TEMA 13.-
ARQUITECTURA Y URBANISMO DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX.
El siglo XIX fue un siglo manifiestamente contradictorio en el aspecto arquitectónico.
Lógicamente la Revolución Industrial provocó no solo unos cambios sociales (aparición de la clase obrera), urbanísticas (barriadas obreras y zonas residenciales), sino también cambios técnicos con el uso de nuevos materiales que las industrias aportarán a los arquitectos.
La arquitectura europea experimentó a mediados del siglo XIX un conflicto entre dos tendencias contrapuestas.
Por un lado, buena parte de los arquitectos mantuvieron una posición historicista, es decir, recreaban en sus obras los principales estilos artísticos de períodos anteriores sin realizar innovaciones técnicas ni formales. Así surgieron los estilos “neos”, el llamado Eclecticismo.
Por otro lado, estaban los defensores de aplicar los avances de la Revolución Industrial a las nuevas construcciones, especialmente la utilización masiva del hierro y el vidrio, los nuevos materiales proporcionados por la Era Industrial Además eran partidarios de crear formas artísticas novedosas para adaptarlas a las nuevas funciones que demandaba la sociedad industrial. Esta tendencia fue defendida durante la primera mitad del siglo XIX sólo por los ingenieros, pero a mediados de siglo, muchos arquitectos habían aceptado la nueva arquitectura del hierro para efectuar sus nuevas realizaciones.
La tradicional "arquitectura-arte" basada en materiales pétreos (mármol, ladrillo, sillares...) dejó paso a un nuevo tipo de "arquitectura-ingeniería" basada en los nuevos materiales ( hierro, acero, vidrio, cemento armado...) Muchas veces ambos tipos de materiales, los tradicionales y los industriales, irán unidos en los mismos edificios.
Una de las cuestiones fundamentales que se planteó a los arquitectos de la Segunda Mitad del siglo XIX fue la de la relación entre forma y función. La nueva sociedad industrial requería construcciones con funciones completamente nuevas e inéditas hasta entonces (fábricas, estaciones de ferrocarril, grandes infraestructuras como puentes, viaductos, etc) nuevas ciudades burguesas o industriales. Había que reformar las ciudades de los países viejos (San Petersburgo, París, Londres) o crear las de los países nuevos ( Estados Unidos, Canadá).
HISTORICISMO Y ECLECTICISMO
Es una arquitectura basada en estilos que aparecieron y desaparecieron en épocas anteriores pero que se copian en el XIX. Así habrá una arquitectura neogótica, neorrománica, neorromana, neomudejar, neobizantina, o exótica de fuera del continente europeo (hindú, japonesa...). No tienen inconveniente que en estos estilos antiguos aparezcan materiales modernos, sobre todo, hierro.
Vamos a ver algunas manifestaciones en los diferentes estilos:
En el reino Unido convivieron el neoclasicismo de British Museum y el estilo neogótico. En el estilo neogótico hay que citar al Palacio de Westminster (Parlamento) de Londres (1835) de Charles Barry. De este estilo se construirán numerosos colegios y universidades.
En el estilo neohindú hay que destacar el Pabellón Real de Brighton (Gran Bretaña) de John Nash, donde audazmente se mezcla el hierro en pilares y en cúpulas de la exótica India recién incorporada al territorio del Imperio Británico.
París fue otro de los focos del Historicismo. Esto se debió a la radical transformación de la ciudad realizada durante el Segundo Imperio de Napoleón III (1848-1870). El artífice de dicha transformación urbanística fue el Barón Haussmann. En este caso, la inspiración fundamental del Historicismo Parisino fue el Barroco del Gran Siglo Francés y en el mundo clásico romano. En esta línea tenemos que situar el Nuevo Louvre (1852), o el Teatro de la Opera de París de Charles Garnier (1861-74).
ARQUITECTURA-INGENIERÍA O DEL HIERRO.-
El hierro y el acero son productos típicos de la Revolución Industrial (XVIII). Serán los materiales típicos más utilizados en el siglo XIX. Se usarán en la construcción de puentes, armaduras de edificios, torres, palacios de cristal, enormes pabellones...La utilización del hierro abarataba los costes y reducía el tiempo de construcción. Los ingenieros-arquitectos dejaban el hierro y el hormigón al aire.
Ya en 1777 se construyó el primer puente de hierro, el de Coalbrookdale (Gran Bretaña)
Se pusieron de moda las Exposiciones Universales, donde se manifestaba todo el progreso de las naciones industrializadas del XIX. Precisamente, las Exposiciones Universales fueron el marco adecuado para que la arquitectura del hierro se valorara como el nuevo símbolo de la Revolución Industrial. Estas Exposiciones Universales eran un auténtico escaparate de los logros del progreso científico y técnico en las sociedades industriales.
