HISTORIA DEL ARTE: EL BARROCO: ARQUITECTURA Y ESCULTURA

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Tema 12. (I) EL BARROCO. ARQUITECTURA Y URBANISMO EN ITALIA: BERNINI Y BORROMINI. LA ARQUITECTURA CORTESANA EN FRANCIA. LA ESCULTURA EN

ITALIA: ESTÉTICA Y MATERIALES EN LA OBRA DE BERNINI EL TÉRMINO “BARROCO”

El arte Barroco se desarrolló durante los siglos XVII y XVIII. Estilo caracterizado por la búsqueda del movimiento y la ruptura de la proporción de la norma clásica imperante en el Renacimiento. El Barroco fue el arte del movimiento.

Pero no supuso, sin embargo, una ruptura frontal con los presupuestos del Renacimiento; ya que fue su fruto. En primer lugar, fue consecuencia de la evolución de los presupuestos estéticos del siglo XVI; en segundo lugar, fue resultado del contexto europeo de la época.

La connotación peyorativa que acompaña al término, hace referencia a sus excesos y es consecuencia de la descalificación y crítica sufrida durante el siglo XVIII. Los hombres de finales del siglo XVIII intentarán recuperar la norma clásica renacentista, mediante la revitalización del arte clásico y la prohibición casi total de la estética barroca. Ésta será considerada como “superlativo de lo extravagante o exceso del ridículo”.

El propio Le Corbusier, arquitecto de principios del siglo XX, calificaba la obra barroca del cierre de la Basílica de San Pedro como inapropiada e incoherente con la cúpula erigida por Miguel Ángel que quedaba ocultada por la fachada añadida. El Barroco, pues, para muchos de sus detractores, iba en contra del concepto renacentista y de las ideas de Leonardo, Bramante o Miguel Ángel. Será considerada la obra barroca como aquella realizada por “manos bárbaras”.

En la actualidad, es considerado no como una ruptura, sino como una evolución hacia un mayor dinamismo de los últimos años del Renacimiento.

LA ÉPOCA

Para comprender esta evolución hay que conocer el momento histórico que le tocó vivir al hombre que desarrolló este estilo. El hombre del siglo XVII se debatía entre dos polos opuestos: la vida y la muerte, tanto en el plano metafísico como en el material: las hambrunas y las pestes devastaban y asolaban Europa. La crisis demográfica será uno de los grandes problemas del siglo.

La Guerra de los Treinta Años (1618-1648) presidió la primera mitad del siglo. El enfrentamiento entre protestantes y católicos continuó, siendo imposible el diálogo entre ambos. Unos rechazaban a la jerarquía católica; los otros reafirmaron su estructura; y llevaron a cabo una reforma interna marcada por el cumplimiento estricto de las normas y el cierre frontal a cualquier diálogo con los primeros. La Contrarreforma abrió una brecha que dividió a Europa en dos zonas: La Europa católica, con España a la cabeza y la Europa protestante, encabezada por Suiza e Inglaterra.

Ambos movimientos, Reforma protestante y Contrarreforma católica, opuestos en su nacimiento, pero no en su objetivo-la mejor vivencia de la religión cristiana-, nutrieron el ideario barroco en sus manifestaciones plásticas. Con ellos:

1) Resurgió la temática religiosa. 2) Aparecieron tipologías de santos 3) Se exacerbaron las virtudes cristianas.

4) Se fomentó el temor al fin de la vida terrenal.

Todo ello se dio no solo en las artes plásticas y en la arquitectura, sino también en el campo de la literatura. (En el teatro, se dan los autos sacramentales como testigos de este fenómeno)

En el terreno político convivirán dos realidades diferentes:

- Las monarquías absolutas europeas, que llegan al cénit de su poder - El sistema liberal del parlamentarismo inglés.

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capitalismo en el campo protestante, y a la vez, la pervivencia del feudalismo y el dominio social de los grandes terratenientes, dueños de vidas y haciendas.

Esta realidad ambivalente se presenta también en el campo del arte; aunque no es nuevo, ya que al final del siglo XVI, el manierismo, que suponía el gusto por la ruptura de la norma y de la medida, era perseguido como fin en sí mismo.

