MUSICA ANDINA EN EL PERU MUSICA ANDINA EN EL PERU
DEDICATORIA DEDICATORIA
Dedico este trabajo principalmente a Dios, por Dedico este trabajo principalmente a Dios, por haberme dado la vida y permitirme el haber haberme dado la vida y permitirme el haber llegado hasta este momento tan importante de llegado hasta este momento tan importante de mi
mi formación formación profesional. profesional. A A mi mi madre, madre, por por ser el pilar más importante y por demostrarme ser el pilar más importante y por demostrarme siempre su cariño y apoyo incondicional sin siempre su cariño y apoyo incondicional sin importar nuestras diferencias de
DEDICATORIA DEDICATORIA
Dedico este trabajo principalmente a Dios, por Dedico este trabajo principalmente a Dios, por haberme dado la vida y permitirme el haber haberme dado la vida y permitirme el haber llegado hasta este momento tan importante de llegado hasta este momento tan importante de mi
mi formación formación profesional. profesional. A A mi mi madre, madre, por por ser el pilar más importante y por demostrarme ser el pilar más importante y por demostrarme siempre su cariño y apoyo incondicional sin siempre su cariño y apoyo incondicional sin importar nuestras diferencias de
AGRADECIMIENTO AGRADECIMIENTO
A
A Dios, Dios, por por permitirme permitirme llegar llegar a a este momentoeste momento tan especial en mi vida. Por los triunfos y los tan especial en mi vida. Por los triunfos y los momentos difíciles que me han enseñado a momentos difíciles que me han enseñado a valorarlo cada día más, A mi madre por ser la valorarlo cada día más, A mi madre por ser la persona que me ha acompañado durante todo persona que me ha acompañado durante todo mi trayecto estudiantil y de vida, a mis tías mi trayecto estudiantil y de vida, a mis tías quienes han velado por mí durante este arduo quienes han velado por mí durante este arduo camino
INTRODUCCION INTRODUCCION La
La músicamúsica del Perú es producto de la fusión a través de muchos siglos.del Perú es producto de la fusión a través de muchos siglos. Existen muchos géneros de música peruana:
Existen muchos géneros de música peruana: andina,andina, criollacriolla yy amazónica.amazónica. Estas se pueden clasificar en música y danzas de la
Estas se pueden clasificar en música y danzas de la costa peruana,costa peruana, sierrasierra peruana
peruana yy Amazonia Amazonia Peruana.Peruana. LaLa música criollamúsica criolla tradicional de la costa estradicional de la costa es muy variada debido a que justamente esta es la región donde mayor muy variada debido a que justamente esta es la región donde mayor mestizaje
mestizaje hubo y actualmente hay, conocida como música criolla dentro lahubo y actualmente hay, conocida como música criolla dentro la cual también encontramos las
cual también encontramos las danzas afroperuanas.danzas afroperuanas. La música de la selvaLa música de la selva surgió como reflejo ritual de su cosmovisión de los mitos y leyendas de lo surgió como reflejo ritual de su cosmovisión de los mitos y leyendas de lo que esperaba del mundo y su relación en
que esperaba del mundo y su relación en la sociedad.la sociedad.
El Perú, en sus tres regiones naturales bien definidas, Costa, Sierra y Selva, El Perú, en sus tres regiones naturales bien definidas, Costa, Sierra y Selva, ha logrado desarrollar en cada una de ellas, una tradición musical propia. ha logrado desarrollar en cada una de ellas, una tradición musical propia. Luego de la llegada de los españoles, la Costa fue siendo colonizada por Luego de la llegada de los españoles, la Costa fue siendo colonizada por éstos y más tarde, por otros grupos, entre los que sin
éstos y más tarde, por otros grupos, entre los que sin embargo, refiriéndonosembargo, refiriéndonos al tema en mención, sobresale la pr
al tema en mención, sobresale la presencia africana.esencia africana.
En la actualidad es posible catalogar más de 1,500 danzas y gran cantidad En la actualidad es posible catalogar más de 1,500 danzas y gran cantidad de géneros musicales, los que no serían apreciados, si no existiesen los de géneros musicales, los que no serían apreciados, si no existiesen los innumerables instrumentos musicales peruanos de cuerdas, percusión y innumerables instrumentos musicales peruanos de cuerdas, percusión y viento.
viento.
La música es uno de los lenguajes más complejos, completos y sustanciales La música es uno de los lenguajes más complejos, completos y sustanciales que tiene el hombre para expresarse. Ha sido considerada un arte a nivel del que tiene el hombre para expresarse. Ha sido considerada un arte a nivel del mundo entero y una virtud a nivel del hombre. Todo aquel que sea capaz de mundo entero y una virtud a nivel del hombre. Todo aquel que sea capaz de hacer música habrá de transmitir sentimientos y vivencias que se relacionan hacer música habrá de transmitir sentimientos y vivencias que se relacionan con su vida y con la de los que lo rodean, por ello, la música es una con su vida y con la de los que lo rodean, por ello, la música es una expresión de la verdadera historia del hombre.
expresión de la verdadera historia del hombre.
En América Latina la música Andina es ejecutada desde hace cientos de En América Latina la música Andina es ejecutada desde hace cientos de siglos atrás, desde cuando los indígenas comenzaron a reconocer los siglos atrás, desde cuando los indígenas comenzaron a reconocer los
hermosos sonidos que se producían en la naturaleza, con lo animales o al contacto del viento con las plantas, desde las más pequeñas, hasta los árboles más grandes. De a poco se fueron elaborando a base de barro y huesos ciertos instrumentos como variedades de flautas y otros instrumentos de viento, así como los bombos hechos de los troncos de árboles y piel de animal.
La música en los andes fue perfeccionada para ser tocada y cantada en las celebraciones. La mayoría de canciones reflejaba la fuerte unión de los pueblos con la tierra y la n
aturaleza en general; otras canciones también hablaban de los sentimientos personales del cantante que era bien visto por los demás, por ser el elegido para hablar con sus dioses, ya sea por agradecimiento, petición, disculpa o adoración.
Para la época de la colonización los instrumentos ya habían sido perfeccionados, elaborados principalmente de plantas y ciertos animales. Los colonos han testificado que resultaba sorprendente ver cómo los indígenas interpretaban y usaban la música, pues en algunos casos era incluso un método de enseñanza, como lo hicieron los mayas, los incas, los aztecas y entre otros.
No se puede negar que tras la colonia, la música andina dejó tener la afluencia con la que se la estaba realizando. En lo religioso la música fue uno de los métodos más efectivos para imponer la cultura europea, por ejemplo. Pero a pesar de ello, el reconocimiento de nuestras raíces hizo que tras la liberación del yugo español, las celebraciones a la naturaleza, llevadas a cabo por comunidades indígenas que aún perduran en cada país, fueron realizadas una vez más sin esconderse y a viva voz.
En lugar de desaparecer por completo, se ha ido transmitiendo el verdadero sentido de la música andina, que nos cuenta las experiencias más hermosas y los sentimientos más profundos de un pueblo que ve en la naturaleza a un padre, una madre o un hermano con el cual convivir en armonía.
En los años ochenta, más o menos, surgen en Bolivia los primeros grupos reconocidos de música folklórica, llamados así por ejecutar instrumentos que son propios de las culturas andinas. Claro está que todas las canciones no son una celebración a la naturaleza, sino mas bien, la mayoría de ellas habla de los sentimientos de los autores, pero de igual manera, encontramos cientos de temas que reflejan la realidad histórica de pueblos que no han desaparecido en la memoria de sus siguientes generaciones.
