Tema 2. El Barroco: urbanismo y arquitectura. Escultura y pintura
barrocas.
El paso del Renacimiento al Barroco significa el paso de lo claramente delimitado, lineal o plástico a lo menos delimitada, incluso a veces completamente borroso; de la forma cerrada a la forma abierta, de la claridad absoluta a la claridad relativa, de lo estático a lo dinámico. El Barroco es el movimiento, lo profuso. La arquitectura, pintura y escultura se funden en una verdadera simbiosis de artes hasta el punto de que el ojo humano no sabe distinguir donde empieza uno y termina el otro.
Sin embargo, el barroco no progresará técnicamente en ninguna de las artes. En arquitectura, se mantiene el esquema del siglo anterior: columnas con basa, capitel, entablamento o arco. En pintura se siguen representando las figuras con fingimiento de realidad al que contribuye la perspectiva lineal, la aérea, o el claroscuro. En escultura se siguen los principios figurativos anteriores y los mismos materiales, mármol y bronce especialmente.
Frente al reposo, medida, cálculo, orden propios del Renacimiento, el Barroco será movimiento, gusto por el efecto y los contrastes, por lo escenográfico y teatral. Estos aspectos se manifestarán en todas las artes.
En esta presentación tienes un buen resumen de lo que es y lo que significa el arte Barroco:
Arte Del Barroco
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1. Introducción
Se entiende por Barroco el arte surgido en Italia a finales del siglo XVI y que se extenderá por Europa a lo largo del XVII e incluso en los primeros años del XVIII, con un criterio propio y realizaciones diferentes según los países.
El barroco nace en Italia, en Roma, impulsado por los Papas, con el objetivo de manifestar la veracidad, validez y grandeza de la Iglesia y de sus tesis a través de las creaciones artísticas, sin embargo su difusión por Europa hace que el movimiento se diversifique y podamos diferenciar tres modelos de barroco según el área geográfica donde se desarrolle:
El Barroco de la Contrarreforma: Extendido por los dominios de los Hagsburgo, Italia y España, cuyas temáticas coinciden con la finalidad de comunicar exaltadamente los postulados del Concilio de Trento.
El Barroco del Absolutismo: Desarrollado en Francia y a partir de la entrada de los Borbones en España, de carácter más clásico, con una finalidad de actuar como argumento convincente del poder real.
El Barroco protestante: Desarrollado en los Países Bajos y Holanda, dirigido a una clientela de carácter burgués, con una predilección por los temas costumbristas, naturalezas muertas, interiores y paisajes.
Con todo, básicamente podemos dividirlo en dos ámbitos: en uno predomina el espíritu del raciocinio y la abstracción, la sobriedad propia del ámbito dominado por protestantismo y en el otro, en el ámbito dominado por la Iglesia de Trento, se despliegan la imaginación, la sensualidad, el dinamismo y la riqueza.
1.1. Contexto histórico
Arte barroco. Contexto histórico e ideológico
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El arte Barroco surge como manifestación del poder absolutista y también del poder de la Iglesia, lo cual se va a incrementar con el desarrollo del movimiento de la Contrarreforma, cuyo fin inmediato es exaltar la fe y la jerarquía eclesiástica. Las nuevas órdenes religiosas se convierten en portavoces de estas ideas. Se canonizan nuevos santos con lo que surgen nuevos temas.
1.2. Características del arte Barroco
Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento, la energía y la tensión. Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva. El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco -manifestado en las representaciones realistas de la piel y las ropas- hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
Tenemos que dejar claro que fue el arte italiano el que dio respuesta inicial a estos nuevos planteamientos ideológicos, ya que su condición de principal escuela creadora de la etapa anterior (renacentista) y su vinculación histórica y geográfica al Papado, le convertían en el más preparado e idóneo receptor estético de las exigencias contrarreformistas. Asimismo, el deseo de convertir Roma en el símbolo del triunfo de la Iglesia Católica, también fue una de las causas del origen italiano de este estilo artístico.
Así nació y se desarrolló el Barroco en Italia, manteniendo su vigencia hasta bien entrado el siglo XVIII. Otros países europeos recibieron al nuevo estilo con distinto grado de aceptación, adaptándose a sus respectivas situaciones y peculiaridades (escuelas nacionales). De esta forma, en Francia, encontramos el aspecto más clásico y racional del Barroco, para ensalzar a la monarquía y para mostrar la pujanza económica del país. Flandes, de la mano de Rubens, encontró en el nuevo estilo la posibilidad de exaltar tanto el poder político como el religioso. La protestante Holanda vio en su acercamiento a la realidad concreta un camino para reflejar su forma de vida burguesa. La zona centroeuropea, alejada durante buena parte del siglo XVII de la creación artística como consecuencia de la guerra y la crisis económica, lo utilizó, aunque tardíamente, para expresar con extraordinaria intensidad sus sentimientos religiosos. En Inglaterra, el Barroco tuvo una menor aceptación, ya que este país permanecía muy anclado en su tradición a causa del aislamiento exterior. En España, los reyes de la casa de Austria fueron los herederos del ambiente del Concilio de Trento, y a pesar de la precaria situación económica, se llevaron a cabo las intenciones de prestigiar a la Iglesia Católica y a la monarquía.
Una vez leídos los contenidos anteriores, indica si las siguientes afirmaciones son verdaderas o falsas:
El arte Barroco nació en Italia Verdadero Falso
Una de las características de la pintura y escultura barrocas es la insinuación de enormes espacios Verdadero Falso
El arte Barroco fue un arte al servicio de la Reforma protestante Verdadero Falso
El Barroco holandés estuvo al servico de la nobleza y del poder absoluto de los monarcas. Verdadero Falso
2. Urbanismo y arquitectura
Para tener una idea general del urbanismo y la arquitectura barrocos te proponemos que veas la siguiente presentación:
ARQUITECTURA Y URBANISMO BARROCO
2.1. Características generales del urbanismo
La ciudad del Barroco es la imagen del poder del gobernante y su importancia se mide por el tamaño y el número de habitantes. Tiene diversidad de centros articulados por plazas amplias. Éstas son uno de los más importantes elementos del urbanismo barroco: embellecen la ciudad, son punto de referencia para el trazado de calles, son un reflejo simbólico del poder civil o religioso (como la Plaza de San Pedro), son, a su vez, escenarios de fiestas y representaciones sociales y teatrales. Se suelen articular en torno a un edificio principal, normalmente una Iglesia o un Palacio, para resaltar su importancia. Destaca, en este aspecto, las reforma urbanísticas de Roma durante el papado de Sixto V (arquitecto: Fontana).
