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Liceo Nuevo Chile. República de Colombia. El Ballet. Monografía presentada como prerrequisito para ser promovidas al grado sexto

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Liceo Nuevo Chile

República de Colombia

El Ballet

Monografía presentada como prerrequisito para ser promovidas al grado sexto

Tutora Mg. Gilma Gómez Oliveros Consultor: Jorge Yamit Tobar

Autoras Shakti Michelle Muñetones Martínez Yani Natalia Tobar Panchoaga

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2 Nota de aceptación _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________ _______________________________________________________________

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3 INDICE Pag. AGRADECIMIENTOS DEDICATORIAS AUTOBIOGRAFÍAS SÍNTESIS INTRODUCCIÓN 10

Primer Capítulo. EL BALLET Y SU HISTORIA 12

 Ballet Romántico 13

 Ballet clásico 13

 Ballet moderno 13

HISTÓRIA DE LA DANZA Y EL BALLET 14

DANZA EN LA ANTIGÜEDAD 14

DANZA EN LA EDAD MEDIA 15

EL RENACIMIENTO Y EL NACIMIENTO DEL BALLET 15 FECHAS IMPORTANTES EN EL BALLET 19

LA DANZA EN EL SIGLO XX 22

DANZA MODERNA 24

EL BALLET EN CUBA 26

 FUENTE Y DESTINOS DE BAILARINES EN CUBA 27

 INTEGRACIÓN DE COMPAÑIAS DE BALLET 27

 LOS CUERPOS DE BAILE 28

 LA ENSEÑANZA DEL BAILE 28

 BALLET Y BAILE ESPAÑOL 29

 EL BALLET ROMANTICO Y

LAS NORMAS MORALES 29

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ROMANTICO EN CUBA 30

 CON LA MUSICA 31

 CON LA LITERATURA 31

EVOLUCIÓN DE LA DANZA EN CUBA 31

Segundo Capitulo: LA TECNICA DEL BALLET 35

 EL ERGUIMIENTO Y LA POSICIÓN VUELTA 37

 PORT DE BRAS (Porte de los brazos) 39

 LA CABEZA Y LOS OJOS 39

 POSICIONES BASICAS DE LOS PIES 40 PRINCIPIOS TECNICOS DEL BALLET CLASICO 41

REGLAS Y PROTOCOLOS 44

 BASES DEL TRABAJO EN BARRA 44

 BASES DEL TRABAJO EN CENTRO 50

 PAS DE DEUX (Trabajo en pareja) 54

 Manejo del espacio: 54

Tercer Capítulo: ARTISTAS MÁS REPRESENTATIVOS DEL BALLET PRINCIPALES BAILARINES Y BAILARINAS EXPONENTES DEL BALLET

 ANNA PAVLOVA

 MARIE TAGLIONI

 FANNY ELSSLER

 VÁTSLAV NIZHINSKI

 ISADORA DUNCAN

PRINCIPALES COREOGRAFOS Y COREOGRÀFAS DEL BALLET

 MARIUS PETIPA

 FREDERICK ASHTON

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5 PRINCIPALES COMPOSITORES PARA BALLET:

 PYOTR ILYCH TCHAIKOVSHY

 JEAN BAPTISTE LULLY

 FRÉDÉRIC CHOPIN

 IGOR STRAVINSKY

BALLET NACIONAL DE CUBA EL BALLET TROPICANA DE CUBA

BALLET AL BARRIO DE CALI

EL BALLET NACIONAL DE COLOMBIA DE SONIA OSORIO

EL BALLET EN LA PINTURA

 Edgar Degass

 Principales obras de Edgar Degas sobre El Ballet

 Laura Knight

 Principales obras de Laura Knigt sobre El Ballet

CONCLUSIONES RECOMENDACIONES GLOSARIO

BIBLIOGRAFIA ANEXO

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6 AGRADECIMIENTOS

Le agradezco a todo el equipo pedagógico especialmente a mi tutora Gilma Gómez Oliveros, a la profesora Elizabeth Lozano Moreno por ayudarme a realizar esta monografía.

A mi abuelita por apoyarme en el proceso de Ballet, a mi mamá por ser la persona que me ayudó en mi monografía y a mi profesora de ballet por enseñarme todo lo que se del tema.

SHAKTI

Agradezco a mi tutora Gilma Gómez y a mi profesora Elizabeth Lozano por ayudarme a realizar esta gran investigación. A mis hermanos que me apoyaron y a mi mamá con quien trabajé la monografía desde el principio hasta el fin.

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7 DEDICATORIA

A mi familia que siempre me apoyó en mis clases de ballet.

De igual manera, le dedico este trabajo a mi tía Liliana que de alguna forma me apoyo en este bonito proceso del ballet.

A todas las personas ya sean niñas o personas adultas que se interesen por el ballet.

SHAKTI

Dedico esta monografía a mi familia, quienes me han apoyado siempre, a mi mamá que estuvo a mi lado ayudándome con todo el proceso de investigación de la monografía; también dedico este trabajo las personas que practican este bello arte del BALLET, a mis compañeras, compañeros y profesores del Liceo Nuevo Chile para que aumenten su conocimiento de la danza y el ballet.

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BIOGRAFÍA SHAKTI

Nací en Bogota el 19 de enero de 1999 pero soy de Villa de Leyva, en donde viví hasta los dos años. Por diferentes situaciones nos fuimos a vivir con mis abuelitos maternos en un pueblo de Cundinamarca llamado Arbelaez, allí estuvimos durante un año y medio y empecé mis estudios en el Jardín Infantil Departamental de Arbelaez. En el año de 2004 nos vinimos a vivir a Bogotá, desde ese mismo año empecé a estudiar en el Liceo Nuevo Chile. Entré a estudiar ballet desde hace 5 años en la Academia de Danza Akadanzar, que dirige la profesora María del Carmen Contreras, durante este tiempo hemos hecho varios montajes y presentaciones en diferentes lugares. También pertenezco al grupo Zol-etnia de danzas ancestrales, de la Escuela de Música y Danza Schilenkha.

Tengo un hermano llamado Gopal, con el cual comparto mucho, al igual que con mis abuelitos, quienes me han enseñado a apreciar mucho el arte y la lectura, ya que mi abuelito Guillermo, es pintor, tallador de madera y le gusta leer mucho. De los libros que he leído los que más me han gustado han sido: El hipopótamo que se creía mosca, El dragón del Lago Titicaca y El legado de Siberia. Y mis comidas favoritas son las arepas y los panqueques.

En el Liceo Nuevo Chile, me han enseñado el valor de comer sano, el arte, la música, la recuperación ancestral y el cuidado de la pachamama.

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9 BIOGRAFIA NATALIA

Nací en Bogotá el 18 de diciembre de 1998 en la Clínica del Occidente a las 8:20 pm., desde entonces he recibido el apoyo de mi mamá, mis hermanos mis tíos y tías. Empecé a estudiar a los 3 años en el Liceo Nuevo Chile desde pre-kinder, donde hago parte de la escuela de música y danza Schilenkha, en el grupo Zol-etnia y recibo clases de violín.

Soy descendiente de una familia indígena de la comunidad Páez, una de las comunidades indígenas más grandes de la región, que está ubicada en la cordillera de los andes al oriente del departamento del Cauca, uno de sus principales líderes fue Quintín Lame, en esa región nacen los ríos Cauca y el Magdalena, por eso es una de las regiones con más fuentes de agua de Colombia, la capital Popayán está situada en este valle de Pubenza. Popayán es una ciudad con un centro histórico que conserva la arquitectura de la colonia, es principalmente agrícola se cultiva café, papa, maíz, yuca, fríjol, tomate, mora y espárragos, hay oro en la región indígena y petróleo en el sur. Popayán se le llama la ciudad universitaria, porque tiene muchas universidades.

