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AGRADECIMINETO
La culminación de una formación profesional no termina con la aprobación de las materias, sino con una cedula profesional y un título que avala ante la ley que ahora se es un profesionista.
Esta etapa podrá ser para algunos larga y tortuosa o simplemente algo para lo que solo se requiera paciencia, sin importar el caso, uno nunca afronta esta etapa completamente solo.
Siempre se tendrá a alguien que acompañe ya sea con trabajo o solo con apoyo moral, a lo largo de esta travesía que es la titulación. Desde un padre que desea ver terminada esa etapa de estudiante de su hijo, un hermano menos que admire a su hermano por haber conseguido terminar la universidad, una pareja que alienta y acompaña esas noches de desvelo y frustración, una abuela que espera ver como la familia ha salido adelante sin importar su humilde origen. Un compañero de trabajo o incluso un jefe, que incentiven el crecimiento y formación profesional de todos los miembros de la empresa.
No importa si se tienen lasos sanguíneos o fraternos, esa persona que se encuentre en esos momentos donde, el fastidios, el cansancio y desvelos hacen querer abandonar, ayuda a sobreponernos y continuar.
Gracias, por estar hay ya sea físicamente o con el recuerdo de sus palabras que reconfortan y renuevan los ánimos para continuar.
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AGRADECIMIENTOS EN ESPECIAL.
Agradezco el apoyo de mis padres, ellos que han velan por mí, a lo largo de este camino que fue mi formación académica, hoy les puedo decir que soy un profesionista, un Ingeniero arquitecto. A mis hermanos, testigos de muchos desvelos y compañeros en alguno de ellos.
El tener a mi familia ha sido y será el apoyo más importante en mi vida. Gracias.
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AGRADECIMIENTOS EN ESPECIAL.
A mi esposa por su apoyo. A mis hija, mi inspiración.
A mis padres por su comprensión.
“A tu memoria Mamá Carmen”… Roberto
6 AGRADECIMIENTO EN ESPECIAL
Con agradecer no vasta, pero es lo menos que puedo hacer.
Gracias a 5 compañeros, quienes se arriesgaron conmigo en la travesía que es romper las reglas. Agradezco la confianza de dos compañeros con los que siempre quise trabajar. Agradezco a esa linda pareja que aunque no fuimos vendidos como la mejor opción de equipo se animaron a formar parte de él. Agradezco la enorme sorpresa que fue tener a un compañero con tanta experiencia.
Les estaré siempre agradecido a mis compañeros de equipo y la sorprenderte manera en la que trabajamos, los resultados obtenidos al final lo dicen todo.
Gracias por su esfuerzo, compañía y amistad.
Agradezco a mis padres y hermana, por su apoyo y siempre estar hay para escucharme. Y por último. Gracias a ti, porque desde que te conozco, toda mis perspectiva de mi vida ha cambiado, porque viniste a renovar sueños que había dejado a un lado. Siempre estaré agradecido por tenerte en mi vida… Noemí.
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Resumen
Por medio del seminario “Diseño de interiores” dirigido por el Ing. Arq. Oscar Anguiano Castro, se aborda una rama de la arquitectura que va dirigía al interior de los espacios arquitectónicos.
A lo largo del curso, se trabaja con el desarrollo de un diseño de interiores, fundamentado por un proceso creativo y conceptual, hasta llegar a ser presentado en un trabajo ejecutivo y una presentación del proyecto obtenido.
En el proceso conceptual se abordan los orígenes del diseño de interiores, las necesidades que este cubre y su evolución a lo largo de la historia. Se recalca la importancia de las bases conceptuales, siendo estas las que le dan el sustento a todo lo que se va a desarrollar, ya que sin estas todo no se tendría un contexto que le dará coherencia y sentido al implemento y desarrollo de todo lo diseñado en el proyecto.
Además de los fundamentos teóricos y conceptuales, se guía también en el desarrollo de, diseño y creación de la fabricación de inmobiliario, basado también en el concepto ya planteado, esto debido a la enorme importancia que tiene el mobiliario en los espacios habitados, ya que sin este, no se podrían desarrollar las tareas y actividades para las que el espacio arquitectónico está destinado.
El tener un fundamento conceptual, facilita el desarrollo del interiorismo, ya que esto acota y establece las necesidades a satisfacer. Al igual que se muestra que existe algo más que las necesidades materiales y espaciales, desarrollando una sensibilidad y empatía para lograr asimilar un concepto envuelto en sensaciones y sentimientos que el ser humano es capaz de percibir.
El ejercicio es planteado en un escenario que presenta la necesidad de renovación, siendo también claro ejemplo de lo que se encuentra en la vida laboral, donde nos hay proyectos ideales, donde todo tiene particularidades y necesidades que satisfacer además de una nueva imagen.
EL lugar donde se planteó el ejercicio es en el molino de flores, una ex hacienda, donde se desea establecer un hotel y dar con esto un nuevo atractivo al turismo.
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LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS
HISTÓRICAS.
Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con un cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de romper con los estilos del pasado.
Fue un momento agitado y complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del pasado: rechazo de la máquina y aceptación de nuevas tecnologías (que exploraban o anticipaban el futuro), agitación social y anarquismo a la par que consolidación de Los valores de la cultura burguesa, además la crisis arte-sociedad se evidencia siendo la característica que conlleva la vanguardia.
Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX. Su propuesta rupturistas fue tan radical que más de un siglo después siguen siendo el paradigma del arte de vanguardia, dado que en la época se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plástica.
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CONCEPTO DE VANGUARDIA
El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo del arte en el siglo XX, sea para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad, sea para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo. Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la historia, importante para comprender el arte de nuestra época, y solo en ésta aparecen expresiones como: Arquitectura de vanguardia, música de vanguardia, cine de vanguardia, etc. El término es de origen medieval y se usaba en el lenguaje militar. Ya en el siglo XIX empezó a ser utilizado en sentido figurado con relación al arte y, en el XX constituye un término clave para el mundo del arte.
Tomando literalmente el término implica la idea de lucha, de combate, de pequeños grupos destacados del cuerpo mayoritario que avanza, que se sitúan por delante. Efectivamente, la vanguardia artística se manifestó, como acción de grupo reducido, como élite que se enfrentaba a situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría.
Estas tendencias se enfrentaron al orden establecido, a los criterios asumidos por las clases altas económicas e intelectuales hablando con ánimo de ruptura. Fueron en ocasiones y con sus particularidades, movimientos agresivos y provocadores. La incomprensión inicial y la posterior aceptación justifican su papel anticipador del futuro.
Desde un principio estos serían los aspectos más definitorios del concepto de vanguardia, pero la idea de vanguardia comporta una mayor complejidad. Para precisarla un poco más hay que examinar de qué modo ha evolucionado el uso del término en el terreno cultural.