INDICE Contenido
DEDICATORIA ... 2
AGRADECIMIENTO ... 3
INTRODUCCION ... 4
INDICE ... 7
MARCO TEORICO ... 9
1. MUSICA ANDINA EN EL PERU ... 9
2. HISTORIA ... 10
3. INSTRUMENTOS DE LA MUSICA ANDINA ... 18
3.1. ARPA ANDINA ... 19
3.2. CHARANGO ... 26
3.3. CAJON PERUANO ... 35
3.4. VIOLIN ... 38
3.5. QUENA ... 43
3.6. SICU SICU SAMPOÑA ... 45
3.7. GUITARRA ... 47
4. GENEROS DE DANZA Y MUSICA ... 49
5. INTERPRETES DE LA MUSICA ANDINA PERUANA ... 53
6. COMPOSITORES ... 55
7. MUSICA ANDINA CONTEPORANEA EN EL PERU ... 56
9. MUSICA ANDINA FUSION ... 59
10. DIA DE LA MUSICA ANDINA ... 59
11. LA TEMÁTICA ANDINA ... 60
12. NUEVOS SONIDOS PARA EL MUNDO ... 61
13. TIPOS DE MUSICA ANDINA EN EL PERU ... 62
14. LA MUSICA ANDINA EN EL CONTEXTO DE LA
MODERNIDAD ... 67
15. ETAPAS DEL PREDOMINIO DE LAS ORGANIZACIONES
INSTRUMENTALES ... 71
16. LA MUSICA ANDINA EN LA TRADICIONES POPULARES
73
CONCLUSIONES ... 76
MARCO TEORICO
1. MUSICA ANDINA EN EL PERU
Música andina es un término que se aplica a una gama muy vasta de géneros musicales originados en los Andes sudamericanos, aproximadamente en el área dominada por los incas previa al contacto europeo . Esta área incluye el occidente de Bolivia, norte de Chile, norte de Argentina, sierras de Ecuador, suroeste de Colombia, y la región andina del Perú.
El término se usa a menudo como sinónimo del estilo musical típico del altiplano e interpretado generalmente por aymaras, quechuas y otros pueblos de dicha región, estilo caracterizado por melodías nostálgicas y evocativas interpretadas con flautas de caña y charangos. Pero en sentido estricto la expresión "música andina" englobaría no sólo esta música sino también los restantes estilos y formaciones instrumentales presentes a lo largo y ancho de la geografía andina.
La música andina del Perú la componen una gama muy amplia de géneros musicales originados en los Andes del Perú. Por su solemnidad evocativa e instrumentación exótica, la también llamada
música ―indígena‖ de Los Andes tiene un importante público mundial,
contando con numerosos grupos que cultivan este género con gran virtuosismo en Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia, Chile y Argentina. La música andina del Perú descienden las culturas incaica y preincaicas. Los incas denominaron «taki » tanto a la música, como al
canto y la danza, su música fue pentatónica utilizando las notas «re» -«fa»- «sol» - «l»a - «do», destacando las composiciones religiosas, guerreras y profanas.1
En el año 2006, el estado peruano por decreto supremo oficializó el 15 de junio como el "Día de la canción andina".
2. HISTORIA
La cultura peruana es el resultado del mestizaje entre la civilización andina, la tradición cultural española y la cultura africana, que posteriormente la influencia de las migraciones procedentes de China,
Japón y de Europa. Resultando una gran diversidad de expresiones en campos como la música, el arte popular y gastronomía.
La música occidental muestra una división en etapas a de formación: el Renacimiento Barroco Americano, el estilo Rococó, el clásico, la época republicana, el romántico; el indígena, el moderno, la música de la primera mitad del siglo veinte – para llegar a la música
contemporánea
.
Antes de ser Virreinato español, gran parte del territorio peruano constituyó el Tahuantinsuyo Incaico que unió varias las culturas más antiguas como: Chavin, Paracas, Moche, Chimú, Nasca y otras 20 menores; los antiguos pobladores de la cultura Nasca, fueron los músicos precolombinos más importantes del continente, empleando cierto cromatismo en sus antaras de cerámica, a diferencia de las 5 notas de melodías incaicas.
Luego del Virreinato cientos de años de mestizaje cultural han creado un amplio paisaje musical a lo largo del Perú. Instrumentos típicos usados son, por ejemplo, la quena y la antara o zampoña, el cajón afroperuano y la tradicional guitarra, que en el Perú tiene además una variante de menor tamaño, conocida como "charango" y la mandolina. Existen miles de danzas de origen prehispánico y mestizo. La sierra centro, norte y sur de los Andes es famosa por conservar los ritmos tradicionales del huayno y el pasacalle.
Perú (en quechua y en aimara: Piruw) —oficialmente, la República del
Sur. Tiene una extenso litoral en el Océano Pacífico por el oeste y limita con Ecuador y Colombia por el norte, Brasil por el este y Bolivia y Chile por el sureste. Su territorio se compone de paisajes diversos; la puna, los páramos, los valles y las altas cumbres de la cordillera de los Andes separan la costa desértica al oeste y la Amazonia al este. El Perú es uno de los países de mayor biodiversidad en el mundo y de mayores recursos minerales.
Hacia el 3.200 a. C. surgió Caral-Supe, pero es tras Chavín que se suceden las clásicas civilizaciones andinas como Moche, Nazca o Huari. Hacia el siglo XV, Imperio incaico, se extendió por gran parte del occidente sudamericano hasta la Conquista en 1532, tras la cual se estableció un Virreinato español en los nuevos dominios con especial interés en la extracción de plata. En ellos se fusionaron la cultura andina y la española.
Las Reformas Borbónicas del siglo XVIII suscitaron diversos levantamientos hasta la Rebelión de Túpac Amaru II. En 1821, se proclamó la Independencia y el país se mantuvo en el caudillismo hasta la bonanza y declive de la Era del Guano, que culminó poco antes de la Guerra del Pacífico. En la posguerra, se articuló un gobierno oligarca el cual dirigió la reconstrucción hasta el Oncenio, que gatilló la intromisión del militarismo. Las Fuerzas Armadas establecieron una dictadura militar en 1968 que introdujo diversas reformas de corte nacionalista. En 1979, regresó el gobierno democrático pero se gestó también el conflicto armado entre el gobierno y el grupo terrorista Sendero Luminoso, que alcanzó su punto más álgido tras la crisis inflacionaria de fines de los ochentas. A inicios del siglo XXI, viene experimentando un notable desarrollo económico.
El idioma principal y más hablado es el español, aunque un número significativo de peruanos hablan diversas lenguas nativas, siendo la
más extendida el quechua sureño. Es un país emergente, con un Índice de Desarrollo Humano alto aún con una marcada desigualdad económica. Sus principales actividades económicas incluyen la agricultura, pesca, minería y la manufactura de productos como los textiles.
Antes del Virreinato del Perú, gran parte del territorio peruano constituyó el Tahuantinsuyo Incaico que unió varias de las culturas más antiguas como: Chavin, Paracas, Moche, Chimú,Nazca y otras 20 menores; los antiguos pobladores de la cultura Nazca, fueron los músicosprecolombinos más importantes del continente, empleando cierto cromatismo en sus antaras de cerámica, a diferencia de las 5 notas de melodías incaicas.
Luego del Virreinato, cientos de años de mestizaje cultural han creado un amplio paisaje musical a lo largo del Perú. Instrumentos típicos usados son, por ejemplo, la quena y la antarao zampoña, el cajón afroperuano y la tradicional guitarra, que en el Perú tiene además una variante de menor tamaño, conocida como " charango" y la mandolina. Existen miles de danzasde origen prehispánico y mestizo. La sierra centro, norte y sur de los Andes es famosa por conservar los ritmos tradicionales del huayno y el pasacalle. Estas representan las diferentes culturas habidas en la sierra de este país y aquellas vigentes actualmente.
Música, danza y canto durante la época incaica
Para los incas, la música, la danza y el canto se definían con el término taki, la música incaica fue pentatónica combinando las notas re, fa, sol, la y do para crear composiciones que podían ser de carácter religioso, guerrero o profano.1 La danza, música y canto estaban presentes en todas las actividades comunales o rituales, documentándose la existencia de las siguientes danzas:
Llamaya, danza pastoril. Harahuayo, danza agrícola.
Cashua, danza de galanteo en las parejas. Aranyani, danza de los enmascarados.
Haylli Arahui, danza para celebrar victorias en la guerra. Puruc Aya, danza fúnebre.
Asimismo, los incas utilizaron una gran diversidad de instrumentos musicales, documentándose algunos como:
Las pomatinyas: tamborcitos fabricados con piel de puma. Las guayllaquepas: trompetas hechas con strombus
El pinkullo: instrumento de viento similar a una flauta.
Las antaras: flautas de pan hechas con distintos materiales. El huancar o wankara: tambor grande utilizado por los varones. La tinya: tambor pequeño utilizado por mujeres.