Tengo cuatro hermanos hombres, mayores de edad, dos son antropologos de la universidad del Cauca, otro es productor de cine y televisión y otro que vive

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10 en Estados Unidos y trabaja en barcos y demás, tengo a mi abuela que es poeta y que ya publico un libro que se llama “Mas allá de mis tristezas” publicado por la Universidad del Cauca, tengo otros tíos que viven en Popayán y trabajan en varios sitios de la ciudad, unas primas que quiero mucho y con quienes paso las vacaciones en Diciembre y en Verano en Popayán

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11 SÍNTESIS

Este trabajo consta de tres capítulos los cuales se desarrollarán de la siguiente manera:

En el Primer Capítulo, haremos un acercamiento a la definición de lo que es el ballet, sus diferentes manifestaciones a través de la historia y como ha sido el desarrollo desde sus inicios en la época del renacimiento hasta nuestros días. En este mismo capítulo, abordamos el desarrollo del ballet y la danza en Cuba y haremos una breve reseña sobre lo que es la danza moderna.

El Segundo Capitulo, trata sobre la técnica del ballet, aquí hacemos una corta referencia a lo que son las diferentes posiciones, principios y protocolos, los cuales tienen que ver con el proceso de enseñanza y aprendizaje del ballet. En el Tercer Capitulo hacemos un breve recuento de los principales personajes que han tenido que ver con el desarrollo del ballet, bailarines, bailarinas, coreógrafos, músicos y artistas plásticos. Además esbozamos brevemente la biografía de Isadora Duncan quien fue la pionera de la danza moderna. Finalmente, hacemos un pequeño acercamiento a los grupos colombianos: Ballet de Colombia de Sonia Osorio y Barrio Ballet de Cali.

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12 INTRODUCCIÓN

El tema de esta monografía, inicialmente lo elige Shakti porque desde muy pequeña tiene inclinación y gusto por esta expresión artística. Siempre le causó inquietud las frases que utilizaba la maestra por ejemplo: demi plié, pas de chat, arabesque, entre otras. Se imaginaba que el ballet no tenía su origen en Colombia.

Como Shakti, es una niña muy dada a cuidar su imagen, su alimentación, y su cuerpo, le llamó la atención la belleza de las bailarinas y quiso profundizar sobre el tema.

En cuanto a Natalia, quiso investigar sobre el ballet, porque es un tipo de danza que no conocía ni su origen, historia, relación con otras danzas, su aporte a las artes que existen en los países, los personajes y todo su desarrollo, para poder entender la relación que tiene con la danza andina que practica en la escuela de danza Schilenkha y para que las y los estudiantes del Liceo, se interesen por el trabajo monográfico que realizamos.

Nuestro interés al realizar esta monografía, fue construir un conocimiento, fortaleciéndonos con las teorías consultadas, con las vivencias personales y con las apreciaciones de las artistas entrevistadas. Todo lo anterior, para que niñas, niños y personas adultas que se interesen por el tema, tengan otra fuente donde consultar de una manera bonita y sencilla.

Desde que iniciamos el proceso de investigación, siempre nos enseñaron que para facilitar la realización del trabajo, debíamos seguir una ruta metodológica, es decir debemos seguir unos pasos para no perdernos. Estos pasos fueron:

1. Elegir el tema

2. Formular preguntas científicas u orientadoras

 ¿Qué es el ballet y cómo surgió?

 ¿Cuáles son las bases técnicas del ballet clásico?

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13 3. Organizar unas tareas científicas. (Cronograma)

 Organizar las preguntas científicas

 Consultar las diferentes fuentes

 Elaboración, organización y digitación de los RAEs.

 Realización de entrevistas

 Observación de material fílmico

 Redacción y digitación del contenido de la monografía.

Esperamos que esta monografía sea un gran aporte al arte, como tal, y al ballet, específicamente, ya que este no es un tema muy popular dentro de nuestro medio, además porque consideramos el ballet como una gran herramienta para el desarrollo del ser humano, no solamente para quienes lo practican y quieren convertirse en bailarines y bailarinas profesionales, sino para todas aquellas personas que quieran disfrutar de una de las mas bellas y complejas formas de las artes escénicas.

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14 Primer Capítulo. EL BALLET Y SU HISTORIA

El ballet es una forma de baile que cuenta una historia a través de movimientos y música. Los movimientos son como palabras que crean una historia. Es una danza clásica que puede ser dramática, alegre, triste, ya que puede expresar cualquier sentimiento. Dependiendo de la época y el país puede incluir: danza, mímica, música, decorados y maquinarias. También se le dice ballet a la pieza musical hecha especialmente para ser representada por la danza.

El ballet es considerado una de las artes escénicas, y la base de todas las clases de danza. Es una pieza autónoma, es decir, se presenta como una obra completa de solo ballet, pero también puede intercalarse entre las escenas de una ópera, la cual es una representación teatral por medio del canto; o formar parte de una obra de teatro.

Como lo expresa María del Carmen Contreras en su entrevista: “El ballet es un tipo especial de danza, se inició en Italia, pero realmente nació como tal, como danza en Francia. En Italia se hicieron unos primeros pasos muy pequeños, pero lo que hoy se conoce como -ballet nació en las cortes francesas, obviamente no como lo conocemos ahora, sino que empezó simplemente como una forma elegante de caminar en la corte, de cogerse con el parejo, en dar una vuelta elegantemente, simplemente eso. Pero lentamente fue evolucionando hasta lo que conocemos ahora que es

todo un sistema de danza.” –entrevista a la bailarina María del Carmen Contreras.

La palabra ballet viene del italiano “ballare” que significa bailar. Los y las bailarinas de ballet son capaces de dar grandes vueltas, saltos y demás haciendo creer a la gente que es muy fácil aunque hayan durando años practicando

En el desarrollo histórico del ballet se han dado tres momentos principales: Ballet romántico, ballet clásico y ballet moderno.

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Ballet romántico

Se originó como respuesta la situación mundial que se vivía en ese momento. La revolución industrial hizo que los coreógrafos de la época crearan ballets luminosos, ligeros e irreales. Los temas de los que trataban estos ballets eran sobre espíritus, hadas y humanos con capacidad para elevarse sobre el mundo. “Las mujeres eran vistas como criaturas delicadas que necesitaban ser protegidas y elevadas suavemente” (3, Castle). La obra

más representativa del ballet romántico es La Sílfide

Ballet clásico

Se origina a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, son ballets narrativos de elaboradas historias, con grandes escenografías y majestuosos vestuarios. Los ballets clásicos utilizan movimientos y pasos más atrevidos. El más grande creador de ballets clásicos fue Marius Petipá con creaciones como La Bella Durmiente, Don Quijote y el Lago de los cisnes; este tipo de ballet sigue generalmente un mismo patrón. Hay unas scenes d´action, que van narrando la historia con los movimientos y la actuación. También existen

scenes pas d´action con pasos de baile que muestran lo que están sintiendo

los personajes. Existen solos de los personajes principales, pas de deux y pequeños grupos en el corps de ballet (cuerpo del ballet). Durante la obra se hacen unas interrupciones con los divertissements que son presentaciones de baile que no tienen relación alguna con la obra.

Ballet moderno

Es un tipo de danza que está influenciada tanto por el ballet clásico como por la danza moderna. Su técnica se basa en los principios del ballet clásico pero permite un mayor rango de movimiento. George Balanchine es considerado el pionero del ballet moderno. En este tipo de danza el vestuario es más ajustado para mostrar mejor las figuras elaboradas por los bailarines. Este tipo de ballet también es conocido como neoclásico.

