Galería Gema Llamazares Booth | Stand C303
CONTEXT Art Miami 2018
december 4 - 9
AVELINO SALA
(Gijón, Spain 1972) is an artist, curator -Commission- and editor -Sublime magazine- writes in media as “Artishock” or “A desk”.His work as an artist has led him to question cultural and social reality from a late romantic perspective, with a continuous explore the social imaginary and trying to put finger in the sore to check the power of art as experimentation spaces capable of recreating new worlds.
As commissioner, he works at “Commission”, a collective formed by artists and art critics, with which he will curate an average of two exhibitions per year, and they have carried out projects in Miami, New York, Mexico, Havana and Rome. With this collective he has also been editing the magazine Sublime for more than ten years.
His work has been presented in numerous exhibitions, national and international.
In this project, Avelino Sala makes a tribute and a review of contemporary art in the United States. He shows his fascination for some of these American artists, whose names give name to each of his pieces.
Avelino writes repeatedly in each piece the name of an artwork, that corresponds to a work of each honored artist. This game creates a kind of metalanguage of art; using a graffiti and a street aesthetic, an aesthetic that disregards the political message, but in turn speaks of the history of art itself.
AVELINO SALA
(Gijón, España, 1972) es artista, comisario (colectivo curatorial Commission) y editor (revista Sublime), además, escribe en diversos medios como “Artishock” y “A desk”.Su trabajo como artista le ha llevado a cuestionar la realidad cultural y social desde una perspectiva tardo-romántica, con una mirada crítica y poco cómoda, en un continuo explorar el imaginario social e intentar meter el dedo en la llaga para comprobar el poder el arte como generador de espacios de experimentación capaces de recrear nuevos mundos.
Como comisario ha trabajado en “Commission”, un colectivo formado por artistas y críticos de arte, con el que ha comisionado una media de dos exposiciones al año, llevando proyectos en Miami, Nueva York, México, La Habana y Rome. Con este mismo colectivo ha editado durante más de diez años la revista “Sublime”
Su trabajo ha estado presente en numerosas exposiciones, tanto nacionales como internacionales.
En este proyecto Avelino Sala rinde tributo al arte contemporáneo en Estados Unidos, y mostrando su fascinación por alguno de estos artistas americanos.
El artista escribe repetidamente en cada pieza el título de una obra del artista homenajeado, creando una especie de metalengua- je del arte; utilizando una estética grafitera y de la calle, una estética que se desentiende del mensaje político, pero a su vez habla de la propia historia del arte.
AVELINO SALA Beuys1974, 2018 Acrylic on canvas 146 x 114 cm
AVELINO SALA Nawman1967, 2018 Acrylic on canvas 146 x 114 cm
AVELINO SALA Duchamp1964, 2018 Acrylic on canvas 146 x 114 cm
AVELINO SALA Barbara Kruger1967, 2018 Acrylic on canvas 146 x 114 cm
ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ
(Bilbao, Spain, 1982) began working exclusively for the Gema Llamazares Gallery since 2016, where she made her first solo exhibition, titled “1-600”, and curated by Semíramis González.After her participation in Just LX 2018, Lisbon, Estefanía was awarded the First Fundação Millennium bcp Emerging Art Award for her triptych “Mala hierba” and the Second Prize in Painting and Visual Arts La Rural International Award for her work “La mala hierba también muere”. In 2016 she won the Martínez Guerricabeitia Foundation Acquisition Prize with the work “Los cuervos que adoraban a la mujer,” in which she invented the story of the Celtic goddess Morrigan and the crows, and in 2015 she received the Drawing DKV-MAKMA Award for her work “Las Ausentes” exhibited at the Center del Carme in Valencia, Spain.
More recently, in 2018 she has shown her latest project in the XV Edition of the Connections program at the ABC Museum, with the solo exhibition “Luto y lujo”; and next year she plans a major solo exhibition at the Alcobendas Art Center, Madrid, Spain.
In this new work, and continuing with the idea of her project “Aquelarre” (Coven), Martín Sáenz is based on the writings of the witch hunt of the fifteenth century, capturing in her work the weakness of the human woman and the strength of the witch. By highlighting the theme of the sinful woman and turning her into a protagonist.