Vanguardia con relación al arte aparece por primera vez en el primer cuarto del
siglo XIX, en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una tendencia artística en particular, sino que el arte se presentaba en general, como avanzadilla de los sectores fundamentales que tratan de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. Esto introduce otro concepto de vanguardia: Vinculación con actitudes progresistas (Implicaba ansia transformadora de la sociedad). A fines del XIX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político y antes de la primera guerra mundial pasó a ser frecuente, en la crítica artística concretamente se aplicó al Cubismo y Futurismo.
También hay en el concepto de vanguardia concomitancia con el vocabulario político, como el activismo, voluntad de ruptura, idea de revolución artística y, sobretodo la aparición de un Documento literario como pieza clave en muchos movimientos de vanguardia “El Manifiesto”. Con la aparición del “Manifiesto Comunista de 1848 “, surgieron también manifiestos artísticos, que a modo de declaración pública recogía los propósitos de actuación, en ocasionas con términos y lenguaje contundente, al igual que los documentos políticos. En este sentido el “Futurismo” será el más paradigmático, redactando manifiestos dedicados a la literatura, pintura, escultura, arquitectura, música, cine.
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DESARROLLO – CAUSAS
Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es necesario echar la vista atrás, al siglo XIX. Tres acontecimientos políticos, la constitución de la segunda y la tercera República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914), provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la época.
Empieza así el estereotipo de artista incomprendido, bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese mundo convulso que provocaba situaciones miserables y desafortunadas A estos tres acontecimientos políticos, se debe añadir uno artístico de obligado nombramiento, el comienzo de los llamados Salones de París, unas muestras artísticas anuales de elevado prestigio que contaba con un jurado tradicional y conservador, y de donde fueron rechazados la mayoría de pintores impresionistas.
Estos inauguraron, por iniciativa propia, los llamados Salón de los Rechazados con la intención de que su trabajo, aunque no fuera aceptado en la muestra principal, pudiera ser apreciado y valorado por el público. Quizá fue este el primer gran desencuentro entre el mundo artístico y el intelectual de la época, que no había hecho más que empezar.
A este precedente se debe añadir el panorama de principios del siglo siguiente, lleno de cambios y aportaciones significativas que modificaron ciertas ideas y modos de vida: la Segunda Revolución Industrial, con la aparición del motor de explosión, la publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein y la Interpretación de los sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía, el nacimiento del Cine… anunciaban a voces que algo en el mundo estaba cambiando.
Primera Guerra mundial
Segunda Revolución Industrial
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IMPRESIONISMO (1874), NEOIMPRESIONISMO (1884) POSTIMPRESIONISMO (1910).
Aunque algunos historiadores dejan fuera de la clasificación de vanguardias al Impresionismo, fue el primer movimiento que se rebeló contra los gustos que imperaban en la época. En su caso, el Impresionismo no buscaba el rechazo del público, sino que se olvidaba de la acogida que pudiera tener su trabajo, en favor de una nueva manera de captar la realidad que tarde o temprano se acabaría reconociendo, como así fue. El precursor de este movimiento fue Eduard Manet. En su trabajo se puede apreciar el paso de la pintura tradicional al modo de hacer impresionista. Con el paso del tiempo Manet recurre a pincelada directa, con mucha carga, aunque nunca con tanta decisión como lo harían los siguientes autores impresionistas, todos ellos estudiosos, admiradores e influenciados por Manet. El grupo lo componía Degas, Renoir, Monet, Pizarro, Sisley y Cezanne.
Portrait of Stéphane Mallarmé, 1876, Musée d'Orsay
Tras unos comienzos dubitativos y llenos de pruebas, el Impresionismo como tal nace en una exposición celebrada en los salones del fotógrafo Nadar. Era una muestra en la que participaban un total de treinta y nueve pintores, conscientes ya
de formar un grupo y de tener unos objetivos iguales que defender. En esta exposición se encontraba una obra de Monet llamada Impresión, Sol naciente que, burlonamente citada por un crítico dio nombre al grupo. Pone toda su atención en captar la realidad, el instante, la impresión. Es una pintura de aire libre, que se resuelve ante el motivo en cuestión.
Impresión Sol Naciente, Claude Monet
15 modo más científico, más controlado, mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta, racional y estudiada
Fuera de estos dos movimientos quedan tres autores, de obligada mención, como son Vincent Van Gogh, Paul Gaugain y Henri de Toulouse-Lautrec. Se les dio el término histórico-artístico de Postimpresionistas en una exposición celebrada en Londres en 1910, pues, aunque su trabajo no es en absoluto semejante, les une el hecho de haber comenzado su trabajo con el Impresionismo ya afianzado y comienzan su andadura pictórica con un nuevo modo de hacer, en los tres casos de manera muy personal e innovadora y de con una visión más subjetiva y manipulada del mundo. Van Gogh transforma la pincelada impresionista en una con más carga y muy ordenada, dando nuevas soluciones formales y cromáticas.
Gaugain fue un artista que Reivindicó lo bidimensional y lo decorativo. Su época en Taití, donde vivió los últimos años de su vida, es la más famosa. Ese destino brindó a Gaugain los paisajes y los colores que buscaba. Toulouse-Lautrec fue un gran ilustrador y se le considera el precursor del cartel publicitario.
Arearea Paul Gauguin)
Detalle de un Autorretrato de 1890 Vincent Van Gogh
Noche estrellada (1889) Vincent Van Gogh
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FAUVISMO 1905 / 1907
El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del color. Término acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar una exposición (fauve es el término francés para fiera), lo denomina así por su violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad en el dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión, el Fauvismo intenta pintar con la mente.
Sus autores principales son Matisse, Derain, Dufy y Braque.
André Derain, 1906, Charing Cross
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CUBISMO 1907 / 1914.
Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado principalmente por el español Pablo Picasso y Braque. Curiosamente fue también L. Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento. Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista. Es capaz de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro. Niega la luz impresionista y los modula en tonos neutros y pardos, mediante el uso de la faceta (pequeños planos de color superpuestos) y la introducción en el Arte con mayúsculas de técnicas como el collage.
Es un movimiento que no trata de captar la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia,nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella, sino aportar más información, incluso, que la propia realidad.
Otros componentes de este movimiento fueron Juan Gris, Francis Picabia, Franz Leger y Albert Gleizes.
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EXPRESIONISMO 1905/1913.
Estilo surgido en Alemania que trata de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista.
Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor.
Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente.
Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch.
Los dos grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (el puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der blazer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna diferencia estilística que les dividía.