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16 HISTÓRIA DE LA DANZA Y EL BALLET

La danza antes de ser una manifestación artística la encontramos como una forma de expresión. Esto se puede observar incluso en algunas especies animales las cuales realizan danzas como forma de comunicarse con otros miembros de su especie. Algunas especies de aves realizan una serie de movimientos, en las que agitan sus alas, hacen círculos y expanden sus plumas para realizar el cortejo. También se ha visto en las abejas algunos movimientos por medio de los cuales comunican los peligros y el lugar donde encuentran alimento. A estos comportamientos se les ha llamado danzas ya que responden a rituales que realizan los diferentes miembros de la especie, siguiendo los mismos patrones.

Existen indicios que comprueban que la danza ha existido desde el comienzo de la humanidad misma. Los hombres y mujeres primitivos danzaban para expresar la emoción de la caza. Los egipcios y griegos adoraban a sus dioses por medio de la danza, aún en la época actual las tribus indígenas danzan en sus rituales sagrados.

Se conocen unas pinturas que tienen una antigüedad de más de diez mil años en las cuales se muestran escenas de danza. Para algunos pueblos la danza tiene relación con muchos aspectos de la vida, con los movimientos de la naturaleza, con las estaciones y los ciclos de la vida. Para los hindúes el creador va danzando “hace bailar el mundo a través de los ciclos del nacimiento, la muerte y la reencarnación”. (11, Rhode Castro)

DANZA EN LA ANTIGÜEDAD

En el antiguo Egipto se han encontrado escritos, bajo relieves y mosaicos que muestran a estas antiguas civilizaciones celebrando danzas ceremoniales, representando la muerte y reencarnación del Dios Osiris (dios de la naturaleza y la fecundidad), estas danzas eran cada vez más profesionales.

Los orígenes de la danza en Grecia vienen de Egipto, los filósofos como Platón apoyaron la danza en Grecia, la mitología Griega se reconoce como origen del teatro contemporáneo. A Dionisio, Dios griego del vino, también llamado Baco,

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17 se le ofrecían celebraciones con vino, música y danzas, también mitos que eran representados por actores y bailarines.

A finales del siglo V a.C. estas danzas formaban parte de la sociedad y la forma de organización del gobierno, de la antigua Grecia, entre los romanos fue decayendo la danza. A partir del 150 a.C. las escuelas de baile romanas cerraron, pues la nobleza romana pensaba que la danza era peligrosa para la sociedad. Después, con el emperador Augusto surgió una forma de danza conocida como pantomima en la que no hay palabras y se recrea con gestos y movimientos, y así se creó otra expresión no verbal de la danza. La cristianización del imperio romano veía el cuerpo, la sexualidad y la danza unidos y esto fue motivo de conflictos.

DANZA EN LA EDAD MEDIA

La actitud de la iglesia cristiana fue, por un lado prohibir la danza con líderes como San Agustín. Otros miembros de la iglesia, por el contrario, incluyeron las danzas de las tribus celtas anglosajonas en los cultos cristianos, también las celebraciones del fin del invierno y la llegada de la primavera. A principios del siglo IV Carlo Magno IX prohibió la danza, pero esta orden no fue respetada, ya que la danza siguió siendo parte de los cultos religiosos de los pueblos pero con otros nombres.

En los siglos XI y XII nació una danza secreta, como respuesta a la Peste Negra que mató más de 50 millones de personas, la cual se extendió desde Alemania hasta Italia (siglo XV).”Ha sido descrita como una danza a base de saltos en la que se grita y convulsiona con furia para arrojar la enfermedad del cuerpo”. (11, Rhode Castro)

EL RENACIMIENTO Y EL NACIMIENTO DEL BALLET

La llegada del renacimiento cambió la concepción que se tenía sobre el cuerpo, las artes y la danza. En las cortes Italianas y francesas gracias al mecenazgo de maestros de la música y danza, se desarrollaron grandes danzas a escala social que fueron el centro celebraciones y festividades. En este momento la

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18 danza se convierte en objeto de estudios serios, de la misma forma un grupo de intelectuales llamados Pléyade recuperaron el trabajo de los antiguos griegos en el teatro, en obras que combinaron la música, el sonido y la danza. En esta época “las fiestas asumen una gran importancia, en donde se echa mano de las diferentes expresiones artísticas: de las representaciones teatrales, de la música rica en complicaciones polifónicas y las danzas de tipo señorial y las populares se encuentran para generar una nueva forma de movimientos”. (1, Salazar)

Durante el renacimiento resurgió con gran fuerza la filosofía, la ciencia y el arte clásicos, gracias a que en las cortes, duques y príncipes rivalizaban y ostentaban su poder y prestigio al celebrar fastuosos festivales. Que podían ser: desfiles de carrozas decoradas, fiestas de disfraces, procesiones religiosas o ballets de la cena. En estos últimos se presentaban intervenciones de bailes que representaban alguna relación con los platos que iban a servir. De esta forma es como nace el ballet en las cortes italianas. Durante esta época se escribieron libros de danza, el más antiguo se remonta a comienzos del siglo XV escrito por Domenico de Piacenza, en donde se enseñaba a realizar los pasos y las combinaciones para danzas más organizadas.

Para los miembros de las cortes ducales italianas era un demérito el no

bailar bien; a comienzos del siglo XV los maestros del baile que viajaban por todo el país crearon y enseñaron danzas para las grandes ocasiones: bodas, alianzas políticas y victorias militares” (4, Clement Crispy, Eduart

Thorpe)

El ballet nace a finales del siglo XVI como espectáculo en las cortes francesas. Los nobles lo hacían para divertirse. Inició en Italia, a partir de los números de danza que se representaban en los festines de las cortes, pero se hace popular en Francia con el rey Luis XIV.

Estos elaborados espectáculos que juntaba la pintura, poesía, música y danza; tenían lugar en espaciosas salas que se utilizaban tanto para banquetes como para bailes. Su contenido era normalmente simbólico-mitológico

Cuando Catalina de Médicis (noble italiana que se casa con el rey de Francia) – amante de las fiestas, el lujo, la música y las danzas- llega a Francia a

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19 imponer un nuevo orden artístico en la nobleza, escandaliza la corte ruda y oscura de Francia. Nadie sabía que ella iba a ser parte de la historia del ballet, cuando le preparó la fiesta de matrimonio a la cuñada de su hijo el rey Enrique III ella quería hacer una fiesta muy espectacular, por lo que contrató a un italiano llamado Beajoyeulx que era experto en música y danzas.

El resultado fue el “Ballet comique de la reine”, que se presentó a los invitados el 15 de octubre de 1.581, y esa fue la fecha que se declaró como el inicio del ballet. En este trabajo se cuenta la historia de una leyenda mítica donde se combina textos hablados, montaje, vestuario elaborado y una estilizada danza de grupo. Lo importante de esta presentación fue que por primera vez se ensayaba una coreografía.

El ballet de corte alcanzó su cumbre durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), quien autorizó el establecimiento, de la primera Real Academia de Danza, y cuyo apelativo de Rey Sol, derivó de un papel que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets presentados en su corte fueron creados por el compositor italo-francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a quien se le atribuye la determinación de las cinco posiciones fundamentales en el ballet y la creación de un método con los ejercicios básicos.

De ahí en adelante el ballet se convirtió en una disciplina artística que ha ido cambiando y adaptándose a los diferentes formas de organización de los países y a los modelos estéticos de cada época. A partir del ballet surgen el Minuet y el Vals como danzas sociales de pareja (realizadas por placer en salones) que permiten mayor libertad y expresión.

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20 En los comienzos del ballet, este se bailaba en salones donde el público observaba desde rampas o asientos, por lo que veían a los bailarines desde arriba. Más adelante las danzas se presentaban en escenarios donde los bailarines se encuentran más alto que el público. Este cambio fue muy importante para la evolución del ballet, ya que la coreografía se empezó a organizar de acuerdo a esta nueva posición. Algo más que caracterizó el inicio del ballet fue el hecho de que solo los hombres podían participar, y los papeles femeninos los realizaban disfrazados. Las primeras bailarinas aparecieron en 1681 en un ballet llamado El triunfo del amor.

