UNIVERSIDAD TECNOLOGICA EQUINOCCIAL
FACULTAD DE ARQUITECTURA, ARTES, DISEÑO,
ESCUELA DE RESTAURACION Y MUSEOLOGIA
TESIS PREVIA LA OBTENCIÓN DEL TÍTULO DE
LICENCIADO EN RESTAURACION Y MUSEOLOGIA
“Estudio de las técnicas, materiales y revisión
estilística de un pintor precursor del indigenismo
ecuatoriano: Camilo Egas”
José Ricardo Martínez Gallegos
Director de Tesis: MSc. Marco F. Rosero Bedoya
II DECLARATORIA
Los contenidos vertidos en cada uno de los capítulos del trabajo de investigación que se pone a consideración, son de exclusiva responsabilidad de su autor, José Ricardo Martínez Gallegos.
José Ricardo Martínez Gallegos
III CERTIFICACIÓN
Certifico que el presente trabajo de investigación, “Estudio de las técnicas, materiales y revisión estilística de un pintor precursor del indigenismo ecuatoriano: Camilo Egas”, fue desarrollado por su autor, Ricardo Martínez, bajo mi dirección y supervisión
IV DEDICATORIA
A Dios por bendecirme, iluminarme y darme las fuerzas para cumplir los
objetivos que he trazado en mi vida.
Con gran amor, este trabajo está dirigido a mi madre mi mayor inspiración, a mi
padre por acompañarme en cada momento de mi vida, a mi madrina quien me
formó como profesional y me enseñó lo importante de dar lo mejor de mí en
V AGRADECIMIENTO
A la Facultad de Arquitectura, Artes y Diseño, y en especial a todos los
docentes de la carrera de Restauración y Museología por su generosidad y
conocimiento transmitido día a día; a mi Director de tesis Msc. Marco Rosero
Bedoya por su generosidad, paciencia y ser mi guía durante toda la
investigación realizada.
A mis amigos que con su apoyo, buen ánimo y energía, supieron transmitirme
VI RESUMEN
Camilo Egas considerado como el precursor del indigenismo quien trata por
primera vez el tema indígena en conjunto con sus creencias, vitalidad y fuerza;
involucrado en la problemática social de manera ideológica pero nunca
relacionado a la política.
Los reconocimientos por su labor artística son varios entre los que adquiere
premios y menciones de honor, expone en galerías nacionales e
internacionales, mantiene relación con artísticas importantes de su época y que
han trascendido en la historia como: Picasso, Modigliani, Orozco, entre otros.
El estudio de las técnicas, materiales y revisión estilística de la obra de Egas,
nos ayuda a comprender integralmente la obra y analizarla desde sus diferentes
aspectos compositivos, parte fundamental de este estudio es facilitar el acceso
VII ABSTRACT
Camilo Egas is considerated the precursor of the Indigenist Movement. He
attends for the first time the indigenous theme joined with his beliefs, vitality and
strenght; involved in the social problems in an ideologic way but never related to
politics.
The recognitions for his artistic labor are several. He received awards and honor
mentions, he exposed in nacional and internacional galleries and maintained
relations with important artists of his period that had transcended in history like:
Picasso, Modigliani, Orozco, among others.
The study of the techniques, materials and the stylistic review of Egas life’s
work, help us to fully understand his individual work, and to analize it from their
different compositional aspects.
An important part of this study is to facilitate the access to this information in a
VIII
ÍNDICE
CARATULA ... I
DECLARATORIA ... II
CERTIFICACIÓN ... III
DEDICATORIA ... IV
AGRADECIMIENTO ... V
RESUMEN ... VI
ABSTRACT ... VII
INTRODUCCIÓN ... - 1 -
TÍTULO ... - 2 -
PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA ... - 2 -
OBJETIVO GENERAL ... - 3 -
OBJETIVOS ESPECÍFICOS ... - 3 -
JUSTIFICACIÓN ... - 3 -
MARCO TEÓRICO. ... - 4 -
TIPO Y DISEÑO DE LA INVESTIGACIÓN ... - 7 -
HIPÓTESIS ... - 7 -
1. INTRODUCCIÓN AL ESTUDIO DE LA OBRA DE ARTE Y EL SIGLO XX - 8 - 1.1 Ver la obra de arte antes de mirarla ... - 8 -
1.1.1 Significado de la obra de arte ... - 8 -
1.1.2 El valor de la obra de arte en su época y en el tiempo... - 12 -
1.1.3 La vigencia de la obra ... - 14 -
1.2 Aprender a mirar y conocer ... - 14 -
1.2.1 Mirar para ver ... - 14 -
1.2.2 Los procedimientos artístico ... - 15 -
1.2.2.1 Forma... - 15 -
IX
1.2.2.3 Movimiento ... - 18 -
1.2.2.4 Luz ... - 19 -
1.2.2.5 Expresión ... - 21 -
1.2.2.6 Proporción ... - 22 -
1.2.2.7 Tensión ... - 24 -
1.2.2.8 Espacio ... - 25 -
1.2.2.9 Síntesis y composición... - 26 -
1.3 El signo y el significado... - 29 -
1.3.1 El arte como símbolo ... - 29 -
1.3.2 Arte e Historia ... - 30 -
1.3.3 Arte y sociedad... - 31 -
1.3.4 Arte y religión ... - 31 -
1.4 Teoría e historia del arte ... - 32 -
1.4.1 El arte a través de la historia ... - 32 -
1.4.2 Las tendencias historiográficas ... - 33 -
1.4.3 La obra de arte y su época ... - 34 -
1.5 El siglo XX, vida y obra de Camilo Egas ... - 34 -
1.5.1 La Ruptura Academicista en las Artes ... - 34 -
1.5.2 El cambio conceptual del arte ecuatoriano en el siglo XX ... - 35 -
1.5.3 La escuela de Bellas Artes y su impacto ... - 37 -
1.5.4 Camilo Egas ... - 38 -
1.5.5 Viajes y vanguardias ... - 40 -
1.5.6 Versatilidad artística ... - 45 -
2 ESTUDIO CRONOLÓGICO Y TÉCNICO DE LA OBRA ... - 50 -
2.1 La obra ... - 50 -
2.1.1 La técnica y la naturaleza del soporte ... - 51 -
2.1.2 Línea y color ... - 51 -
X
2.2 La obra matérica. ... - 60 -
2.2.1 Estratigrafía y composición química. ... - 62 -
2.3 Camilo Egas y su obra ... - 63 -
2.3.1 El impresionismo ... - 63 -
2.3.2 Análisis de la obra del Museo Camilo Egas ... - 63 -
2.3.3 Figura Indígena ... - 64 -
2.3.4 Expresionismo ... - 81 -
2.3.5 Surrealismo análisis de las obras ... - 91 -
2.3.6 Abstraccionismo, Cubismo análisis de las obras ... - 104 -
3 Caracterización de la obra de Camilo Egas con miras a su conservación, difusión y promoción. ... - 114 -
3.1 Propuesta educativa del Museo Camilo Egas ... - 114 -
3.1.1 Criterio de curaduría ... - 115 -
3.1.2 El barrio de Santa Bárbara y el Sistema Metropolitano de Museos y Centros Culturales (Simmycc) ... - 117 -
3.2 En busca de propuestas museísticas ... - 119 -
3.2.1 Los talleres y las propuestas educativas del Museo Camilo Egas en el año 2011 ... - 120 -
3.2.2 Herramientas complementarias de gestión educativa en el Museo Camilo Egas ... - 123 -
3.3 Propuesta de libro interactivo ... - 123 -
3.3.1 Diseño de un libro virtual interactivo ... - 124 -
CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES ... - 125 -
Conclusiones. ... - 125 -
Recomendaciones. ... - 126 -
Bibliografía. ... - 127 -
ANEXOS ... - 129 -
XI
PLANTILLA DE ENTREVISTA ESTRUCTURADA, A LORENA CISNEROS, CURADORA DEL MUSEO CAMILO EGAS. ... - 136 -
ENTREVISTA A LORENA CISNEROS, CURADORA DEL MUSEO CAMILO EGAS. ... - 138 -
- 1 - INTRODUCCIÓN
Camilo Egas, es un artista ecuatoriano precursor del indigenismo, posee un
bagaje de obras, ricas en técnica, concepto y versatilidad, posee un trabajo
digno de ser difundido y usado a su vez como elemento educativo, para
comprender de esta forma las técnicas artísticas empleadas por este.
