melodía, ejerce un papel primordial, y el acompañamiento, es la
famosa "base" de la que muchos músicos hablan por ahi. A mi entender, el acompañamiento, es más que una base, es toda la estructura armónica que conlleva la obra y que "sigue" a la melodía en distintas estructuras sonoras.
A veces, el mismo se da en la mano izquierda (casi siempre) y en otras, en la derecha (si hablamos del piano, claro) (en música clásica, es tipíco escuchar obras de Bach, con estas características donde el acompañamiento es llevado por la parte aguda y en los bajos, se destaca la melodía con el acompañamiento en la parter superior. Esto ocurre generalmente en obras barrocas hechas para clavicordio, clavecin o clavicémbalo, cuando aún el pianoforte no existía)
Cuando una melodía no tiene acompañamiento, se dice que ésta, es "a capella",
cosa que ocurría con el canto gregoriano de la música religiosa de los primeros siglos del cristianismo: solo la voz ejecutaba una línea melódica, lisa y llana. Más adelante, cuando aparece la polifonía (o varias voces), se agrega a esta
canción, una estructura armónica de instrumentos precarios, que siguen la
línea de la canción desde un segundo plano.
En la orquesta de cámara (aquella formada por pocos instrumentos), la melodía la conlleva el agudo como también el bajo de manera indistinta, y es muy interesante escucharlo, porque se aprende mucho solo con la audición de las obras.
Te invito al próximo capítulo donde veremos cómo involucrar éstos conocimeintos, a tus composiciones, ¿dale? ¡te espero!
Grey
12. Estructura final de tu canción
Entonces, en este punto, creo que tenemos elementos suficientes como para "armar" algo con tus ideas melódias o
"armar" algo con tus ideas melódias o armónicas. A lo mejor sos un músico que
"zapa" con acordes. A lo mejor, sos de aquellos que hacen melodías en forma constante, sin armonías que te "sigan" (¿blusero, tal vez?). Cualquiera de las dos maneras, pueden llevarte a una composición completa, si tenés en cuenta todo lo hablado.
Si abordamos lo tuyo desde la melodía, te recuerdo que ella será la "patrona"
para que " tus canciones armonicen", no olvidar lo hablado de las notas y la relación de éstas con los acordes (I-V-IV u otra relación que vos establezcas desde la tónica o nota fudamental ), diferenciar "nota"( un solo sonido) de "acorde" (tres o más
notas simultáneas, para mano derecha en piano, por ejemplo ), recordá que acorde
generalmente lo hace un instrumento melódico como el piano o la guitarra, que puede acompañarte
puede acompañarte, ya que pueden ejecutar varias notas juntas y que "melodía"
es aquello que podemos cantar, a una sola voz, con o sin acompañamiento (también una trompeta, flauta traversa, saxo, clarinete, trombón, pueden hacer melodía, como la voz humana)
La melodía tiene vida propia ya que la conforma, en primer lugar, un ritmo determinado y una entidad propia.
El acorde acompaña siempre, esa es su función.
El ritmo da diferenciación y estilo a lo compuesto, una claridad estructural al "todo" de lo que hiciste.
De las notas depende mucho la facilidad de recordar tu canción (a intervalos más
sencillos, más rápido se recuerda la melodía).
Las notas deben tener una distancia equilibrada (ni mucha ni poca en cuanto a tonos, semitonos y a inteválica), para ser "recordada" por el oído del oyente, que siempre va a preferir algo "fácil", ya que pronto podrá cantarlo y transmitirlo a otros, quizá esto te haría famoso
De la armonía depende la "originalidad" creativa de tu obra, y a través de ella saltan tus conocimientos musicales , tu profesionalidad como músico . A veces
hay melodías sencillas pero bien armonizadas, que pegan en los oídos, y suelen ser recordadas por décadas...mirá Los Beatles
Los fraseos van a darle al que escucha una idea de lo que queres transmitir. De fraseos pegadizos, resultan melodías gloriosas.
canciones,con padres y abuelos músicos.
Espero haberte sido de ayuda y hasta pronto, hasta cuando quieras. Greyssy