La principal característica de la arquitectura barroca es la nueva concepción del espacio, consecuencia de la influencia contrarreformista. Se va a exigir de la arquitectura su vinculación al espectador mediante la persuasión y la participación. Aparece un nuevo concepto de ciudad como símbolo religioso que debe también persuadir al fiel de la supremacía indiscutible de la Iglesia, además el ordenamiento urbano refleja la estructura social del absolutismo. Las perspectivas monumentales dan una amplitud indefinida a la imagen del poder, y permiten los desfiles militares y civiles y las masivas manifestaciones rituales religiosas. Las plazas se convierten en centros de referencia urbano, dominadas por un edificio principal (una iglesia, un palacio), serán decoradas con fuentes, obeliscos, estatuas y planificadas urbanísticamente para crear perspectivas impresionantes
Desaparece así la individualidad plástica de los edificios en favor de un conjunto superior: la ciudad como espectáculo, bien fuera espectáculo religioso (Roma), político (París) o ambas cosas en simbiosis (manifestaciones artísticas hispanas).
Las fachadas de los edificios se van a concebir en función del espacio que le rodea, se construye en función de la plaza, de la calle o del paisaje que se sitúa.
Desaparecen las formas geométricas, definidas en el Renacimiento para dar paso a la riqueza decorativa y a la variación óptica, conseguida esta última mediante la utilización de la luz que al incidir sobre superficies dinámicas altera su aspecto. Se convierte así la arquitectura barroca en aparente, abierta y expresiva. De nuevo la sensación viene a suplir a la razón.
2.2. Características generales de la arquitectura barroca
Para iniciar el estudio de la arquitectura barroca te proponemos las siguientes presentaciones:
Arquitectura Barroca Europea
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Arquitectura Barroca Italiana
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Características de la arquitectura barroca
El Barroco se inicia en Roma, alrededor de los Papas como grandes mecenas. La Arquitectura prevalece sobre cualquier otra manifestación artística, y escultura y pintura colaboran en el efecto plástico del conjunto.
Frente a la belleza, armonía y equilibrio que se buscaba en el Renacimiento, en el siglo XVII quieren asombrar con la grandiosidad y el lujo, y expresar dinamismo y apasionamiento. Es una arquitectura llena de contrastes, ya sean cromáticos (se utilizan distintos materiales: ladrillo, piedra, mármol, bronce,...) o lumínicos (alternando zonas oscuras con otras fuertemente iluminadas). Pero sobre todo predomina el interés por el movimiento, en plantas, alzados, o en los propios elementos aislados (columnas, estípites, frontones, etc.).
Las plantas típicas del Barroco pierden ahora sus formas tradicionales del Renacimiento (cuadradas y circulares) y se hacen más complejas. Aunque se imite el modelo jesuítico, aparecen plantas de muy diversas formas: ovales, elípticas, mixtilíneas, etc.
Las formas abandonan las líneas rectas y superficies planas por las ondulantes. Los muros se quiebran y ondulan, se rompen frontones y entablamentos y se describen curvas, espirales, etc. Es el momento del apogeo de lo curvo, de los constantes entrantes y salientes en las fachadas. Incluso las columnas ondulan su fuste (columna salomónica). Las reglas que seguía la arquitectura en el Renacimiento, desaparecen. En la fachada se mantiene la división en plantas, pero la parte central se suele organizar verticalmente marcando el espacio central-vertical sobre el horizontal. Ese espacio, definido claramente a la vista, concentra la ornamentación principal del edificio. En las fachadas, por el gusto por el movimiento, los muros dejan de ser rectilíneos y de cruzarse en ángulos rectos, se ondulan. Son fachadas donde se muestra el dinamismo, el movimiento, los contrastes lumínicos (entrantes y salientes) y cromáticos, etc.
La luz es muy importante para el arquitecto barroco. Los materiales serán importantes para conseguir los efectos lumínicos apetecidos por el artista. La luz se concentrará en unas zonas, mientras otras se dejarán oscuras.
La decoración jugará un papel destacadísimo en la nueva estética. Dentro de un proceso general de enriquecimiento decorativo y progresivo hasta llegar al recargamiento, conserva los temas vegetales corrientes del arte clásico-Renacimiento, advirtiéndose desde mediados del siglo XVII la tendencia a un tipo cada vez más naturalista. Así, la decoración ocupa todos los lugares, enmascara muros, etc. Los órdenes arquitectónicos se complican (de los órdenes clásicos, el más utilizado es el corintio -que tenía más motivos decorativos- y el orden compuesto romano). Los elementos decorativos ayudan a crear efectos ilusorios, teatrales, tan del gusto de la época. También, en los interiores de las iglesias existe una exuberante decoración: en la cubierta, por ejemplo, el artista barroco se esfuerza porque el cielo invada el interior del templo. Las bóvedas se cubren de pinturas que desarrollan escenas imaginarias, celestiales (celajes), etc.
Las construcciones principales del Barroco serán las religiosas (templos, iglesias, etc.). También destacan los palacios y el urbanismo. En cuanto al templo, el Concilio de Trento impuso una nueva liturgia religiosa que concedía importancia al sermón y a la Eucaristía ante la multitud de fieles. Para ello se requiere, en el marco de estas grandes ceremonias, una buena acústica y visibilidad. De ahí el modelo de iglesia que impone la Compañía de Jesús en Roma a partir del templo de Il Gesú, que será copiado por toda la Cristiandad: cruz latina tradicional; espacio unitario con circulación independiente por capillas laterales; gran cúpula central en el crucero; etc. Aunque este es el modelo más destacado, se dan otros muchos.
El palacio barroco: se rompe con el palacio-fortaleza renacentista y los edificios se abren por alguno de sus lados hacia patios, jardines, etc. Sus fachadas se hacen más dinámicas y sus salones principales resaltan por su abundante decoración. Es el edificio que manifiesta el poderío de la aristocracia ante el pueblo.
Aunque la evolución es paulatina, la proporción y equilibrio del vocabulario clásico se transforma, y un nuevo vigor parece reemplazar la razón por la sensación, articulándose las fachadas mediante recursos que potencian la verticalidad o nuevos ritmos (...) La pared adquiere una significación dinámica a través de un rico repertorio de formas cóncavoconvexas, consecuencia de planes circulares, ovales o mixtos, afirmando las cúpulas, que tienden a emanciparse de la planta, su papel preponderante tanto al interior como en el espacio urbano. El muro parece desaparecer mediante juegos ópticos, y los medios adoptados para lograr la interpenetración espacial son increíblemente variados e imaginativos, insistiendo la decoración ilusionista en la preocupación del Barroco por la continuidad del espacio, que se enfatiza en el uso del espejo con efectos arquitectónicos originando una superficie infinita (...) Característica esencial del espíritu barroco es la fusión de elementos plásticos con el espacio al servicio de una idea, y la luz (oculta, radiante o simbólica) favorece la ilusión alcanzando notable protagonismo.
