EL ARTE POP Y LA
CULTURA DE MASAS
José Jiménez
en:
Advertencia
Este material es de circulación interna de
la cátedra de Estética-Fundamentos
estéticos.
Para profundizar en la temática es
necesario realizar la lectura de la
bibliografía indicada teniendo en cuenta,
además, las cuestiones desarrolladas
Estallido de colores, maderas pintadas,
plásticos son los materiales del arte pop
que suponen un cambio respecto de los
tradicionales.
Se utilizan las mismas técnicas que
el diseño industrial, la publicidad y
los medios masivos de
comunicación.
La imagen es clara, reproduce el
lenguaje de los medios masivos.
Reacciona contra la gestualidad del
expresionismo abstracto y la
complejidad formal de las
vanguardias.
El mito del artista romántico
quedó definitivamente atrás
El referente no es ya la naturaleza y el
arte imita los productos y procedimientos
de la cultura de masas.
El artista pop es un operador cultural.
La aparición del arte pop en los países
anglosajones, en los inicios de los años
sesenta, significa el comienzo de
nuestra verdadera contemporaneidad
artística.
Atento a los nuevos tiempos, la mirada pop, después de la Segunda Guerra Mundial ve la tendencia a la nivelación del status material y cultural de la población, exaltación del estilo de vida de las clases medias.
Pop: abreviatura de lo popular.
El hombre de clase media se sentía
distanciado respecto del “Arte” o la
“Cultura”.
Richard Hamilon: ¿Qué es lo que
hace los hogares de hoy tan
diferentes, tan atractivos?. (1956)
Es uno de los primeros emblemas
A partir de aquí, la vida no
será la misma
El arte tendrá que integrarse y competir con la esfera de la comunicación y el consumo, para poder cumplir con su destino público.
Este es el aspecto más importante que trae consigo la emergencia del pop: la toma de consciencia de los
cambios culturales y sociales y la nueva ubicación del arte.
En la música, el rock, surgido en la década del `50 comienza a desarrollarse imponiendo un estilo que es tomado por el jazz, desde sus ritmos que da lugar a la aparición del jazz fusión y al protagonismo de ciertos instrumentos como lo era la guitarra en el rock.
A fines de la década del `60, surge el festival de Woodstock
Los años 60 son un punto de inflexión en
un proceso que acompaña el desarrollo de
masas: la estetización de la vida
La estetización de la vida: lo intentaron las
vanguardias, pero la utopía de una sociedad estética fracasó.
La comprensión profunda del alcance y la
importancia de este proceso viene de la
mano de los fascismos, y se convirtió n uno de los elementos principales que hizo
Este proceso tuvo su continuidad en las
democracias de la posguerra, en un contexto de liberalismo político y económico
Europa había quedado desvastada y el ciclo económico expansivo que se abría en Estados Unidos permitía un crecimiento de los mercados.
El consumo de masas, propiciado por el desarrollo de nuevas técnicas, como los créditos, se convierte en el estandarte ideológico de la época.
Todo se vende, todo se consume.
En este marco cultural, nace el arte pop y la clave es la plasmación en la esfera artística del ideal de vida americano “americanización del mundo.
Frente a los desgarramientos de las sociedades europeas, esa expansión significaba un ideal de nivelación social. Los pobres y los ricos pueden comprar las mismas cosas.
El ideal de vida americano, conlleva la
universalización del consumo, sostenido
por los sistemas de ventas a plazos.
Este sistema económico, si bien se ve
reforzado en el plano ideológico por esta
expansión niveladora del consumo, en cuyo seno está presente la dimensión de
igualdad, de nivelación democrática, lo que busca la igualdad es la repetición y la
serialidad, que es lo que destruye la
singularidad, la particularidad, y en el plano ideológico y cultural segrega una intensa tendencia a la uniformidad, a lo
Esta universalización del consumo implica
desde el punto de vista cultural el
incremento de la receptividad pasiva y la
falta de cratividad.
Hay un desplazamiento del centro hegemónico del arte: de París a Nueva York.