Roma se convertirá en símbolo. Roma fue la ciudad donde el Renacimiento y su búsqueda de la belleza convivieron con el afán y la lucha por hacer de ella la sede de la cristiandad. El protagonismo que adquirió en el siglo XVI gracias a la presencia de las grandes figuras, como Bramante, Rafael o Miguel Ángel, se mantuvo durante el siglo XVII con Bernini y los propios Papas, que quisieron imitar a Julio II y a Sixto V, y mantener la hegemonía artística y cultural de Roma en Europa. Fue, pues, en Roma donde se fraguaron los presupuestos estéticos del barroco y es el foco a partir del cual se difunden al resto de las grandes ciudades europeas.

CARACTERÍSTICAS DEL BARROCO

1) Complejidad de las formas establecidas en el Renacimiento, que se hacen más dinámicas, con contrastes y ruptura con el equilibrio y la armonía clásica.

2) Se caracteriza sobre todo por el movimiento, la decoración y la complicación de las formas. 3) Es un arte total, condicionando la arquitectura a escultura y pintura.

4) Es un arte de propaganda del poder establecido: Monarquía, República o Iglesia.

5) Es esencialmente religioso en los países del sur de Europa, y profano en la Europa protestante del norte.

6) El Rococó es el período de mayor opulencia del Barroco, con decoración recargada en los espacios íntimos y con mayor complicación de las formas barrocas.

CRONOLOGÍA DEL BARROCO

-Barroco temprano o primitivo (1580-1630): Coincide con el Manierismo -Barroco maduro o pleno (1630-1680)

-Barroco tardío (1680-1730) que se denomina Rococó y que se caracteriza por la excesiva ornamentación en el interior de los edificios.

Dos tipos de Barroco:

− Barroco cortesano y católico, instrumento de propaganda de la Iglesia Católica y de la Monarquía absoluta. (Italia, España, Francia)

− Barroco burgués y protestante (Inglaterra, Holanda).

Pese a estas diferencias existen impulsos estéticos comunes, fruto de la sensibilidad de la época, que desdeña las reglas y tiende a lo emotivo y desbordante. Es un estilo que refleja el estado de ánimo del hombre de la época: pesimismo.

LA ARQUITECTURA DEL BARROCO CARACTERÍSTICAS

1) Es la expresión artística del poder político y religioso. 2) La arquitectura condiciona a las otras artes.

3) Mezcla de órdenes clásicos, con plantas y alzados que expresan movimiento y cúpula que ejerce un papel muy importante en el edificio. Se decora con frescos.

4) Desarrollo del urbanismo y surgimiento de la ciudad-capital, sede de la Corte, que daría acogida a la nueva e impersonal infraestructura burocrática, que centralizaría las fuerzas culturales y artísticas más renovadoras, convirtiéndose en rectora del gusto oficial. El Barroco es un arte urbano.

5) Tipos de edificios:

- Palacios Reales rodeados de jardines con gran extensión.

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- Jardines públicos en los nuevos espacios.

- Templos con exteriores sobrios, pero con movimiento y ricos interiores que intentan provocar la admiración del espectador.

EL URBANISMO

Como se ha dicho antes, el Barroco es un arte urbano. La ciudad barroca heredera de los estudios teóricos del Renacimiento, se basó en la perspectiva, identificándose la visión focal o centrista con la organización del Estado. La ciudad es reflejo del poder absoluto encarnado en el rey y cumple su papel representando simbólicamente por medio del monumento, la existencia de ciertos valores o los hace presentes a través de la ostentación de la vida cortesana. El edificio, por muy monumental que sea, se integra en un sistema planificado, donde centros dominantes definen ejes a los que se subordinan los demás mediante calles regulares; la plaza conserva su carácter público y civil, pero se transforma en parte del sistema urbano. El ejemplo de esta transformación fue Roma, que encontró la fórmula del lenguaje expresivo del Barroco.

En Roma los arquitectos jugaron con dos tipologías básicas, la iglesia y el palacio. Todo se organizaba según un plan prefijado, en el que la misma estructura urbana se supeditó a la función de foco peregrinación de Roma. Su ejemplo lo seguirán pronto París, Versalles, Viena o Melk y en todas aquellas ciudades conde la burguesía adquiría influencia y poder. En el Renacimiento la única actuación que se llevó a cabo desde el punto de vista urbanístico fue la Plaza del Capitolio, realizada por Miguel Ángel.