R. CAMACHO: Barroco y Rococó: Arquitectura y urbanismo. En Historia del Arte. Vol 3. Alianza. Madrid 1997, pág 163
¿Qué se potencia en las fachadas barrocas? 1.
¿Cuál es el elemento preponderante en muchos de los edificios barrocos? 2.
¿Qué tipo de decoración ayuda en el arte Barroco a alterar el espacio arquitectónico? 3.
3. Principales arquitectos y obras barrocas
Título: Bernini
Licencia: dominio público
Título: Borromini
Licencia: dominio público
Tíutlo: Mansart
3.1. Carlo Maderno
Carlos MADERNO (1556-1620) es el autor más representativo de la transición del manierismo al barroco, trabaja principalmente para el Vaticano. Sus obras principales son, primero, la fachada de la Iglesia de Santa Susana, inspirada en la del Gesú; y, segundo, la sistematización de la basílica de San Pedro, en la que adopta la planta de cruz latina con capillas laterales, y a la que agrega una fachada con grandes columnas rematada en un frontón sobre la puerta y ático con balaustrada y estatuas.
3.2. Gian Lorenzo Bernini
BERNINI fue escultor, pintor, decorador, urbanista y arquitecto, y recibió una educación jesuita que sirvió para utilizar su obra como el reflejo ideal del poder de la Iglesia. Fue el principal artista y arquitecto del Papado. Utilizó los más ricos materiales y a él se le debe gran parte del aspecto monumental de la Roma de la época.
Entre sus obras más destacadas:
Baldaquino de San Pedro (un encargo de Urbano VII, donde usó las famosas columnas salomónicas –recuerdo del templo de Salomón-, ubicado sobre la tumba del apóstol)
Palacio Barberini (Bernini construyó el cuerpo central y dos alas que avanzan a ambos lados)
San Andrés del Quirinal (considerada como la obra maestra del autor. Tiene planta elíptica, en el exterior, el edificio está enmarcado por una pantalla mural cóncava de dos brazos, en cuyo centro surge un elegante pórtico convexo con entablamento curvo y volutas que sostienen el escudo de la familia papal)
Plaza de San Pedro del Vaticano (la gran columnata con que Bernini cerró la Plaza es espectacular y está concebida, simbólicamente, como un gran acceso a la Iglesia que se abre dinámicamente a la ciudad, que abraza a los peregrinos que acuden a la bendición papal del Urbi et Orbi.
3.3. Francesco Borromini
BORROMINI es otro de los grandes arquitectos del Barroco lleno de ideas nuevas que colaboró con Bernini y que realizó diversos trabajos para órdenes religiosas. No tuvo los medios de que dispuso el anterior y sus obras son más modestas y reducidas.
Su fantasía fue evidente: inventó las fachadas onduladas, los frisos y tímpanos curvos y serpenteantes, los frontones partidos y cúpulas y plantas muy extrañas.
Utilizó materiales más pobres que Bernini, como ladrillo y estuco, debido al menor poder económico de sus clientes, pero también buscando su ductilidad. Esto le permite mayor libertad y fantasía rompiendo con el sentido clásico de Bernini.
Título: Borromini
Autor: driggs18
Entre sus obras más destacadas: Sant'Ivo alla Sapienza
San Carlos de las Cuatro Fuentes (la fachada es muy original, con formas ondulantes y sinuosas que denotan movimiento) Santa Inés en Plaza Navona
Sant'Ivo alla Sapienza San Carlos de las Cuatro Fuentes San Carlos de las Cuatro Fuentes
3.4. Jules Hardouin Mansart
Para entender mejor la figura de Mansart te proponemos que eches un vistazo a la siguiente presentación:
Arquitectura Barroca Francesa
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El Barroco francés es un arte más cortesano que religioso. Los exteriores de los edificios presentan un carácter de clasicismo mientras que los interiores son muy decorados. Esto dará lugar al Rococó o estilo Luis XV. Las techumbres forman cuerpos prismáticos de gran altura en las que se abren los huecos de las buhardillas, llamadas "mansardas" porque se atribuyen a MANSARD. Los palacios tienden al horizontalismo mientras que las iglesias lo hacen al verticalismo mediante inmensas cúpulas.
El arte barroco francés puede definirse como clasicista, prefiere la claridad, el orden y la serenidad a lo recargado y lo retórico, la obra así resulta sobria y equilibrada.
En un primer período, hasta 1660, se desarrolla el denominado estilo Luis XIII, se mantiene la influencia italiana tanto en las construcciones religiosas, entre las que sobresale la Iglesia de Val de Grace (1645) obra de François Mansart (1598-1666), aunque acabada por Lemuet. En las obras civiles, sobresale el Palacio de Luxemburgo (1615) obra de Salomon Brosse (1571-1626), aunque los modelos italianos se abandonan progresivamente como se puede observar en la obra de Jacques Lemercier en el Palacio de París.
El carácter clasicista y oficial se acentúa durante el segundo periodo, que abarca hasta el primer decenio del siglo XVIII, denominado estilo Luís XIV, entonces se fundan las academias, en 1671, se fundó la Academia Real de Arquitectura, estas instituciones marcan las directrices a las que debe someterse la creación artística.
El palacio se convierte en el edificio más representativo del barroco francés, un edificio de grandes dimensiones, con una marcada horizontalidad, consta de una planta en forma de "U" hacia el jardín formando escuadra. Las fachadas se caracterizan por su severidad clásica, son uniformes y simétricas, con frecuencia en total desacuerdo con la distribución interior, sin embargo los salones interiores se llenan de ricos elementos ornamentales, con profusión de curvas.
En este periodo se finaliza la fachada oriental del Palacio del Louvre (1667-1670), en el que Claude Parrault (1613-1688) y Luis Le Vau (1612-1670), una obra clasicista, cuya planta baja es austera, de una gran solidez, con vanos de arcos rebajados, pero en el que sobresale la
planta superior con una gran columnata, formada por columnas pareadas de orden corintio, las secciones central y final sobresalen ligeramente y tiene aberturas en forma de arco y otros detalles como la ornamentación con medallones y guirnaldas de flores.. Toda la fachada es una unidad compleja enfocada hacia el centro para dar una impresión simple y poderosa muy al gusto de la arquitectura oficial francesa.