En el caso de los tambores, generalmente se fabricaban de piel de camèlidos pero hubieron algunos hechos con piel humana de líderes rebeldes o enemigos vencidos. También se documentaron trompetas de metal hechas de oro, plata y cobre, así como instrumentos hechos con osamentas de venados andinos o perros.1
En el canto destacaron las chaiñas, quienes eran mujeres dedicadas al canto en los templos y que se caracterizaban por agudizar notablemente su voz.
La música durante el virreinato del Perú
Con la conquista y la posterior época virreinal, el territorio peruano recibe la influencia de la música europea y posteriormente afroperuana.2
Se documenta que Gonzalo Pizarro ordenó componer cánticos que realzaran su imagen; posteriormente el virrey Conde de Lemos trajo desde España al compositor Tomás de Torrejón y Velasco quien
estando en Los Reyes estrenó la musicalización de La púrpura de la rosa, esta obra orquestada luego recorrería el Cuzco, Charcas y Guatemala.
Ya en la época borbónica se pusieron de moda los ritmos italianos. En aquella época arriba a Los Reyes, Roque Ceruti, del cual en la actualidad se conservan partituras con preminisencia del violín. Posteriormente el presbítero huachano José de Orejón y Aparicio, discípulo de Tomás de Torrejón, compone La pasión según San Juan y varias cantatas, destacando Ah del gozo .2
Uno de los primeros en fusionar los ritmos europeos con el folclore de la población de origen africano es el presbítero Juan Araujo en el villancico Los negritos, incluyendo aquí el particular estilo del español hablado por las comunidades de negros.2
En el Cusco destacaron Ignacio Quispe y fray Esteban Ponce de León. El primero es conocido por una cantata de burla intitulada Ah señores los del buen gusto y el segundo por la ópera-serenata Venid deidades.
Destaca también en Cuzco la pieza musical Hanac Pachap con letra en quechua y que fuera musicalizada por Juan Pérez Bocanegra. Esta pieza musical mantiene la pentafonía andina y su partitura fue publicada en Lima en 1631. Hanac Pachap es la primera obra polifónica coral de América.
En cuanto a la danza durante la colonia se distinguen 2 momentos, el primero de influencia austriaca (Siglo XVI y XVII) y el segundo de influencia borbónica (Siglo XVIII y XIX). En la primera ingresa la música flamenca, italiana y alemana, mientras que en la segunda ingresan los modelos franceses. Adjunto al ingreso de estos estilos se inicia una evolución de la música criolla todavía primitiva y los ritmos africanos.2
El totarque El puertorrico La chacona La valona La churumba La gallarda
En el siglo XVII se documentan:
La pavana La alemanda La cadeneta La zarabanda La courante
Y durante el siglo XVIII, con la moda francesa llegan:
El minuet La gavota
El zapateo andaluz
La diversidad musical fue documentada en los últimos años de la colonia en los códices de Martínez de Compaños, en acuarelas en las que se observan danzas como "La degollación del Inga" o "Los diablos"; además de verse plasmados gran cantidad de instrumentos como las zampoñas, clarines, guitarras, marimbas y quijadas. Los ritmos que estuvieron de moda a fines del siglo XVIII e inicios del XIX fueron los yaravíes, cascabelillos, cachuas y negritos.
Tanto en la colonia como durante el inicio de la época republicana, la población no hacía distinción entre la música sacra y la profana. Esta diferenciación se inicia muy vagamente hacia 1813, hallándose documentos que hacen diferencia entre la música culta y la música vulgar.
Durante el gobierno del virrey Abascal, la ópera italiana tuvo mucha popularidad en Lima, este virrey además trató de imponer los estilos de Andrés Bolognesi, Cimarosa, Paisiello y Rossini. Luego de la independencia y posterior a un breve periodo en el cual estuvo de moda la música local, Rossini volvió a acaparar los gustos de los limeños.3
Hacia fines del siglo XVIII los profesores de danza eran en su mayoría negros, pero en 1790 se les prohibió esta actividad acusando a los profesores negros de inventar y modificar los pasos legítimos de las danzas. A causa de esta prohibición empezaron a proliferar las escuelas de bailes con docentes extranjeros.
Época republicana
En los inicios del Perú republicano debió existir mucha música local pero las partituras que se han conservado, en su mayoría, son de música española. Las iglesias concentraron gran parte de la música, tanto religiosa como profana. Las catedrales más importantes contaron con orquestas propias, otras iglesias contrataban músicos para sus fiestas y procesiones, en Lima se documenta la "orquesta de indios del cercado" con gran convocatoria sobre los pueblos de Lima. Luego de la independencia los peruanos mostraron una gran predilección por los ritmos musicales locales, prefiriendo a los músicos nacionales; durante 1820 y 1830 estuvieron de moda algunas tonadillas del músico mulato José Bernardo Alcedo (autor del himno nacional del Perú), tales como "los indios y el corregidor" o "los negritos"; a su vez las comedias musicales peruanas tuvieron la predilección de los peruanos, en este periodo tienen éxito las obras musicales "El mágico peruano", "La cora" y "La chicha". Estos gustos fueron cambiando y las preferencias por los ritmos musicales europeos y las óperas desplazaron a los ritmos nacionales en las urbes peruanas.
Los instrumentos preferidos durante este periodo fueron las guitarras, órganos, clavelines, salterios, vihuelas, arpas y pianos; el Perú fabricaba estos instrumentos e incluso se documentan exportaciones hacia Guayaquil y Guatemala, en el caso de las guitarras; y Santiago de Chile, en el caso de los salterios.
Los gustos musicales en cuanto a música europea se volcaron hacia Rossini, quien se convirtió en el compositor preferido durante los años 40 del siglo XIX. Durante este periodo el público autodenominado "culto" mostró un desprecio hacia la música nacional. Este apego hacia la música europea no se debió por la ausencia de músicos locales (pues existieron muchos en las clases populares), sinó más bien por una cuestión de prestigio. Además de Rossini, las obras de Donizetti y Verdi opacaron la música peruana entre las élites y las clases medias.
Con la época republicana nace la música criolla influenciada por el afrancesamiento del minuet, el waltz vienés, la masurca polaca, la jota española y las expresiones mestizas de la costa central. La producción musical a inicios del siglo XX fue muy intensa y los compositores fueron en su gran mayoría gente de los barrios que se caracterizaban por tener un estilo particular por cada barrio. A ésta época se la conoce como La guardia vieja y sus composiciones no tenían partituras por lo cual no fueron registrados y muchos de sus autores se perdieron en el anonimato.
El periodo industrial de la música criolla va acompañado de la masificación del fonógrafo, esto fue un proceso lento; pero además la llegada del fonógrafo trajo consigo el ingreso al Perú de ritmos foráneos como el Tango y el Fox-trot. Estos ritmos extranjeros en algún momento desplazaron a la música criolla evidenciándose en las letras de algunos valses que decían:
Ese estilo moderno No debes aprender
En referencia al tango y al fox-trot, los compositores antiguos se resistían al cambio y se habían vuelto tradicionalistas; esto se mantuvo hasta la llegada de nuevos valores en los años 20 entre los que destacaron Felipe Pinglo, Pablo Casas, Alcides Carreño entre otros, se dice que Pinglo se hizo conocido en sus inicios musicales como ejecutante de fox-trot cosa que le dio la facilidad para luego ingresar en los gustos musicales con la música criolla. Esta nueva generación de los años 20 se adaptó a los gustos musicales de entonces fusionando la música criolla con otros ritmos pero sin que pierdan la esencia peruana.4
La industria criolla empezó a evolucionar, se separaron las funciones en los conjuntos criollos, aparecen los arreglistas y los cantantes ya no son necesariamente los que componen las canciones. A esto se le aumenta el inicio de la radiodifusión en el Perú en 1935, con esto la música criolla deja de ser exclusividad de los sectores populares y surge un sentimiento criollo que se empieza a ver en Lima como lo nacional.
En 1944 se institucionaliza el "Día de la canción criolla", años después los Troveros criollos son invitados a palacio de gobierno por el presidente Odría. Según Llorens (1983), el trasfondo de esto fue que las clases media y alta buscaron un punto para legitimizar su peruanidad en contraposiciòn de la migración de la zona andina a la ciudad, estos grupos no aceptaban lo andino como símbolos nacionales.