La primera Exposición Universal fue la de Londres de 1851. En ella destaca el Cristal Palace de Paxton, un enorme pabellón de hierro y cristal (más de 600 m. de largo). Además se construyó en un tiempo record gracias a que Paxton utilizó un sistema de piezas prefabricadas. No obstante el edificio recordaba las alargadas catedrales inglesas de planta basilical; el gusto estético de los arquitectos del hierro no se encontraba tan alejado de los criterios historicistas. Algo similar ocurre, por ejemplo en la Sala de Lectura de la Biblioteca Nacional de París de Henri Labrouste (1862).
La Exposición Universal de París de 1889 demostró hasta qué punto había revolucionado la arquitectura el uso del hierro. El protagonista de esta exposición fue la Galería de Máquinas que cubría un gigantesco espacio de 48.000 m. cuadrados sin soportes intermedios. Otro record lo representaban los más de 300 m. de la Torre Eiffel. En estas obras Eiffel utilizó las vigas de hierro a cara vista sin recubrimiento de ninguna clase, además creaba formas arquitectónicas completamente originales que ya no recordaban a los estilos arquitectónicos del pasado.
ESCUELA DE CHICAGO.
En Estados Unidos está apareciendo en esta época una nueva arquitectura en sus planteamientos urbanísticos: calles muy largas (en Nueva York algunas llegan a los 20 Km.), edificios de gran altura. En este país no había una tradición de estilos que atase a los arquitectos. Los incendio s de Chicago de 1871 y 1874 destruyeron la ciudad. Había que reconstruir la ciudad en un clima de especulación y con la aplicación de nuevos servicios (electricidad, gas, ascensores…).
Así aparecerá la Escuela de Chicago. Esta escuela tendrá un principio pragmático por el que siempre buscará lo práctico frente a lo bello, lo útil ante lo estético. Sus edificios se basarán en la
funcionalidad de las estructuras más que en la estética. Es una arquitectura racionalista más que sensorial. Busca la verticalidad y son los precursores de los rascacielos del siglo XX
Entre los arquitectos que se encargaron de la reconstrucción de Chicago destacaron William Le Baron (1832-1907), Henry Richardson (1838-1886) y Louis Sullivan (1856-1924).
La gran aportación de Le Baron fue la utilización de las estructuras en esqueleto a partir de vigas de hierro en I, iniciando así el método característico de construcción del siglo XX. Con ello, pretendía crear una nueva estructura metálica resistente al fuego, pero lo más importante es que el nuevo sistema suponía que los muros dejaban de tener una función sustentante y se convertían en muros-cortina que simplemente cerraban el edificio. Este proceso combinaba el acero y el hormigón
Richardson y Louis Sullivan (1856-1924) continuaron la labor de Le Baron en la definición del rascacielos. Sullivan definió en 1896 el modelo clásico del rascacielos: estructura triple de raíz clásica (base, fuste y capitel), con fachadas reticulares cada vez más abiertas mediante ventanales recortados sobre el muro. El nivel inferior, de finalidad comercial, destacaba por su diafanidad, el
"fuste" está formado por pisos idénticos. El edificio debía ser práctico y responder a las necesidades para las que fue concebido. Lo decorativo no forma parte de la construcción y es algo accesorio y añadido al edificio. Entre las obras de Sullivan destacamos el o el edificio Guaranty de Buffalo, construido entre 1894 y 1896.
EL MODERNISMO : GAUDÍ (1852-1926).
Este estilo se denomina también ART NOUVEAU. Este estilo artístico, en un primer momento decorativo, se desarrolló en la mayor parte de Europa y Estados Unidos desde aproximadamente 1890 hasta la I Guerra Mundial (1914-1918). Es una reacción contra la vulgaridad de ciertos edificios historicistas y la fealdad de diseños de los productos industriales.
El Modernismo es, por tanto, un movimiento preocupado por la belleza estética. Sin embargo, sólo ocasionalmente es Historicista, pues sólo a veces se propone imitar las formas artísticas de lenguajes anteriores. Así estéticamente, el Modernismo pretende ser original, y las formas modernistas están dominadas por la curva y la línea sinuosa inspirada en la naturaleza. Los edificios modernistas parecen "orgánicos" formas vivas que recuerdan plantas o animales que crece y es asimétrico en la distribución de puertas, ventanas, muros…
Este estilo buscará sus raíces en las arquitecturas medievales, sobre todo, en el gótico, pero con un toque de transformación, de nacimiento de la naturaleza, como si fuese algo natural y no `producto de un taller de un arquitecto (flores, olas marinas, algas, cabellos femeninos, animales: pavos reales, cisnes...