Siguiendo esta línea, Le Vau, Mansart y Le Notre, levantan el espléndido Palacio de Versalles, ensayando una perfecta integración entre el palacio y sus alrededores. En principio el palacio era un pabellón de caza levantando para Luis XIII en 1624, Le Vau remodela el edificio a partir de 1669, siguiendo el modelo que Bernini presentó para el Palacio del Louvre, la planta baja sólida, con almohadillado, la planta principal de gran altura, decorada con pilastras y columnas y la planta superior rematada con una balaustrada con estatuas. A partir de 1678 se hace cargo de las obras Jules Hardouin Mansart (1646-1708), este cerró la terraza central creando en el espacio interior la Galería de los Espejos (1678-1684) y acondicionó las dos alas laterales. El interior de la Galería decorado con espejos, pilastras de marmol rojo con capiteles y basas de bronce dorado y motivos decorativos barrocos, se cubre con una bóveda de cañón, decorada con estucos dorados y pinturas.
También es obra suya la Capilla de Versalles (1698-1710), de nave única y dos pisos, la superior para uso del rey y su séquito más cercano y la inferior para los cortesanos.
Además completan el conjunto numerosas construcciones accesorias como las caballerizas, la Gran Orangerie, los pequeños palacios como el Trianón u los pabellones de Marly. Contribuyen a los efectos decorativos de la arquitectura los magíificos jardines, diseñados en la década de los sesenta por Le Notré, en el que la naturaleza es sometida a la voluntad humana, con escalinatas, plazoletas, avenidas, fuentes, estanques y esculturas
Este palacio se convertirá en el modelo de mucho otros palacios europeos de fin de siglo.
Frente a esta exhuberancia de formas, la iglesia más importante de la arquitectura francesa del periodo, la Iglesia de los Inválidos (1671-1691) de J. H. Mansart, nos remite de nuevo a la relativa severidad de la contención clásica francesa. Con columnas pareadas en los dos pisos frontales (dóricas en la base y corintias en el cuerpo superior) y en el tambor de la cúpula, la planta de cruz griega con capillas circulares en las esquinas.
Respecto al urbanismo son dignas de mención las plazas, concebidas como núcleo organizador del tejido urbano, amplias y de traza geométrica, rodeadas de casas de igual estructura y altura, como la plaza de los Vosgos o Real (1605-1612) de planta cuadrangular con la estatua ecuestre de Enrique IV en el centro, la plaza del Delfín (1607) , la plaza de Vendòme (1699) de planta cuadrangular, la plaza de las Victorias (1685-1686) de planta circular, obras las dos de J.H. Mansart.
Hablar del Barroco francés es hablar del Palacio de Versalles. Aquí te ofrecemos un vídeo y dos presentaciones sobre él:
Título: Versalles
Versalles
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4. La escultura barroca
Título: La escultura barroca
Autor: artehistoriacom
Una vez que veas el vídeo sobre la escultura barroca, completa los espacios en blanco del siguiente texto:
La escultura barroca está caracterizada por la búsqueda del , el entre las diversas superficies a la hora de buscar efectos y la en la arquitectura para obtener intensidad . Abundará la escultura religiosa al servicio de la , pero también encontramos estatuas
, y escultura .
es el gran genio de este estilo y su de Santa Teresa su obra maestra, mostrándonos de manera exquisita la visión de la santa. La Ludovica Albertoni y la Fuente de los Ríos son otras de sus magníficas obras.
En la corte francesa encontramos una escultura adaptada a los dictados de la Academia, siguiendo las reglas e interpretándose de manera clara. Coysevaux y Girardon son los maestros más destacados.
La escultura española en el Barroco está centrada en lo , buscando el y el en las estatuas. La es el material más utilizado, empleando e incluso como cabello natural u ojos de cristal.
En el foco castellano destaca la figura de , autor que evoluciona desde el idealismo y la elegancia del manierismo hasta formas naturalistas y dolientes. En la escuela sevillana encontramos a Juan
4.1. Características generales
Barroco. Escultura
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Características de la escultura barroca:
Naturalismo: el artista no interpreta la naturaleza, sólo la copia.
Las figuras representan pasiones y sentimientos: el PATHOS. De los sentimiento se prefieren los de mayor exaltación. La figura humana aparece convertida en héroe. Cualquier tipo de persona aparece con su alma reflejada con gran nitidez. La importancia de los temas religiosos por el efecto sobrenatural de la ascética y la mística (Éxtasis de Santa Teresa de Bernini). Se tiende a la representación de los temas crueles y espantosos: martirios, sarcófagos con el cadáver tumefacto.
Movimiento espontáneo, como una explosión. Es el movimiento en el acto, no en la potencia como era en el Renacimiento. Grupos de figuras que dan entrada al paisaje, como en el helenismo.
Predominan las composiciones en diagonal, los escorzos, la asimetría. Ropajes muy movidos, de profundo claroscuro.
La figura se funde en el ambiente que la rodea para conseguir un efecto más real. Desarrollo del retrato: detallismo, sensación de realidad, psicología del personaje. Contraste entre Renacimiento y Barroco:
Renacimiento: simetría, plasticidad, naturalismo idealizado, movimiento, estatismo, retrato físico o de parecido, superficie tersa. Barroco: asimetría, pictoricismo, naturalismo pleno, movimiento en acto, retrato psicológico, superficie de calidades.
4.2. Principales escultores y obras barrocas
Escultura Barroca Italiana
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Además de Bernini, en Italia destacarán como escultores:
Maderna: Santa Cecilia muerta: parece que la figura se retuerce en el suelo ligeramente e incluso se aprecia la señal del degollamiento. Pietro Tacca: Tiene muchas estatuas ecuestres como la de Felipe IV en la plaza de Oriente de Madrid. Influirá mucho entre los pintores.
4.2.1. Gian Lorenzo Bernini
La escultura barroca italiana gira en torno a BERNINI, cuya influencia se extiende hasta el último tercio del siglo XVIII.
Su arte es naturalista, dinámico, con un sentido instantáneo y posee una técnica que trata de fundir la imagen con el ambiente. Valora las superficies, da carácter a la piel, matiza la anatomía, resalta la blandura de la carne, la forma de la pupila y, lo que es más importante, penetra en la intimidad de sus personajes. Domina todos los recursos de la técnica, reúne las distintas artes, etc.
Título: La escultura de Bernini
Autor: artehistoriacom
Mientras ves el vídeo sobre Bernini intenta rellenar los huecos del siguiente texto:
El genial Gianlorenzo Bernini se formó en el taller de su padre Pietro Bernini. Ya en sus primeras obras como la Cabra Amalthea, realizada hacia 1611, se pone de manifiesto su a la hora de trabajar el .
Entre 1618 y 1625 realiza cuatro excelentes obras para el cardenal Scipione Borghese en las que retoma las formas clásicas como se observa en el grupo de y , representando el en el que la ninfa se transforma en árbol mientras huye de Apolo.
La entronización en 1623 de su mecenas Maffeo Barberini como papa con el nombre de Urbano VIII permitirá a Bernini realizar una de sus obras más conocidas, el monumental sobre la tumba de San Pedro, ocupando el crucero de la basílica petrina con las cuatro columnas coronadas por el baldaquino de cuatro .