La obra y trascendencia de Egas, a pesar de ser amplia es desconocida en su
país, aún con las gestiones realizadas por el Banco Central del Ecuador que
adquirió sus obras y creó el museo con su nombre en un principio y en la
actualidad el Ministerio de Cultura quien está a cargo de su reserva y gestión
cultural.
Por las razones antes mencionadas este trabajo plantea, realizar un estudio
acerca del arte en general y haciendo énfasis en el siglo XX que influencia
directamente en la obra de Egas, además de brindar procedimientos para la
comprensión de la obra de arte, desde todos los aspectos que la componen,
físicos y conceptuales.
El estudio cronológico de la obra de Egas, presente en este texto, nos permitirá
reconocer aspectos importantes como, su vida e influencia alrededor de sus
experiencias y sentires; de esta forma apreciaremos su versatilidad a través de
- 2 -
abstraccionismo además de las distintas composiciones cromáticas y
compositivas que emplea para resolver cada una de estas corrientes artísticas.
La puesta en valor de los aspectos antes mencionados, pretende concluir con la
elaboración de una herramienta complementaria al plan educativo del Museo
Camilo Egas, que promueva la conservación y promoción del patrimonio cultural
ecuatoriano a través de un ejemplo práctico, empleando lo aprendido en este
texto.
TÍTULO
“Estudio de las técnicas, materiales y revisión estilística de un pintor precursor
del indigenismo ecuatoriano: Camilo Egas.”
PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA
Ecuador es un país que posee un amplio inventario artístico, patrimonial, el
mismo que presenta ciertas privaciones al público en general, por lo cual son
necesarias nuevas herramientas de educación en torno a los museos, de fácil
acceso y difusión, para evidenciar el patrimonio ecuatoriano y el trabajo de
profesionales en esta rama.
Partiendo de esta idea es necesario difundir y simplificar algunos contenidos
investigativos para la fácil y práctica recepción de conocimientos y contenidos
- 3 -
La difusión y puesta en valor del trabajo artístico de maestros como Camilo
Egas, es necesaria pues su vida y obra trascienden e influencian directamente
en la plástica social ecuatoriana. Aun con todo este valor patrimonial su labor es
desconocida para muchos, por ello es obligación realizar una recopilación de la
obra y realizar un estudio especializado para una posterior socialización
didáctica y de fácil acceso a la obra de Egas.
OBJETIVO GENERAL
Realizar un estudio de la vida y obra de Camilo Egas, a través de metodologías
del estudio del arte, para dar forma lógica a una herramienta didáctica y digital
de fácil acceso para el público.
OBJETIVOS ESPECÍFICOS
• Investigar procedimientos para la comprensión de una obra de arte y
comprender la influencia artística del siglo XX
• Identificar la cronología y características sobresalientes de la obra de
Camilo Egas, partiendo de una muestra tomada del Museo Camilo Egas.
• Proponer y realizar una herramienta digital complementaria a la gestión
educativa del Museo Camilo Egas.
JUSTIFICACIÓN
Es necesaria una herramienta de fácil acceso y comprensible de una forma
- 4 -
encontremos una estrategia de fácil difusión para contenidos importantes como
la vida y obra de Camilo Egas artista pilar en la plástica ecuatoriana, versátil,
nunca ajeno a la problemática social y fiel a una visión particular del arte como
identidad y como vehículo de denuncia.
La particularidad de la obra del maestro Egas, se basa en que a lo largo de su
vida y trabajo experimenta con distintos tipos de estilos pictóricos, analizando
de forma didáctica los estilos practicados por Egas se puede llegar a un fin
educativo, pues al estudiar al artista y su obra también podremos entender y
adentrarnos en aspectos como: historia, técnicas y estilos pictóricos, la
importancia de este proyecto radica en la versatilidad de su obra como aspecto
didáctico educativo y transformarlo a un medio digital de difusión.
MARCO TEÓRICO.
Esta investigación toma como referente publicaciones y libros de distintos
autores que aportan información sobre la biografía y trayectoria artística de
Camilo Egas; así como herramientas para poder observar una obra de arte
dentro de todos los aspectos que la componen.
Para remitirme a conceptos artísticos y el arte en el ecuador en el siglo XX
- 5 -
“Introducción al Método Iconográfico” de Manuel Castiñeiras (2005), en el que
se habla acerca de una descripción objetiva y comprender el significado de los
elementos que componen la obra de arte.
“El significado en las artes visuales” de Erwin Panofsky (1855), en el que nos
acerca al arte mediante ejemplos prácticos, analizando el arte a través de la
historia.
“Teoría y Metodología de la Historia del Arte” de José Fernández (1984), en el
que encontramos conceptos acerca de la importancia de la historia del arte y su
evolución en la historia como disciplina social.
“El significado del Arte” de Read Herbet (1973), aquí encontramos conceptos
relacionados a todos los elementos que componen a una obra de arte y a
utilizarlos como herramientas para comprenderla.
“El siglo XX de las artes visuales en Ecuador” de Hernán Rodríguez (1988), Nos
habla acerca de las generaciones de artista ecuatorianos del siglo XX, además
de las circunstancias por las que atraviesan.
“La pintura ecuatoriana del siglo XX” de José Alfredo Llerena (1942), Nos habla
acerca de las circunstancias sociales, políticas por las que pasa el arte y los
- 6 -
En cuanto a la investigación biografía de Camilo Egas, pintor ecuatoriano
(1889-1962), tomaré como referencia algunos libros y artículos:
“Difusión Cultural Revista del Banco Central” donde participan varios escritores
que aportan a esta investigación datos históricos importantes como son: Nicolás
Kigman, Carmen Ponce, Magdalena Gallegos, Agustín Armas, Raúl Andrade
(1986), donde se trata temas como: Tránsito y Presencia de Camilo Egas,
Cronología, Su Estudio Estético.
“Revista Anaconda Cultura y Arte” donde aportan sus conocimientos Trinidad
Pérez, Carlos Rojas (2006), si se trata temas como Camilo Egas del
Indigenismo al Arte Actual.
“Revista Diners” artículo de Hernán Rodríguez (1993), donde encontramos una
artículo interesante acerca del tratamiento estético de Camilo Egas y su
influencia artística
Finalmente para la investigación de la propuesta educativa y su vinculación con
la comunidad y la nueva museología, me remitiré a artículos y libros:
“El museo como instrumento de aprendizaje” de Lucia Astudillo (1988), libro que
nos habla acerca del museo como una institución de educación no formal y las
- 7 -
“Catálogo Museo Camilo Egas” de autor desconocido (2003), donde se detalla
la función del museo sus ejes educativos además de la gestión del museo y una
cronología de la obra de Camilo Egas.
TIPO Y DISEÑO DE LA INVESTIGACIÓN
En esta investigación cuyo propósito es recopilar y estudiar de forma
metodológica la obra de Camilo Egas, para proponer una herramienta digital
complementaria al plan educativo del museo, se ha elegido el método
deductivo, mediante este tomaremos la hipótesis como referente para
enfocarnos en la investigación de una manera objetiva; un instrumento de
investigación será la entrevista estructurada, donde podremos evidenciar los
ejes sobre los que se desarrollan los contenidos del Museo Camilo Egas.