Dos gatos azul y amarillo (1912) -- Franz Marc
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FUTURISMO 1909/1914.
El primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, escritor italiano, que casi con un rigor dogmático no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria de Samotracias”. Con ello se exaltaba la modernidad, lo tecnológico, lo mecánico y rompe una lanza a favor de sus cualidades estéticas de estos objetos industriales infravalorados según esta vanguardia.
Aunque el movimiento acaba pronto, en 1914 y 16 , tras la I Guerra Mundial algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo italiano en las elecciones de 1919.
Sus mayores exponentes fueron Umberto Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla.
Con el tiempo se produjo un redescubrimiento (cosa frecuente en la historia del arte), pues además de profundizar en las cuestiones ideológicas y políticas, ponía de relieve aquellos aspectos que hacían del futurismo un movimiento de vanguardia de extraordinaria resonancia en su momento, influyendo en movimientos como El Dadaísmo, el Constructivismo ruso, el Surrealismo y que, a largo plazo lo sitúan como punto de referencia, el arte de los años sesenta.
Vuelo De Las Golondrinas 1913 por Giacomo Balla
Dynamism of a Soccer Player Umberto Boccioni, 1913
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DADAÍSMO 1915/1922.
El más radical y agresivo de los -istmos de principios de siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social, moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario).
Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp que, a través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin valor, elevados a la categoría de obra de arte por el simple hecho de exponerlos en un museo bajo una firma y una fecha) trató de ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica del público burgués. Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. Era el nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el fotógrafo Man Ray.
Fuente ,Marcel Duchamp (1887-1968
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SURREALISMO 1924/1939.
Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. El término lo acuña el escritor G. Apollinaire.
Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas, en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales
tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los
sueños, lo inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de Sigmun Freud aportó base científica e ideológica, y las obras de Füsli y Blake la influencia artística.
Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los objetos.
Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.
La tentación de San Antonio de Dalí
Vladimir Kush
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. CONSTRUCTIVISMO 1913/1920.
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NEOPLASTICISMO.
De origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el estilo) debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y en la que publicaban sus escritos. Fue una prolongación de los valores estéticos el constructivismo, aunque sin su ideología y compromiso político.
Demostraron su intento por aunar disciplinas en proyectos completos. Diseñaban el edificio y el interiorismo (muebles, colores de las paredes, colocación de los mismos…) en un mismo proyecto porque entendían que no eran conceptos distintos. Con ánimo de huir de las referencias naturales recurrieron a las formas geométricas puras y a los colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar contraste. Sus principales componentes fueron Theo van Doesburg, y Piet Mondrian.
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SEGUNDA VANGUARDIA 1945-1970
Las llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias de tan destructor y lamentable acontecimiento, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece la emergencia de un nuevo panorama artístico y permite que la capital mundial del arte pase de París a Nueva York.
Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los nuevos medios de comunicación de masas, cada vez más efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez de un modo más natural, menos traumático.
La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y sosiego al espectador, que pudo asimilar mucho mejor esta segunda oleada. Esta vez, las vanguardias no eran fruto de artistas incomprendidos que quieren escandalizar al público, sino que se convierten en nuevas y atractivas tendencias. Adquieren un tinte más atractivo, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y la aproximación del público en general.
Sol LeWitt, las dimensiones del cuadrado
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EXPRESIONISMO ABSTRACTO
AMERICANO.
Tendencia que muestra grandes e importantes influencias como son el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. La referencia con la naturaleza y la figuración en este movimiento está más que superado.
Un importantísimo elenco de artistas compone el grupo que pertenece a esta tendencia. Un grupo, además, que se conocía personalmente, compartieron estudio y sala de exposiciones y reflexiones acerca del movimiento. Cada uno consiguió un estilo personal que les distinguía, pues, aunque pertenecían a la misma tendencia, cada uno optó por un camino distinto. Todos obtuvieron fama y reconocimiento.
El primero, el americano Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el Dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos hilos de pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable.
Otro artista reconocido fue Willem de Kooning. La pintura de de Kooning puede compartir planteamientos con Pollock aunque es mucho más directo. Busca el gesto, la pincelada, la mezcla de los colores en el mismo lienzo. Utiliza colores puros y muy saturados, combinados con algunos tierras y sombras.
El tercero de la lista de expresionistas abstractos fue Philip Guston. Único representante de este grupo que mantuvo
cierta figuración en sus lienzos. Consiguió un lenguaje propio, casi jeroglífico, de modo que los mismos elementos se repetían una y otra vez para contar un mensaje. Fue un artista obsesionado con el miedo, el miedo al tiempo, que se agota, a las agresiones en general, a la pobreza. Acostumbraba a pintar por la noche, ya que, según el propio artista, esos miedos que movían su pintura eran mucho más intensos. Su paleta era bastante monocroma en general, ya que sus obras más representativas se mueven en rosas y algún tono de contraste.
Por último nombrar a Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de grandes formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de color.
“Convergence” de Jackson Pollock, 1952
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Minimalismo.
El término minimalismo describe la evolución de las diversas formas de arte y diseño, especialmente el arte visual y la música, donde cualquier cosa o objeto es reducido a lo esencial, despojado de elementos sobrantes, quedando sólo sus características fundamentales. Es una traducción transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo.
Es la tendencia a reducir a lo esencial. Este movimiento específico artístico se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960.
El término «minimal» fue utilizado por primera vez en 1965 por el filósofo Richard Wollheim para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt, los “ready-made” de Marcel Duchamp o la música del artista y filósofo argentino Eduardo Sanguinetti.
Los artistas más destacados asociados a este movimiento son Donald Judd, John McLaughlin, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Anne Truitt, y Frank Stella. El minimalismo tiene sus raíces en los aspectos reductores de la modernidad, y es a menudo interpretado como una reacción contra el subjetivismo y emocionalismo del expresionismo abstracto y el pop art, y un puente a las prácticas del arte postmoderno. Estos artistas intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones.
Los términos se han ampliado para abarcar un movimiento en la música que se caracteriza con la repetición y la iteración, como en las composiciones de
La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y John Adams.
El término "minimalista" a menudo se aplica coloquialmente para designar todo aquello que está despojado de lo esencial. También se ha utilizado para describir las obras y las novelas de Samuel Beckett, las películas de Robert Bresson, las historias de Raymond Carver, e incluso los diseños de automóviles de Colin Chapman.
El minimalismo no solo se reduce a la pintura y a la música, sino que también a la escultura, el diseño, la arquitectura y el mobiliario, por ejemplo.
Frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo baraja conceptos diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador, etc.