Ya en estos años iniciales de la década de 1620 empieza su labor como retratista que culminará en la década siguiente. El de Constanza Buonarelli, la mujer de su colaborador, por la que el maestro se siente atraído es una de sus mejores muestras, siendo quizá superado por el busto del cardenal Scipione Borghese, mostrando en ambos trabajos toda la del modelo. La pérdida del favor papal en 1644 le llevará a dedicarse a encargos particulares, trabajando desde 1647 en su obra maestra: el
para la capilla de la familia Cornaro en la iglesia de Santa Maria della Vittoria en Roma. Bernini toma un texto de la propia santa como fuente: "Un día se me apareció un ángel singularmente hermoso. En su mano vi una larga lanza, en cuyo extremo parecía haber una punta de fuego. Esta, así me pareció, me la clavó varias veces en el corazón, de forma que entró en mi interior. Tan real era el dolor que suspiré varias veces en voz alta".
En la misma línea destaca la Beata Ludovica Albertoni, una escultura de y en la que se expresa que su concepción escultórica sigue siendo al interesarse por los golpes de y la mórbida factura del mármol. Con Bernini la fuente urbana experimentará una nueva compenetración entre y como se desprende en la Fuente de los de la romana Piazza Navona, en cuyo basamento observamos las representaciones del , el
, el y el Río de la , los símbolos de los ríos de los cuatro continentes hasta el momento conocidos.
y la .
Entre sus obras más destacadas, tenemos:
Apolo y Dafne (obra de juventud que narra un hecho mitológico inspirado en Ovidio: momento en que Dafne se convierte en árbol al ser alcanzada y tocada por Apolo. Las líneas curvas descritas por los cuerpos y los ritmos diagonales dotan a la obra de dinamismo, de movimiento ascendente que se proyecta en el espacio)
El éxtasis de Santa Teresa (grupo escultórico donde los contrastes lumínicos, la tensión de las figuras y su expresividad, los profundos pliegues ondulantes de los ropajes que transmiten la sensación de dinamismo y movimiento y crean sombras, son sus características más destacadas)
Beata Ludovica Albertoni (donde refleja el punto culminante del "pathos": muestra la agonía ante la muerte)
David (donde muestra expresión de energía y movimiento captado en el momento de la acción. La figura se retuerce sobre sí misma sin estudiar al rival. El rostro se contrae en acción de fuerza)
Cátedra de San Pedro
Sepulcro de Urbano VIII (donde vemos la influencia de Miguel Ángel y donde infunde movimiento mediante el juego de colores y el claroscuro de los materiales (bronce y mármol) y los personajes que lo integran)
Busto del Cardenal Borghese (retrato comunicativo y abierto de gran naturalismo. Iris y pupila muy excavados con calidades perfectas. Será importante su labor como retratista donde el naturalismo barroco favorece su expansión).
Apolo y Dafne Éxtasis de Santa Teresa Beata Ludovica Albertoni David
Cátedra de San Pedro
Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter con el corazón algunas veces, y que me llegaba a las entrañas: al sacarle me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor, que me hacía dar aquellos quejidos, y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor, que no hay que desear que se quite, ni se contente el alma con menos que Dios. No es dolor corporal, sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aún harto. Es un requiebro tan suave, que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensar que miento.
Aquí tienes una magnífica y completísima presentación sobre el Bernini escultor:
Bernini Escultor
5. La pintura barroca
Para abrir boca con la pintura barroca aquí tienes esta completa presentación:
Pintura del Barroco
5.1. Características generales
Características generales de la pintura barroca:
Predominio del color sobre el dibujo: esto se aprecia en los grandes maestros como Velázquez y Rembrandt. El conjunto de la obra queda como algo vago e impreciso.
Profundidad continua hasta el punto que de la pintura parece tener tres dimensiones. En el siglo XVI ya había preocupación por la perspectiva pero entonces toda la atención se centraba en el primer plano; los demás, paralelos a éste, contenían escenas secundarias o de un paisaje.
En el siglo XVII esta sucesión de planos se rompe porque el cuadro se concibe como algo continuo, sin planos, al igual que la realidad, por ejemplo en la Avenida de Middleharnis de Hobbema.
Los procedimientos para obtener esta tercera dimensión pueden ser muchos: líneas convergentes, series de escorzos, un primer plano desmesurado (por tanto, cercano en contraste con el fondo), un primer término obscuro (lo que nos incita a buscar la luz más hacia dentro), juegos de luces (como la perspectiva aérea de Velázquez que alterna planos de luz y planos de sombra).
Hegemonía de la luz. En el Renacimiento la luz se subordinaba a la forma para definirnos mejor los contornos. En el Barroco es la forma la que se subordina y puede desvanecerse por la debilidad o intensidad del centelleo luminoso. La luz en correlación con la sombra, juegan un papel hasta ahora inéditos, especialmente en los primeros ensayos del estilo (tenebrismo).
Composición asimétrica. Se prefiere lo que demuestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá del marco.
Composición arquitectónica: se abandona la malla de horizontales y verticales del arte clásico (Virgen Muerta de Mantegna) y se utilizan líneas diagonales o formas partidas que no caben en todo el cuadro.
Movimiento: se consigue gracias a la composición arquitectónica, gracias a las diagonales, pero también con las figuras inestables, los escorzos, las ondulaciones, hasta los paisajes adquieren mediante las ramas retorcidas, los suelos con cuestas y hoyos.
Naturalismo. Se pinta lo que se ve. Por eso, es la gran época de la pintura de género, de los bodegones y del paisaje puro, sin figuras. Se valoran entre otros los temas costumbristas y también del retrato, no sólo en su vertiente física, sino también en la psicológica o moral.
Teatralidad: muy adecuada para temas religiosos, sobre todo los que se refieren a la ascética y a la mística, busca la mayor impresión posible.
Gran variedad de temas: religiosos, mitológicos, históricos, bodegones, paisajes.
Predominio de la pintura al óleo sobre el fresco que mantiene su valor decorativo. El cuadro al óleo mantiene su valor por sí mismo. El artista se individualiza e independiza del gremio. Ya no se pinta sólo por encargo. El artista pinta lo que quiere y él mismo vende sus cuadros. Se multiplica el coleccionismo y esto estaría en relación con el ascenso de una burguesía cada vez más rica.
Wolfflin ha señalado las características del barroco, oponiéndolas a las del Renacimiento, aunque algunas de las que se señalan ya se daban en la segunda mitad del siglo XVI. Estas características se reducen a cinco:
Lo pintoresco, en oposición a lo lineal. Es decir, la fusión de la figura con el ambiente. La profundidad.