3. INSTRUMENTOS DE LA MUSICA ANDINA
Los elementos más característicos de la música andina del Perú son los instrumentos, que provienen básicamente de la cultura Inca y de los pueblos ancestrales conquistados por los Incas que corresponden a las épocas preincaicas.
Los instrumentos de viento (aerófonos) han existido desde antes del imperio incaico, en la ciudad sagrada de Caral (la civilización más antigua de América) se han descubierto quenas hechas con huesos de pelícanos. Las percusiones también formaron parte de la instrumentación andina que fue plasmada en los huacos retratos (cerámica escultórica) de la cultura moche, en donde se observan, además de zampoñas y quenas, bombos y maracas. Al parecer estos instrumentos fueron evolucionando a lo largo de los andes hasta el auge del imperio Inca.
Con la cultura europea llegaron diversos instrumentos de cuerda (cordófonos) como la guitarra, la bandurria, el arpa y el violín, que a lo largo de 300 años evolucionaron particularmente. De este mestizaje musical surge el charango que tradicionalmente se hizo de quirquincho (denominación en aimara para una especie de armadillo) pero que a su vez fue transformando su forma y afinación a lo largo de los Andes.
Hoy en día, por tratarse de una cultura viva, la música andina contemporánea ha continuado su evolución incorporando nuevos instrumentos como el saxofón y las trompetas, inclusive instrumentos electrónicos en los arreglos de la música andina contemporánea. Esto no implica que se hayan perdido los instrumentos ancestrales, entre los que destacan los sikus o antaras (zampoñas en español), quenas, pinkillos,tarkas, silulos, mohoceños, wankaras o bombos, entre otros.
3.1. ARPA ANDINA
El arpa es un instrumento fundamental del patrimonio musical peruano. De origen europeo, fue traída por los conquistadores y adaptada por los nativos a sus necesidades expresivas y artísticas propias.
La encontramos siguiendo la Cordillera de norte a sur, desde el norte del Departamento de Ancash hasta el sur del Departamento de Cuzco.
Un proceso que hallamos en muchos campos a lo largo de la historia de la Conquista y del Virreynato, que muestra la inteligencia y la madurez de un pueblo. Esto es saber utilizar los aportes de otra cultura, sin juzgarla ni denigrarla, para así enriquecer y completar su patrimonio de conocimientos propios.
La medida del arpa peruana es única: más grande que la céltica, más pequeña que la clásica, más ancha que la paraguaya.
Existen diferencias en la forma y la factura de las arpas peruanas: la de Lucanas (Ayacucho) es de líneas más redondas, la huancaina es más ancha, la cuzqueña es la más grande y puede tener hasta 8 huecos en la tapa. También en el Cuzco encontramos al arpa "domingacha", más chiquita, pero de forma muy redonda. Sin embargo, todas tienen una característica en común: una caja de resonancia de grandes dimensiones. Esta caja de resonancia tan grande y ancha siempre atrajo mi atención y mi curiosidad; de cerca pareciera que los sonidos que emite en lugar de aumentar disminuyeran, pero de lejos, especialmente con el aire seco y ligero de la altura, las notas bajas se escuchan nitidamente, con una fuerza asombrosa. Pude comprobarlo en una fiesta en Huancayo: se oía de lejos un conjunto de Chonguinada, y se escuchaba claramente la pulsación rítmica de las cuerdas de tripa del arpa, mientras que 12 instrumentos entre saxofonos, clarinetes y violines producían todavía un ruido indefinido. Acercandose los músicos, los equilibrios sonoros se fueron formando, y más
bien noté que arpa y violines tenían que "luchar" para encontrar "su" lugar entre tantos potentes instrumentos de viento.
Este instrumento es utilizado como solista, en dúo, o como acompañamiento de pequeños conjuntos o grandes orquestas. Obviamente encontramos interpretes solistas a lo largo de toda la Cordillera, donde cada uno presenta sus particularidades, su "toque" que lo distingue de los demás. Por eso podemos adivinar con acierto: "Es Angel Damazo!" "Seguramente se trata de Modesto Tomayro!" "No podría ser otro que Leandro Apaza!" "Reconozco el toque de Luciano Quispe!". Existen sí estilos codificados, pero cada interprete se desenvuelve libremente dentro de los esquemas conocidos. A veces el solista también es cantante.
La formación de dúo la encontramos principalmente en la "Danza de las Tijeras" huancavelicana y ayacuchana: el arpa desempeña un papel fundamental, llevando la base rítmica necesaria al violinista y a los bailarines. También lleva la melodía en la mano derecha. Después encontramos muchas formaciones diferentes donde el arpa ocupa su función de acompañamiento, hasta llegar a las grandes orquestas huancas y a los orquestines* cuzqueños. La formación del orquestín es la única donde pueden aparecer 2 arpas conjuntamente, asegurando así una base rítmica sólida sobre la cual se apoyan los demás instrumentos, todos melódicos (a parte las originalísimas percusiones reunidas bajo el nombre de "jazz band").
Los bajos se vuelven fundamentales, mientras que los agudos desempeñan a menudo un papel de acompañamiento, realizan adornos, figuras rítmicas que complementan a las realizadas por las notas bajas. La melodía aparece esporádicamente, a
veces ligeramente deformada a causa de la técnica de la mano derecha de la cual hablamos en el párrafo dedicado al Cuzco. *Orquestín: es el conjunto típico del Cuzco, formado por una o dos arpas, una o dos mandolinas, de uno hasta cuatro violines, a veces un acordeón, dos quenas ... "jazz band". Es decir una especie de batería con gran caja (a pedal), redoblante, platillo (charleston), wood block, campana, de una hasta cuatro cantantes (raramente un cantante).
También en los conjuntos huancaínos, el arpa es el único instrumento de acompañamiento que tiene que sostener a una verdadera orquesta de vientos y violines que realizan la melodía. De ahí la importancia que se le dá al material de las cuerdas. El interprete se concentrará casi exclusivamente en su mano izquierda, llegando a veces al extremo de acompañar con su mano derecha abierta, rascando una octava de cuerdas de su instrumento como si se tratara de una guitarra! Efectivamente, frente a la masa sonora de saxófonos y clarinetes, es la única chance de llegar a sobresalir de alguna forma con el registro agudo del instrumento .
Añadiremos que en muchos lugares el arpa se toca también cargada en el hombro, sujetada al cuerpo del intérprete por medio de un sistema de fajas, lo que permite al músico desplazarse caminando junto a los otros músicos y a los bailarines.
La técnica de interpretación no varía fundamentalmente, la posición base de las 2 manos sigue siendo igual que en la posición natural . El arpista pulsará las cuerdas más cerca al clavijero, lo que provocará un sonido más seco y percusio.
La tensión de las cuerdas en el arpa andina no es exagerada, d o a lo ancho de la tapa de la caja de resonancia que se rompería con más presión.
Al contrario del arpa clásica, el arpa peruana se debe de tocar con las uñas naturales de los dedos. Estas son indispensables en la MD para el uso de la técnica "de la araña", más aún con la utilización de cuerdas metálicas. Algunos interpretes tradicionales (Antonio Sulca de Huamanga por ejemplo) se ponen uñas de metal postizas para tocar y así sacarle mayor nitidez y volumen al instrumento.
El encordado, en la mayor parte de los instrumentos entre 32 y 38 cuerdas, puede constar de 3 tipos de cuerdas diferentes: plástico (nylon), tripa y metal (acero).
Las cuerdas de tripa, usadas en las notas bajas solamente, máximo hasta el do3 (vease el párrafo "Huamanga"), antes de uso común, van desapareciendo. Pero son indispensables y siguen siendo usadas para el acompañamiento de las orquestas huancainas de huaylas y chonguinadas.
En 1987 existía todavía una fabrica de este tipo de cuerdas en el país. Se reemplazan cada vez más por las cuerdas de nylon: si el interprete tiene recursos economicos, comprará cuerdas de marca en una tienda de música; los músicos sin recursos utilizan a menudo hilo de pescar, material que se ha vuelto tan común en el Cuzco que dificilmente podríamos imaginar un sonido diferente al sonido sordo, opaco pero percusivo de esa clase de cuerdas para acompañar a los orquestines de esa región; de esta manera una consecuencia de la falta de recursos crea costumbres e influye sobre el resultado musical final!