Los primeros ballets como baile se han olvidado con el paso del tiempo, sin embargo en el siglo XVIII el italiano Carlo Basis perfeccionó el ballet convirtiéndose en el arte en constante evolución que es en la actualidad.

Los bailarines del siglo XVIII se veían entorpecidos por los trajes, zapatos, pelucas y miriñaques para ellas.

Fue Marie Anne Camargo quien acortó las faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón, para exhibir sus pasos y saltos. Su rival, María Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas para bailar Pigmalión.

A pesar del virtuosismo de los bailarines franceses, los coreógrafos que trabajaban fuera de París consiguieron una expresión más dinámica en sus ballets. En este sentido hay que destacar la figura de Jean Georges Noverre, cuyas Cartas sobre la danza y los ballets (1760) ejercieron una notable influencia. Para él los movimientos debían fluir natural y armónicamente. Noverre encontró una oportunidad para plasmar sus ideas en Stuttgart, Alemania, donde produjo por primera vez Medea y Jasón.

Jean Dauberval, pupilo del anterior, en su ballet La fille mal gardée (La

muchacha mal custodiada, 1789) aplicó los principios de su maestro.

La danza en puntas empezó a desarrollarse, aunque los bailarines se ponían de punta sólo un instante ya que aún no se habían inventado las zapatillas de punta dura.

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21 El ballet La sílfide, cuya primera representación tuvo lugar en París, inauguró el periodo del ballet romántico. Maríe Taglioni, solista, interpretaba una criatura sobrenatural que es amada y destrozada de forma involuntaria por un mortal. Las sílfides inspiraron muchos cambios en los ballets de la época. El siglo XIX, se convierte en la era romántica del ballet “donde se refleja el culto de la bailarina y la lucha entre el mundo terrenal y el mundo espiritual que trasciende la tierra”. (11, Rhode Castro). Surgen obras como

Giselle (1841), El lago de los cisnes (1895) y Cascanueces (1892).

Entre el ballet que vivía un proceso expansivo en Europa y la escuela bolera (danza académica española) surgió un importante vínculo. Los temas españoles comenzaron a estar de moda en los repertorios de los ballets. El gran Marius Petipá cristalizó la esencia española dentro del ballet clásico, produciendo entre 1847 y 1888 junto a Ivanov una serie de ballets y fragmentos de aire y estilo españoles que son verdaderas obras maestras.

FECHAS IMPORTANTES EN EL BALLET:

1.462 Primer escrito conocido sobre la técnica de baile escrito por Domenico di Piacenza. Las cortes italianas hicieron espléndidos bailes.

15 de octubre de 1.581 Nacimiento del ballet, con Le Ballet Comique de la Reine.

1.653 Luis XIV baila como Apolo, el Dios Sol, en el Ballet Royal de la Nuit. 1.661 establecimientos, de la primera Real Academia de Danza en Francia. 1670 presentación de El burgués gentil hombre de Moliére, comedia que

incluye secuencias de música y danza.

1681 aparecen las primeras bailarinas en El triunfo del amor de Jean Baptiste Lully.

1713 inauguración de la Escuela de ópera de París.

1734 primera coreografía creada por una mujer Marie Sallé.

1789 se realiza la primera coreografía basada en una historia de seres humanos –La fille mal gardée -, ya que hasta esa fecha se referían solamente a seres mitológicos.

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22 1831 Filippo coreógrafo y padre de la gran bailarina Marie Taglioni fabricó artesanalmente la primera zapatilla de punta, la cual la estrenó su hija en la obra “La sílfide” con la que cautivó al público.

1839 Fanny Elssler fue la primera bailarina en presentarse en los Estados Unidos de América.

1830 a 1870 Llamada la era romántica del ballet donde surgen creaciones como Giselle y La Sílfide; además se da origen a los atuendos característicos de la danza clásica: zapatillas y tutú.

Cuando en Europa el ballet empezaba a perder interés durante la segunda mitad del siglo XIX se produjeron pocos ballets destacables en la Ópera. Aunque sí que podemos señalar Coppélia, Sylvia y La fuente, con música de Leo Delibes. En Rusia inicia un movimiento fuerte donde el ballet encuentra un punto muy alto, tanto a nivel técnico como de espectáculo.

Ubicación geográfica de Rusia.

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23 EL BALLET EN RUSIA

1783 Jean Baptiste Landé funda la Escuela de San Petersburgo, luego sería el Ballet Maryinsky

1825 Fundación del Ballet de Moscú que luego se convertiría en el Ballet Bolshoi.

1947 Se reaviva el interés por el ballet gracias a Marius Petipá, quien crea ballets como La bella durmiente, Lago de los cisnes y Cascanueces. 1909 Sergei Diaghilev crea los llamados Ballets Rusos, combinó músicos de

la talla de Ravel, Stravinsky, Strauss; escenógrafos como Miró y Picasso, coreógrafos como Nijinsky, Massine y George Balanchine, bailarinas como Ana Pavlova y Tamara Karsavina. Se destaca que los Ballets Rusos supusieron el resurgir de la figura masculina, en

personajes como Vaslav Nizhinski.

1929 Desaparecen los Ballets Rusos tras la muerte de Diaghilev.

Aquellos artistas que habían colaborado en los Ballets Rusos contribuyeron al florecimiento del ballet en Europa y América. Anna Pavlova, que bailó en las primeras épocas de los Ballets, creó su propia compañía. Fokine trabajó con el futuro American Ballet Theatre. Massine colaboró con el Ballet Ruso de Monte Carlo, compañía creada tras la muerte de Diáguilev. Dos antiguos miembros de los Ballets Rusos, Marie Rambert y Ninette de Valois, colaboraron en la difusión británica del ballet. De Valois fundó la compañía que llegaría a ser el Britain’s Royal Ballet.

De ahí en adelante empezaron a florecer movimientos contemporáneos en países como Estados Unidos con la rebelde Isadora Duncan, quien fue la primera en bailar la música y no someterse a ella. Isadora Duncan, bailarina norteamericana, rompió con la tradición del tutú blanco y las zapatillas de punta, danzando descalza y cubierta con una ligera túnica. Sostuvo también que toda música era susceptible de ser danzada, sin necesidad de partituras creadas o adaptadas para ser danzadas.

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24 LA DANZA EN EL SIGLO XX

Durante la época de colonización en África, Asia y Polinesia, se prohibió y persiguió las danzas tradicionales y los sonidos de los tambores ya que se creía que incitaban a las relaciones sexuales. Este pensamiento cambió al finalizar la primera guerra mundial, desde ese momento las danzas de origen africano y caribeño crean nuevas expresiones en la danza de Europa y América.

Las artes hacen un serio cuestionamiento de los valores imperantes, luego de la primera guerra mundial, y crean formas de expresión individual que permiten un camino más dinámico. En Rusia surge un gran movimiento de renacimiento del ballet (ballet clásico) con el trabajo de grandes coreógrafos, compositores, artistas visuales y diseñadores.

Paralelamente, y como reacción a los estilizados movimientos del ballet y al progresivo movimiento de liberación femenina surge una forma de danzar que potenciaba la libre expresión, es así como nace la danza moderna. Una de las pioneras de este movimiento fue Isadora Duncan.

Desde los años 20 hasta nuestros días han proliferando diversidad de estilos de danza, los cuales se han enriquecido con la influencia de la música latina, africana y caribeña.

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25 Es muy importante resaltar la influencia rusa sobre el ballet en todo el mundo en la segunda mitad del siglo XX,en este sentido encontramos los famosos casos de deserción de Rudolf Nureyev, Natalia Makárova, y Mijaíl Baryshnikov, director del American Ballet Theatre de Nueva York, desde 1980 hasta 1989.