La forma abierta, que rompe con la fuerza centrípeta y los contornos cerrados del Renacimiento. Unidad sólida de elementos, que se opone a la yuxtaposición o pluralidad de los mismos.
La confusión o difuminado barroco de las formas, contraponiéndose a la nitidez de los perfiles del Renacimiento.
En la primera mitad del siglo XVIII los temas se hacen más profanos, incluso los religiosos, se adopta un aire dulzón y risueño, aparece una luz difusa, como de neblina. Todo esto dará lugar al Rococó.
Si estás interesado/a en profundizar en una visión general de la pintura barroca europea, aquí tienes la siguiente presentación:
5.2. Principales pintores y obras barrocas
Caravaggio
Licencia: dominio público
Rubens
Licencia: dominio público
Rembrandt
5.2.1. La pintura italiana: Caravaggio
En Italia hay tres grandes escuelas de características muy distintas y de diversa aceptación, tanto popular como oficial (por parte de la Iglesia).
Escuela naturalista cuyo principal representante es Caravaggio.
Escuela de Bolonia o eclecticismo que no aporta nada nuevo caracterizándose por el clasicismo. Sus principales representantes son Annibale Carracci y Guido Reni.
Escuela decorativa: realizan grandes frescos para decorar bóvedas y cúpulas. Generalmente forman composiciones unitarias que continúan la tendencia a las perspectivas y arquitecturas fingidas. Tendrá una repercusión muy fuerte en España. Representantes de esta escuela son Pietro da Cortona, Luca Giordiano y Tiépolo.
Pintura Barroca en Italia
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CARAVAGGIO es el pintor más importante del naturalismo tenebrista. Rompe con el ideal de belleza renacentista. En su estilo, el realismo y los estudios lumínicos son una constante. Se inspira en el mundo que le rodea para componer sus lienzos: todo lo que ve, lo vulgar, las escenas y tipos populares, y ello sin el tamiz idealizador de los clásicos, lo que resulta algo escandaloso e irreverente. Realza las figuras y escenas por los efectos de luz, haciéndolas destacar sobre un fondo oscuro: la luz no se difunde suavemente, sino que surgiendo del lateral, cae crudamente sobre las escenas delimitando claramente las formas iluminadas. Es una luz violenta. Las escenas se simplifican y la importancia de las figuras se halla establecida en función de la luz. No se interesa por el espacio, no hay arquitectura. El espacio se conforma con el color, la luz y los efectos atmosféricos y no con la perspectiva. En sus rostros sí que muestra interés por realizar interesantes estudios psicológicos.
Entre sus obras, podemos citar:
Joven Baco enfermo (un autorretrato) La Buenaventura
San Mateo escribiendo (con una caracterización de los personajes muy realista y cruda; la composición es diagonal)
Vocación de San Mateo (el tenebrismo es ya claro, utiliza una luz cargada de simbolismo para iluminar a las figuras principales de la escena)
Crucifixión de San Pedro (donde aparecen figuras escorzadas, con efecto de luz poderoso y violento) Conversión de San Pablo (la Luz es el elemento que otorga ambiente místico y metafísico al tema) Cena en Meaux
Entierro de Cristo (escena de gran realismo y naturalidad con efectos lumínicos que resaltan sobre todo el dorado de la piel de Cristo casi desnudo. Es una composición diagonal)
Muerte de la Virgen (escena dramática de gran veracidad con personajes tomados de la calle: son todos modelos vulgares y la Virgen está tomada de un modelo de mujer ahogada en el Tíber, presentando el vientre hinchado con los pies desnudos y realmente muerta, situada sobre un camastro de tablas y paja nada lujoso. El centro lumínico y dramático es la Virgen sobre la que se proyecta una luz diagonal).
Título: Vocación de San Mateo de Caravaggio
Autor:artehistoriacom
Mientras ves el vídeo sobre Caravaggio completa el siguiente texto:
Mateo Contarelli, importante comerciante francés, compró para su gloria eterna la capilla Contarelli de la iglesia de San Luis de los Franceses en Roma con la intención de ser enterrado allí. Encargó un completo programa de pinturas y esculturas dedicadas al santo que le daba nombre: San Mateo. Caravaggio recibió el encargo para los dos óleos laterales, con la en la izquierda y el de San Mateo en la derecha. Más tarde, se le pediría también la pala de altar central, con y el . Frente a los lienzos que Caravaggio había venido realizando con una o dos figuras, la Vocación de San Mateo presenta , que han de organizarse coherentemente y en profundidad en un espacio que ya no puede ser eludido por el pintor en una suerte de fondo perdido en la . Sin embargo, Caravaggio no renunció en absoluto a sus recursos , y de nuevo la es la que da estructura y fija la del lienzo. Así, tras la figura de Cristo que acaba de penetrar en la taberna, brilla un potente . Esa luz rasga el espacio para ir a buscar a la sorprendida figura de Mateo, que se echa para atrás y se señala a sí mismo dudando que sea a él a quien el Salvador busca. El personaje de primer plano, de espaldas, también dirige su mirada hacia Cristo y su discípulo, al igual que el joven que está junto al futuro santo. Un compañero de Mateo, vestido como un
de la Roma que conocía tan bien Caravaggio, se obstina en no ver la llamada y cuenta con afán las monedas que acaban de recaudar. El anciano que se coloca entre Mateo y el contador tampoco recibe la llamada de Cristo y dirige su mirada hacia las monedas, interesándose por lo material y renunciando a lo espiritual. El de las , el empleo de tonalidades y los fuertes de luz y son las características que definen la pintura de Caravaggio, como se pone de manifiesto en ésta su obra maestra.
Muerte de la Virgen
Una completa presentación sobre Caravaggio es la siguiente:
Pintura Barroca. Caravaggio
5.2.2. La pintura flamenca: Rubens
Desde los primitivos flamencos esta escuela había perdido su originalidad a causa de la influencia italiana. Rubens volverá a darle todo su esplendor. El catolicismo mantiene vivos los temas religiosos, en oposición a Holanda, pero la escuela flamenca no destacará por la emoción religiosa sino por su optimismo, su carácter alegre, la preocupación por los aspectos placenteros de la vida. Son muy frecuentes los temas costumbristas: bodas, fiestas aldeanas, que enlazan los de Brueghel (Renacimiento). También hay preocupación por los bodegones donde intentar captar la calidad de los productos.
El tema más típico en Flandes es el bodegón (naturaleza muerta): frutas, manteles, vasos, objetos de metal, se recortan sobre un fondo obscuro. Después se añaden animales muertos con lo que la sensación de lujo palpable se capta a través de la rica diversidad de motivos.