Algunos autores resaltan también el aspecto surrealista u onírico de las formas modernistas.
Víctor Horta es uno de los principales arquitectos modernistas de Bélgica, a él se debe la decoración del Hotel Tassel
Héctor Guimard trabajó en las estaciones del Metro de París. En éstas utilizó una colorista mezcla de bronce y vidrio de formas sinuosas y orgánicas.
En España el principal representante fue ANTONI GAUDÍ (1852-1926).
Algunos de los edificios de Gaudí tienen cierto aire "historicista", así ocurre con la Sagrada Familia de Barcelona, obra inacabada que recuerda una Catedral Gótica de enorme tamaño. Sin embargo, al profundizar en los detalles, los elementos góticos desaparecen, y el edificio parece inspirarse en una gigantesca caverna pétrea. Por tanto, Gaudí combina detalles inspirados en la historia y en la naturaleza mezclados de una manera surrealista y caprichosa. De todo su gran diseño, solamente terminó la portada del Nacimiento con sus cuatro torres. Esta fachada es como una cueva en la que las estalactitas se van convirtiendo en animales, santos, plantas, en la que los muros se deshacen como ceras derretidas jugando con claroscuros.
Estos mismos elementos historicistas aparecen en las columnas dóricas del Parque Güell. Sin embargo, otras obras de Gaudí como la Casa Milá o la Casa Batlló se han realizado con formas vagamente inspiradas en la naturaleza pero tratadas con tintes surrealistas: chimeneas que parecen cabezas humanas, balcones y ventanas que parecen ojos, el tejado de la casa Batlló semeja un dragón dormido, etc.
Su creación del Parque Guell es una búsqueda de un espacio utópico de paz y naturaleza, presidido por la religión frente a la agresividad de la Barcelona industrial. En este parque diseña unos espacios comunitarios (plazas de reunión, bancos corridos, curvados de variados mosaicos coloristas, columnas-árboles...). Todo amalgamado con grandes dosis de creatividad y originalidad.
EL URBANISMO DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX.
El urbanismo de la segunda mitad del siglo XIX se desarrolló, especialmente en las grandes ciudades industriales. La razón fue el creciente éxodo rural. El crecimiento urbano era tan rápido que amenazaba con convertir a las ciudades en algo caótico y desordenado.
La solución que se adoptó fue la construcción de amplios "ensanches" de calles amplias y rectas con una preferencia por los planos ortogonales o en cuadrícula a veces combinados con planos radiocéntricos.
Nuevamente, el modelo del nuevo urbanismo fue París. El Barón Haussman se encargó de la reconstrucción de la ciudad tras la Revolución de 1848. Haussman destruyó los tortuosos barrios obreros del París antiguo, creando en su lugar una elegante red de grandes avenidas rectas y anchas.
Esta estructura urbana no sólo buscaba ser práctica sino que manifestaba los ideales de las clases dirigentes del Segundo Imperio Francés. Así una parte de la planificación urbana está centrada en torno al Arco de la Estrella que conmemora las victorias de Napoleón I
En España hay que destacar el Ensanche de Barcelona planificado por Ildefonso Cerdá y formado por una monótona estructura de calles en cuadrícula. Cerdá se plantea cuestiones muy importantes en la urbanística moderna. Por un lado, al realizar la Diagonal responde a la necesidad de un tráfico rodado rápido que pueda llegar a cualquier punto del ensanche. Por otro lado, crea unas manzanas de planta cuadrada achaflanadas que en el diseño original incluirían amplios jardines en su interior. Con ello daba importancia a la calidad de vida en el interior de la ciudad industrial (la especulación posterior eliminó estas zonas verdes).
LAS ARTES FIGURATIVAS EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XIX.
El REALISMO
En las décadas centrales del siglo XIX (1840-1.860) el romanticismo dejó paso a un estilo más cercano a la realidad social. La sociedad estaba marcada por las consecuencias de la Primera Revolución Industrial. Las clases obreras vivieron situaciones de explotación terribles y poco a poco la sociedad va concienciándose de esta realidad. De ahí que apareciese un estilo que buscaba lo concreto, lo verdadero, la denuncia, el realismo.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA REALISTA.