Women who live between the background and the pattern. A game of insinuation that invites the viewer to discover feminine images and suggestive forms with delicate details. A work that moves from color to drawing and sewing, rescuing these wizard women from condemnation.
ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ
(Bilbao, España, 1982) tras su paso por la edición Just LX Lisboa, Estefanía fue galardonada con el I Premio Adquisición de Arte Emergente Fundação Millennium bcp por su tríptico Mala hierba y el II Pre- mio de Pintura y Artes Plásticas “La Rural” por su obra La mala hierba también muere. En 2016 obtuvo el Premio Adquisición de la Fundación Martínez Guerricabeitia con la obra Los cuervos que adoraban a la mujer, en la que inventaba la historia de la diosa celta Morrigan y los cuervos, y en 2015 recibió el Premio de Dibujo DKV-MAKMA por su obra Las Ausentes expuesta en Centre del Carme de Valencia.Estefanía comienza a trabajar en exclusiva para la Galería Gema Llamazares desde 2016, dónde realiza su primera exposición individual, titulada 1-600, y comisariada por Semíramis González.
Recientemente en 2018 ha mostrado su último proyecto en la XV Edición del programa Conexiones en el Museo ABC, con la expo- sición individual Luto y lujo; y el próximo año tiene prevista una importante exposición individual en el Centro de Arte Alcobendas, Madrid.
En este nuevo trabajo, y dando continuación a su proyecto “Aquelarre”, Martín Sáenz parte de la literatura basándose en los escritos del siglo XV de la caza de brujas, plasmando la debilidad de la mujer humana y la fuerza de la bruja. Poniendo de manifiesto el tema de la mujer pecaminosa y convirtiéndola en protagonista.
Mujeres que habitan entre el fondo y el estampado. Un juego de insinuación que invita al espectador a descubrir imágenes femeninas y sugerentes formas con delicados detalles. Un trabajo que se mueve desde el color al dibujo y la costura, rescatando a estas mujeres hechiceras de la condena.
ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ Luto y lujo II, 2018 Mixed on printed fabric 150 x 300 cm
ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ Vergüenza te tenia que dar, 2018 Mixed on printed fabric 50 x 35 cm
ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ Vergüenza te tenia que dar II, 2018 Mixed on printed fabric 50 x 35 cm
ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ Las casadas, 2018 Mixed on paper 50 x 35 cm
ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ Casamiento, 2018 Mixed on paper 50 x 35 cm
ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ Conversión, 2018 Mixed on paper 50 x 35 cm
ESTEFANÍA MARTÍN SÁENZ Nudos y levitación, 2018 Mixed on paper 50 x 61 cm
CAPI CABRERA
(Las Palmas de Gran Canaria, Spain, 1983) his work balances between the contrast of industrial materials with superficial finishes such as acetate, methacrylate or rubber and the warmth of the gesture and its expression. The use of these materials and the possibility of transformation imply a detachment from the final image of the work. The value and the im- portance of the processes and the investigation clearly predominates in his work and are for him more important than the final result.The creative processes related to abstraction and non-referential mechanisms allow Capi Cabrera to find a way of expression, a lan- guage, a game to search for coherence between pictorial and experiential processes.
Concepts such as chance and serendipity are embraced as a method to approach the process; an attempt to get away from the idea of the result as something planned and projected.
The trace as gestural extension of the body; the emptiness as a generator of transformations; the brightness and the light; all these features make the process becomes one of the main values for his work, as a result of that creative development.
CAPI CABRERA
(Las Palmas de Gran Canaria, España, 1983) se balancea entre el contraste de materiales industriales con acabados superficiales como el acetato, el metacrilato o el caucho artificial y la calidez del gesto y su expresión. El uso de estos materiales y la posibilidad de transformación, implican un desapego de la imagen final, de la obra. Predominando un claro posicio- namiento sobre el valor, la importancia de los procesos y la investigación que pasan a ser más importantes que el resultado final.Siendo imposible entender la pintura sin la espera.