Las características del arte minimalista se pueden reducir en las siguientes:
Abstracción: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato Producción y estandarización industriales Austeridad con ausencia de ornamentos Economía de lenguaje y medios
Orden
Geometría Elemental Rectilínea Máxima Sencillez
Reducción y Síntesis Uso literal de los materiales
Purismo estructural y funcionalidad Precisión en los acabados
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Pop Art
El pop art es un movimiento artístico que inició en la década de los años cincuenta, primero en Inglaterra y posteriormente en EUA; fue una reacción artística que se oponía a al expresionismo abstracto, que era la corriente dominante en el arte en ese momento.
Esta corriente realza aspectos de la cotidianidad en la que se vive, haciéndolos partes integrantes y constantes dentro de sus obras, aspectos tales como personajes del espectáculo o la política, que en su momento entraban dentro de la cotidianidad de la gente, así como objetos simples y comunes, como latas, botellas o empaques de algún producto afamado o difundido ampliamente, que pertenecía a la cultura popular, y el uso constante de la publicidad y los comics, así como diversos objetos de inspiración basados en la cultura urbana y popular, haciéndolos partes integrantes de múltiples expresiones artísticas, entre las que se destacó un uso muy marcado de collages como medio de exposición de las ideas o emociones del artista.
Esta corriente tuvo inicio en Inglaterra en el año de 1952, gracias a un grupo de artistas jóvenes, entre los que se contaban pintores, escultores, arquitectos y escritores inconformes con la corriente dominante en ese momento en el arte. Algunos miembros de este grupo de artistas, se interesaron en la cultura urbana y en la cotidianidad, en especial en campos de producción masiva, como la publicidad, la música pop, el comic y otros campos, haciendo de ellos uso e inspiración para sus obras, siendo posteriormente su máximo exponente el artista estadounidense Andy Warhol (Andrew Warhola, Jr), personaje que
influyó a la vez en la difusión de este movimiento, en especial en la década de los años 60 y años posteriores, superando en fama a otros artistas del movimiento, como el propio Paolozzi Hamilton, quien fue fundador del mismo. También destacan en esta corriente artística Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, R.B. Kitaj y Peter Phillips.
Andy Warhol Marylin Monroe
Andy Warhol Grevy's Zebra
30 Se entiende como una prolongación o evolución natural del Pop Art. En particular, los retratos e imágenes Pop, poseen el atractivo de ser similares a la realidad debido a su origen (muchas de estas imágenes, como los retratos de Andy Warhol se obtuvieron directamente de fotografías) aunque con un lenguaje propio, la mayoría de las ocasiones reducciones de color, dos o tres tonos saturados con el retrato en negro.
El grado de iconicidad de una obra, es decir, su parecido con la realidad comenzó a valorarse y eso produjo el nacimiento del Hiperrealismo, un movimiento cuyo objetivo era conseguir el mayor parecido posible con la realidad, hasta límites nunca alcanzados anteriormente.
Es, por tanto, una vanguardia de alto poder técnico y de una meticulosidad exagerada en su ejecución. La fotografía fue su principal competencia, aunque siempre trató de distanciarse produciendo imágenes que no pudiesen ser fotografiadas, escenarios imposibles, ángulos forzados, etc. con lo que consiguió su propio terreno en el Arte.
Ron Mueck
Ron Mueck, Mascara
Ron Mueck
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ARTE CONCEPTUAL
Movimiento que aparece a finales de los años sesenta con manifestaciones muy diversas y fronteras poco definidas. La idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas. Con un fuerte componente heredado de los ready-made de Marcel Duchamp, es el artista americano Sol LeWitt quien mejor define este movimiento en una serie de artículos publicados en 1967 y 1969. En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra, y el mismo proceso -notas, bocetos, maquetas, diálogos- al tener a menudo más importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere una mayor implicación del espectador no sólo en la forma de percibirlo sino con su acción y participación. En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza, dentro de este arte encontramos líneas de trabajo muy diferentes: body art, land art, process art, performance art, arte povera … y entre sus más importantes representantes se encuentran artistas como Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, el grupo Art & Language, Gilbert and George, Dennis Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets o Richard Long.
Según los planteamientos del arte conceptual, las obras de arte no tienen sólo un modo de existencia objetual y la experiencia estética puede darse más allá de la materia, porque experiencias y obras pueden “encarnarse” en varios objetos o porque su recepción puede
entenderse más allá de la presencia de los objetos. Por ejemplo, cualquier botellero puede ejemplificar el gesto duchampiano, pero lo relevante es el gesto en sí. El botellero no es un objeto artístico, sino una propuesta estética, ya que el artista lo despoja de su sentido instrumental.
De este modo, el arte conceptual trata de mantener la experiencia estética sin que medie en ella la elaboración artística, el valor plástico de los objetos. Un paso más allá sería la mera proposición por escrito de contemplar un portabotellas sin mostrarlo.
Compartir el acto de mirar resulta una forma de alcanzar un fundamento y de tratar de proyectar en el público una experiencia similar a la primigenia, con la menor interposición posible de condicionantes que puedan desviar ese dato experiencial a territorios diferentes, como las tradiciones en la representación. Lo conceptual es sobre todo una actitud de la que parte el emisor y que se pide al receptor: en función de si la comparte habrá obra o no.
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LAND ART
Land Art es una expresión creada por el artista Robert Smithson, una iniciativa que tuvo lugar en Estados Unidos en los años 60 y 70. Sin embargo, este estilo ha persistido hasta nuestros días. Land Art es una corriente que utiliza los materiales y el paisaje natural como base para sus creaciones. El movimiento busca sacar el arte de los museos y de un contexto normal. La mayoría de obras de Land Art son provisionales o dejadas a merced de los elementos naturales, como la lluvia, la erosión, el viento cualquier cambio en el entorno. El trabajo más conocido de arte moderno de la tierra es Spiral Jetty (1970) que Smithson creó en Great Salt Lake de Utah. Las obras de Land Art con frecuencia usan diseños tanto abstractos como de la naturaleza. Las formas más utilizadas suelen ser la línea, la espiral, el círculo y el cuadrado, incluso formas geométricas tridimensionales. En ocasiones, las formas son las de la propia naturaleza, es decir, de los materiales que se usan y que no se manipulan en exceso.
El propósito del Land Art es la conexión indisoluble entre obra de arte y el paisaje en el que se encuentra. El Land Art se construye generalmente con materiales tales como piedra, roca, ramas, agua, junto con otros elementos naturales, al mismo tiempo que pigmentos, cuerdas y el metal son también frecuentemente empleados. Al principio el Land Art saltó a la popularidad cuando apareció en la el Suroeste de América del Norte, sin embargo estas obras hoy sólo existen como fotografías o grabaciones. Los artistas del Land Art comenzaron a crear Land Art para poder criticar la artificialidad y la comercialización del arte que terminó siendo popular durante su periodo. El Land art concede un enorme valor al
proceso constructivo de la obra frente al resultado final, o sea, se valora el cómo se hace de igual forma que la obra resultante. La primera obra considerada como Land Art fue desarrollada por los artistas Douglas Leichter y Richard Saba en Skowhegan School de pintura y escultura.