Fue el Papa Sixto V quien, considerando su deber hacer de Roma la más moderna y bella ciudad, emprendió un vasto programa urbanístico,( su “plano regulador” con el que integraba las obras de sus predecesores), sentó las bases de la Roma barroca. Este plan hizo de Roma el prototipo de ciudad-capital. Con una idea muy avanzada, consideró necesario emprender mejoras sociales para acometer la transformación urbanística, como traer agua a la ciudad, trazar una red de largas y anchas calles que unieran las siete basílicas principales, meta de las peregrinaciones para ganar el jubileo. Ante los edificios por él construidos estableció espacios libres para futuros desarrollo, erigiendo obeliscos como eje de una nueva concepción del espacio que introduce una dimensión vertical y una nueva función y significado. Así se instalaron desde 1597, los obeliscos del Vaticano, Santa María la Mayor, San Juan de Letrán y Piazza del Popolo y se aislaron las Columnas Trajana y Aureliana.

En el siglo XVII la empresa más importante fue la Plaza de San Pedro, obra de Gian Lorenzo Bernini, con su gran columnata elíptica que semejan brazos que acogen a los fieles que acuden a ella; pero no la única. La Piazza del Popolo, cuya puerta había servido de entrada ceremonial a la ciudad, representa con sus calles radiales el prototipo de la ciudad barroca; el tridente, que ya existía, se completó con la colocación del obelisco y la construcción de dos iglesias a modo de templetes clásicos. La Piazza Navona determinada formalmente por el Estadio Domiciano, pasó a formar parte de la nueva Roma, con las transformaciones de Inocencio X, convirtiéndose en el centro de la vida ciudadana. Las fachadas enfatizaron el sentido de espacio interior. De las tres fuentes, la del centro, “De los Cuatro Ríos” de Bernini, dialoga con los edificios y centraliza el movimiento horizontal del espacio subrayado por la verticalidad del obelisco, que coronado por una paloma, símbolo del Espíritu Santo y emblema de los Pamphili, confiere un contenido simbólico: el poder de la Iglesia extendido a las cuatro partes del mundo conocido, representado por las alegorías de los ríos. Diferente por su trazado es la Piazza de Santa María della Pace, configurada por la fachada de Pietro da Cortona, quien también realiza la planificación urbanística. El espacio era pequeño y mediante las alas cóncavas, el pórtico convexo de la Iglesia se proyecta y engendra una plaza cerrada cuyo volumen compite con el de la cúpula que asoma detrás. Otras actuaciones se dieron en la Plaza de San Ignacio o la escalinata que debía unir la Plaza de España con la Iglesia de

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la Trinitá ai Monti, sobre la colina del Pincio, de trazado fastuoso. La escalinata está formada por una serie de rampas separadas por amplios rellanos, encerrados en sinuosos perfiles que dan como resultado la combinación de la gran escala con el juego intimista del espacio. La última gran obra urbanística es la Fontana di Trevi, que combina espectáculo con un espacio reducido al que proporciona carácter teatral. Nicola Salvi diseñó una fachada monumental de palacio, centrada por un imponente arco triunfal, alzada sobre un basamento rústico por donde brota el agua y dominada por la alegoría del Océano en un conjunto espléndido de arquitectura, escultura y música del agua.

El ejemplo de Roma lo seguirán otras ciudades: En España las Plazas Mayores de Salamanca o Madrid, las plazas reales francesas como la Place Vendôme de París supusieron la creación de un espacio cívico destinado a las expansiones culturales y festivas del pueblo. Fueron la demostración de la preocupación por el bienestar social de las monarquías, simbolizando el papel fundamental del rey en la sociedad. Así en el centro de la Place Vendôme se colocó la estatua de Luis XIV y, posteriormente, en la Plaza Mayor de Madrid, la de Felipe III.