Paralelamente, desde dos décadas, se construyen muchas arpas de madera terciada o "triplay": este material, mucho más cómodo y más resistente a la intemperie que cualquier otra madera "noble", aún no teniendo propiedades de resonancia armónica particular, también se ha vuelto determinante, "típico" del sonido de las arpas peruanas en general. Estas cuerdas de nylon se utilizan en todo el encordado del instrumento.
En el registro agudo, a partir de re3 / mi3, los interpretes de ciertas regiones utilizan cuerdas de acero. De sonido más brillante, con una resonancia alargada, confieren a la melodía un peso mayor, adaptándose este tipo de encordado a las necesidades del solista. Encontramos cuerdas de metal en todas partes, menos que en el centro (Huancayo, Huancavelica, Huamanga).
En Ecuador existen arpas encordadas enteramente con metal. Al interpretar las notas bajas con este tipo de cuerdas, las
vibraciones del metal hacen que estas permanezcan más tiempo dando la impresión de un bajo continuo, creando así con la melodía que sigue avanzando en el registro agudo un efecto musical particular (vease el CD Jatun Cayambe, etiqueta francesa ASPIC, del maestro arpista ecuatoriano de Imbabura Juan Cayambe, fallecido en 1984).
El arpa andina se afina diatónicamente, con las notas correspondientes a las teclas blancas de un piano, para entendernos. El arpa peruana no dispone, como la clásica, de pedales, que permiten subir o bajar de medio tono contemporaneamente a todos los "do", todos los "re", etc. del instrumento, o de otro mecanismo para subir de medio tono cada cuerda separadamente, como algunas arpas célticas. Sin embargo se puede interpretar con este instrumento andino
cualquier melodía andina, muchos valses, marineras, y músicas tradicionales de otros países.
Existe también lo que podríamos llamar (dentro de la música andina en general en la interpretación de cualquiera de sus instrumentos) la improvisación, es decir las variaciones constantes codificadas o como fruto de la inspiración del momento de las melodías y los acompañamientos.
Por esta razón es tan importante saber dominar un estilo con todas su sutilezas; más profundo será el conocimiento, más abundantes e interesantes serán las variaciones en los bajos y en la interpretación de la melodía. Por este motivo, lo repito, es fundamental el contacto permanente con los músicos tradicionales, que conocen a fondo todos los detalles de su arte interpretativo.
En el mundo andino (también en el que se ha parcialmente "trasladado" a Lima en las ultimas dos décadas), el arpa desempeña su función en muchísimos acontecimientos de tipo social - ritual. Está presente en fiestas patronales, religiosas, rituales o privadas, y en muchas fiestas de los pueblos; por ejemplo:
* En la Navidad de Querco (prov. Huaytará, dep. de Huancavelica), donde el arpa da el compás a los bailarines en competencia por sus respectivos "Niños" en más de 40 pasos
de danza diferentes;
* En la Fiesta del Agua en Puquio (Lucanas, Ayacucho) en agosto, con el arpa y el violín que interpretan para esa ocasión las famosas aylas;
* En la Fiesta de la Virgen del Carmen de Paucartambo o en la peregrinación de Qoyllur Riti (dep. del Cuzco), donde el arpa acompaña a los orquestines;
* Obviamente en cualquier competencia de danzantes de tijeras (Huancavelica, Ayacucho);
Observación importante: en Occidente el arpa es sinónimo de arpegio (como lo indica su nombre!), y toda la técnica del arpa clásica está construida sobre este tipo de figuración musical, fundamento del sistema tonal. En el arpa peruana y andina en general no se puede hablar de una correspondencia similar, ya que la técnica del instrumento no se basa sobre el sistema tonal, más bien utiliza un sistema modal basado en la escala pentatónica; resulta entonces muy diferente a la del arpa clásica.
3.2. CHARANGO
El charango es un instrumento de cuerda usado en la región de la Cordillera de los Andes, con origen en el altiplano Sudamericano en la región Peruano - Boliviana mas precisamente en el norte del departamento de Potosi (Bolivia). Posee cinco pares de cuerdas dobles, aunque hay variaciones con menos o más cuerdas, pero casi siempre en cinco órdenes o juegos.
HISTORIA
El charango nace a partir de la modificación de un instrumento de cuerda de origen europeo que tuvo lugar en la región altiplánica de los Andes durante la época colonial. Generalmente se menciona a la Mandolina como el instrumento en que se basó la confección del charango,
pero también se señala a la vihuela como la base para su construcción.
Si bien el proceso de creación del charango debe haber ocurrido durante los siglos XVI - XVII, correspondiente a la etapa tardía de la colonización española, es durante el siglo XIX cuando se tiene registro de su uso.
Por situarse la región de procedencia del charango en un lugar muy enlazado por vínculos culturales y territoriales entre Perú y Boliviano existe un certero consenso de su origen , lo que origina una acentuada diferencia por la popularidad y singularidad de este instrumento.
Es así como en las portadas de varias iglesias del siglo XVIII en los departamentos de Cusco y Puno asi como del departamento de Potosí que hasta 1776 pertenecia al Virreinato del Perú , aparecen figuras o imágenes del charango. Inca Garcilaso de la Vega (1539 - 1616) gráfica en sus obras la utilización de este instrumento, en un documento escrito en el año 1814 un clérigo de Tupiza(departamento de Potosí, Bolivia) al referirse al charango menciona que son: «unos guitarrillos muy suyos, que por acá se llaman charangos». Turino, por su parte, ha ubicado representaciones de sirenas tocando posibles charangos en algunas iglesias coloniales de mediados del siglo XVIII en el altiplano peruano y en Bolivia, lo cual dataría el instrumento algo más temprano.
Hasta los años cincuenta del siglo XX aparentemente el charango solamente se tocaba en las regiones rurales, y era muchas veces despreciado por los habitantes de las ciudades, considerado un «instrumento de indios». A partir
del año 1944 el boliviano Mauro
divulgar la música folclórica con charango sino también a renovar la música de charango, creando un estilo propio que ha dejado sus huellas profundas en la música andina hasta hoy en día. Era él quien por primera vez, y por siempre ha llevado el charango a las salas de concierto. Mauro Núñez también se dedicó a la construcción charangos, gracias a él se ha estandarizado el «charango urbano» como lo conocemos hoy.
A partir del año 1950 Jaime Guardia empieza a difundir la música de charango de Ayacucho en el Perú con mucho éxito.5
En los años cincuenta y sesenta se empieza a popularizar el charango en Argentina, Chile y, por migrantes también en Francia y otros países europeos.
A partir de los años sesenta, músicos y grupos como por ejemplo de Argentina y el Perú Jorge Milchberg y los hermanos Arguedas, y de Bolivia Ernesto Cavour[1] con Los Jairas, William Ernesto Centellas, Eddy Navía y muchos otros, con sus giras llevan la música del charango a todo Europa, los Estados Unidos y Japón.
En La Paz (Bolivia), el 6 de abril de 1973, bajo la iniciativa fundamental de William Ernesto Centellas7contando con la colaboración de Abdón Caméo y Ernesto Cavour Aramayo8 fue constituida la Sociedad Boliviana del
Charango que desde 1997, cada dos años organiza el Congreso Nacional del Charango, junto al evento Encuentro Internacional de Charanguistas.
Popularmente se conoce como la cuna del charango al departamento de Potosí (Bolivia), mientras que hoy en día la capital de este instrumento está en la población boliviana de Aiquile, ubicada en el departamento de Cochabamba,
debido a que en ese lugar se realiza el festival de charango más importante del mundo. El charango esta elaborado de madera y caparazón de armadillo,actualmente para no sacrificar estos animales es elaborado de madera completamente o inclusive de papel, tomando encuenta la extinción de estos armadilos y protegiendo su vida.
CARACTERÍSTICAS
Por lo general el charango tiene cinco órdenes dobles, es decir cinco pares de cuerdas, aunque en Perú, en la zona de Ayacucho, se estila 4 órdenes simples: dos a cada extremo, y uno doble, "octaveado", en medio. Los de caja cavada o "laukeado", son más comunes en la zona de Bolivia, mientras que en Perú son laminados, comúnmente se dice que parece una "pequeña guitarrilla".