HIPÓTESIS
Se platea demostrar que es posible crear una herramienta educativa digital a
partir de una investigación técnica y estilística, con la que podemos rescatar el
patrimonio material e inmaterial, pretendiendo crear ciudadanos responsables y
comprometidos con el patrimonio y que a su vez se difunda de esta forma la
- 8 - CAPÍTULO I
1. INTRODUCCIÓN AL ESTUDIO DE LA OBRA DE ARTE Y EL SIGLO XX
1.1 Ver la obra de arte antes de mirarla
1.1.1 Significado de la obra de arte
Para realizar el análisis de una obra de arte es esencial el contenido temático o
significado de la obra en especial cuando se trata de la imagen, para
comprenderla en relación a la historia y contexto cultural.
Debemos tener claros dos conceptos que son: la forma y el significado o
contenido temático; forma, es todo aquello que podemos apreciar a partir de lo
que nos comunican los sentidos directamente como la materia de la que está
constituida una obra, el colorido, la organización de los elementos que la
conforman, vienen a constituir aquello que podemos entender como aspectos
formales. El significado o contenido temático es todo aquello que las formas nos
comunican y para cuyo conocimiento se precisa algo más que el acto sensorial.
(Read, 1973: 17).
Para ilustrar los conceptos antes evidenciados, tomemos por ejemplo: una
imagen de la Virgen María en prima instancia identificaremos, la imagen de una
- 9 -
lectura más profunda y comprensiva identificando atributos de la imagen que
hacen referencia a la Virgen María con el Niño Jesús, haciendo referencia
ahora al significado o contenido temático; el análisis de una obra de arte
necesita seguir un orden pues es un método preciso y ya establecido de esta
forma también podríamos referimos a la Pre-iconografía y a la Iconografía.
Para entender una obra de arte es necesario comprenderla desde todos sus
aspectos más importantes para lo podemos usar tres fases de análisis las
cuales son:
• Localización.
• Análisis formal.
• Aproximación al significado.
Localización.
El primer aspecto que tomaremos en cuenta es su localización, aquí deben ser
definidos los siguientes aspectos: identificación del autor y título de la obra,
localización geográfica, localización temporal. La localización previa
proporciona una útil plataforma de referencia que permite obviar aspectos
repetitivos.
- 10 -
El análisis formal afecta principalmente a dos aspectos: los materiales y los
estilísticos, en el caso que se tratara de una obra pictórica, escultórica o dentro
de otra arte plástica, se analiza al objeto artístico como una forma clasificable;
así tenemos a continuación un ejemplo de análisis a una obra figurativa:
Materiales y técnica: Lo primero que se considera es el soporte en el caso de
una pintura al óleo será: lienzo, yute, madera, etc., en el caso de una escultura
podría ser: madera, bronce, piedra etc.
En el caso de la técnica es el proceso de dar forma a las figuras, en el caso de
la pintura por tomar algunos ejemplos sería: al pincel, a la espátula, grabado,
aerógrafo, entre otras, no se debe confundir con las técnicas pictóricas como:
óleo, temple, acuarela. En cuanto a la escultura podría ser: modelado y
fundición en bronce, talla en madera, en mármol, etc.
Aproximación al significado.
Podríamos definir por significado todo aquello que tiene que ver entre la
vinculación de la obra de arte con el entorno histórico y cultural en donde es
creada. Se trata de comprender la obra de arte en relación con la actitud de un
grupo, de una nación, un período, una creencia religiosa o filosófica, los cuales
han sido cualificados consciente o inconscientemente por el artista y plasmados
- 11 -
A partir de lo antes señalado concluyo que el objetivo principal de la
interpretación de una obra es comprender el contenido, es decir aquello que
complementa la imagen con un significado.
Para le interpretación de una obra de arte, podemos recurrir al siguiente método
de interpretación: temático natural o primario y contenido iconográfico o
secundario (Panofsky, 1987: 47).
Contenido temático natural o primario:
Se relaciona directamente con análisis formal, por ejemplo me refiero a una
figura masculina desnuda, sedente, vestido de cierta forma específica sin
referirme aun a un análisis más simbólico.
Contenido iconográfico o secundario:
Se trata de un significado que busca características de lenguaje artístico, este
contenido lo percibimos al identificar elementos que se atribuyen a un lugar,
persona o santo por ejemplo si observamos una figura masculina con llaves lo
relacionamos a San Pedro. La iconografía en sentido estricto, es la descripción
de las imágenes, es la definición de lo que trata la obra.
Significado intrínseco o contenido:
Aquí se tratará de interpretar o hacer comprensible la obra en el plano histórico,
- 12 -
hacerse desde dentro de la obra; se trataría de comprender la obra de arte y
sus valores como un hecho cultural.
1.1.2 El valor de la obra de arte en su época y en el tiempo
Existen algunos aspectos que es necesario considerar para valorar una obra de
arte de los que mencionaremos los siguientes:
Valoración Estilística.
El estilo se construye a partir de la forma, es un conjunto de formas que se
interconexionan para crear un todo; este todo da lugar a los estilos como:
griego, romano, gótico, clásico, neoclásico, etc. El estilo responde a una época;
a través de él podemos reconocer y explicar las obras de un artista (Read,
1973: 22).
Dicha valoración también contempla hechos como la composición que será la
manera de distribuir los distintos elementos en el espacio bidimensional de un
cuadro, o tridimensional de una escultura, además de otros como el uso del
color, la luz, la perspectiva.
La antigüedad.
La reflexión histórica nos obliga a considerar el valor antiguo de un objeto
- 13 -
ha construido todo el comercio del arte de los anticuarios; No debe confundirse
la antigüedad con la historicidad de un objeto; la antigüedad, es un valor
cronológico y la historicidad, es un valor cultural, que se vincula con un
acontecimiento.
Al valor de antiguo se une otras consideraciones como: la procedencia del
objeto, por razón de su propietario o cultura excepcional o rara; el exotismo y la
rareza en cuanto a la poca frecuencia del tipo o modelo, la serie o pertenencia a
un conjunto completo o no, la integridad y conservación del objeto. Estas
consideraciones son valoraciones, sobre todo, de tipo mercantil y comercial.
El valor histórico será dado por los acontecimientos que envuelven al objeto,
refiriéndonos a su creador, época y circunstancias en la que fue concedido,
aquí también puede incluirse el valor estético.
La autoría.
Trata del reconocimiento o identificación del autor del objeto, con firma o sin ella
la valoración aumenta en relación al autor, es decir mientras mayor la
trascendencia artística del creador mayor el valor.
Maestro, taller, escuela son valores y referencias que la autentifican o anulan a
una obra de arte.
- 14 -
En el sentido de comercio depende de todos aspectos antes mencionados e
incluso más; pues no todas las obras se pueden valorar en cuanto a precio
desde los mismos puntos de referencia, siempre existirá un aspecto como:
estética, antigüedad, autoría, que pese uno más que el otro en sentido de
valoración monetaria.
La obra de arte, en su verdadero sentido, nada tiene que ver con el precio,
porque no tiene valor de compra. La historia del arte en contradicción con el
comercio del arte se ha fundamentado sobre valoraciones distintas: el arte tiene
valor cultural, estético e histórico.
1.1.3 La vigencia de la obra
Es el nexo con los aspectos históricos y sociales de una época; la vigencia de
una obra será otorgada por los valores estéticos y contextuales que la
componen, dándole así trascendencia e importancia en la historia.
1.2 Aprender a mirar y conocer
1.2.1 Mirar para ver
Mirar una obra de arte nos llevan a una interpretación, que puede ser objetiva
- 15 -
importancia, pues el arte es una interpretación individual entre el artista-obra y
entre obra-espectador.
La obra de arte representa una imagen que se logra a través de la mezcla o
unidad de distintos elementos que integran lo que llamamos composición, estos
son líneas, volumen, áreas, color, valores, equilibrio, proporción, ritmo, énfasis
(Read, 1973: 46).
Lo que hace que un trabajo artístico se convierta en una obra de arte, lo va a
representar la cualidad en como el artista compone todos los elementos
unificados.