Islas rodeadas CHRISTO & JEANNE CLAUDE Miami florida
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LA ESCULTURAL MESA NOGUCHI
Realizada en cristal y madera, la Mesa Noguchi (que toma su nombre del escultor Isamu Noguchi) se trata de una pieza de diseño orgánico. La mesa fue diseñada en 1944 en plena ebullición del movimiento orgánico. Su forma proviene de un estudio de estabilidad realizado por el propio escultor. Esta formado por tres piezas, dos de ellas suspendidas en el aire. Noguchi fue capaz de aunar forma y funcionalidad en una única pieza.
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SILLA BARCELONA, UN ICONO DEL MOVIMIENTO MODERNO
Esta silla, seguramente sea la más famosa del Movimiento Moderno. Fue diseñada por Mies van der Rohe para el Pabellón de Barcelona, y se ha erigido como uno de los iconos del Siglo XX en lo que a diseñose refiere. La silla se compone de una estructura de acero cromado y dos cojines de cuero. Resulta cuanto menos curiosa la experimentación con las patas de las sillas que se vive en el interior de la Bahuaus, la búsqueda por minimizar la típica estructura de madera de cuatro patas se convierte en una obsesión para el taller de carpintería e interiorismo de la la escuela de Weimar. Así aparecen sillas sin patas traseras, sillas de tres patas o sillas como la Barcelona donde la estructura de acero cromado es lineal, formando el respaldo y las patas de una misma estructura en forma de X.
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SILLA ZIG-ZAG DE RIETVELD,
Esta silla diseñada por Gerrit Rietveld en 1934 se caracteriza por su extrema simplicidad y abstracción. Rietveld participante en el movimiento De Stijl, estuvo influido durante toda su vida por el cubismo y la descomposición de las formas. La silla Zig Zag surge como una reacción a lo convencional, por ellos es considerada más una obra de arte que una pieza de mobiliario. La abstracción geométrica propugnada por De Stilj alcanza su punto culmen en esta silla diseñada por el genio holandés Gerrit Rietveld.
Silla Zig Zag Gerrit Rietveld
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SILLA BRNO, UN DISEÑO DE MIES VAN DER ROHE
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SILLA PANTON,
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SILLA WASSILY DE MARCEL BREUER, PIONERA EN EL DISEÑO MODERNO
La Silla Wassily, diseñada por Marcel Breuer, y basada en los tubos de una bicicleta, fue la primera silla tubular del
mercado produciéndose y
comercializándose inicialmente entre 1926 y 1929 por la firma austriaca Thonet hasta la II Guerra Mundial, cuando la firma cesó su producción. La firma Knoll nos ofrece una versión de esta silla, con ligeros cambios como por ejemplo el revestimiento en piel en lugar de hilo de hierro original. Knoll recuperó este clásico en 1968.
A pesar de este detalle que se contradice con el diseño original no ha perdido ni un ápice de su diseño funcional y moderno. Su nombre se debe a que Wassily Kandiski era un enamorado de su diseño, de hecho fue el primero en poseer una silla Wassily, regalo personal de su amigo Breuer con quién compartió inquietudes en la Bauhaus de Weimar. Este clásico entre clásicos como muchas otras piezas del movimiento moderno son un complemente indispensable en cualquier estancia minimalista que se precie.
39 La Silla Ball (también llamada Globe Chair) fue diseñada por Aarnio Eero teniendo en cuenta una de las formas más rudimentarias, la esfera. Según explica el propia Aarnio se inspiró en la sombra que proyectaban las sillas sobre la pared, esta era de forma ovalada. La Silla Ball es una habitación dentro de una habitación, una atmósfera sombreada se crea dentro de la silla, un concepto totalmente diferente a lo que era una silla hasta la llegada de Silla Ball. Esta atmósfera, protegida de ruidos externos, es perfecta para leer un libro o realizar una llamada.
La Silla Ball no es un simple mueble, esta concebida más como una pieza
40 SILLÓN LC2 DE LE CORBUSIER
Casina , Decora en Moderno , Le Corbusier , Sillas
LC 2 Le Corbusier Precio Historia Diseño Imagenes
Le Corbusier, se introduce en el mundo del diseño de mobiliario con la realización del pabellón del Espíritu Nouveau para la Exposición de Artes Decorativas de 1925 celebrada en París. A pesar de que en está feria se expusieron piezas en clave Art Decó, Le Corbusier era un arquitecto abanderado del diseño moderno. En 1929 comienza a colaborar con Pierre Jeanneret, entre los modelos diseñados destaca el LC2 comúnmente llamado como Cube Chair, debido a su aspecto cubista. A pesar de que la silla tiene un aspecto macizo se trata de un sillón muy cómodo, basado en estudios antropométricos realizados por el propio Le Corbusier. Se trata de un clásico entre los clásicos, su estructura tubular inspirada en los modelos del taller de mobiliario de la Bahuaus queda al descubierto, el frió acero contrasta con el cuero negro.
41 SILLA DIAMOND LOUNGE DE HARRY BERTOIA
Silla Diamond Loungue de Harry Bertoia La Silla Diamond de Harry Bertoia fue diseñada en 1952. Formó parte de sus diseños "Wired", o de alambre. Las sillas de Bertoia se caracterizan sobre todo por haber sido concebidas como una esculta más que como un mueble. La técnica novedosa de una parrilla de alambre que adoptaba formas curvas, fue un avance en el diseño con acero que no se veía desde las sillas de René Herbst. Su nombre, Silla Diamante responde a su forma abierta y al brillo que le proporciona el metal. Es perfecta para un rincon de la casa destinado al relax, ya que no debemos olvidar que es una silla tipo Lounge.
42 SILLA LC7 DE LE CORBUSIER Y PIERRE JEANNERET
Silla LC7 Le Corbusier
Le Corbusier y Pierre Jeanneret diseñaron la silla LC7 en 1928. LC7 fue el resultado de una serie de experimentos que llevaron a cabo ambos diseñadores. La estructura de acero tubular sostiene un eje, inspirado en las ruedas de un coche. Sobre él se monta el asiento, ofreciendo gran confort al adaptarse al cuerpo. Originalmente, esta silla giratoria fue diseñada como silla de comedor, sin embargo hoy en día se ha hecho muy popular para oficinas y comercios, ofreciendo una imágen elegante y distinguida.