Pero por la inmensa variedad de tipos de charango, no se puede generalizar las características de construcción. En Bolivia, desde los años sesenta del siglo XX, se han vuelto populares, sobre todo, tres tamaños: el walaycho (50 cm), el charango(quirquincho o urbano) (60 cm), y el ronroco (75 cm). Otros tamaños se dan como variaciones regionales, o como resultado de experimentos acústicos de ciertos intérpretes. Las variaciones en tamaño van desde la mitad de un walaycho, hasta el de una guitarra española. En Bolivia, los artesanos del charango han desarrollado un gran número de diseños, que varían de la esbelta forma en 8, hasta modelos estilizados y angulares, incluso han desarrollado modelos similares a la guitarra eléctrica.
En el Perú tanto como en Bolivia, existe una gran variedad de tipos de charango, y en las áreas rurales se encuentran también charangos fabricados de calabazas, variados números de cuerdas, diferentes tamaños y formas. En Lima, donde se dan también las manifestaciones culturales de todo el país, este instrumento es muy utilizado tanto en el folclore nacional, como en grupos y orquesta de música moderna; no obstante, el tipo charango más difundido en esta metrópolis es de origen boliviano y fue difundido por grupos como los Payas, los kjarkas y otros desde los años 60.
Elementos
Caja acústica
Hay varios tipos de cajas como la de armadillo, de madera ahuecada o "vaciado", de madera laminada. Tradicionalmente estaba hecha con el caparazón de unquirquincho, (especie de armadillo típica de la zona altiplánica de Oruro y Potosí (Bolivia), hasta Puno y Cuzco (Perú), pero exploraciones acústicas y consideraciones acerca del cuidado del armadillo, que está en peligro de extinción, han dado auge al uso de la madera en su fabricación.
Armadillo: El caparazón del armadillo (quechua:
quirquincho) sirve de caja de resonancia para charangos de diferentes regiones andinas, hoy día se encuentra este tipo de charango sobre todo en la región Norte Potosí y Oruro (Bolivia), pero también existe en el Perú. El armadillo es una especie en proceso de extinguirse; la exportación de productos de armadillo está prohibida.
Madera ahuecada o "vaciado": caja redonda como la del
quirquincho, hecha de madera dura o semidura. A veces los artesanos adornan la caja con tallados preciosos. Se fabrican charangos de madera ahuecada de una sola pieza, o sea caja, mástil y clavijero ya no son partes separadas.
Madera laminada: charango creado en Perú, que
consiste en una caja construida de manera similar a la guitarra española.
Para la construcción del charango se emplean diferentes maderas, algunas son: alerce, algarrobo, caoba, carejeira, cedro, mara, naranjillo, nogal, palosanto, petereby, raulí.
Mástil
Está hecho de madera. Muchos Luthieres de charango, para el mástil, prefieren la madera «mara» por ser liviana, y muy resistente a los cambios climáticos.
Clavijero
Está hecho de madera. Según el modelo el clavijero está hecho para clavijas verticales (de madera o de metal) u horizontales (de metal).
Clavijas
Existen charangos con clavijas de metal (mecánicas) y también de madera. Sobre todo en áreas rurales, por razones económicas se ve mucho los charangos con clavijas de madera. Pero también en estas regiones, quien puede se compra clavijas de metal que por lo general facilitan la afinación precisa del charango. Para fabricar clavijas de madera de calidad equivalente a esta de las de metal se necesita herramientas muy caras
(varios cientos de dólares en el año 2007). Casi no se encuentran charangos con clavijas de madera de esta calidad superior.
Cuerdas
Tradicionalmente las cuerdas del charango eran de tripa. Por razones económicas se empezaba a usar cuerdas de metal, a partir de los años cincuenta también cuerdas de nylon. Existen tipos de charango con cuerdas de metal y cuerdas de nylon mixtos.
Afinación
Las afinaciones de los diferentes charangos no son algo fijo, según la región y el ejecutante pueden variar.
La afinación más difundida es el «temple natural»: mi, la,
mi, do, sol. Las cuerdas del tercer orden están octavadas entre sí.
Sobre todo para walaychos y chilladores se emplea el
«temple diablo»: si, mi, si, sol, re, con ninguna cuerda octavada.
El ronroco se afina de diferentes maneras. Una es mi,
la, mi, do, sol con los pares de cuerda do y sol octavados cadauno, mientras la cuerda grave de cada uno de estos dos pares puede ser la primera o la segunda.
Tipos de charango
Su cuerda vibrante usualmente es de 37 cm. Tamaño regular. Por lo general está encordado con cuerdas de nylon. Afinación: temple natural.
Posee 20 cuerdas de nylon, que va en quintas paralelas,es decir, que 2 cuerdas tienen el mismo sonido y tiene solo un traste, es decir solo hace 20 sonidos. Es hecho con madera de caoba. Dispone de dos afinaciones: Temple Diablo y Temple Natural, Originado en Bolivia por los hermanos Shuarscovliente. Es más grande que el Charango tipo, tiene un tamaño total de unos 104 a 108 cm sus cuerdas miden entre 80 y 84 cm. Walaycho
Denominación usada en Bolivia para un charango más pequeño que el charango tipo, hecho de madera ahuecada o de armadillo. Cuerda vibrante menos de 30 cm, cuerdas de metal. Afinación: temple diablo.
Chillador
Chillador es el nombre usado en el sur del Perú para un charango más pequeño que el charango tipo, hecho de madera lamindada (no ahuecada) o de armadillo. Cuerda vibrante menos de 30 cm, cuerdas de metal. Afinación: temple diablo. El chillador lleva de 12 cuerdas de metal en cinco órdenes, el segundo y cuarto orden lleva tres cuerdas cada uno.
Ronroco
Desarrollo de los hermanos Hermosa de la agrupación Los Kjarkas de Cochabamba, Bolivia. Charango grande de aproximadamente 80 cm de tamaño total y de cuerda vibrante de hasta ca. 50 cm. Afinación temple natural pero una octava más baja y con los órdenes cuatro y cinco octavados. También se le llama ronroco, principalmente en Argentina y Chile, al charango afinado cinco semitonos más grave que el charango estándar del temple natural si, mi, si, sol, re.
Sonko charango
Charango grande del porte de un ronroco, con forma de corazón (sonko significa ‗corazón‘ en idioma quechua).
Tiene 13 y también más cuerdas. Usa diferentes afinaciones. Se trata de un desarrollo nuevo que empezó en los años setenta, de Gerardo Yañez.9
Khonkhota
Se trata de un instrumento rústico de las regiones
rurales de los departamentos
de Potosí (norte), Oruro y Cochabamba. Su caja de resonancia está hecha en madera laminada. Tiene solamente 5 trastes. El tamaño total es 90 cm, la cuerda vibrante mide 65 cm. Lleva 8 cuerdas en 5 órdenes de los cuales el segundo y tercero consisten de una sola cuerda. De los órdenes de doble cuerda dos de los tres, o ninguno está octavado. Una de varias afinaciones: mi, la, re, si, do.
Charango mediano o «mediana»
La mediana es un charango chuquisaqueño de las regiones rurales. Existe en varios tamaños entre 50 cm y 95 cm de tamaño total con la cuerda vibrante entre 33 cm hasta 65 cm. La mediana normal (tamaño grande) está afinada en temple natural pero una octava más baja que el «charango tipo». Las dos cuerdas del tercer orden están afinadas una octava más baja que el primer orden. Charango vallegrandino
De Vallegrande, Bolivia. Cuerda vibrante ca. 33 cm, tamaño total ca. 50 cm, 6 cuerdas. 4 órdenes. El primer y cuarto orden están con cuerdas simples. Afinación: la, mi, do, sol .
Charango ayacuchano
Charango laminado (tipo guitarra) con 6 cuerdas en 5 órdenes. Por lo general es más pequeño que el «charango tipo». El tercer orden está octavado, los demás órdenes son de una sola cuerda. La afinación corresponde al temple natural.