Esto es logrado a través de una estructura adecuada al mensaje o a lo que
quiere comunicar el artista, el espectador interpretará, lo observado ya sea de
manera racional, intelectual o emocional.
1.2.2 Los procedimientos artístico
Se trata de la forma particular que posee un artista para resolver una obra de
arte y están relacionados a las distintas técnicas de las que se podrá valer un
artista para lograr transmitir un mensaje o reproducir una escena u objeto,
dentro de este aspecto podrá también estar la personalidad artística que se
plasma dando un carácter propio y personal a la obra.
- 16 -
Las formas pertenecen al universo de las dos o tres dimensiones. El arte de las
formas consiste, por tanto en transformar la materia (barro, mármol, madera) o
el espacio para expresar ideas, sentimientos, o simplemente suscitar en el
espectador un placer estético (Read, 1973: 58).
Fotografía 1 Cabeza de Amorgos, escultura en mármol, S. III a.C.
Fuente: http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/7848.htm Autor: Anónimo
Fotografía 2
El pensador, escultura en bronce, 1840.
Fuente: http://www.musee-rodin.fr/es/colecciones/esculturas/el-pensador-0 Autor: Auguste Rodin.
- 17 -
En el arte el color no es exclusivamente en recurso decorativo, al hablar de
color se debe distinguir entre dos conceptos: el color-luz y el color-pigmento; el
primero corresponde a la disciplina científica, en el que destacan los
descubrimientos de Isaac Newton, donde menciona que la luz se compone de
longitudes de onda, que se perciben como rayos, cuando estos rayos se
refractan a través de un prisma se puede observar siete colores distintos que
corresponden a los del arco iris: rojo, anaranjado, amarillo, el verde, azul, azul
oscuro y el violeta.
El color-pigmento, refiere a las técnicas y a la teoría del color desde el punto de
vista pictórico, los pigmentos proceden de tierras, minerales o sustratos de
vegetales o animales y un aglutinante que disuelto en el pigmento determina la
técnica pictórica, el aglutinante determina cohesión y adhesión puede ser un
aceite, una proteína o cualquier otro.
El círculo cromático dispone la gama en primarios, secundarios y terciarios. Los
colores según los dispongamos producen distintas sensaciones.
Fotografía 3 El baño en Asnieres, 1884.
Fuente: http://fcalzado.es/impresionismo/xhtml/04neoimp/04b2.html
- 18 -
En la anterior obra podemos apreciar la técnica del puntillismo que mezcla por
ilusión óptica, el color ya no se realiza en la paleta del artista, sino en la retina
del espectador, este acaba amalgamando la infinidad de colores superpuestos
en pequeños puntos.
Partiendo de estas ideas se define que el color de los cuerpos no es una
propiedad de ellos, sino que depende de la naturaleza y de la luz que reciben;
la percepción de un color o de otro se logra debido a una propiedad física de la
luz.
1.2.2.3 Movimiento
Si nos detenemos a observar varias obras de arte sea pictóricas, esculturas,
etc., nos daremos cuenta que hay unas que son lentas, y tranquilas; otras muy
nerviosas y muy dinámicas, unas producen sensaciones estáticas y otras
sensaciones dinámicas. En las obras que nos producen una sensación estática
predominan rasgos como la verticalidad o la horizontalidad, al contrario de
estas, las que nos producen sensaciones dinámicas poseerán rasgos curvos o
variaciones de tamaños.
- 19 -
Fuente: http://deplatayexacto.com/2011/04/13/naturaleza-muerta-con-limones-naranjas-y-una-rosa-francisco-de-zurbaran-1633/
Autor: Francisco Zurbarán.
Esta obra nos muestra una naturaleza muerta del barroco español, que nos
invita a la contemplación y el reposo. Obras silenciosas, sencillas, composición
de absoluto orden horizontal y simétrico, claro ejemplo de ritmo estático.
Fotografía 5 La noche estrellada, óleo sobre lienzo, 1889.
Fuente http://www.vangoghgallery.com/es/pinturas/noche-estrellada.html Autor: Vincent Van Gogh.
Noche estrellada, expresa un momento de la existencia del pintor, se trata de
una noche no precisamente de sensación de reposo, sino por el contrario de
una noche en movimiento, muy agitada, claro ejemplo de cómo la mirada del
artista está condicionada por un estado de ánimo, se siente inquieto y alterado,
pinta una noche cambiante a partir de torbellinos que giran en direcciones
opuestas.
- 20 -
El artista recurre a la luz y la representa en el claro oscuro que ha sido la forma
plástica que mejor ha permitido expresar a los artistas sus conocimientos
acerca de la luz, el contraste blanco y negro expresa gran voluntad expresiva y
volumetría.
El claro oscuro permite al artista representar la forma de un objeto mediante el
juego de luces y sombras, emplea gama de luces que van desde el blanco para
zonas muy luminosas hasta los oscuros de las sombras representadas por el
negro.
Fotografía 6 La Cena de Emaús, óleo sobre tela, 1596-1602. Fuente:
http://www.viajeporlondres.com/londres/museos/nationalgallery/pinturas/emaus.html Autor: Caravaggio.
Esta obra representa la bendición del pan y restantes alimentos por Jesús,
inicia el llamado estilo tenebrista.
La luz es el fundamento principal de la imagen es el componente que otorga
- 21 -
Durante el siglo XX la luz como elemento se convierte en la obra en sí misma,
pues aparece un sentido de preocupación por su representación pictórica. En el
romanticismo y posteriormente, la luz había sido representada como concepto
pero no obtendrá un estatus de independencia hasta las segundas vanguardias,
donde la luz se convierte en el medio expresivo, el componente (la luz) se
convierte en objeto y el espectador se encuentra ante una comprensión estética
nueva y sorprendente.
1.2.2.5 Expresión
Toda obra de arte y su creador trata de expresar algo a través de su labor
artística del fruto de su talento. Al espectador corresponde el ser capaz de ver
que quiere transmitir en su obra el artista desde el punto de vista de la
expresión; veamos los siguientes ejemplos:
Fotografía 7 Dánae, óleo sobre lienzo, 1554.
Fuente: http://educacion.ufm.edu/wp-content/uploads/2013/05/Tiziano-Danae-recibiendo-la-lluvia-de-oro.jpg
- 22 -
El aspecto expresivo que más destaca es el sensual. Tiziano presenta a Dánae
ocupando gran parte de la composición, en posición de tres cuartos, no oculta
su sexo y su expresión y actitud de feliz abandono la muestran complacida y
consciente de lo que sucede.
Fotografía 8 Mujer y bicicleta, óleo sobre lienzo 1952. Fuente:
http://4.bp.blogspot.com/_NzIDVFgU08g/SigNmJpdXCI/AAAAAAAAAvs/0ecAcJSH9jQ/ s400/de+kooning+-+mujer+y+bicicleta.bmp
Autor: Willem de Kooning
Mujer y bicicleta, se trata de expresionismo abstracto, al que pertenecen Pollock
o Mark Rohko, trabajos que surgen del subconsciente, que dejan ver elementos
identificativos de una realidad deformada. Mujer y bicicleta es una obra que
destaca por la fuerza y tensión de su factura, fruto de un mundo desconocido
como el de la mente y pocos elementos racionales que le dan a la pintura un
significado primitivo y esencial.
- 23 -
Se entiende por proporción la relación equilibrada entre las partes y un todo.
Los dos cánones o relación de proporciones más conocidas en culturas
grecolatinas se deben a dos escultores Griegos Policleto V a.C. (7 ½) y Lisipo
IV a.C. (8)
Fotografía 9 Doríforo, escultura.
Fuente:
http://2.bp.blogspot.com/_onB4lmtWgk/Sg87qmauUXI/AAAAAAAACSs/nCb2ldn0B3o/s 400/canon_policleto.jpg
Autor: Policleto.
La escultura más difundida de Policleto es el Doríforo (El Canon) la altura total
del cuerpo corresponde a siete cabezas y media y para Lisipo 8 si sobre pasan
corresponde a proporciones de atletas, héroes o divinidades, como el Apolo de
Belvedere obra de Leocares.