ELEMENTOS DE LA ARQUITECTURA DEL BARROCO Los presupuestos estéticos del Barroco se pueden resumir en: a) Búsqueda de la inestabilidad

b) El movimiento a través de múltiples recursos:

− Las plantas: Abandonan la forma circular, símbolo de la perfección neoplatónica y adoptan formas elípticas, con movimiento en sí mismas (San Andrés del Quirinal, de Bernini). Se huyó de los cánones prefijados, buscando la innovación, la sorpresa y la irregularidad de las diferentes partes.

− Las fachadas dejaron de ser previsibles, desarrollando una gran viveza y movimiento, tanto en la planta, con entrantes y salientes, como en el alzado. En lugar de la línea recta, se impuso como nota preferente la línea discontinua, que presenta formas cóncavas y convexas. Efectos de claroscuro

− El muro es el principal soporte y tiene carácter dinámico: se ondula y modela permitiendo plantas flexibles. Los vanos que se abren pueden tener formas complejas, ovales, con sobreventana.

− Los arcos son muy diversos: medio punto, mixtilíneos, elípticos, ovales...

− Los soportes, exentos o adosados, se usan fundamentalmente con fines decorativos: atlantes, cariátides, ménsulas; aparecen soportes puramente barrocos: columna salomónica y el estípite (pilastra tronco-piramidal invertida, compuesta por la yuxtaposición de este elemento con otro de carácter geométrico o figurativo en la parte superior).

− Los juegos de luces se impusieron tanto en los interiores como en los exteriores, provocados por la alternancia de vanos y muros, de hueco y de pared.

− Las cubiertas son preferentemente abovedadas, de los tipos ya conocidos y otros nuevos: elipsoides, de planta mixtilínea. También pueden ser falsas y se denominan encamonadas. − Las grandes cúpulas renacentistas continuaron empleándose, buscando el contraste con

torres de diferentes perfiles y distintas colocaciones.

− Los frontones, molduras y entablamentos se rompieron y quebraron en formas caprichosas que generaron orejeras, volutas y cilindros.

− Las columnas de los órdenes clásicos se retuercen sobre su fuste, decorándose con racimos de uvas y hojas, lo que dio lugar al surgimiento de la columna salomónica, columna por excelencia del barroco.

− Los valores plásticos giran en torno a dos principios: liberación de las formas y dinamismo. − Interesa el juego de volúmenes y espacios: entrantes y salientes.

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− Materiales: piedra, ladrillo, estuco, dependiendo del lugar. − Predomina la forma sobre la función.

c) Tipo de edificios:

• Religiosos y civiles, con un sentido simbólico-propagandístico: La iglesia y el palacio. • El barroco se contrapone a lo clásico: quiere despertar el sentimiento, la sensibilidad y la

inteligencia a través de la originalidad y la expresividad de sus obras.

• Con frecuencia recurre a la exageración y al virtuosismo. La elegancia ya no se encuentra en la sencillez, sino en la complicación y el artificio.

ARQUITECTOS Y PRINCIPALES OBRAS EN ITALIA

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Es un artista romano que cultiva las tres artes: arquitectura, escultura y pintura. Su arquitectura es sencilla, teatral en el espacio, con síntesis de estilos y mensaje triunfal.

a) En la iglesia de San Andrés del Quirinal introdujo un nuevo tipo de planta: centralizada ovalada, rematada con una gran cúpula con capillas laterales. Es

de gran amplitud, el altar mayor se encuentra frente a la entrada, flanqueado por cuatro columnas de mármol, con entablamento y frontón curvo con la escultura de San Andrés, que también se halla representado en el cuadro sobre el altar. En su interior, desarrolló juegos con materiales simulados, lo que dotó al edificio de una gran suntuosidad con menor coste. En el exterior destaca la fachada clásica con entradas en pórtico semicircular flanqueado por dos columnas, al que se accede por una escalinata en arco. El conjunto remata la fachada en frontón triangular, con gran movimiento.

b) El papa le encargó el trazado urbanístico de la Plaza de San Pedro de Roma. Es de forma oval, rodeada por una columnata, también del mismo autor, que simboliza el abrazo a la

cristiandad. Gran monumentalidad. El obelisco egipcio se encuentra en el centro, confrontado por dos fuentes. Rematan el entablamento de la columnata esculturas. En ella quedó patente el

interés por adecuar el espacio a las nuevas necesidades: un lugar lo suficientemente amplio para admitir un gran número de personas y a su vez, poder vislumbrar la ventana desde la que el Pontífice saludaba habitualmente a los fieles.