Charango pampeño
Charango laminado(tipo guitarra) utilizado en la región Arequipa en Perú con 15 cuerdas en 5 órdenes. Las cuerdas son metalicas, existiendo dos afinaciones la primera do♯, fa♯ ,do♯, la, mi ; octaveando la segunda
cuerda del segundo orden; otra afinacion es temple natural.
Charango de Moquegua
Tiene 20 cuerdas, 5 órdenes con cuatro cuerdas cada uno; el tercer orden está octavado.
Charango bajo
Su tamaño es de 1,55 m, la cuerda vibrante de 87 cm y la altura de 82 cm. Su gran caja de resonancia es de madera laminada y posee 6 cuerdas (1 primera, 1 segunda, 2 terceras, 1 cuarta y 1 quinta). Su afinación es si, mi, si, si, sol, re(afinación en mi ) escrita en clave
de fa.
3.3. CAJON PERUANO
El cajón es un instrumento de percusión idiófono de origen peruano, de uso extendido en varios ámbitos musicales como el jazz moderno, el nuevo flamenco y la música latina. En
el Perú se tiene datos documentados de la existencia del cajón desde la primera mitad del siglo XIX en el folclor afro-peruano.
HISTORIA
El origen de este instrumento es afro-peruano, es decir que fue creado por los negros esclavos en el Perú, durante la colonización española, debido a la prohibición que pesaba sobre ellos para ejecutar sus tambores El uso de los tambores fue prohibido por la Iglesia Católica por considerarlos paganos y también prohibido por un edicto del virreinato del Perú con el fin de evitar la comunicación a distancia entre negros (tambores parlantes) y evitar que tocasen el panalivio, un tipo de canción negra que mostraba en lamentos sus condiciones de esclavo: todo tambor hallado, fue quemado. Hacia 1813 desaparece toda referencia del tambor en documentos virreinales y aparece hacia 1850 las primeras referencias al cajón como instrumento musical.
Siendo la percusión el factor principal y divino de toda música africana, los negros esclavos se vieron obligados a buscar instrumentos, con los que pudieran expresarse. Los africanos esclavos, vieron pronto, en los cajones de madera, usados para transportar mercadería, un gran instrumento de percusión, empleándolos así en sus ritos sagrados y en sus diferentes manifestaciones artísticas. Ante la prohibición emitida el siglo XVII de usar el tambor, usaron cualquier elemento para producir sonido como las cucharas de madera, las
sillas, las mesas, las cajitas de limosnas o el checo (una calabaza hueca de unos 60 centímetros de diámetro, con un orificio en la parte posterior)
La etnia afro-peruana, surge de la unión de etnias africanas (bene, yoruba, bantú, congo, etc), que llegaron a América en condición de esclavos, arrancados de su natal tierra. Etnias enemigas en África, pero que en América, intentaron dejar de lado sus diferencias, con el
objetivo de obtener la ansiada libertad.
Es importante resaltar que las poblaciones afro-peruanas hasta el siglo XIX, fueron mayoritarias en toda la costa y por ende influyeron poderosamente en ella, hasta 1890, en que la población afro-peruana comienza a decrecer. Quizá de aquella época, cuando los negros influían mayoritariamente, se acuñó aquella frase tan común en el
Perú: ―El que no tiene de inga, tiene de mandinga‖, que
gráfica claramente la expansión e influencia que ejerció el pueblo africano a lo largo de todo el territorio peruano.
CARACTERISTICAS
Es uno de los pocos instrumentos musicales donde el artista se sienta sobre él y éste transmite el ritmo al cuerpo del cajonero.
Se confecciona en cedro y otras maderas, tiene una altura de 47 cm y una base de 35 cm de largo y por 20 cm de ancho. El espesor llega hasta 15 mm.
El músico se sienta a horcajadas sobre el cajón, quedando éste entre sus rodillas. El cajón moderno tiene tres tornillos que permiten ajustar el tono. El cajón flamenco
cuenta en su interior con tres o cuatro cuerdas para darle resonancia.
El percusionista puede conseguir sonidos adicionales utilizando las palmas o las puntas de los dedos para tocar el cajón. Muchas veces se enriquece el tono del cajón añadiendo pequeños objetos metálicos
3.4. VIOLIN
El violín (etimología: del italiano violino, diminutivo de viola o viella) es un instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas.
Las cuerdas se afinan por intervalos de quintas:
sol3 re4 la4 y
mi5 (el número está indicado de acuerdo con el índice acústico
internacional, que se utiliza en todo el mundo, según el cual el do central del piano es un do4)1
La cuerda de sonoridad más grave es la de sol4, y luego le
siguen, en orden creciente, el re5, la5 y mi6. En el violín la
primera cuerda en ser afinada es la del la; esta se afina comúnmente a una frecuencia de 440 Hz, utilizando como referencia un diapasónclásico de metal ahorquillado o, desde finales del siglo XX, un diapasón electrónico. En orquesta y agrupaciones, el violín suele ser afinado a 442 Hz, ya que las condiciones del medio como la temperatura, o la progresiva destensión de las cuerdas hace que estas se desafinen, y para compensarlo se afinan algo por encima. El cuerpo del violín posee una forma abombada, con silueta estilizada determinada
por una curvatura superior e inferior con un estrechamiento a la cintura en forma de C. Las tapas del violín se modelan con suaves curvas que proporcionan la característica de abovedado. Los aros, que van alrededor del violín dando la silueta, son de poca altura, el mástil posee cierto ángulo de inclinación hacia atrás respecto al eje vertical, longitudinal y se remata por un caracol llamado voluta. La estructura interna del violín la constituyen dos elementos fundamentales en la producción sonora del instrumento dados por la barra armónica y el alma. La barra armónica corre a lo largo de la tapa justo debajo de las cuerdas graves y el alma está ubicada justo debajo del pie derecho del puente donde se ubican las cuerdas agudas.
Las partituras de música para violín usan casi siempre la clave de sol, llamada antiguamente «clave de violín». El violín no posee trastes, a diferencia de la guitarra. Es el más pequeño y agudo de la familia de los instrumentos de cuerda clásicos, que incluye la viola, el violonchelo y el contrabajo, los cuales, salvo el contrabajo, son derivados todos de las violas medievales, en especial de la fídula.
En los violines antiguos las cuerdas eran de tripa. Hoy pueden ser también de metal o de tripa entorchada con aluminio, plata
o acero; la cuerda en mi, la más aguda llamada cantino es
directamente un jhilo de acero, y, ocasionalmente, de oro. En la actualidad se están fabricando cuerdas de materiales sintéticos que tienden a reunir la sonoridad lograda por la flexibilidad de la tripa y la resistencia de los metales.
El arco es una vara estrecha, de curva suave, y construida idóneamente en la dura madera del palo Brasil o «de Pernambuco» (Caesalpinia echinata), de unos 77 cm de largo, con una cinta de 70 cm constituida por entre 100 y 120 (con un
peso de unos 60 gramos según longitud y calibre) crines de cola de caballo, siendo las de mejor calidad las llamadas "Mongolia", que provienen de climas fríos donde el pelo es más fino y resistente. Tal cinta va desde una punta a la otra del arco. Para que las cuerdas vibren y suenen de un modo eficiente, la cinta de cola de caballo del arco debe ser frotada adecuada y regularmente con una resina llamada colofonia (en España se llama "perrubia", de "pez-rubia"). También,
actualmente muchas veces para abaratar costos, la crin
blanqueda de caballo es sustituida por fibras vinílicas. El arco del violín tiene en la parte por la que es tomado un sistema de tornillo que al hacer desplazar la pieza por la cual se aferra un extremo de la cinta de crin hace que esta se tense o se distienda.
El violín es el instrumento más barato de su familia, pero también es el que llega a los precios más desorbitados.
Los violines se clasifican de acuerdo con su tamaño: el 4/4
cuya longitud suele ser de 14 pulgadas o 35,5 cm y su ancho
máximo de 20 cm, y un alto de 4,5 cm es el más grande y es
el utilizado por los adultos; le siguen violines de tamaño menor, destinados a jóvenes y niños, denominados 3/4, 2/4 y 1/4. Existe también un violín de tamaño 7/8, llamado también "Lady", que es utilizado por algunas mujeres o por varones adultos de manos pequeñas.