El Greco emplea un canon desmesurado o desproporcionado que obedece a un
propósito habitual entre los artistas manieristas, cuerpos alargados muy
- 24 -
transmitir una sensación de elevación y espiritualidad de conformidad con la
temática.
El canon es una relación de medidas armónicas entre las partes que componen
un todo en una imagen.
1.2.2.7 Tensión
Es el resultado de dos fuerzas opuestas para ilustrar el ejemplo tomaré un arco
donde la cuerda genera la primera fuerza y la segunda fuerza la genera el brazo
colocando la flecha. Dichas fuerzas se contraponen en una obra generando la
captura de un movimiento en una escena.
Fotografía 10 El expolio, óleo sobre lienzo, 1600.
Fuente:
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:El_Expolio_del_Greco_Catedral_de_Toledo.jpg Autor: El Greco.
En esta obra podemos apreciar gran tensión; la acción plasmada representa el
- 25 -
vestiduras antes de ser crucificado, la intensidad del momento se manifiesta en
la multitud de personajes que con la direccionalidad de sus miradas y la
contraposición de sus gestos crean un desorden que contrasta con la serenidad
que transmite Cristo. Greco introduce además un elemento de orden en un
espacio vibrante y en continuo movimiento, el carmesí de su ropaje lo delata al
actuar este color como un nuevo elemento de contraste que se contrapone al
resto de la composición.
En cualquier representación artística siempre se plantea a la tensión como la
dirección de las líneas o formas, esta existente entre varios elementos formales
o lineales y el campo que los contiene, a través del cual las figuras son atraídas,
repulsadas o aquietadas provocando la sensación de movimiento o
desplazamiento. El fenómeno de tensión también puede actuar sobre las
formas, con factores como: el tamaño, la posición, el contraste, etc., tiende a
relacionar distintos elementos en una sola configuración.
1.2.2.8 Espacio
En el arte, espacio es el ámbito en el que se desarrolla la acción plasmada en la
obra; todo aquello que se sitúa en el interior del límite impuesto y las distintas
- 26 -
Fotografía 11 Anunciación, óleo sobre tabla, 1475.
Fuente: http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/4354.htm Autor: Leonardo Da Vinci.
Durante el Renacimiento la representación espacial es producto de la
inspiración. El jardín donde se encuentra la Virgen está perfectamente
representado y destaca por su extrema sensibilidad, donde destaca la línea del
horizonte, que indica la altura de los ojos del ángel también destaca un punto de
fuga. Todas las líneas oblicuas de la composición convergen en este punto,
curiosamente el punto de fuga es el centro de la escena.
1.2.2.9 Síntesis y composición
Síntesis.
En la siguiente obra de Rembrandt Van Rijn haremos una síntesis cuando
confirmaremos que el autor de la obra usó todos los procedimientos artísticos.
Color, luz, forma, movimiento, espacio, composición, expresión, proporciones y
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Fotografía 12 Hijo prodigo, óleo sobre tela.
Fuente:
http://www.artefamoso.com/graficos/img_articulos_adicionales/111200.JPG Autor: Rembrandt Van Rijn.
Composición.
Es el orden de formas y elementos en el espacio plástico (soporte). Cuando
existe una buena composición, los elementos guardan una perfecta armonía y
equilibrio, entre unos y otros se compensan y complementan mutuamente
Acerca de la composición, (Read, 1973: 36).
En obras bidimensionales podemos hablar de cuatro ejes que regulan las
normas compositivas, los ejes son un horizontal y un vertical, ambos ejes
dividen el espacio en cuatro cuadrados iguales dos superiores y dos inferiores,
la situación de las formas en relación con estos ejes hace que la obra sea o no
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Fotografía 13
El descendimiento de la cruz, Óleo sobre lienzo, 1614. Fuente:
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/53/Peter_Paul_Rubens_066.jpg Autor: Peter Paul Rubens.
En esta obra podemos demostrar que otros dos ejes desde el punto de vista
compositivo son los que unen los vértices, es decir las diagonales. Las flechas
indican la sensación ascendente o descendente que caracteriza la obra. Este
recurso fue aprovechado por artistas barrocos y románticos.
Como se aprecia, Rubens se apoya en una de las diagonales del cuadrado para
expresar visualmente la idea del descendimiento del cuerpo de Cristo de la
Cruz, la obra transmite la sensación de movimiento, reforzado por un ritmo en S
que sigue el dibujo de todo el grupo de personajes. Pero si existe un punto
predominante en la composición, ese es el punto central, donde se cruzan los
ejes, es como el punto de atracción en el que convergen todas las líneas del
- 29 - 1.3 El signo y el significado
Se refiere a los objetos que pueden ser dotados de un significado intrínseco y al
ser estos empleados en una obra de arte ayudan al contexto que envuelve la
obra estos serán usados de acuerdo a los conocimientos del artista y en base al
mensaje que pretende transmitir en el espectador.
Para poder apreciar y percibir los mensajes que pretende transmitir el artista es
necesario educar la sensibilidad crítica con respecto al arte se basa en
ejercicios de percepción de los elementos que componen una obra de arte de
manera aislada y total además de comprender los conceptos y circunstancias
que llevan al artista a crear esa obra, herramientas que más adelante veremos
detalladamente y nos ayudaran a la comprensión de la misma.
La capacidad de aprender está hecha de muchas preguntas, de una continua
búsqueda nunca satisfecha; de un sano sentido crítico, perder el miedo a lo
desconocido. Educar la sensibilidad artística no se trata de almacenar
conocimientos, sino pensar por sí mismos y ser capaces de buscar y encontrar
la información relevante para crear conceptos propios y con sentido.
1.3.1 El arte como símbolo
El símbolo sirve para representar determinados contenidos y posee formas
- 30 -
las cuales se asocian algunas ideas para dar algún sentido en particular. El
símbolo puede existir como un fenómeno de sustitución en el cual el elemento
retratado tiene por objetivo introducir formas en un nivel más profundo que la
forma misma en si representada.
Existen ejemplos de códigos icónicos, con valor casi universal, como por
ejemplo la paloma que simboliza la paz, no obstante el símbolo puede ser
invisible cuando no se tiene un bagaje cultural que permita su interpretación,
por lo tanto exige una base cultural común a fin de que la imagen o la palabra
logren el contenido de expresar el concepto que pretenden mostrar a una
sociedad.
1.3.2 Arte e Historia
El arte de manera general es entendido como cualquier actividad o producto
realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, mediante
la cual se expresan ideas, emociones o una visión del mundo, mediante
diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.
De una manera más formal arte es una actividad creadora del ser humano, por
la cual produce una serie de objetos que poseen valores estéticos y
conceptuales, dentro de ese contexto, arte sería la generalización de un
- 31 -
del arte estará siempre de la mano a la historia pues el arte constantemente es
cambiante y susceptible a los fenómenos históricos.
1.3.3 Arte y sociedad
Se puede entender al arte como un componente de la cultura, que refleja en su
concepción sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y
valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el
tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo
en principio una función ritual, mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa
función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente
estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental
1.3.4 Arte y religión
El arte religioso nace como un conjunto de reglas establecidas para celebrar el
culto y las ceremonias religiosas; en el que el hombre trata de relacionarse con
Dios, a través de gestos y actos materiales.
En muchas ocasiones el arte se lo relaciona con la religión pues son elementos
fundamentales para comprender la vida individual y cultural de un pueblo. Es
así el caso del arte colonial de Quito; estudiando su contexto nace como
- 32 -
Todas las relaciones antes analizadas como: arte e historia, arte y sociedad,
arte y religión, influyen directamente en la creación y concepción de una obra
de arte pues las historia, la sociedad y la religión, son variantes que condicionan
la creación artística. Por ejemplo el arte colonial se condiciona y nace por las
circunstancias, históricas como la conquista española, religiosas como la
doctrina católica, y como consecuencia nace el arte colonial, el cual tiene el
propósito educar en la religión a los indígenas lo cual hace referencia al tema
social, así se involucran las tres variante mencionadas.