c) También es autor del Baldaquino de San Pedro, diseñado como símbolo del poder de la iglesia de Roma y de su supremacía sobre las demás confesiones cristianas. Se realizó con las placas de bronce de la cúpula del Panteón, símbolo del mundo pagano frente al mundo cristiano. Columnas salomónicas, de fuste helicoidal con relicarios, entablamento ondulado en

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forma de telas colgantes y remate con una bola y una cruz. Se sitúa encima del sepulcro de San Pedro (confessio) Con el baldaquino la introducción de nuevos recursos estéticos quedó instaurada. La ruptura con las formas clásicas se plasmó en su cúpula reducida a grandes volutas abiertas contra el fondo. La estructura permitía jugar con la luz y provocar cambios según la perspectiva del espectador.

Al principio los artistas usaron los elementos clásicos renacentistas, introduciendo cambios que rompían la proporción. Pero fueron creando nuevos elementos y normas, e incluso, introdujeron aditamentos extraños a la arquitectura: cortinajes, superficies pulidas que actuaban como espejos que reflejaban la luz en las fachadas. Los cambios en el barroco fueron acentuando progresivamente en los aspectos decorativos y teatrales, complicando las plantas y espacios y jugando con la sorpresa, lo inesperado y su efecto en el espectador.

Francesco Borromini (1599-1667): Arquitecto romano, desarrolla su obra en el período del Barroco pleno. Crea construcciones pequeñas de planta centralizada, con movimiento en los elementos clásicos; templos integrados en el conjunto urbano, grandiosidad en el uso del espacio y efectismo. Entre otras obras, destacan:

Iglesia de San Carlos: Fachada curva con dos tramos: el bajo es más grande, con cuatro columnas clásicas y sobre ellas entablamento; el superior con cuatro columnas, sobre las dos centrales un templete con óvalo central y medallón. Sobre éste tramo hay una balaustrada, las ventanas ovaladas y nichos para esculturas. El interior es de planta oval, con decoración clásica, separación con columnas. La planta presenta un gran

movimiento. La cúpula es ovalada. La iglesia es denominada San Carlino por su pequeño tamaño, aunque es monumental. De las “quattro fontane”

por las cuatro fuentes incorporadas en sus esquinas en el exterior. Iglesia de San Ivo: Destaca por su cúpula espiral y rematada con un cupulino con formas cóncavas y convexas.

Santa Inés

Guarino Guarini (1624-1683): Arquitecto de Turín, que se caracteriza por el dominio de las bóvedas elevadas y nervadas: Capilla de la Sábana Santa. En San Lorenzo se observa influencia de la Mezquita de Córdoba (cúpula de nervios que se entrecruzan, espacios independientes que forman un todo).

Filippo Juvara (1678-1736): Arquitecto de Turín que realiza palacios de influencia francesa, que reflejan el poder y la unión con la naturaleza. Palacio Stupinigi. También trabajó para Felipe V en España

ARQUITECTURA BARROCA EN FRANCIA

La arquitectura barroca en Francia estuvo unida a una figura: Luis XIV. Su concepción política, el absolutismo monárquico, requería un modelo que combinara austeridad, apego a lo clásico y lujo. Su opción por la línea recta y las formas racionales y sencillas a la par que monumentales, lo llevaron hacia un estilo propio, denominado clasicismo. Su objetivo era reforzar el poder real y la dignidad sagrada del monarca y mostrar públicamente su poder. En 1671 se crea la Academia de Arquitectura, que debía unificar y racionalizar formas y estilos. El arte pasaba a ser cuestión política. París se convierte en el escenario donde se desarrollan las nuevas ideas

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arquitectónicas: Proyectos urbanísticos, como la Plaza de los Vosgos, querían crear un espacio amplio, presidido por la figura del rey.

Las iglesias, de influencia jesuítica, muestran plantas centralizadas y fachadas de dos cuerpos.

Los palacios franceses, en forma de U, influyeron en el resto de Europa. Se distinguen por la austeridad clásica en el exterior y la suntuosidad en el interior, además de la importancia dada al jardín.