En España hay que destacar la figura de Víctor Ullate, quien en 1979 se convierte en el director del Ballet Nacional de España. En 1987 Maia Plisiétskaia fue nombrada directora artística del Ballet Lírico Nacional. La incorporación del coreógrafo y bailarín español Nacho Duato como director artístico de la Compañía Nacional en 1990 ha supuesto un cambio innovador en la historia de la compañía, que ahora se ha alejado del ballet clásico propiamente dicho.

El repertorio del ballet actual ofrece una gran variedad. Coexisten ballets modernos y los pertenecientes al repertorio clásico .Aunque podemos decir que es la danza contemporánea la que está ganando actualmente el terreno.

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26 DANZA MODERNA

Tomado de: Corporacionculturaldelaflorida.cl

El baile moderno se caracterizó por romper con la tradición clásica, se inició con Isadora Duncan a principios del siglo XX en Europa central pero retornó a Estados Unidos. También llamado centroeuropeo, libre o expresionista. “Libre” por dejar al cuerpo moverse en cualquier dirección sin someterse a la técnica, solo aceptando los límites de su propia anatomía. El carácter expresionista de la danza “procura en muchos casos desentenderse del tema y expresar varios estados de ánimo”. (Dallal, 7)

Según Margaret Lloyd “La danza moderna es un desarrollo nuevo de un arte viejo, una manifestación creadora de nuestro tiempo, es, específicamente, la continua apertura de nuevos caminos en la expresión de las emociones humanas por medio del gesto”.

Algunas de las diferencias más profundas de la danza moderna con el ballet son:

DANZA MODERNA BALLET

 El bailarín es el mismo coreógrafo, la danza es un solo.

 Se busca expresar emociones y sentimientos

 Libertad de movimientos.

 Existe una compañía de ballet dirigida por un coreógrafo.  Se quiere expresar las

relaciones humanas.

 Los movimientos están sujetos a una técnica.

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27  No hace ninguna clase de

exigencias en los movimientos.  Se danza generalmente

descalza.

 Busca el sentido de lo monumental a través de la expresión.

 Usa movimientos y gestos faltos de equilibrio los cuales terminan inesperadamente.

torsión de las caderas.

 El uso de las zapatillas de puntas.

 Busca mostrar al bailarín muy ligero casi volando.

 Movimientos fluidos, suaves, guardando el equilibrio y la continuidad.

A pesar, de estas diferencias la danza moderna presenta semejanzas con algunos pasos del ballet clásico, bailarines como Martha Graham emplea variaciones derivadas de pasos del ballet.

De igual forma como el ballet clásico ejerció una fuerte influencia en la danza moderna por su violenta reacción contra este sistema de danza, la danza moderna ha influido en el ballet, creando nuevas formas de expresión en las cuales es difícil diferenciar la influencia de algunos de estos movimientos dancísticos.

La danza sigue formando parte de nuestras vidas al igual que lo hizo en

la de nuestros antepasados. Es algo vivo que evoluciona con los tiempos pero es consustancial con la naturaleza humana” (11, Rhode Castro).

Los grandes movimientos artísticos no se presentan como fenómenos aislados, ya que estos se expanden y se manifiestan en todas las artes y en todas partes del planeta. En este sentido, y teniendo en cuenta que el país latinoamericano con mayor desarrollo en el ballet ha sido Cuba, a continuación hacemos un breve recuento de la historia y evolución de esta manifestación artística en Cuba. Según lo consultado en Francisco Rey Alfonso, Editorial Letras Cubanas, la Habana Cuba. Año 2002. Podemos decir que, Cuba por su desarrollo económico y social, aportó al ballet, unas características que fueron definitivas en su desarrollo.

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28 EL BALLET EN CUBA

El ballet romántico, cuya significación en la danza fue tan importante, porque fue un movimiento de renovación el cual aportó al ballet una técnica propia y gran prestigio entre el público a nivel mundial, permitiendo que este arte llegara a America y a Cuba.

El romanticismo logra impactar el arte dancístico, revitalizarlo, reorientarlo, y propiciar un vuelco en su contenido y su forma. La edad de oro del ballet romántico se manifestó en 1827 en Paris con la figura de Marie Taglioni.

En Cuba la era romántica, como producto natural de los nuevos tiempos que corrían, aparece en el año 1839, con la actuación de la bailarina francesa Eugene Martín de Lecomte, el ballet entonces era el baile que estaba de moda y no quedaba otra alternativa que importarlo a Cuba con sus bailarines, sus técnica y su repertorio. Las vías de acceso del ballet romántico en Cuba fueron básicamente tres:

 La prensa habanera

 Los viajeros extranjeros que llegaban desde Europa y Estados unidos.

 La correspondencia que llegaba de esos países.

La prensa jugo un papel determinante ya que apareció mucha información copiada de los periódicos franceses, biografías, comentarios críticos, anécdotas de bailarines famosos y famosas, entre ellos Fanny Elssler, Lucile Grahn, Fanny Cerrito y otros, estos periódicos informaban sobre presentaciones majestuosas de los mas famosos del ballet y su auge en el país europeo, en la prensa cubana entonces, aparecieron reclamos de personas, acerca de lo rezagada que se encontraba la capital en materia de arte, con respecto de Europa y solicitaban para los escenarios criollos, operas desconocidas que se pudieran ver lo antes posible en cuba como por ejemplo: La Gipsy, El diablo cojuelo y la sombra, El violín del diablo y La Farfanela y La Hija del Infierno.

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29 Después del romanticismo, Cuba se había convertido en una isla próspera, con una economía sólida y fuerte en el ramo de la industria azucarera, esto hizo que llegaran al país viajeros de diversas nacionalidades atraídos por el turismo y por el espionaje económico de algunas empresas europeas.

FUENTE Y DESTINOS DE BAILARINES EN CUBA

Muchos artistas de escenario que llegaron a Cuba de alguna manera contribuyeron a la conformación y esplendor del romanticismo en Cuba. Llegados de Francia, España, Italia e Inglaterra vieron en la capital de la isla su sede de actuación, en cambio para otros fue solo un trampolín de la fama. El flujo de bailarines creció desde 1841 y duró un poco más de dos décadas, todo este movimiento se dio como consecuencia de la presencia de Fanny Elssler, la presencia de medios de transporte y la existencia de teatros apreciables.

La aparición del Gran Teatro de Tacón representó un gran acontecimiento para el arte escénico en Cuba, donde se dieron competencias de grandes artistas europeos y americanos, este escenario se convirtió en el centro de la vida cultural y social de la ciudad y centro del movimiento teatral romántico en la colonia. En este teatro se pudieron apreciar las primeras expresiones del ballet llegados a la isla, y se convierte en sede del baile escénico en cuba, tanto que la historia del ballet en la isla del siglo XIX, es casi totalmente la historia de la danza en ese coliseo.

Existió también el teatro Diorama, desaparecido por un huracán. Más tarde aparece el teatro del Circo Habanero y otros que más tarde aparecen en distintas ciudades de la isla.

INTEGRACIÓN DE COMPAÑIAS DE BALLET

La llegada de compañías de ballet se debió a la gestión empresarial de Francisco Marti, que contó con corresponsales en Europa y Norte America que contrataban para presentaciones en el gran Teatro del Tacón.

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30 Las compañías de ballet llegadas de Europa, estaban conformadas por una o dos primeras figuras en torno al cual se centraba un número mayor de bailarines y mimos de cierta experiencia en las tablas.

Las segundas partes de grupos se conformaron de muchachas con alguna madurez artística y con conocimiento de técnica de la danza académica. Se destacaron muchas niñas que bailaron junto a los adultos. La presencia infantil en los colectivos danzarios se debió a que estas niñas eran familiares de las primeras figuras de bailarines españoles que actuaron en Cuba y se incorporaron a ciertos conjuntos de ballet.