Los procesos creativos relacionados con la abstracción y mecanismos no referenciales permiten a Capi Cabrera encontrar un modo de expresión, un lenguaje, un juego donde estar atento a los hallazgos y una búsqueda de coherencia entre los procesos pictóricos y vivenciales.
Conceptos como el azar y la serendipia, son abrazados como un método de acercamiento a los procesos; un intento de alejarnos de la idea del resultado como algo previsto y planificado.
La huella como extensión gestual del cuerpo; el vacío como elemento generador de transformaciones; el brillo y la luz; hacen que lo procesual se convierta en uno de los principales valores para la obra en consecuencia de ese devenir creativo.
CAPI CABRERA Espera 015 (diptych), 2018 Synthetic and acrylic paint on methacrylate 120 x 180 cm
CAPI CABRERA Lava 004, 2018 Synthetic and acrylic paint on methacrylate 120 x 90 cm
CAPI CABRERA Lava 005, 2018 Synthetic and acrylic paint on methacrylate 120 x 90 cm
CAPI CABRERA Tensión en rojo 002, 2018 Synthetic and acrylic paint on methacrylate 120 x 90 cm
HELENA TORAÑO
(Llanes, Spain, 1984) The painting that was her childish passion has become its main dedication, which has manifested itself in a wide variety of formats. In 2014, she was awarded with the Asturias Young Prize of Plastic Arts for her composition “Las Cosas”; In 2015, had place her solo exhibition “Buen Otoño nos espera”, and in 2016 she was represented by the Gema Llamazares Gallery, participating in several national fairs such as Art Marbella, Oviedo Art Fair or JustMad7, where her works“Ni lo sueño” was selected for the Pilar Citoler Foundation Young Collector Prize.
In 2017 she presented in Madrid her solo exhibition “Las horas libres” at the Utopia Parkway Gallery. This same year Helena held her most ambitious exhibition to date “Top Secret” in Gema Llamazares Gallery, Gijón, which covered different media: canvas, installa- tion and video. In 2018 she opened her exhibition “Viento favor” for Art Mustang in Valencia, and has also been part of the collective
“#Stories” in the 6th Art Gallery of Palma de Mallorca.
More recently, in October 2018, she was awarded with the Second Prize of the XIV National Painting Contest Casimiro Baragaña, Pola de Siero, Spain, for her work “Luz de invierno”, and she has participated with the series “Los ojos cerrados, la mente sin prisa” at the Oviedo Art Fair with Gema Llamazares Gallery.
Her work surprises by the colors, her clear pop influence, and her continuous references to cinema and music of the sixties and se- venties, and a way of looking that, despite appearances, is never naïve.
HELENA TORAÑO
(Llanes, España, 1984) La que fuera una pasión infantil se ha convertido en su principal dedicación, que se ha manifestado en una amplia variedad de formatos. En el 2014 fue galardonada con el Premio Asturias Joven de Artes Plás- ticas, por su composición “Las Cosas”; en 2015 tuvo lugar su exposición individual “Buen Otoño nos espera”, y en el año 2016 pasa a ser representada por la Galería Gema Llamazares, participando en varias ferias nacionales como Art Marbella, la Feria Arte Oviedo o JustMad7, donde su obras “Ni lo sueño” fue seleccionada para el Premio Pilar Citoler al Coleccionista Joven.En 2017 se presentó en Madrid en una exposición individual “Las horas libres”en la Galería Utopía Parkway. Este mismo año Helena llevó a cabo su exposición más ambiciosa hasta la fecha “Top Secret” en Galería Gema Llamazares, Gijón, en la que abarcó diferen- tes soportes: lienzo, instalación y vídeo. En 2018 inauguró su exposición “Viento favor” para Art Mustang en Valencia, y también ha formado parte de la colectiva “#Stories” en la 6a Galería d’art de Palma de Mallorca.
Mas recientemente, en octubre de 2018 ha sido galardonada con el Segundo Premio del XIV Certamen Nacional de Pintura Casimiro Baragaña, Pola de Siero, España, por su obra “Luz de invierno”, y ha participado con la serie “Los ojos cerrados, la mente sin prisa”
en la Feria Arte Oviedo de la mano de la Galería Gema Llamazares.