Es pues, una arquitectura fastuosa, pero moderada y elegante. Arquitectos como Le Vau, Perrault y Lebrun sirven primero al ministro Fouquet; caído éste en desgracia, a Luis XIV. El ritmo pausado en las columnas pareadas de la fachada del palacio del Louvre o en la remodelación de Versalles muestran la claridad y elegancia propias del reinado de Luis XIV en el arte. Lemercier, construye la universidad parisina de la Sorbona y F. Mansart el conjunto de Vâl de Grace.

Pero el arquitecto que mejor define el barroco francés es Jules-Hardouin Mansart.. Sus palacios con elementos clásicos en las fachadas son de gran monumentalidad. Los interiores son recargados: mármoles, molduras doradas, espejos, cerámicas, etc. que muestran riqueza y opulencia. Los jardines ganan importancia, reflejando la unión con la naturaleza. Se decoran con fuentes y laberintos. Entre sus obras destacan dos grandes obras: el Palacio de Versalles y el Hospital de los Inválidos.

Palacio de Versalles: Era un palacio de caza que empezó su renovación con Le Vau. Mansart, bajo la vigilancia directa del rey, siguió con las obras de remodelación. Su plano es simétrico y organizado, con las habitaciones del rey en el centro. El exterior con fachada de elementos clásicos es monumental. El interior es opulento y recargado (Galería de los espejos, por ej.). Los jardines son fastuosos y geométricos con abundancia de fuentes, esculturas y canales. Más allá se encontraban los bosques de caza. La figura de Luis XIV se representa en todo el edificio.

El Hospital de los Inválidos: es un gran conjunto arquitectónico en el que destaca la iglesia, de sencilla decoración exterior con elementos clásicos y una gran cúpula, que contrarresta el efecto horizontal de los órdenes clásicos.

El resto de países europeos estuvieron influidos por Italia y Francia. En el Imperio Germánico destacan Von Erlach (iglesia de San Carlos Borromeo en Viena); Hildebrand, (Palacio Belvedere, en Viena) y Pöppelmann (Palacete Zwinger en Dresde). En Inglaterra, Íñigo Jones, (Queen's House en Greenwich) y Christopher Wren, (Catedral de san Pablo) estuvieron influidos por la arquitectura de Palladio.

LA ESCULTURA BARROCA

La escultura barroca fue básicamente religiosa y se realizó preferentemente en mármol y bronce. También se esculpieron retratos y escenas mitológicas, aunque éstas últimas en menor medida. La escultura, siguiendo los postulados del Concilio de Trento, debía conmover y convencer, al igual que el resto de disciplinas artísticas. Para lograr la devoción y el fervor de los espectadores, los escultores barrocos optan por el realismo y el naturalismo.

Las representaciones mostraban preferencia por las normas clásicas interpretadas libremente. Se introducen ilusiones ópticas y teatralidad; frente al estatismo renacentista, optan por el dinamismo.

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Las composiciones son abiertas, retorcidas y helicoidales, con influencia del manierismo y de las obras helenísticas (Laocoonte, Torso de Belvedere). Los gestos suelen ser grandilocuentes y los ropajes, voluminosos con fuertes pliegues, que modelan los volúmenes a partir de la luz. Los contrastes lumínicos logran efectos ópticos (claroscuros), que transforman el grupo escultórico. Por lo general, la escultura se subordina a la arquitectura y al urbanismo (fuentes, retratos reales) ya que debía tenerse en cuenta el emplazamiento final.

ESCULTURA BARROCA ITALIANA

Entre los escultores italianos del barroco destacan:

Maderno, con Santa Cecilia, que representa el realismo y la teatralidad pre-barrocos. GIAN LORENZO BERNINI

Persigue la integración de todas las artes. Sus obras, muy acabadas, se caracterizan por la teatralidad y la frontalidad, el movimiento y la expresividad. Sus modelos fueron los escultores clásicos y Miguel Ángel. Ofrece efectos táctiles diversos al pulir la superficie de la piedra con acabados diferentes o combinando distintos materiales, como el mármol y el bronce. También simultaneó diferentes calidades en las superficies. Destaca en la creación de tipos y temas, entre ellos, el retrato, la fuente y el monumento funerario. Su idea del sepulcro une lo funerario, lo teatral y lo conmemorativo, influyendo en el conjunto de la escultura barroca. Su obra fue seguida en toda Europa. Entre sus obras destacan:

Obras de juventud: Apolo y Dafne, David y Plutón y Perséfone.