Genealogía del violín según la Enciclopedia Británica (vol. 7, pág. 514, 11.ª ed., 1911).
Sin embargo, la genealogía que lleva al violín actual es más compleja. Se encuentra en el frotamiento de las cuerdas del laúd y elrebab y su versión europea, el rabel,
instrumentos difundidos en la Europa mediterránea durante la expansión medieval de los árabes. En Italia, a partir de la lira
bizantina o el rebab, surgen los antecedentes más evidentes, tanto del violín como de la llamadaviola de gamba; son tales precedentes la viola de arco (nombre que se utilizaba para todo instrumento de cuerda frotada con arco, como el rebec o rabel, y que también recie las denominaciones de viela, vihuela, vihuela de arco, fídula y giga) y la lira o viola da braccio, esta ya muy semejante a un violín o viola primitivos, aunque con el diapasón separando los bordones. Es en el siglo XVII que aparece el violín propiamente dicho, aunque con algunas diferencias respecto a la mayoría de los violines que se vienen fabricando desde el siglo XIX. La tapa superior y las tablas laterales se hacen de madera blanda, mientras que la tapa inferior se hace de madera dura. La ciudad de Cremona se hallaba entre un bosque de pinos (madera blanda) y uno de arces (madera dura), por lo que estas maderas eran las usadas por los grandes maestros violeros. El arco ha sufrido muchas modificaciones. El modelo actual data del siglo XIX, cuando François Tourte le dio una curvatura cóncava, que en los modelos más primitivos era convexa, como la del arco de cacería.
Aunque en el siglo XVII el violín (violino) se encontraba bastante difundido en Italia, carecía de todo prestigio (el laúd, la vihuela, la viela, la viola da gamba, la guitarra, la mandolina eran mucho más considerados). Sin embargo, Claudio Monteverdi es uno de los que descubren la posibilidad de las calidades sonoras del violín, y es por ello que lo usa para complementar las voces corales en su ópera Orfeo (1607). Desde entonces el prestigio del violín comienza a crecer. Hacia esa época comienzan a hacerse conocidos ciertos fabricantes de violines (llamados aún luteros o lauderos, o luthiers — más
frecuentemente que violeros— ya que inicialmente se
conocidos Gasparo Bertolotti de Saló, o Giovanni Maggini de Brescia, o Jakob Steiner (luthier) de Viena; sin embargo, una ciudad se hará celebérrima por sus lauderos especializados en la confección de violines:Cremona. En efecto, de Cremona son los justamente afamados Andrea Amati, Giuseppe Guarneri y Antonio Stradivari (sus apellidos suelen ser más conocidos en su forma latinizada: Amatius, Guarnerius, Stradivarius). Durante el siglo XIX se destacaron François Lupot y Nicolas Lupot. Es a partir de entonces, y sobre todo con el barroco, que se inicia la Edad de Oro (al parecer de allí en más perpetua) del violín.
Desde entonces el violín se ha difundido por todo el mundo, encontrándose incluso como "instrumento tradicional" en muchos países no europeos, desde América hasta Asia. El violín es un instrumaento protagonista en las orquestas, grupos de cámara etc. Especial atención ha recibido en la música árabe, en la que el ejecutante lo toca apoyado en la rodilla cual si fuera un chelo, y en la música celta irlandesa, donde el instrumento recibe el nombre de fiddle (derivado del italiano fidula), y sus músicas derivadas como, en cierto grado, el country. Ha habido también grandes violinistas de jazz, como Stéphane Grappelli, Jean-Luc Ponty o Joe Venuti.
En cuanto al secreto de la sonoridad típica de los violines realizados por las familiasStradivarius y Guarneri, existen hoy diversas hipótesis que, más bien que excluirse, parecen sumarse; en primer lugar se considera que la época fue particularmente fría, motivo por el cual los árboles desarrollaron una madera más dura y homogénea. A esto se suma el uso de barnices especiales que reforzaban la estructura de los violines. También se supone que los troncos de los árboles eran trasladados por ríos cuyas aguas tenían un pH que reforzaba la dureza de las maderas; también influye un
comprobado tratamiento químico (acaso más que con el objetivo de la sonoridad, el de la conservación) de los instrumentos, que reforzó la dureza de las tablas. Por último, ciertos violines Stradivarius tienen en sus partes internas un acabado biselado de los contornos en donde contactan las maderas, el cual parece beneficiar la acústica de estos violines. Además del efecto logrado por el arco, se pueden conseguir
otros efectos: pizzicato(pellizcando las cuerdas como si se tratase de una guitarra, pero no con la misma posición), trémolo (moviendo el arco arriba y abajo muy rápido), vibrato (haciendo vibrar los dedos sobre las cuerdas), glissando (moviendo la mano izquierda arriba y abajo sobre las cuerdas), col legno (tocando con la parte de madera del arco), sul ponticello (tocando prácticamente sobre el puente)..
3.5. QUENA
La quena (en quechua: qina) es un instrumento de viento de bisel, usado de modo tradicional por los habitantes de los Andes centrales. La quena es tradicionalmente de caña o madera y tiene un total de siete agujeros, seis al frente y uno atrás, para el pulgar. En la actualidad es (junto al sicu y el charango) uno de los instrumentos típicos de los conjuntos folclóricos demúsica andina, encontrándose su uso también en la música de fusión, etno, música nueva eraetc.
HISTORIA
Es de origen preincaico. Las evidencias más antiguas están en la cerámica mochica (costa norte del Perú) y Nazca (Costa central del Perú), pues hay también evidencias de origen nazca, de sicus hechos de cerámica y huesos de animales y humanos. Originario del
a Perú, Argentina, Ecuador, Colombia, Bolivia y Norte Grande de Chile.
La popularidad de su uso "moderno" en conjuntos folclóricos ha opacado su uso tradicional en las comunidades originarias de los Andes, donde se toca para festividades específicas y acompañando danzas (por ejemplo la danza también llamada "Quena-Quena"). Sin embargo, este instrumento aún es muy utilizado en las áreas rurales de Perú y Bolivia. El museo de instrumentos musicales de La Paz presenta al menos 21 tipos diferentes de quenas.
Descripción de la quena Descripción de la Quena
Clases de Quena:Las Quenas reciben distintos nombres según su tamaño y tonalidad. Encontramos así Quenas que van desde los 15 cms. hasta las que alcanzan los 120 cms .
Según ésto los nombres que reciben son : shilo, pingollo, kenali, lawata, mahala, quena, pinkillo, chay na, qquenacho, choquela, kena pusi, mama quena, clarin, kenakena, phusipia, phalawata, flauta
chaqallo, ph‘alaata, puli puli, pusippiataica, san borga
quena, flauta de sandia, mollo, hilawata, pink‘ollo, machu
quena, etc...
Por su mayor divulgación, en toda América latina, la Quena de 36 a 38 cm., y que por lo tanto tiene el tono deSol mayor relativo de Mi menor, es la más importante. Y ésto es probablemente debido a la influencia que los instrumentos de cuerda han ejercido sobre las flautas
andinas, ya que como se puede notar en estos días, es el tono preferentemente utilizado en la música criolla.
Hay otra Quena que es un poco más grande y que se suele llamar "Quena en Sol", para diferenciarla de laQuena en La, que arriba he descrito. Y es que el tono de la Quena lo da la nota más grave que ésta produce, pero en estas dos Quenas el nombre les viene de la digitación tradicional que poseen, y que veremos más adelante.
Nombre y tono de la Quena:La Quena del presente estudio es la llamada Quena modelo, por ser la más manejable y usada.
Su tono es de Sol Mayor relativo de Mi menor, sin embargo se llama Quena en La.
Como ya he dicho anteriormente este nombre se debe a la digitación. En el ámbito autóctono el agujero superior más bajo, llamado SONADOR no se suele tapar, por ende la nota más grave producida es el LA, nombrando de esta forma el instrumento. Mientras que si lo tapamos, arbitrariamente en contra de la digitación tradicional, la nota será un Sol, que da paso a la gama de notas características de su tono.
3.6. SICU SICU SAMPOÑA
El sicu (en aimara siku) es una zampoña formada generalmente por dos hileras de tubos decaña de diferentes longitudes: el arca, normalmente de siete tubos, y el ira,