1.4 Teoría e historia del arte
1.4.1 El arte a través de la historia
La historia del arte es una ciencia multidisciplinar y que realiza un análisis
objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo
periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias. El
estudio de la historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con
su objeto limitado a la producción artística de la civilización occidental. No
obstante, con el tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia
artística, intentando una descripción global del arte de todas las civilizaciones y
el análisis de sus producciones artísticas en términos de sus valores culturales
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El arte goza hoy en día de una amplia red de estudio, difusión y conservación
de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia.
Durante el siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y
galerías, de ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de
las obras de arte, así como su exposición a un público mayoritario.
1.4.2 Las tendencias historiográficas
La historia del arte aparece desde la mitad del siglo XVIII, a partir de entonces
el arte se reinventará constantemente con el nacimiento de varios estilos y
corrientes artísticas. El mayor despliegue de cambios se dio en Francia,
primero como símbolo de la razón, la ciencia, la Ilustración, frente al arte
decadente del Rococó que se ligaba con la aristocracia conservadora. Posterior
y paralelamente a este, con la revolución francesa y el imperio napoleónico,
aparece el neoclasicismo, que es la reacción ilustrada, basada en la razón y
que más tarde se sumergirá en las raíces del mismo pensamiento de ese siglo,
iniciando el movimiento Romántico basado en el sentimiento, la libertad y el
individualismo, movimiento que se prolongará hasta el último tercio del siglo
XIX.
Como consecuencia de los cambios estéticos producidos con el neoclasicismo
y romanticismo el tema principal a pintar es la cotidianidad. La reflexión acerca
- 34 -
generaran una amplia gama de ismos y formas de expresión artística basadas
en nuevos estilos estéticos y técnicas.
1.4.3 La obra de arte y su época
La obra de arte en una época determinada de la historia tendrá una
significación y reacción con respecto a lo social pues es creada en relación a
las circunstancias sociales, geográficas, políticas, religiosas, etc., que la
inspiran y que genera sensaciones diversas en quien las observa en
determinada época.
En este aspecto el significado de la obra de arte está por encima de la obra en
sí, es decir no podemos sacar una obra de arte de su contexto pues es como
quitarle su envoltura. Las reproducciones realizadas fuera de un contexto
histórico y social no poseen más que un valor estético sin historia.
1.5 El siglo XX, vida y obra de Camilo Egas
1.5.1 La Ruptura Academicista en las Artes
El impresionismo considero es el primer paso a la definitiva ruptura
academicista en las artes, debido a ser un estilo contradictorio a las fórmulas
artísticas hasta el momento impuestas. Los impresionistas consiguieron ofrecer
- 35 -
color cortas, y yuxtapuestas usando colores puros, en especial los tres colores
primarios y sus complementarios; manejan la pintura de forma libre y suelta, sin
tratar de ocultar las pinceladas y seguir una copia fiel de los objetos.
El siglo XX para el arte se inaugura en la década de los años 20 después de la
primera guerra mundial, con tres grandes corrientes: el cubismo, el
expresionismo y el surrealismo (Rodríguez, 1988: 7).
1.5.2 El cambio conceptual del arte ecuatoriano en el siglo XX
Para los comienzos de este siglo aparecen algunos artistas plásticos con
grandes cualidades pero desprovistos del deseo de hacer cosas nuevas, se
mantienen estáticos en la recreación de la copia fiel de las formas; su arte
posee un valor estético relativo pero no trasciende ni tampoco está en dicha
búsqueda.
En los primeros veinte años de este siglo, la literatura ayuda a los pintores a
sacudirse de su rutina, mediante voces sencillas y claras que demostraban el
deseo que crecía entre los intelectuales ecuatorianos de ahondar en el tema:
“Que es el Ecuador”, desde un punto de vista revalorizador de una identidad
ultrajada y perdida, a esto se suma la llegada al país de libros de las
revoluciones sociales de otras partes del mundo, así el sentimiento por lo propio
- 36 -
En las artes plásticas fue la caricatura, la que se posesionó del nuevo aliento
que le había dado la literatura nacional y extranjera, mediante la ridiculización
de personajes políticos, clericós y usando temáticas populares; anhelos
reformistas fueron expresaron en la revista Caricatura que apareció desde 1918
hasta seis años más tarde (Llerena, 1942: 12).
Entre los colaboradores de la revista Caricatura, estaban: Guillermo de Latorre,
Jorge Diez, Carlos Andrade Moscoso, Augusto Arias, Fernando Chávez. Al
mismo tiempo aparecieron periódicos de pequeños formato que publicaban
versos e ideas reformistas.
Fenómenos como este son los que crean una nueva conciencia en los artistas y
re contextualizan su trabajo dándole un sentido social que evolucionaria
posteriormente en una pintura llena de contenido identidad y denuncia.
La pintura se tardó un poco más para hallar el camino a una nueva estética; ya
muchos para principios de los años 20 habían al menos aceptado el
impresionismo de los maestros franceses. Había sido justamente Paul Bar un
profesor francés el que introdujo sus enseñanzas impresionistas acerca del
efecto de la luz sobre las cosas. Por otro lado se venía aprovechando de mejor
forma al indio y la identidad ancestral, que a su vez constituye el tema más
- 37 -
económicos. También algunos pintores bajo la influencia socialista marxista,
pintaron al indio como elemento de una clase explotada.
1.5.3 La escuela de Bellas Artes y su impacto
El 4 de mayo de 1904 por iniciativa del ministro de instrucción pública: Luis
Martínez, el presidente: General Leónidas Plaza Gutiérrez funda definitivamente
la Escuela de Bellas Artes, que había cerrado después de la muerte de Gabriel
García Moreno quien la había fundado en 1972. Grandes maestros del siglo
XIX enseñaron aquí entre ellos: Salas, Pinto, Manosalvas, que para 1906 ya
habían fallecido y en dicha época existía una escasez de educadores de artes
plásticas en el país. Por lo que se necesitaba de docentes para dictar cátedra
en la recién reabierta “Escuela de Bellas Artes”. Por lo que la búsqueda de
nuevos maestros se realizó en Europa (Rodríguez, 1988: 8).
Para el año de 1907 Alfaro hace venir del viejo continente a León Camarero,
para dictar la cátedra de composición y pintura, a quien contrataría en Madrid el
Doctor, Honorato Vázquez el mismo que también había contratado al español
Tomas Poveda para la escuela de Bellas Artes en Cuenca, además a Raúl N.
Pereira para profesor de dibujo, a Víctor Puig, para profesor de dibujo
litográfico, también a Miguel Castells como pinturista y mecánico litográfico, a
- 38 -
Libero Valente para profesor de escultura; la predilección por Italia, demostraba
que se mantenía una estética academicista (Rodríguez, 1988: 9).
Dichos profesores enseñaron dibujo académico, paisaje clásico, y técnica
litográfica, sus enseñanzas ayudaron a la formación grandes artistas entre
estos estaría Camilo Egas quien con ayuda de sus enseñanzas dio los primeros
pasos para convertirse en el artista de trascendencia histórica que hoy
conocemos. Pero aunque dichos maestros venían de Europa y habían palpado
las nuevas corrientes artísticas no formaron a sus alumnos en el Ecuador con
dichas ideas y conceptos.
Las becas fueron el medio más importante para la salida de los artistas, que a
inicios del siglo XX, eran la principal fuente de incentivo académico pues
muchos se beneficiaron de ellas y consecuentemente a su regreso produjeron
obras de mejor calidad estética y conceptual. Camilo Egas junto con otros
becarios de la época se beneficiarían más de una vez por sus logros
académicos y profesionales para visitar y aprender conjuntamente las nuevas
corrientes artísticas que revolucionaban el arte en siglo.