Apolo y Dafne: Obra de tema mitológico, se encuentra en la Galería Borghese de Roma. Es una escultura de bulto redondo, de mármol. Representa un episodio de “Las Metamorfosis” de Ovidio, en el que Dafne huyendo de Apolo es transformada en laurel, momento que recoge la obra. Presenta gran movimiento en piernas, ropas y cabellos. Las actitudes se equilibran en torno a una línea diagonal. El eje helicoidal domina toda la figura. El dominio técnico permite estudiar la calidad de la piel de Dafne en el proceso de transformación en laurel.

David: Se encuentra también en la Galería Borghese de Roma. Es una escultura de bulto redondo, de mármol. Representa el momento previo a lanzar la honda contra Goliat. Se caracteriza por la tensión del cuerpo, su torsión abriendo las piernas e inclinándose bruscamente, para darse impulso. Muestra la línea diagonal característica del Barroco, de la cabeza al pie izquierdo, lo que le otorga una sensación de mayor dramatismo. El rostro muestra un conjunto de emociones que se refuerzan con el ceño fruncido, los labios apretados y la belleza deformada. Es una obra de tema religioso.

Plutón y Perséfone: Obra de temática mitológica, se encuentra en la Galería Borghese de Roma. Obra en mármol, muestra el rapto

de Perséfone por Plutón; el movimiento, la lucha y la desesperación de uno y de otra muestran gran dramatismo. Logra calidades táctiles, cuando se nota la presión ejercida por Plutón dios en la piel de Perséfone. La diagonal barroca, el eje helicoidal domina las figuras.

Obras de esplendor: Sepulcros (Urbano VIII), retratos (Cardenal Scipione, Constanza Buonarelli), las fuentes (Tritón, Fuente de los Cuatro Ríos) y el Éxtasis de Santa Teresa.

El Éxtasis de Santa Teresa: Se encuentra en la iglesia romana de Santa María de la Victoria en la capilla funeraria de la familia Cornaro. Es un grupo escultórico, que se encuentra en un altar al fondo de dicha capilla. A los lados se sitúan como en un palco de teatro la familia Cornaro, en forma

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de relieves de medio cuerpo, con gran realismo, observando la escena central. En ella se muestra el momento en el que la Santa está entrando en trance o éxtasis místico y se reclina sobre una nube de mármol con el hábito plegado. Un ángel se sitúa a la izquierda, con el rostro idealizado. El conjunto adquiere fuerza gracias a la arquitectura que la rodea, así como con los rayos de luz que provienen del techo. Es de temática religiosa.

Crea un nuevo tipo de retrato, que él mismo llama “retrato parlante”, Un ejemplo es el del rey Luis XIV. En él buscaba descubrir la verdadera esencia del retratado y conseguir que posara de forma natural y característica. Para ello, seguía a su personaje en su actividad diaria y tomaba notas del natural.

Últimas obras: Retrato de Luis XIV, la tumba de Alejandro VII y la Beata Ludovica Albertina

Busto de Luis XIV: Es un “retrato parlante” Se encuentra en el Palacio de Versalles, en Francia. En él se representa la cara del “Rey Sol”, de la que emana gran poder y distanciamiento, arrogancia y despotismo. Presenta gran perfección técnica y realismo.

Otros escultores italianos: Algardi (León I y Atila) y Duquesnoy (San Andrés).

ESCULTURA BARROCA EN FRANCIA

Los escultores franceses, siguiendo el clasicismo imperante con Luis XIV, optaron por temas de carácter profano y mitológico, que servían de soporte para los retratos. La escultura, de carácter escenográfico, protagonizó la decoración de palacios, jardines y

fuentes, así como conjuntos funerarios. Los principales escultores franceses fueron: • Girardon: Tumba de Richelieu, Apolo servido por las ninfas.

• Coysevox: Tumbas de Colbert y Mazarino, decoración del Salón de los Espejos en el Palacio de Versalles)

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