La silla LC7 forma parte de la colección permante del MoMA.
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SOFÁ MARSHMALLOW,
Decora en Moderno , George Nelson , Irvin Harper
Sofá Marshmallow de Herman MillerEl Sofá Marshmallow fue diseñado por George Nelson e Irving Harper. Esta formado por dieciséis cojines circulares en el respaldo y el asiento unidos entre sí lo que le confiere a los cojines tal ligereza que parece que están flotando en el aire. El resultado fue una pieza a medio camino entre la escultura y la utilidad, perfecta para salas de espera y salas de estar. A pesar de su apariencia extravagante, se trata de un sofá muy cómodo.
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DISEÑO DÉCADA 90´S AL S.XXI
Antecedentes.
Hechos relevantes como la caída del Muro de Berlín, los avances en las tecnologías de la información y mayores alcances del comercio globalizado Influyeron en la manera como se concebía el entorno a principios de la década de los 90´s
Entre las tecnologías que se desarrollaron durante esta década se pueden mencionar la biónica, combustibles alternativos, más baratos y limpios que los convencionales; nuevos materiales de construcción como cerámica para automóviles, la nanotecnología o construcción de materiales y máquinas a escalas moleculares y hasta atómicas.
A partir de los 1990 se ha desarrollado un movimiento de resistencia global, potenciado por las posibilidades de difusión de la información que ofrecen las tecnologías digitales y, especialmente, Internet.
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EL DISEÑO UNIVERSAL.
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ARQUITECTURA VERDE.
En el diseño arquitectónico, tal vez la novedad más importante fue el surgimiento de la "Arquitectura Verde", un movimiento se centró en la creación de estructuras que tuvieran un impacto ambiental mínimo y se mezclasen en su entorno.
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MINIMALISMO.
A principio de los 90 se instala como moda el minimalismo, una tendencia que nos trae descanso después de la opulencia del postmodernismo y deconstructivismo. Sin embargo, este estilo había surgido a fines de los 60 en Nueva York. El minimalismo utiliza la luz natural como una herramienta que debe filtrarse en los interiores logrando expresar algo, iluminando puntualmente un objeto o rincón, generando un efecto sensible pero a la vez concreto. Se busca lograr ángulos más bien rectos y limpios, las formas son sutiles y livianas. El diseño del mobiliario debe ser estratégico, no deben aparecer elementos u objetos que ocupen espacio sin una específica funcionalidad. Los ambientes deben ser despojados. Para no perturbar la tranquilidad del lenguaje, se utilizan de cuidadosa manera, materiales nobles como la madera o la piedra. El vidrio, transparente o translúcido, es bien recibido por su carácter etéreo, luminoso y por la sensación de amplitud que genera.
En la paleta de colores se opta por el predominio del blanco, de lo monocromático o de los colores neutros como el gris, lejos de la saturación.
Los interiores permiten obras de arte abstractas de gran tamaño con figuras geométricas.
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MAXIMALISMO.
Como respuesta contraria al minimalismo, surge el maximalismo, en donde los espacios se caracterizaban por estar recargados en su máxima expresión. Desaparece el ángulo recto y vuelven los ornamentos, los acabados sofisticados y las formas caprichosas.
Este estilo encuentra su razón de ser en lo versallesco, lo escandaloso, en la aparición de muros espejados, en los drapeados, les chandeliers. Vuelven los terciopelos y las panas, los géneros pesados, la variedad en colores como damascos, verdes limas y violetas. La luz se transforma en un recurso de ambientación teatral, dramática, por lo que los candelabros son bien recibidos.
Persigue la combinación de estilos, desde muebles antiguos a futuristas, logrando ambientes ricos en texturas y colores que se convierten en un festival para los sentidos. Dirigido a personas apetentes, con pretensiones, a lugares donde prima la creatividad sin prejuicios. Su frase, "Nunca es demasiado".
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LINEAS DE MOBILIARIO
INTERNACIONAL AVANT GARDE
A raíz de la Primera Guerra Mundial, se genera una necesidad de cambio e investigación, siendo pioneros Francia, Alemania y sobre todo Holanda, que no participó en la guerra.
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Paralelamente, incorporando las ideas
básicas del grupo De Stijl, en Alemania se
crea la escuela de diseño Bauhaus cuyo
objetivo era enseñar a los estudiantes a
buscar soluciones funcionales a cada
problema de diseño. Esta escuela se
disolvió con la llegada del Tercer Reich.
Entre sus máximos representantes se
encuentran Gropius, Mies van der Rohe o
Marcel
Breuer,
quien
comenzó
a
experimentar con el tubo de acero para
sillas, banquetas, mesas y su famoso sillón
Wassily. El holandés Mart Stam diseñó la
primera
silla
cantilever,
que
fue
perfeccionada por Mies van der Rohe, y
más tarde por Breuer consiguiendo
belleza, comodidad y ahorro de material,
53 De forma análoga en Francia, Le Corbusier y Charlotte Perriand también diseñaron mobiliario metálico, pero con un punto de vista diferente, el mobiliario debía ser sencillo y funcional. El diseño más importante de Le Corbusier fue el sillón cúbico Grand Comfort34 (1928).
sillón cúbico Grand Comfort34 (1928).
54 Dado el poco éxito que tuvo el mobiliario metálico se comenzó a experimentar con madera contrachapada, siendo el precursor el finlandés Alvar Aalto. Comenzó a experimentar para curvar la madera aprovechando su humedad natural en lugar de vapor como hacía Thonet, y fundó, junto a Aino Aalto Artek en 1933 como "centro de mobiliario contemporáneo"
.
La industrialización de los países escandinavos fue más tardía, así que mantuvieron una artesanía de calidad e influenciada por el movimiento Arts & Crafts. Destaca en Estocolmo Carl Malmsten, quien fundó varias escuelas donde se enseñaba ebanistería además de otros oficios como música, jardinería o alfarería. Quería adaptar las formas antiguas a las nuevas necesidades.
Alvar Aalto
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EXCESSIVE OBJECTS:
Es una tendencia en la que se ve reflejado el lujo y la exclusividad. Las empresas más representativas de esta tendencia son Dior, Chanel, Prada, Givenchy, Roberto Cavalli, Dolce&Gabbana, Philippe Starck, Marcel Wanders, Jurgen Bey, Ron Arad, Capellini, entre otros.
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PRESS START:
Es una tendencia inspirada en el mundo cotidiano y el placer personal nos invita a sorprendernos y a experimentar nuevas sensaciones. Su característica principal es que el objeto llama al usuario a interactuar
con él.
Los ambientes siempre son dignos de la personalidad del usuario y es una tendencia que está bastante influida por el papel.