Se niegan a idealizar las imágenes. Se representa al ser humano en sus labores, con cansancio, con la dureza del trabajo diario. Predomina un enfoque directo, sin simbolismo ni poesía, en los temas representados.
El pintor más destacado de esta corriente es el francés GUSTAVE COURBET (1819-1877) Se identificó con el socialismo. Siempre desafió la tradición y quiso que su arte fuese para el pueblo. Eligió temas de la vida cotidiana en el contexto rural. Sus obras más importantes son El entierro en Ornans, El estudio del pintor.
Otros pintores realistas importantes fueron Jean Francois Millet ( 1814-1875) que retrató con maestría la vida campesina ( El Angelus), Honoré Daumier ( 1808-1879) cronista de deshumanizada vida obrera ( La Huelga, La lavandera ), Jean Battiste Camille Corot ( 1796- 1875) que desarrolló el paisaje real ( Catedral de Chartres) y Joseph Turner ( 1775-1851) pintor del vapor, de los ferrocarriles y del fuego (El temerario remolcado, “Lluvia, vapor y velocidad “).
PINTURA IMPRESIONISTA.-
A mediados de siglo XIX se inician los estudios sobre la óptica, sobre la refracción de la luz, de la descomposición de los colores. El color es el resultado de la mezcla de los colores básicos en la retina humana;
así la impresión que deja la luz y el color en la retina se convierte en el fundamento del nuevo movimiento. La impresión es instantánea e irrepetible.
Las características más importantes del estilo impresionista son:
Teoría de los colores.- Existen tres colores primarios (amarillo, rojo y azul) y tres complementarios (violeta, verde y naranja), pero según la teoría impresionista la mezcla de color no debe venir dada ya por el pincel, sino que los colores deben ser toques tan próximos que debe ser el ojo del espectador quien los mezcle.
Captación de la luz.- Una de sus obsesiones será la captación de la luz sobre cada objeto y según sea ese momento efímero. Por ello, la pintura impresionista será una pintura rápida, del momento, del efecto de la luz concreta, irrepetible lo que hay que plasmar en el lienzo. No importa ni la perspectiva ni siquiera el dibujo, solo la luz.
Pinceladas sueltas.- Huyen de la pintura plana y lisa. Utilizan mucha materia y prefieren la mancha pastosa.
Pintura al aire libre.- Los pintores impresionistas huyen del taller. La luz hay que captarla en la naturaleza, de ahí que todos ellos, excepto Degas, pintaron directamente del natural, de ese momento único y jamás irrepetible.
Ya pintores anteriores, Tiziano, Velázquez, Rembrandt y Goya habían tenido rasgos más o menos definidos de estas tendencias impresionistas en sus toques cromáticos sueltos.
MANET, EDOUARD (1832-1883). Lo debemos vincular con el nacimiento de la pintura impresionista.
Manet rompió con toda la pintura anterior tan academicista y abrió nuevas perspectivas, que no quisieron ser aceptadas por la burguesía del momento por entenderlas como excesivamente provocativas. Será un pintor influido por Tiziano, Velázquez y, sobre todo, Goya. Sus obras van a ser tan frontalmente rechazadas que él y sus seguidores, serán unos pintores totalmente marginados por la sociedad parisina.
El almuerzo campestre. De marcada influencia de Tiziano. Nos presenta a unos amigos sobre un campo rodeados de árboles. Ellos vestidos, ellas desnudas. No hay modelado en este lienzo. Todo lo representado (cuerpos, paños, ramas de árboles...) el pintor lo resuelve mediante grandes pinceladas de colores planos. Toda la escena está resuelta de una forma radicalmente nueva como una yuxtaposición de zonas claras y oscuras.
Olimpia. Este cuadro provocó un escándalo de enormes proporciones. La crítica y el público lo tacharon de inmoral y de mal gusto. El tratamiento de las sombras, limitadas a un engrosamiento de los contornos, la simplificación de las formas en grandes planos y la aplicación de la luz y el color, tonos claros sobre claros y oscuros sobre oscuros, dan las pautas de este cuadro. Otra cosa a destacar es el desparpajo con que Olimpia mira al espectador, frente a las miradas de los desnudos de Tiziano.
MONET, CLAUDE (1840-1926).- Fue tal vez el pintor más fiel a los principios impresionistas, que nunca abandonará...Precisamente su Impresión, sol naciente. (1872) será el que por la opinión despectiva de un crítico dará el nombre a todo el grupo impresionistas. Este cuadro que nos muestra un nacer rojo, sucio, pobre de un sol sin fuerza en un puerto. Vemos dos pequeñas barcas negras y se vislumbran las formas de unos veleros. Manchas, una línea zigzageante en el agua refleja ese sol. Hay influencia de Turner en este cuadro.