Muchos bailarines aparecieron en Cuba en calidad de miembros de compañías que se funcionaron y se organizaron alrededor de giras que contrataban con distintas posibilidades artísticas y financieras.

LOS CUERPOS DE BAILE

Traídos al país por compañías, constituyeron un trauma para los públicos, a la mala calidad corporal de ballet se junto además, la lamentable contribución local una serie de personas improvisadas y por tanto carentes de entrenamiento, incapaces de cumplir las mas elementales exigencias técnicas o artísticas por añadidura, en pocos casos algunos bailarines poseían físicos alejados del ideal de belleza de la época, a los cuerpos se sumaron los coristas de la opera que actuaban en Cuba.

LA ENSEÑANZA DEL BAILE

La apertura de centros de enseñanza de ballet en Cuba, surge bajo la fiebre del ballet provocada por Ana Pavlova, fueron numerosas las niñas que trataron de caminar en puntillas, y destrozaron en dos días las puntas de sus zapatos.

Existieron maestros de baile de salón que enseñaban en academias improvisadas, en escuelas públicas y a domicilio, sin fines profesionales solo prepararlos para ser vistos con buen lucimiento en la vida social. El público

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31 conoció las bondades de las coreografías a través del baile de los solistas y no por el de conjuntos.

BALLET Y BAILE ESPAÑOL

Las compañías de baile del romanticismo en Cuba tenían sus rasgos propios, de acuerdo a la naturaleza de su repertorio y las habilidades de sus figuras estos estaban ubicados en dos grupos: baile nacional y baile extranjero o ballet que las compañías lo añadían cuando contaban con bailarines que bailaban tanto lo nacional como lo extranjero.

También las temporadas de ballet se hacían al azar, aún no había suficiente afición del público hacia este arte, eso se manifestó en la baja concurrencia del publico al Gran Teatro del Tacón; la prensa comentó entonces: “sabido es de todos, que el baile pantomimico o ballet de los franceses no ha podido nunca aclimatarse en la isla, es necesario personajes superiores al meritorio de Fanny Elssler, para animar al publico, por que a los cubanos les gusta bailar y no ver bailar”. (6, Rey Alfonso)

Muchos consideraron que el ballet no era un arte o que si lo era estaba por debajo del teatro, la opera y la música y por tanto se programaba como relleno de este tipo de presentaciones, el ballet no se tomaba en serio. Para la mayoría de cubanos de la época, el ballet ocupaba el último peldaño en la escala de valores del mundo del espectáculo, esta consideración duró hasta cuando aparece el ballet de Alicia Alonso y el ballet nacional de Cuba, como compañías profesionales.

EL BALLET ROMANTICO Y LAS NORMAS MORALES

Una de las exigencias de la época, con relación a los conceptos morales, que se hacia a los danzarines era que bailaran con “decencia” o con “propiedad”, por eso se elogiaba a aquellos que se presentaban con “decoro” y “castidad”; para algunos críticos por ejemplo, pasos como el “arabesque” parecieran indecentes e inapropiados sobre todo para una mujer.

Otra exigencia era que los bailarines “vistieran” correctamente atendiendo a los paradigmas de lo que entonces se consideraba como decencia; el control sobre las ropas de trabajo de los artistas hizo énfasis en las bailarinas y bailarines travesti, lo que hacia que en una actuación de estas generalmente se le diera

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32 en las presentaciones una explicación que pusiera a salvo la moralidad de la persona implicada.

INFLUENCIA DEL BALLET ROMANTICO EN CUBA

A pesar de las dificultades vividas por el ballet al insertarse en el medio artístico cubano, su presencia influyó en el mundo cultural de la colonia, su huella se encuentra, en las manifestaciones artísticas cultivadas en la época, como la danza, desde luego, dando paso a lo que se denomino “vertiente campesina” que incorporo el “zapateo”, también llamado “zapateado o buscapié cubano” practicado por bailarines foráneos que actuaron en la isla. Fanny Elssler, fue quien tuvo la audacia de prestigiar ese baile popular, llevándolo a la escena e imitando con esa representación, a la dulce guajira de los campos cubanos; esto creo la tradición del zapateo en el teatro y en los espectáculos de ballet, en el cual los artistas visitantes contaron con la ayuda de bailadores locales quienes sirvieron de maestros y de parejas; entonces utilizaron trajes típicos de la guajira o guajiro cubano o imitaciones muy próximas a los trajes típicos.

La técnica del zapateo se utilizó más por congraciarse con el público criollo, que por razones estéticas; muchos de estos artistas no interpretaron el zapateo fuera de Cuba; lo que no ocurrió con danzas españolas aprendidas en la isla, la misma Fanny Elssler ofreció el zapateo cubano, en la última temporada en Nueva York, en 1842. La interpretación del zapateo, generalmente provocó gran entusiasmo en los criollos, hasta el punto de solicitar su repetición, como una manifestación de elemental reconocimiento de lo propio.

La influencia del ballet romántico en el ballet teatral, produjo obras coreográficas que se hicieron con los valses criollos, habaneras y contradanzas. El sentido local y el exotismo del romanticismo hicieron que ciertas danzas folclóricas cubanas de origen africano, se incorporaran al repertorio de artistas profesionales, como el caso del Cocoyé.

Lo africano también cobró vida en la escena local, con coreografías que tuvieron como tema el negro cubano, sus bailes y sus costumbres, estas obras se presentaron como comedias y sainetes, por ejemplo se puede mencionar el

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33 ballet “Los Negritos” de Tiburcio López, que terminaba con la presentación de la contradanza la “Cachibamba” de Tomas Buelta, y se terminó con el tango o baile campestre; mas tarde estas danzas se volvieron mas importantes pues se convirtieron en algo consustancial en ese tipo de teatro.

CON LA MUSICA

La música popular específicamente constituyó parte importante en la vida de la colonia, el género predominante fue la contradanza, los valses, la polka y piezas orquestales, las composiciones se dividieron en aquellas en las que los compositores pretendían homenajear a bailarines o compañías como Fanny Elssler, Rosalía Bustamante y otras, y otras que recrearon bailes típicos cubanos como el Cocoyé y el Zapateo. Las obras musicales compuestas en Cuba, que se encontraban relacionadas con el ballet, fueron ampliamente difundidas.

CON LA LITERATURA

El ballet romántico produjo cierta influencia en el campo de la literatura, aunque no aporto nada novedoso a las bellas letras de Cuba, de todas maneras los caminos de la danza y la literatura se vieron entrecruzados, ya que los escritores buscaron en la danza motivos de inspiración, por ejemplo José María Heredia escritor cubano, escribió dos poemas sobre el tema de la danza en el siglo XIX.

CON LA LITERATURA

La danza para los cubanos siempre estuvo vinculada al rito, al espíritu religioso que brota del movimiento, según Ismael Albelo, “no se podría priorizar entre el rito y la danza en cuanto a su lugar origen en la historia, con seguridad, surgieron uno y otra en un mismo acto de comunicación y exaltación, de ahí que Danza es Rito…y Rito sea Danza”.

En la cultura danzaria de Cuba apareció un baile de un ritmo nuevo que cada día ganaba más bailarines, hacia 1939 la Orquesta Arcaño y sus Maravillas, estrenó un danzón de ritmo rápido, satisfaciendo a bailadores que exigían

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34 ritmos más vivos que les permitieran lucir sus habilidades, entonces aparece el Mambo, o “danzón de nuevo ritmo”, considerada como la del surgimiento del ritmo musical.