Dicho intercambio favorecía la interculturalidad de los artistas ecuatorianos
pues el contacto con las vanguardias europeas generaba nuevos conceptos
estéticos, filosóficos, políticos, etc., que enriquecían su trabajo.
- 39 - Primera etapa
Camilo Alejandro Egas Silva, que nace en la ciudad de Quito, el 1 de diciembre
de 1889, Camilo Egas Caldas y Zoila Larrea serían sus padres, su infancia la
vivió en el barrio de San Blas un barrio popular del centro de Quito, sus
primeros estudios y garabatos los realiza en el colegio Cebollar, posteriormente
los secundarios: en los colegios Seminario, San Gabriel y Mejía (Ponce y
Gallegos, 1986: 30).
Dentro del campo amoroso Egas se casó seis veces y tuvo dos hijos de madres
diferentes sus esposas por orden cronológico fueron: Victoria, quien sería su
primera esposa y Raúl su primogénito, posteriormente contraerá matrimonio
con Susana Rivera, Margaret Gibons, Virginia Eufild; en 1942 se casa con Alice
Nelson y tiene su segundo hijo Erick, durante la época en la que su tendencia a
pintar sería el surrealista. Contrate nupcias por última vez con Claire Plowden
en 1951(Ponce y Gallegos, 1986: 30-31).
Su etapa de educación artística formal la realiza en la recién re-inaugurada,
Escuela de Bellas Artes de Quito, donde sus profesores serían por mencionar
algunos: Raúl María Pereyra y León Camarero, contratados como parte del
equipo extranjero de profesores traídos de Europa. Egas siempre mostró
desapego a las líneas academicistas, lo que lo convierte en un artista inquieto,
ansioso por alimentarse continuamente con ideas nuevas y experimentar en la
- 40 -
Para 1911 nuevamente por méritos en su desenvolvimiento académico el
gobierno del Ecuador le otorga una beca de estudios en la Real Academia de
Roma, viaja junto a Nicolás Delgado y José Abraham Moscoso (Ponce y
Gallegos, 1986: 30); en este viaje su arte mejora pero no cambia de rumbo
debido a que Italia es aún un país tradicionalista que camina sobre un tipo de
arte lineal. Curiosamente a su regreso al Ecuador conoce el impresionismo y es
Paul Bar el maestro que saco a sus alumnos de las aulas a pintar en la
Alameda, para asumir el reto de pintar los efectos de la luz sobre las cosas.
Para Egas fue el impresionismo como una revelación mística, era la ruptura
visual y estética que buscaba, un nuevo tipo de arte una nueva forma de
expresarse y salir de lo convencional.
La apreciación de la obra de Egas nos muestra que no fue un impresionista
neto, jamás lo práctico sino mediante su experiencia y sentir re direcciona a sus
necesidades creativas los efectos de la luz sobre las cosas; usó la influencia
impresionista sobre la anatomía humana, sin dejar de exaltar la figura, mediante
su dibujo y resolución volumétrica de los cuerpos. Sin embargo a pesar de su
virtuosismo no se apegó a la fidelidad fotografía que se acostumbraba en la
época, más bien su trabajo nos muestra que poseía un cierto grado de
despreocupación por pintar para el gusto común.
- 41 - Segunda etapa.
Los años veinte para Egas es un periodo en el que viaja mucho y adquiere de
esto nuevos conocimientos además de una nueva visión del arte como
elemento de compromiso social. Las experiencias aprendidas según Kigman
las quiere compartir con su país y entorno artístico para lograr mediante el arte
un cambio de mentalidad y sensibilidad. Pretende aproximar la espectador con
elementos antes despreciados y desconocidos como: el tema indígena y social
(Kigman, 1986: 34-37).
Egas en 1920 menciona que es honrado con una nueva beca, esta vez en
España en la Academia de San Fernando de Madrid, donde expuso en el
Palacio de Cristal del parque del Buen Retiro, reafirmando su nacionalismo en
una pintura formal pero más libre (Ponce y Gallegos, 1986: 30).
Para 1922 viaja a París donde estudia en la Academia Colarrosie, donde
establece su taller en La Place de la Republique, durante su estadía en Paris
hace amistad con importantes pintores de la época como: Picasso quien fue su
amigo y maestro, conoce además a Amadeo Modigliani, con quien
posteriormente un crítico lo compararía mencionando que ambos rechazan el
virtuosismo por una imagen más expresiva; Joan Miró, George Braque, Henri
Matisse, Yves Tanguy, Giorgio de Chirico y Max Ernest (Ponce y Gallegos,
1986: 30), serían también importantes artistas quien a su vez experimentarían
- 42 -
Las experiencias adquiridas en Europa generan una nueva concepción de
trabajo; a su regreso a Quito, pinta al indio devolviéndole su dignidad, estiliza
los cuerpos y el paisaje, la composición del entorno, el movimiento de los
personajes están predispuestos para resaltar los cuerpos; a esta época
corresponden obras como: Procesión, Fiesta indígena, Indígenas con Vasijas,
Ritual.
Por segunda ocasión en 1923 Camilo Egas obtiene el primer premio en el Salón
Mariano Aguilera con un “Retrato de Mujer”, de altísima calidad (Crespo, Pareja
y Andrade, 1982: 25), en el mismo año el gobierno le nombra comisionado de la
muestra del Ecuador en la exposición: Arts Decoratifs en París. Expone en 1925
su obra indigenista en Le Salon d´Autonomne, Salon des Indepents, Musée
Galliera y Galerie Carmine, en París.
En este mismo año entusiasmado por las experiencias adquiridas en otros
países compra una casa donde ahora está el Banco Central del Ecuador, frente
a la Alameda; abre la Galería Egas, título que se le daría pues no poseía un
nombre en concreto; que se trataba de una casa de un piso a la cual dota de un
tragaluz para tener iluminación central y así poder exhibir obras pictóricas. En
este lugar se llegaron a exponer trabajos vanguardistas tanto de pintores
- 43 -
La denominada Galería Egas, era una casa que en vez de tener número bien
podía tener nombre y apellido como la de las estatuas, o la de los siete patios,
etc. Porque a los citadinos les resultaba más familiar e íntimo esta forma de
identificar los lugares. También fue taller del artista y punto de reunión para su
círculo social, entre ellos estaban: Pedro León, Sergio Guarderas, Kanela
Andrade y Guillermo Latorre, quien era su amigo más cercano, aquí ofrecían
sus servicios en toda clase de interpretaciones artísticas tales como: anuncios,
afiches, decoraciones, etc.(Kigman, 1986: 36).
Para entonces no es difícil imaginar que Quito era una ciudad con una
apreciación estética del arte provinciana y con una crítica lacerante más que
constructiva que no estaba preparada para la propuesta artística presentada por
Egas, que formaba parte de un nuevo orden artístico.
Para Egas el tratamiento de la figura indígena sin mantenerle aislada de su
contexto social y su cosmovisión, lo convierte en el precursor de indigenismo
ecuatoriano, corriente que se consolidaría más tarde con artistas de la siguiente
generación.
La intensión de Camilo Egas al crear su Galería, era revolucionar las artes en
Quito nutriéndola de las corrientes extranjeras, e influenciar positivamente al
- 44 -
pintores artesanos; su labor creativa y conceptual no era valorada, y
principalmente no existía mercado artístico en Quito.
Casi paralelamente a la apertura de la galería incursiona en otro campo
siempre con la conciencia de innovación y denuncia social, por lo que funda en
Quito la revista quincenal de arte Hélice, revista quincenal de arte donde se
difundían conceptos artísticos e imágenes de las vanguardias artísticas del
mundo, junto a: Sergio Guarderas, Kanela Andrade, Guillermo Latorre, Pedro
León y Efraín Diez; de la que fue director, ilustrador y cronista de hechos.