Pintura Barroca Flamenca
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RUBENS será el principal exponente de la pintura flamenca en el Barroco. Sin embargo, es un pintor con claras reminiscencias italianas: tono clasicista en su pincel gracias a sus viajes constantes como diplomático a España e Italia.
Estas características definen su estilo:
a) Color: aprende de los venecianos como Tiziano.Utiliza el color cálido de gran intensidad y de pincelada amplia.
b) Movimiento: composiciones muy dinámicas (diagonales, ritmo curvo, ondulaciones...). Adquiere de Miguel Ángel la ampulosidad de la forma y la composición dramática. El paisaje que pinta parece que hierve, se retuercen los troncos, nubes y resplandores. c) Formas humanas gruesas: múltiples desnudos de formas redondeadas. La mujer es pintada con cuerpo de madre, de carnes blandas, de poca sensualidad. El hombre es pintado varonil, musculoso.
Título: Rubens, la eclosión del Barroco. Autor: artehistoriacom
Entre sus obras, destacan:
Adoración de los Magos (de un riquísimo colorido)
Descendimiento de la cruz (composición diagonal cuyo centro es el cuerpo desnudo de Cristo sobre la blanca sábana. Muy teatral, las figuras se retuercen)
Levantamiento de la cruz (también de composición diagonal. Resaltan los escorzos y el movimiento) Sagrada Familia
Rapto de las hijas de Leucipo
Las tres Gracias (hay un perfecto estudio del desnudo femenino con mujeres carnosas del gusto del pintor. Delicado ritmo y sensualidad en su danza sobre un paisaje idílico de serena placidez que sirve para dar profundidad)
Juicio de Paris Venus ante el espejo Autorretrato con Isabel Brandt Duque de Lerma
El Jardín del Amor (alegoría del amor conyugal y homenaje a Elena Fourment).
Adoración de los Magos Descendimiento de la Cruz Levantamiento de la Cruz El rapto de la hijas de Leucipo
Las Tres Gracias Juicio de Paris Venus ante el espejo Duque de Lerma
La pintura barroca europea. La escuela flamenca
5.3.3. La pintura holandesa: Rembrandt
Holanda es un país calvinista, comercial, auge de la burguesía
Su personalidad está determinada por el mar y la tierra llana en lucha constante, cielos nubosos que difuminan la luz. Holanda es el país del paisaje puro como tema de la pintura.
Por otra parte, el calvinismo ha modificado la mentalidad del pueblo: austeridad, predominio de lo civil, desaparición del mecenazgo de la iglesia. Predominio de una burguesía comerciante y marítima que quiere ver en los cuadros reflejado el bienestar de sus casas, el ambiente de sus calles y puertos. De ahí también el gusto por lo cotidiano.
Dominan el color en pinceladas sueltas pero destacan por su preocupación por la luz que en los exteriores es vibrante y en los interiores, al penetrar por las ventanas laterales, ritma el espacio en volúmenes acentuados por zonas de sombra dando una sensación de ambiente tenue que parece poner en unión al hombre con el ambiente en que vive.
También influye el sentido de nueva vida que se adquiere con la recién conseguida independencia después de la paz de Westfalia (1648). La influencia italiana es muy fuerte, sobre todo la de Caravaggio, aunque poco a poco se irá amoldando al propio carácter holandés. Presta especial interés a todos los temas, aún a los más nimios.
Se abandona el retrato individual por el colectivo al que convierten en estampa social. Rembrandt tiene retratos importantes (Síndicos pañeros) pero el verdadero representante es Frans Halls, que sabe captar el auténtico sentido holandés. Suele hacer retratos corporativos: Arcabuceros de San Jorge, Regentes del Hospicio de Santa Isabel, Regentes del Asilo de Ancianos. Tiente también retratos individuales como "la gitana".
En los temas de género es donde verdaderamente reside la personalidad social de Holanda. Hay diversas clases de género. Grotesco o aldeano, que proviene del Bosco y Brueghel. Hay más melancolía y menos bullicio que en Flandes.
Van Ostade: Concierto de campesinos: la luz parece ya impresionista.
Doméstico o de sociedad: también se llaman intimistas o de interiores. Son menos imaginativos pero mucho más minuciosos. Los personajes aumentan de tamaños aunque disminuyen en número.
Todo se difumina en una especie de neblina, de atmósfera real.
Autores holandeses destacados serán Vermeer de Delft y Pieter de Hooch.
Pintura Barroca Holandesa
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El autor más destacado de la escuela holandesa es REMBRANDT. Es considerado el máximo exponente de la pintura holandesa del siglo XVII. Fue un pintor muy prolífico, que desarrolló de manera especial el retrato, tanto individual como colectivo. Contrariamente a la tradición en Holanda, sí cultiva el tema religioso, contemplado con profunda emoción y respeto. Es un pintor de carácter espiritual ajeno al desarrollo general de la Escuela Holandesa. Es el maestro del color (aplicado en manchas gruesas) y la luz (es profunda y antinatural y dota a sus cuadros de un
halo de misterio. El espacio viene definido por la luz). Su pintura cambió con el tiempo y se hizo con sombras más intensas, con el color enrarecido y con un claroscuro que absorbe las figuras.
Título: Rembrandt, la soledad del genio
Autor: artehistoriacom
Entre sus obras cabe destacar:
Lección de anatomía del Dr. Tulp (retrato corporativo)
Ronda de noche (retrato colectivo para la Compañía de arcabuceros del Capitán Cocq) Los síndicos pañeros (donde penetra magníficamente en el carácter de los personajes)
Autorretratos (Realizó más de 100 autorretratos que documentan en imágenes su perfeccionamiento pictórico basado en la captación de la fuerza expresiva del rostro propio)
Descendimiento de la cruz Mujer bañándose Retrato de Saskia Paisaje tempestuoso Retrato de familia
Lección de anatomía Ronda de noche Los síndicos pañeros Autorrertrato
Ejercicio resuelto: Pintura Barroca
El objetivo de esta actividad es reconocer mediante el análisis de algunas obras, cómo en el estilo barroco en lo que respecta a la pintura, se expresa una serie de cambios estéticos y formales que configuran los rasgos más significativos del mismo, en especial la utilización de la luz. Para ello, te proponemos la comparación de las obras de dos artistas representativos:
Una de Caravaggio, pintor italiano que rompe la continuidad con el estilo anterior y centra su obra en un doble interés: el acercamiento a la realidad y la utilización del tenebrismo como recurso expresivo.
Una obra de Rembrandt, autor que representa el barroco burgués del norte de Europa y que destaca, además de por su propio genio un tanto singular en la escuela holandesa, por la utilización de la luz como medio expresivo.