Esta tendencia se ha difundido a través de las grandes cadenas de distribución en las que los productos de decoración están en constante cambio. Un ejemplo de esto
es la empresa Ikea.
Otras firmas importantes que representan esta tendencia son a Jean Paul Gaultier, Alessi y Agatha Ruiz de la Prada.
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HOME SWEET HOME:
Esta tendencia está relacionada con la manera en cómo vivimos y nos relacionamos. Su principal característica es la sencillez y la comodidad. Transforma el hogar en un lugar que brinda bienestar y placer emocional. Los ambientes son armónicos y los objetos son casi que terapéuticos, hechos con materiales blandos y placenteros. Esta tendencia está influida por la cultura oriental buscando la tranquilidad y la paz interior.
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LOCAL:
Esta tendencia es aquella la cual a través de sus objetos o espacios, expresa una cultura y su evolución, debido a esto, se generan un vínculo emocional entre el usuario y el espacio u objeto.
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MANIFIESTO:
Es la tendencia encargada de cuestionar el hábitat, y el por qué vivimos como lo hacemos, proponiendo así una forma creativa y activa para vivir. Dentro de sus características está romper con los estereotipos aceptados por la sociedad.
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GREEN BALANCE:
Esta tendencia se preocupa por la ética y por mejorar las condiciones de vida, busca la sostenibilidad y un acercamiento entre la naturaleza y el espacio habitable.
Es una tendencia que se busca incluir tanto en productos simples como la iluminación y electrodomésticos así como en unos de mayor relevancia como la construcción y materiales de recubrimiento.
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VINTAGE
Vintage, es una tendencia mas que un estilo en si mismo , porque se basa fundamentalmente en usar piezas clásicas de gran calidad, para incorporarlas en los ambientes mas actuales, principalmente piezas francesas e inglesas. Y por otro lado los clásicos de los años 50,60,70, como piezas de eames, le corbousier, mies van de rohe….etc.
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ESTILO VICTORIANO.
En la decoración se refiere a un estilo romántico, elegante y bastante femenino, aunque atemperado por el gusto por la pesada madera oscura, preferiblemente de caoba, nogal o roble. Las mesas de comedor son enormes, macizas, con grandes patas talladas y torneadas, muchas veces en forma de garras de animales que se posan encima de alfombras con intrincados dibujos vegetales o geométricos.
En los dormitorios las camas grandes, macizas, altas y a menudo con baldaquino o dosel. Y como complemento textil la seda, el terciopelo, el brocado o el damasco. Las cortinas suelen rematarse con flecos y borlas. En cuanto a los colores, tonos como el rojo, el marrón, el verde profundo o el dorado; pero también es frecuente una variedad en tonos pastel para equilibrar la pesadez de las maderas.
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ESTILO FRANCÉS.
Presenta un toque refinado y clásico muy arraigado a épocas pasadas, en las que la burguesía francesa disfrutaba de lujo y glamour.
Los excesos están muy presentes. Se caracteriza por la mezcla de texturas, formas y materiales. Como la seda, la porcelana, detalles en color oro, se complementa con esculturas y candelabros, adornos de marfil y ébano.
La madera es otro material que se utiliza tanto en los muebles como en los pisos. Los muebles deben presentar curvas y detalles decorativos talados en los bordes.
Para la iluminación se utilizan lámparas de cristal y metales nobles.
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ESTILO RETRO.
El estilo retro se inspira en los diseños de los años 50, 60 y 70 para crear un entorno exclusivo y personal.
Lo relevante en la decoración del estilo retro es la combinación de colores, texturas y materiales, la mezcla de diseños y volúmenes, desde los más simples a los más futuristas.
Dado que la época en la que se basa este estilo abarca un espacio de tiempo muy amplio, hay una gran variedad de formas, texturas y colores.
Los colores de este estilo son muy variados. No obstante, hay algunas combinaciones de color muy características de esta época, como negro, blanco y rojo o marrón-marfil y el turquesa-fucsia.
Los estampados también son propios de este estilo así como las formas geométricas.
Los materiales metálicos, como el aluminio, y los plásticos, como el acrílico y el polipropileno, propios de los años 50. El vinilo y el cuero también son distintivos de la decoración retro, pero lo más característico es la combinación de los materiales en un mismo elemento, como las sillas de cuero con patas de aluminio, características de la época. El vidrio y el cristal, juegan un papel importante sobre todo en los complementos, sobre todo el
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ESTILO POP.
Este estilo está basado en el movimiento artístico Pop Art. Esta corriente surgió en Inglaterra, y después en Estados Unidos, alrededor de 1950 y se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos de la cultura popular, con elementos utilizados en publicidad, diseño y cartelería.
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ESTILO CASUAL.
La atención se centra en la comodidad en un estilo casual
Las habitaciones tienen detalles simples, elementos de textura en telas y accesorios, líneas horizontales de descanso, tapicería suave, superficies de bajo brillo, y los elementos que evitan una simetría perfecta.
Una habitación decorada en un estilo casual es el lugar perfecto para tener un toque de individualidad.
La decoración casual es fácilmente incorporada en estilos rústicos, franceses, una casa de campo, Chic,
Muchas piezas de muebles tapizados están cubiertas en colores neutrales, como el bronce claro, gris, beige o blanco. Sin embargo, se utilizan otros colores, también. Pasteles suaves dan una sensación de paz o los tonos más oscuros, como los marinos o el verde oliva, el rojo vino y el arándano.
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ESTILO VANGUARDISTA.
El estilo vanguardista supone modernidad, tecnología y sobre todo comodidad. Con espacios amplios y luminosos, líneas sencillas y formas simples.
El color es un elemento esencial para conseguir los espacios amplios (que no grandes) y con buena iluminación que caracteriza al estilo vanguardista, pues es clave para fomentar el paso y el reflejo de la luz. Las paredes de las estancias deben ser preferiblemente blancas, si bien una pared puede destacar en un color más llamativo con el que combinen el resto de elementos decorativos de la estancia o con un papel pintado original que tome el protagonismo.
Una de las tendencias de color más habituales en este estilo es combinar los blancos y negros con un color más potente que destaque y de vida a la estancia como un violeta, rojo o rosa, por ejemplo.
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ESTILO CONTEMPORÁNEO.
El estilo modernista contemporáneo es bastante sencillo. No lleva molduras ni detalles recargados, es de líneas rectas y simples. La decoración transmite una sensación de informalidad y juventud. Es simple y funcional, se caracteriza por crear espacios amplios y luminosos. Se puede optar por colores claros en paredes y muebles. Es un estilo muy práctico, los muebles son de líneas puras y detalles discretos. Se sugiere emplear los materiales que den un aspecto modernista, como acero, madera y enchape en melamine con diversos diseños y colores. Los accesorios pueden ser cactus y otras plantas, en maceteros de formas sencillas, limpias y de superficies lisas; cuadros abstractos, lámparas de acero o papel, etc.