En 1947, Roderico Neyra Rodney, el más tarde famoso coreógrafo de Tropicana, produce el filme “Zamba rumba” un espectáculo que aparece como

BALLET NEGRO DE RODNEY. Más tarde esta coreografía se conoce como “Las Mulatas de Fuego” estas quienes exhiben el mambo y rápidamente la llevan a los cabarets y al cine, con otras cubanas llamadas “RUMBERAS” como Ninón Sevilla, Meche Barba, María Antonieta Ponso Amelita Vargas, esta última radicada en Argentina. Después surgieron otros grupos como LAS MAMBOLETAS, LOQUIBAMBIA.

Hay quienes manifiestan que el mambo no es un baile tradicional popular, ya que su creador fue el coreógrafo Rodney. Sin embargo el famoso pianista Bola de Nieve, afirmó que el mambo surgió como baile desde el pueblo, lo que lo hace ser una extraña muestra de tradición popular, con las influencias norteñas y raíces africanas.

En 1949 el mambo fue popularizado por Dámaso Pérez Prado, en México donde causó furor; con el mambo se rompe el danzón y el son, ya que este es más dinámico, solista y plagado de influencias foráneas, sobre todo afro norteamericanas.

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35 Hacia 1959, Ramiro Guerra, que regresaba a Cuba con conocimientos de varios países y de la famosa bailarina Martha Graham, inició una nueva estética otra manera de ver el cuerpo: como un emisor de mensajes con un vocabulario inteligente, novedoso y expresivo.

Entonces se abre convocatoria para aquellos que quisieran iniciarse como bailarines de una nueva disciplina, con Ramiro Guerra se iniciaba el proyecto del CONJUNTO NACIONAL DE DANZA MODERNA.

Esta compañía adelanto giras en el exterior, participó en festivales, estrenó obras en las cuales se mezclaban la mitología internacional y las tradiciones afrocubanas, con grandes y variados repertorios y con la forma de moverse tan peculiar de los cubanos, nacía así la DANZA MODERNA NACIONAL.

Mas tarde en 1971 la danza, entra a la danza teatro con el montaje “EL DECALOGO” de Ramiro Guerra, al pasar por distintas direcciones el conjunto Nacional de Danza Moderna de Cuba cambia de nombre y de filosofía, con directores como coreógrafo principal a Víctor Cuellar, junto con Eduardo Rivero, Arnaldo Patterson, Gerardo Lastra, Isidro Rolando y otros, entonces la compañía trabaja bajo la línea creativa de las tradiciones afrocubanas, sin abandonar la influencia universal.

En su seno se fue insertando lo contemporáneo de la danza cubana, con la presencia de jóvenes como Marianela Boán, Rosario Cárdenas, Narciso Medina y otros egresados de la Escuela Nacional de Danza; también llegaron voces europeas, obras que, poco a poco, fueron transformando Danza Nacional en Danza Contemporánea, nombre que asumió definitivamente hasta nuestros días.

Actualmente la calidad de los bailarines de la compañía, dirigido por Miguel Iglesias, ofrece una interpretación expresiva y virtuosa, con la aplicación de diversos estilos, desde un dancical como en Tocororo de Carlos Acosta, clásicos como Folia de Jan Linkens, producciones multimedia ticas como Carmina Burana de George Céspedes o insurgencias como Restaurant, El Paso de Julio César Iglesias.

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36 Con el nombre de DANZA CONTEMPORÁNEA DE CUBA, esta compañía ha multiplicado su ejemplo en más de veinte compañías y proyectos en el país, herederos de una u otra forma de aquel proyecto de Ramiro Guerra, padre de la danza moderna en Cuba, que ahora cumple su primer medio siglo de vida.

La expresión de los temas afrocubanos en la danza fue una consecuencia lógica del triunfo de la Revolución. Con el pueblo en el poder, hizo de las tradiciones populares de origen africano, principal materia de estudio, llevadas al arte de modo correcto, entonces aparecieron los que antes eran discriminados en la escena, esto se convirtió en un fenómeno que impactó la cultura.

Esto no hizo que se abandonaron las tradiciones europeas ni se dejaron de asimilar influencias culturales de diversos orígenes, las cuales se procesaron en este crisol que es la cultura cubana. “La identidad no es lo pintoresco, la identidad es la conciencia de ser uno mismo y de ser distinto de los

demás, aquello que nos identifica como grupo frente a otros”. (CMBF Radio

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37 Segundo Capitulo: LA TECNICA DEL BALLET

Según la entrevista realizada a María del Carmen Contreras “el ballet, es la base para cualquier otro tipo de danza porque le da a uno el estilo, la elegancia, la técnica, la disciplina y la elasticidad que le sirve a uno para realizar cualquier otro tipo de danza”.

La danza es movimiento que requiere de 5 elementos fundamentales los cuales son:

Ritmo, forma, espacio, tiempo como duración y grado de energía.

De acuerdo a esto Sara Rhode define la danza como:” el desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas las partes del cuerpo del bailarín, diseñando una forma, impulsado por una energía propia, con un ritmo determinado durante un tiempo de mayor o menor duración” (12, Rhode)

Es importante destacar que de acuerdo al tipo de danza o al carácter de ella, se acentúa el uso de uno u otro elemento de la danza.

El Ballet es reconocido porque es la base técnica para cualquier otro tipo de danza. Sus principios técnicos pueden aplicarse a cualquier otra forma o estilo dancístico.

Para María del Carmen Contreras “hoy en día la técnica del ballet es algo muy elaborado, y me atrevería a decir que las bases para la técnica del ballet están inicialmente en que el bailarín o la bailarina empiecen a una edad muy temprana puesto que requiere que el cuerpo se amolde a todas las posiciones que tiene el ballet y que a una persona mayor no le va a quedar fácil amoldarse y tener la elasticidad que se necesita”.

Dentro de la técnica del ballet se destaca que “está montada como un mecanismo riguroso que desde principios muy elementales como las llamadas cinco posiciones de los pies, van complicándose los movimientos poco a poco, metódicamente, ordenadamente hasta el punto de que cuando las figuras o pasos más complicados intervienen es posible descomponerlos pieza por pieza, movimiento por movimiento

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hasta volver a encontrar, por un camino a la inversa, todos los pasos que paulatinamente fueron integrando aquél” (1, Salazar).

Para aprender ballet hay escuelas de principiantes donde el profesor indica que pasos hacer mientras suena la música y ensañan ballet todos los días. Hacia los once años se puede entrar a una escuela de ballet donde se reciben además clases de deportes para fortalecer los músculos, aparte de las clases normales.

Una persona que quiera convertirse en bailarín de ballet clásico a nivel profesional tiene que iniciar su aprendizaje como máximo a los 8 años y practicar diariamente, para mantener su cuerpo fuerte y flexible, además de perfeccionar sus movimientos y posiciones, también debe recibir otro tipo de clases relacionadas como son el manejo de las zapatillas de punta para las mujeres, bailes de salón y pantomima entre otras. Sin embargo, el ballet puede ser aprovechado por cualquier persona así no se vaya a convertir en un bailarín profesional.

Los bailarines profesionales entran a una compañía de ballet donde se practica todos los días para ser un gran bailarín. Las clases inician con el trabajo en la barra donde se hace el calentamiento, se estiran los músculos y se ejercitan los tendones. Luego del trabajo en barra, se realizan ejercicios de centro, los cuales inicialmente son movimientos lentos y sostenidos (adagio) con el fin de

desarrollar en los bailarines la sensación de equilibrio y fluidez” (12,

Rhode Castro) Ya después se continúa con movimientos más rápidos, pequeños saltos para luego pasar a desplazamientos, giros y grandes saltos. Existen diferentes sistemas de entrenamiento, los cuales son llamados de acuerdo al país de origen o a los maestros que lo desarrollaron. Estos sistemas se diferencian en el estilo, en el énfasis de algunos aspectos, en la denominación o ejecución de algunos movimientos sin embargo el lenguaje técnico es el mismo. Algunos de estos sistemas más reconocidos son: escuela rusa, escuela francesa, la escuela del italiano Enrico Cecceti, del danés Augusto Bournonville o de la rusa Agripina Vaganova.