En el plano estético, el arte pop supone la toma de consciencia y la aceptación de la posición jerárquica de la técnica respecto del arte y su dependencia con ella.
Entonces ¿cómo seguir privilegiando la destreza manual del artista?
Los efectos de este planteamiento conllevan un fuerte desplazamiento de la mímesis: impugnación de toda idea de validez de un “canon” estético y
consecuentemente la apertura de un proceso de investigación formal.
¿Qué es el arte pop?. Lichtenstein
respondía, “No lo sé, la utilización del arte
publicitario en la pintura, supongo.”
Esto implica el desplazamiento del arte y la pérdida de su
autonomía creativa en el contexto de la cultura de masas,
Sin el soporte de los distintos canales de información y
comunicación de masas, el arte no habría existido, pero su efecto es devastador: distorsiona, fragmenta,
homogeniza. Los artistas pop introdujeron la indistinción
de los objetos de la cultura de masas y los productos artísticos.
Oldemburg decía: “Nunca he diferenciado entre un
museo y una ferretería”.
Nivelación estética. El brillo de la diferencia, en donde
tiene su eje fundamental el ejercicio crítico del juicio estético, desaparece.
El núcleo de la poética de Andy Warhol
consistía en detener la vida, cuando esta
se ha hecho más vertiginosa que nunca.
La imagen detenida, congelada cuando nuestrapercepción se había acostumbrado a la vivacidad. Tú y yo somos esa lata, decía Warhol, que tampoco
era lata sino imagen.
Ese es en definitiva, el horizonte pop.
El de la imagen global, el registro en los canales
artísticos (obras, galerías, museos, instituciones) de un proceso cada vez más agudo de
desmaterialización del arte y de estetización de la
vida.
La tensión estética y moral del arte de nuestros días se centra en la búsqueda de una dimensión propia de la invención artística.
La afirmación de la
diferencia
El carácter lineal y homogéneo de la
tradición artística occidental se fue
articulando durante siglos sobre el soporte de la linealidad histórica y el protagonismo
de los varones.
La presencia de la mujer como objeto y no
como sujeto, tiene sus raíces
antropológicas, en la concepción dual de ella, característica que se manifiesta en el pensamiento mítico de la antigua Grecia y en los textos de la Biblia: Pandora y Eva.
El rol social tiene su arranque en las
luchas sufragistas y los primeros
movimientos de emancipación y discurre
durante el desarrollo del siglo XX.
En sentido estricto, la presencia de la
mujer en el arte se remonta a los inicios
del siglo XX y al período de
entreguerras.
Hubo que esperar a los años setenta, en
un contexto caracterizado por las luchas
feministas, para que se pudiera iniciar
una revisión histórica profunda de la
presencia de las mujeres en el arte
contemporáneo.
La presencia de la mujer en el
arte trae consigo la aparición
de una nueva sensibilidad.
A partir de este momento, salió a la luz la
representación de lo excluido y se fue abriendo paso la afirmación de otras diferencias: la “sexual” y la “étnica”.
La gran fuerza del nuevo arte reside en la
capacidad de cuestionar los estereotipos dominantes.
Esta nueva consciencia y sensibilidad
implica la subversión más profunda de la tradición artística de la vanguardia histórica.
Junto con el arte pop, la nueva afirmación de la mujer en el arte impulsa un giro radical que tiene lugar durante la
segunda mitad del siglo veinte y establece el horizonte del nuevo arte: la inserción de la actividad artística en un marco cultural hiperestetizado.
Desde los años setenta los temas que han
marcado y con mayor énfasis, el arte hecho con mujeres giran en torno al cuerpo, el
género, la sexualidad. Y también en torno a las dimensiones económicas y políticas: la igualdad salarial, el cuidado y la salud de los niños, la violación, el acoso sexual, etc. El énfasis en la diferencia conduce a la
contraposición como forma de
La generalización de la percepción y representación de la diferencia implicaría una puesta en cuestión múltiple de los tipos de géneros y comportamientos sexuales, de toda idea de identidad sustancialista.