Su trabajo sorprende por los colores, su clara influencia pop, y sus referencias continuas al cine o la música de la década de los se- senta y setenta, y una mirada que, pese a las apariencias, jamás es ingenua.
HELENA TORAÑO Entresemana, 2017 Acrylic on canvas 116 x 89 cm
HELENA TORAÑO Llamada perdida, 2017 Acrylic on canvas 73 x 54 cm
HELENA TORAÑO
¡Escríbeme!, 2018 Acrylic on canvas 100 x 81 cm
HELENA TORAÑO
¿Por qué te vas?, 2018 Acrylic on canvas 100 x 81 cm
YUTAKA MORI
(Tokyo, Japan 1986) is a young Japanese artist who attracted to sculpture by Chillida, Oteiza and Gaudí travels to northern Spain around Barcelona, Basque Country and Asturias, where he finally sets up by entering into Oviedo Art School.In the beginning, he starts doing a research on different mediums such as paper, wood or canvas until he immerses himself in crea- ting unique pieces in which, you’re firstly attracted by plastic beauty, but where the artist creates something much more complex converging architecture, painting, sculpture and mathematics.
His work is little known, although his creations are conceived with a beautiful delicacy and are of great aesthetic quality. Having clear Japanese influences, in Yutaka’s work colour is perceived subjectively by the viewer depending on the distance from which the creation is seen. Different levels of paper produce a vision interlaced with colour. His pieces are dynamic and optically pleasing, as well as being charged with a poetic meaning beyond a simple game of perception. Even though showing his work meant for him total nakedness, Gema Llamazares Gallery convinces him in 2014 to present his pieces to JUSTMAD5 Art Fair’s proposal.
From that moment on, his success is so overwhelming that his career takes off in a meteoric manner, including his name among im- portant exhibitions, international art fairs and becoming part of renowned public and private collections.
YUTAKA MORI
(Tokio, Japón 1986) es un joven creador que atraído por la escultura de Chillida, Oteiza y Gaudí viaja al norte de España recorriendo Barcelona, País Vasco y finalmente Asturias, donde se establece como artista ingresando en la Escuela de Artes de Oviedo.En un principio comienza a trabajar investigando en distintos soportes como el papel, la madera, el lienzo, hasta que se sumerge por completo en crear unas obras únicas en las que al principio solo te atrae la belleza plástica, pero en las que el artista crea algo mucho más complejo entremezclando la arquitectura, la pintura, la escultura, las matemáticas e incluso, la música.
Desconocido para una mayoría, Yutaka ha conseguido un trabajo de extraordinaria delicadeza visual. A través del color y el papel juega con la percepción de la pieza, obligando al que mira a acercarse y moverse en torno a la obra para captar
toda su esencia. Creador de unas piezas delicadas en su concepción y de gran calidad estética en su resolución. Con una evidente influencia del papel japonés y toda la importancia que este tiene en la cultura oriental, Yutaka crea unas obras en las que el color queda a merced de la percepción del que mira según su cercanía o lejanía a la pieza. Distintos planos de papel que provocan una visión interferida con el color, siendo sus piezas dinámicas y muy ópticas, cargadas de una poética visual importante. A pesar de su recelo a la hora de mostrar sus obras, la Galería Gema Llamazares consigue convencerle a principios de 2014 para presentar sus piezas en la Feria de Arte Contemporáneo JUSTMAD5.
A partir de este momento, el éxito es tan arrollador que su carrera despega de manera meteórica incluyendo su nombre en importantes exposiciones, ferias internacionales y pasando a formar parte de prestigiosas colecciones públicas y privadas.
YUTAKA MORI Untitled, 2015 Acrylic on canvas and paper 30 x 30 cm
YUTAKA MORI Untitled, 2015 Acrylic on canvas and paper 60 x 60 cm
YUTAKA MORI Untitled, 2015 Acrylic on canvas and paper 30 x 30 cm
YUTAKA MORI Untitled, 2015 Acrylic on canvas and paper 30 x 30 cm
For more information, please contact with [email protected]
Instituto, 23 33201 Gijón, Spain T. (34) 984 197 926 www.gemallamazares.com