Una de las características del ballet es que por medio de unos pasos, posiciones y movimientos que se aprenden desde un inicio, los bailarines

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39 principiantes, vayan mejorando su ejecución haciéndolos más complejos por medio de variaciones en la velocidad, la duración, en las combinaciones de movimientos y en la exigencia física, para convertirse en profesional. La idea de las clases no es aprender nuevos pasos, sino perfeccionar cada vez más los pasos básicos. En el ballet hay cinco posiciones y siete movimientos básicos. Los movimientos y posiciones del ballet se han desarrollado y codificado desde sus inicios. Hace más de 100 años el ballet tenia más de doscientos gestos diferentes. Hoy en día el ballet es un sistema bien definido, aunque flexible. A continuación describiremos algunas de las posiciones fundamentales dentro de la técnica del ballet clásico:

EL ERGUIMIENTO Y LA POSICIÓN VUELTA

Estas posturas son esencialmente técnicas y necesarias en el ballet. El bailarín debe estar siempre erguido, para dar la sensación de que se estira como para tocar el techo, con la espalda recta, los músculos del abdomen firmes, el cuerpo asentado en las caderas y la cintura estilizada. El torso y todas las partes del cuerpo del bailarín deben estar estirados (pull up).

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40 En el ballet generalmente, los bailarines deben enfatizar en la perpendicularidad del torso, ya que siempre se debe fluir en el eje vertical. La verticalidad requiere de una fuerza en contra de la gravedad, lo cual se aplica principalmente en los pasos de elevación como los saltos. El cuerpo debe estar alineado y centrado para facilitar el movimiento y permitir el máximo de estabilidad.

Cuando realiza un salto, muchas veces el bailarín debe girar, cruzar las piernas, mantener los pies juntos o cambiar la posición de las piernas, dentro de una coreografía cuando se agrupan estos pasos se denomina allegro.

La invención de las zapatillas de punta, pudo conseguir el objetivo del ballet de desafiar la fuerza de gravedad y le dio un mayor efecto poético al baile, estas han sido usadas desde 1.830.

Tomado de: aescenadansa.com Tomado de: taringa.net

La posición vuelta o rotación externa consiste en la situación de las piernas, en donde los pies apuntan hacia fuera desde la articulación de la cadera. Esta posición es uno de los fundamentos técnicos del ballet y permite mejorar la fuerza de los movimientos y embellece la línea de las piernas. Es necesario que esta posición parta de la cadera y no de las rodillas o los tobillos, ya que esto podría causar lesiones en estas articulaciones debido a la tensión que se genera.

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Tomado de: apunts.org

PORT DE BRAS (Porte de los brazos)

Los brazos también deben tener una postura correcta. Están con los codos un poco doblados manteniendo una línea continua y fluida, nunca están tensos.

Tomado de: Cenproda. Diccionario de Ballet  LA CABEZA Y LOS OJOS

Siempre cuando él o la bailarina está haciendo los ejercicios en la barra tiene que estar con el cuello estirado, también es importante no olvidarse de la cabeza y los ojos porque en éstos se refleja los cambios de ánimo y sus pensamientos. Los ojos deben mirar hacia adelante, estar relajados y ser conscientes de lo que miran.

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El bailarín comienza a bailar realmente cuando ya conoce la forma

apropiada de poner todo el cuerpo desde los dedos de las manos hasta los dedos de los pies”. (4, Crispy, Thorpe)

La configuración del cuerpo de un bailarín en movimiento o en reposo, se denomina con el término “línea”. Una buena línea depende de las características físicas anatómicas con que nace el bailarín, pero también pueden ser desarrolladas por medio del entrenamiento.

La respiración es un aspecto determinante dentro de la técnica ya que de esta depende el aporte de oxigeno para que los músculos trabajen bien, se realiza de tipo diafragmático, usando las costillas inferiores.

El ballet clásico se caracteriza por poseer una estructura teórica determinada por unos principios, reglas y protocolos, que al ser aplicados correctamente le imprimen el carácter clásico que se requiere y lo diferencia de otro tipo de danzas. Otra característica del ballet es que su terminología en cuanto a posiciones, pasos, ejercicios y movimientos está en francés.

Dentro de esta técnica se determinan 5 posiciones específicas para los pies, que se utilizan en los diferentes pasos. Hay unas posiciones, también, correspondientes para los brazos pero varían de acuerdo a las diferentes escuelas.

POSICIONES BASICAS DE LOS PIES

PRIMERA POSICIÓN: Los talones están juntos, las piernas y los pies se vuelven 90º hacia fuera. El cuerpo está estirado y bien erguido. Los brazos forman una bella curva y los dedos están separados. El peso se distribuye entre las dos piernas.

SEGUNDA POSICIÓN: Los pies están separados por una distancia de aproximadamente un pie y medio. Los brazos extendidos hacia los lados, forman ángulo recto con el cuerpo, mantienen una línea curva sin que se doblen los codos. Se debe dar la sensación de que los brazos son más largos de lo que realmente son.

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43 TERCERA POSICIÓN: Los pies se colocan paralelos uno frente al otro con los dedos mirando hacia fuera. Los brazos se encuentran uno en primera posición y el otro en segunda.

CUARTA POSICIÓN: Se logra moviendo un pie hacia delante hasta unos 20 centímetros desde la primera posición. Un brazo se encuentra hacia arriba levemente curvado y el otro en segunda posición.

QUINTA POSICIÓN: Se cruzan los pies de manera que uno quede exactamente detrás del otro. Los brazos en larga curva hacia arriba, con las palmas de las manos enfrentadas y los dedos suavemente estirados hasta completar la línea.

Tomado de Art of Ballet

PRINCIPIOS TECNICOS DEL BALLET CLASICO

Explicaremos cada principio por separado, pero hay que tener presente que en su ejecución estos principios se interrelacionan unos con otros. Para lograr aprender y practicar estos principios se deben asimilar de forma intelectual y kinesiológica progresivamente.

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 ALINEACION:

Se refiere a la correcta postura del cuerpo. El ballet tiene como base una correcta alineación. Para un bailarín la alineación debe darse entre la cabeza, el torso, los brazos y las piernas, mientras esté en movimiento o en una posición estática. El cuerpo funciona como un sistema de bloques, en el cual si uno de ellos se encuentra desalineado, afecta a los demás bloques.

Algún tipo de desalineación puede causar lesiones en alguna parte del cuerpo, especialmente en las articulaciones mayores.

 ROTACIÓN:

Una de las principales características del ballet clásico es la rotación externa de las piernas, que se da desde la cadera. “El control muscular de la pelvis, las piernas y el abdomen es esencial para mantener una correcta alineación del cuerpo y facilitar la rotación”. (12, Rhode Castro)

Para una adecuada rotación de ambas piernas es necesaria una buena alineación del torso. Este principio se aplica a toda la técnica del ballet. A través de la evolución de este baile la rotación fue la forma más eficiente y estética que se logró para que el bailarín pudiera moverse en todas las direcciones.

 DISTRIBUCION DEL PESO:

El equilibrio y la eficiencia en el movimiento dependen de la alineación del cuerpo y para lograr una adecuada alineación se debe tener en cuenta la distribución del peso del cuerpo en uno o en los dos pies, la cual varía durante los movimientos y las diferentes posiciones.

 POSTURA:

El bailarín debe adoptar una postura apropiada y para esto el peso del cuerpo debe estar igualmente distribuido en los pies.

 TRANSFERENCIA DEL PESO:

Es cambiar la distribución del peso de dos pies a uno o de uno a dos, esto requiere una correcta postura. Para que este cambio se vea fluido y sin

Referencias

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