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ESTILO MEDITERRÁNEO.
El estilo mediterráneo se caracteriza por la luminosidad, el color y el calor.
La decoración de interiores mediterránea es tradicional de la costa de los países al norte del Mar Mediterráneo.
Los colores favoritos son los que aportan luminosidad, como el blanco, el ocre, el verde oliva, el aguamarina, que figuran en las paredes.
Natural, vibrante, sencillo y fresco, una forma de vida relajada y sin complicaciones.
La piedra pizarra, el mármol, y los revestimientos cerámicos rústicos mantienen frescos los suelos y muros, las persianas naturales proporcionan intimidad dejando que la luz y el aire circulen libremente, todo esto más unos toques sencillos y funcionales de accesorios crean un refugio íntimo y acogedor. También la piedra y el yeso, se emplean en el recubrimiento de paredes. Los pisos de madera o terracota, aportan la calidez y confort. Las vigas vistas de madera, los patios interiores y los acabados con azulejos o mosaicos, son los elementos constructivos que definen a este estilo decorativo.
El hierro forjado está presente en todas partes, en marcos, lámparas, espejos, entre otros.
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ESTILO MINIMALISTA.
Se le conoce como minimalismo en decoración a la tendencia artística que procura hacer realidad la premisa de ‘menos es más’ a la hora de crear el ambiente de una hogar.
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ESTILO LOFT.
El loft se caracteriza por grandes superficies sin divisiones, con mucha luz y destacado aspecto fabril. El loft necesita de espacios amplios, preferentemente viejas fábricas o bodegas. Se destaca por la ausencia de divisiones, con zonas comunes conectadas entre sí, aunque podrían haber zonas más privadas y separadas del resto. El espacio vacío constituye el elemento más importante del estilo loft.
Otra característica distintiva del loft es el uso de dos plantas o entrepisos que, aunque comunicados, separan el área principal de salón, living y cocina, de los dormitorios, el estudio u otras habitaciones complementarias. La unión de ambas plantas generalmente se logra con escaleras de importante peso decorativo.
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ESTILO KITSCH.
El estilo kitsch es uno de los más llamativos y controversiales que se pueden encontrar ya permite un sin límite de combinaciones.
Las formas y el color son pilares básicos, la decoración se basa en objetos tan extravagantes que llegan a resultar antiestéticos, y colores chillones inmersos en un ambiente de variedad de texturas y materiales.
Este estilo admite la mezcla de lo antiguo con lo moderno en objetos decorativos, mueblería y estampados; así como también ambientaciones fuera de contexto como puede ser la cocina en el living de la casa.
Lo kitsch rechaza todo lo que sea tradicional y se enfoca a la estridencia, los colores escandalosos y la originalidad. Todos los accesorios en esta tendencia son disparatados, los muebles extraños y los adornos muy llamativos; paralelamente a esto es común el abarrotamiento de ambientes, el contraste y la incompatibilidad de toda la estructura de la casa.
En los hogares con este estilo de decoración es común encontrar cuadros con imágenes de series televisivas de décadas pasadas, tapizados con animal print, estatuillas de vírgenes y santos,
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ESTILO ECLÉCTICO.
El estilo ecléctico se basa en la combinación de elementos de distintas épocas y estilos, creando un ambiente exitoso estéticamente.
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ERGONOMÍA
El término ergonomía fue acuñado en Inglaterra, en 1950, por un grupo de físicos, biólogos, psicólogos, médicos e ingenieros, para describir las actividades interdisciplinarias destinadas a resolver los problemas creados por la tecnología de guerra. El término se derivó de las raíces griegas ergom (trabajo o fuerza) y nomos (ley, regla o conocimiento). Ergonomía. Es el campo de conocimientos multidisciplinarios que estudia las características, necesidades, capacidades, habilidades de los seres humanos analizando aquellos aspectos que afectan el diseño de productos o de procesos de producción. En todas las aplicaciones su objetivo común es: se trata de adecuar los productos, las tareas, las herramientas, los espacios y el entorno en general a la capacidad y necesidades de las personas de manera que mejore la eficiencia, la seguridad y el bienestar de los consumidores, usuarios o trabajador
INTERDISCIPLINARIA:
Involucra varias disciplinas que se
relacionan y ayudan entre sí. De acuerdo a lo anterior puede decirse que la ergonomía es una ciencia porque utiliza datos que pueden ser comprobados, además se auxilia de ciencias exactas para su desarrollo y utiliza métodos científicos para la comprobación de sus principios. Pero también es una disciplina ya que puede encontrarse dentro de un plan de estudios en programas académicos y los conocimientos pueden ser transmitidos por metodologías didácticas y además es interdisciplinaria porque se apoya de múltiples y variadas ciencias y disciplinas, como fisiología, psicología, medicina e ingeniería en varias de
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La ergonomía para el diseño
industrial,
Se enfoca a la relación hombre–objeto cuando el hombre utiliza el objeto o producto como una actividad determinada.
El diseño industrial, se ocupa de adaptar los objetos al hombre en lugar de viceversa, con la finalidad de elevar el rendimiento del ser humano, por lo que los factores que intervienen para esta causa, pueden resumirse en 4 principales y la efectividad de este sistema, está determinada por el juego complejo de estos factores.
- Factores inherentes al objeto: dimensiones del producto, distribución de los elementos de indicación y de mando, etc.
- Factores inherentes al operario: estatura, habilidad, capacidad de aprendizaje, capacidad de reacción, memoria, edad, etc.
- Factores inherentes al proceso de trabajo: grado de dificultad, volumen del trabajo, monotonía, causas de estrés, etc.
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ANTROPOMETRÍA:
Es el estudio de las medidas del cuerpo humano en todas sus posiciones y actividades, tales como alcanzar objetos, correr, sentarse, subir y bajar escaleras, descansar, etc. El estudio de todos los caracteres métricos cuantitativos y cualitativos del cuerpo humano.
Antes de tomar una medición es necesario entender los propósitos para los cuales el objeto, está diseñado para servir. Cada medida constituye una respuesta a una medida significativa, es la respuesta a una pregunta.
Para hacer más analítica la antropometría se debe recopilar información que la hará más significativa, información de índole social, cultural, económica, tecnológica, demográfica, psicológica, etc.
En nuestro país, las condiciones antropológicas, nutricionales y climatológicas son distintas de las de otros países, sin embargo hemos importado los patrones antropométricos extranjeros con muy buenos resultados.