El primer número de la revista proclama un manifiesto, en él recalcan la
necesidad de encontrar la espiritualidad del arte, dejando de lado la visión
formalista del mundo (Armas, 1986: 25). Continuamente se difundían ideas y
conceptos que eran los pilares sobre los que se levantaba el arte moderno. Se
difundía los trabajos de Cezanne, Picasso, Braque, entre otros, también el
muralismo mexicano que poseía rasgos y temas sociales que involucraban a
toda Latinoamérica, todas las expresiones vanguardistas se difundían
abiertamente en la revista.
En el intervalo de esta época donde crea la galería y la revista, se puede
apreciar su evolución en el tratamiento estilístico del indígena; plasma en sus
lienzos expresiones faciales y posturas corporales que visualmente generan
- 45 -
perfectamente contrastado pues las pinceladas no se ocultan y las forma se
crean partir de dichos contrastes.
Una de las primeras obras de esta segunda etapa es El Indio Mariano, que más
adelante la analizaremos, por esta obra no faltaron quienes acusaron a Egas de
comunista, calificativo peligroso aún muchos años después de su declive, sin
embargo, Egas no era un político, simplemente describía al indio y a su entorno
contextual y físico utilizando para ello su pintura, el indio en sus obras dejó de
ser un elemento folclórico, para tornarse en humano y en una realidad visible
para sociedad.
1.5.6 Versatilidad artística
Tercera etapa
Camilo Egas fue quien de manera firme y sobresaliente a lo largo de su vida
introdujo la temática indígena a la pintura nacional, de forma versátil y original;
precursor indiscutible del Indigenismo ecuatoriano.
En el periodo de 1900 a 1930 el ambiente artístico en el Ecuador era
demasiado estrecho, y no proporcionaba las condiciones favorables para el
desarrollo creativo. Que Egas era un pez grande en un estanque pequeño, por
lo que era necesaria su salida del país. Así encontró un nuevo hogar en
Estados Unidos donde en 1930 es nombrado profesor de pintura en la New
- 46 -
que en 1935 es nombrado Director. Aquí su trabajo se valoró de mejor forma
que en su patria natal. Se alimentó constantemente de las corrientes artísticas
que entonces proponían un cambio, además de ideas socialistas y de nuevo
orden (Catálogo del Museo Camilo Egas, 2003: 38).
Es fácil evidenciar que Egas jamás es ajeno a la realidad social y posee una
enorme sensibilidad humanista; durante su residencia en Estados Unidos en la
ciudad de Nueva York percibe los efectos de la depresión económica que vivía
el país y plasma durante los años 30 cuadros donde los personajes principales
serán: hombres proletarios aplastados por el derrumbamiento del capitalismo,
usa el expresionismo para crear imágenes duras y amargas del hombre
contemporáneo.
Egas posee la influencia de Orozco muralista de origen mexicano, con quien
entabla una estrecha amistad, para entonces trabaja algunos murales de
exaltación indigenista como el que realiza en 1932 en la New School for Social
Research, (Nueva Escuela para la Investigación Social) titulado Festival (Poce y
Gallegos, 1986: 31).
Debo mencionar que la amistad con Orozco marca de cierta forma el camino de
Egas en el expresionismo, lo usa como medio, para denunciar la condición
humana y psicológica de la gente en Estados Unidos, a los que evidencia en
- 47 -
Del arribo de Egas al expresionismo donde queda un trabajo excepcional de
1937, titulado Calle 14 con él se consolida como un artista que posee gran
versatilidad y enorme habilidad, con el que además cambia su paleta de colores
para lograr la expresividad deseada a colores ocres, grises, oscurecidos con
mezclas de color negro, además de la construcción del escenario estrictamente
geométrico, opresor y desolado. Crean la realidad pictórica de la situación,
Norte América en la depresión económica de los años 30 (Jácome, 1986: 41).
El expresionismo de Egas no se limita a América, en la década de los 30
podemos evidenciar en obras como: La España y Alusión al Fascismo donde
plasman su visión personal entorno a los crímenes humanos que se producían
en Europa, inspirado por ello crean escenarios como salidos de una pesadilla
(Armas, 1986: 27).
La etapa en la Egas usa como medio artístico la corriente expresionista lleva
sus inquietudes políticas por el futuro de la humanidad, este sentimiento era
una tendencia común de innumerables artistas e intelectuales que habían
sufrido la violencia, la persecución de los gobernantes del nuevo orden. Estas
imágenes demuestran la presencia de un Egas comprometido con su época.
Durante la década de los 40, la influencia surrealista encarnaría la obra del
artista en sus dibujos y óleos, pues en New York la tendencia que empezaba a
- 48 -
impuestas con la llegada de pintores europeos de fama como: Tanguy,
Tchelichev, Seligman y Dalí, quienes escapaban de las guerras en Europa.
Motivado Egas con esta nueva forma de expresión pintó el lienzo Dual, obra
que marca el abandono definitivo del expresionismo por el surrealismo,
motivado por el patriotismo en una realidad soñada que radica en la mente, a
través de imágenes que escapan a la realidad. En Dual, el mensaje está dado
por una mujer de cabellos rojizos con un ojo abierto y el otro cerrado.
En 1946 expuso su producción surrealista en la Nicholas M. Acquavella
Galleries. Regresa al Ecuador en 1956 tras su auto exilio, para exhibir su
trabajo en el Museo de Arte Colonial de Quito. Donde se reencontró después de
muchos años con el público ecuatoriano que lo recibió con los brazos abiertos.
Esta fue una exposición donde la trascendencia de su vida y obra se vio
reflejada (Catálogo del Museo Camilo Egas, 2003: 54).
La versatilidad y curiosidad artista se vio satisfecha con la práctica del cubismo
y abstraccionismo, tendencia con la que creo para mi apreciación personal
cuadros de gran majestuosidad cromática, compositiva, donde la forma
abstraída y el color empastado son suficientes para exaltar la sensibilidad del
espectador, entre estas están obras como: Las Viudas, Indios a la Luz de la
- 49 -
Dentro del abstraccionismo la forma no es necesaria para lograr la expresión
artística, obras de este periodo como: Las Cuatro horas, Antes del Oscurecer,
Horas tempranas, La Luz delante, poseen riqueza cromática y texturas que
poseen la finalidad de emocionar al espectador, crear sensaciones mediante el
uso del color y las texturas es la finalidad en el abstraccionismo de Egas.
Para el próximo año el gobierno ecuatoriano le nombra Agregado Cultural
Viajero y expone en el Museo de Bellas Artes de Caracas. En 1962 expone en
la Art Gallery de New York bajo el auspicio de la American Academy of Arts and
Letters y también La New School for Social Research le confiere el título de
Doctor Honoris Causa en Bellas Artes. Sus últimos meses de vida fueron lentos
pero tranquilos, el 18 de Septiembre del mismo año falleció a los 72 años de
edad, aquejado de cáncer; meses más tarde a su deceso se realizó en Quito
una Exposición Retrospectiva en su homenaje (Catálogo Museo Camilo Egas,
- 50 - CAPÍTULO II
2 ESTUDIO CRONOLÓGICO Y TÉCNICO DE LA OBRA
2.1 La obra
Para entender la obra de Camilo Egas, es necesario analizar conjuntamente los
aspectos que componen su vida y entorno, pues vive en una época de sucesos
importantes en la historia mundial y nacional, a continuación evidenciaremos
una serie de hechos que marcan las etapas de su vida y su trabajo artístico; su
obra jamás se escapa de la realidad social, por esta razón el presente estudio
se realizará paralelamente analizando los sucesos de la época y su evolución
pictórica.
Camilo Egas nos demuestra que la búsqueda de la belleza y de la expresión
artística no se limitaba a enjaularse dentro de un estilo artístico para encontrar
la perfección y trascendencia. En su lugar experimento con varias tendencias
que fueron el vehículo de su expresión pictórica, sus obras aunque
influenciadas por otros movimientos no tenían similitud a ninguna, pues
plasmaba en las telas que pintaba su identidad, inquietudes y visión particular
del mundo.
El impresionismo, el muralismo mexicano, el expresionismo, el surrealismo, el