El siglo XVII, en particular en los países católicos, buscaba un retorno a la espiritualidad como reacción al paso del intelectualismo durante el Renacimiento y el Manierismo, y como consecuencia de un hecho fundamental de la época: la Contrarreforma Católica que, iniciada tras el concilio de Trento, tendrá consecuencias importantes para el arte. En la Europa católica (Italia, España, Bélgica, Alemania del sur,...) el arte se convertirá de nuevo en el portavoz de la doctrina católica orientándose como en la edad media a la edificación moral del creyente. La Iglesia toma de nuevo la dirección del arte y proporciona los artistas las normas y tipos de representación que deberá servirnos de guía, como se aconseja en una de las conclusiones de Trento: el artista, con las imágenes y pinturas, no sólo instruye y confirma al pueblo recordándole los artículos de la fe, sino que además se le mueva a la gratitud ante el milagro y beneficios recibidos, ofreciéndole el ejemplo a seguir y, sobre todo, excitándole a adorar y a amar a Dios.
De acuerdo con ello, se reafirmó la pureza de la doctrina católica resaltando a través de las imágenes todas las verdades que el protestantismo negaba: de ahí la exaltación del culto las imágenes que tendrá su expresión en la multitud de esculturas de tema religioso y en la profusión de obras pictóricas cuyo contenido afiance la fe del creyente.
Los principios estéticos del barroco católico se revelan tanto en los nuevos temas (precisamente aquellos que la Reforma protestante había combatido: Inmaculada, obras de misericordia, martirios y éxtasis de santos...), como la interpretación de los que eran tradicionales. Lo bello son las virtudes de la Virgen, bello es el sacrificio de Cristo, los aspectos sufrientes de la Pasión, la vida del claustro..., aunque esto no quiere decir que junto a los temas religiosos no surja también la temática profana. Ahí pues, una mirada de este impulso espiritual aunque las condiciones de los países, sus peculiaridades, lo revisten de aspectos diferentes.
Así, por ejemplo, vamos a ver cómo la pintura de Caravaggio está asociada al espíritu ascético de la primera contrarreforma. En su obra consigue una concentración de la vida interior y busca aproximar al creyente al hecho religioso de forma natural tanto por los tipos humanos representados (sus santos son hombres de la calle) como por el tratamiento de los temas, casi como escenas cotidianas. Pero a medida que la Iglesia se afana sobre todo por persuadir al creyente mediante una predicación visual a través de las pinturas, triunfará cada vez más el valor comunicativo y externo de las mismas. Será Flandes el país que en esta línea espiritual alcanzará un gran desarrollo; sus particulares condiciones, al estar situado en la vanguardia de la lucha contra el protestantismo, le harán estar deseosos de conseguir la eficacia de la religión más que la interioridad religiosa. En este sentido, Rubens, con la espectacularidad que confiere a los temas, con su torrente de formas populosas, será la figura más representativa.
Veremos a través del análisis de "La vocación de San Mateo" como este pintor dota su obra de unos rasgos típicos (realismo y tenebrismo) que constituyen una novedad frente al período anterior repercutiendo posteriormente tanto en Italia como en otros países.
Caravaggio - La vocación de San Mateo
Licencia: dominio público
Análisis de la obra: el tema
configurarán rasgos distintivos dentro del fenómeno unitario del barroco. Nos fijaremos en el caso holandés, primer país donde la revolución burguesa triunfó y donde la burguesía hará prevalecer sus gustos y valores en un arte original.
La escuela artística unitaria que había florecido anteriormente en los Países Bajos, terminó dividiéndose en dos. La escisión, promovida por acontecimientos políticos religiosos y consolidada por la creación de la República holandesa, hizo que las provincias del sur (Flandes) se mantuvieron religiosamente fieles a Roma y políticamente sometidas a España mientras que Holanda se constituye como un estado burgués y protestante que experimentará el siglo XVII un resurgir económico extraordinario, basado sus posesiones coloniales del comercio marítimo, y del que es protagonista la burguesía capitalista.
El arte de la burguesía holandesa del siglo XVII desterró las imágenes religiosas del mundo de sus representaciones estéticas. La desaparición de la Iglesia como ente que reglamenta la concepción artística, la caída de prejuicios y convenciones religiosas, incompatibles con la mentalidad burguesa, y la ausencia de una imaginería devota determinaron la desaparición de los temas religiosos (Holanda no conocerá los temas barrocos del sur: triunfo de la Iglesia, vidas de los santos y glorificación de los príncipes). En medio de esto, se desarrollaron nuevos géneros sobre todo de temática laica. Estos cambios supusieron la desaparición del lienzo del altar y el surgimiento del cuadro de caballete, tela de pequeño tamaño que puede transportarse y venderse en un mercado, y cuyo lugar de destino era la casa del burgués y los edificios civiles.
El artista no trabajará como en la Europa católica para una clientela clerical y nobiliar, sino para una rica burguesía que impone sus valores y sus gustos. Lo auténticamente bello, lo digno de ser contemplado estéticamente es la vida tal y como la concibe idealmente el burgués a quien le gusta verse retratado en su vida cotidiana. La vida diaria las costumbres se convirtieron en los temas preferidos de la pintura holandesa del siglo XVII, en la que se desarrolla en multitud de géneros como el bodegón, el paisaje, el cuadro de costumbres o retrato, bien individual, bien colectivo.
Sus iglesias reformadas, de líneas desnudas y severas, están en consonancia con el puritanismo de una clase austera que ha hecho del trabajo lucrativo del ahorro su ideal de vida, constituyendo el contrapunto de la aparatosa decoración de las iglesias contrarreformistas católicas. El arte holandés del siglo XVII difiere notablemente del de la Europa del sur por su veracidad en la representación de los hechos de la realidad inmediata, donde se refleja ese sentido común que debe poseer el empresario que desea alcanzar el éxito en sus negocios y donde están ausentes las nobles actitudes y las decoraciones ostentosas que caracterizan el Barroco en los países de predominio católico.
Si en Flandes la personalidad pictórica más relevante era Rubens, en Holanda lo será Rembrandt. Este pintor no es un representante en sentido estricto de la escuela holandesa ya que su genio, su peculiaridad, trasciende la misma, pero su estilo posee muchos elementos típicos de dicha escuela. Su interés por el retrato, su pasión por la luz, a la que dará una interpretación muy personal, así como las dimensiones de la mayor parte de sus obras son propias de la pintura holandesa del XVII. Pero Rembrandt irá más allá, creando un lenguaje personal que llevará a sus últimas consecuencias la utilización de la luz para componer un cuadro, para hacer resaltar el tema consiguiendo captar los valores atmosféricos de lo representado.
Analizaremos una de las obras más famosas de este pintor: "La Ronda de noche".
Rembrandt - Ronda de Noche
Análisis de la obra
Título: La Ronda de Noche
Autor: artehistoriacom
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