Pintará la famosa serie de Catedrales de Ruan (1891-95), cinco veces para captar esa fachada en diferentes momentos: con sol, lluvia, bruma, amaneciendo, en el atardecer...O sus series infinitas de Nenúfares (1899) donde con influencia japonesa, tratará de captar los colores de las flores acuáticas en mil matices y colores o sus fríos deshielos, o sus luminosas marinas con veleros blancos llenos de luz veraniega.
PIERRE-AUGUSTE RENOIR (1841-1919). Fue uno de los más radicales creadores del impresionismo. En sus cuadros muestra a la sociedad urbana con gran alegría y ganas de vivir ( Desayuno de los remeros y El Baile en el Moulin de la Galette). Posteriormente su deseo de comprender a Ingres y un viaje a Italia hicieron cambiar sus temas y su estilo; la espontaneidad de su pintura inicial deja paso a una preparación mayor del cuadro y a una definición mayor de los perfiles de las figuras pero sin perder la pincelada impresionista. Pinta sobre todo desnudos femeninos (Las grandes bañistas) y retratos de niñas.
EDGAR DEGAS (1834-1917). Tenía una formación académica que nunca abandonó totalmente. En su obra el dibujo tendrá mucha importancia. En contra de los otros impresionistas preferirá los temas urbanos, de iluminación artificial que los temas de la naturaleza al aire libre. Son famosísimas sus series sobre las bailarinas, el circo y las carreras de caballos. Fue un maestro en la utilización del “pastel”.
En España se extendió los planteamientos impresionistas a partir de los becados en París. Grandes impresionistas fueron: Joaquín Sorolla (1863-1923) que pintó Niños en la playa, Cosiendo velas, Mujeres paseando...Dario de Regoyos ( 1856-1913) autor de Paseo por San Sebastián y Campo de Heno, Santiago Rusiñol (1861-1931) que hizo una serie magnífica sobre los jardines de Aranjuez.
LA PINTURA POSTIMPRESIONISTA
Hacia 1880 hay unas nuevas corrientes pictóricas que hacen que pintores vinculados en ciertos momentos al impresionismo evolucionasen hacia nuevas formas, rechazando el naturalismo y buscando expresión, simbolismo... Cada uno de ellos tiene diferente personalidad pictórica, aunque tal vez lo que más les una sea la rebeldía social y técnica que presentan.
VINCENT VAN GOGH (1853-1890).- Holandés. Hombre con una profundísima inestabilidad interior que se refleja en lo atormentado de su pintura. A pesar de tener una paleta muy luminosa, su pincelada fragmentada aparece cargada de una inestabilidad y una afectividad que trasciende al cuadro. De su primera época tiene una visión de su natal Holanda de un gran pesimismo Comedores de patatas (1885). Pronto va a encontrar su técnica tan característica e irrepetible en La Noche Estrellada (1889) donde vemos un cielo surcado de mil volutas de colores de estrellas sobre un pueblo tranquilo, o su Habitación de Vincent en Arles donde la quietud y el reposo de un dormitorio queda desestabilizado por el espacio claustrofóbico, la inestabilidad de algunos objetos que nos producen inquietud. Son conocidos también sus Naturalezas Muertas: Girasoles, Lirios. Sus autorretratos con sus fondos ondulantes nos dan un estudio de su alma atormentada y un reflejo de locura en sus pupilas. Locura que le hará amenazar de muerte a Gauguin y arrepentido se cortará una oreja. Ingresado en un psiquiátrico, pintará mucho y pocos meses después de salir del centro, se suicidará.
PAUL CEZANNE.- (1839-1906) - Será el más ordenado en su vida personal de todos los pintores de este grupo. Hijo de un banquero aunque pretendió triunfar en París, se va a tener que recluir en su Provenza natal donde trabajará hasta su muerte sin ser excesivamente conocido por el mundo artístico. De su época de impresionista le quedará su gusto a pintar al aire libre (morirá en el campo de un ataque al corazón cuando pintaba). Pintaba bodegones, retratos de sus convecinos buscando un ejercicio de reducción de la realidad al cilindro, al cono, a la esfera. Es decir, parece que vislumbra cierto cubismo. Sus obras básicas Madame Cezanne, Retrato de un campesino, Jugadores de cartas. En su cuadro Montaña de Santa Victoria va buscando una simplificación y síntesis de la realidad y comienza a disolver el volumen.
HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901). Noble, lisiado físicamente. Se va a refugiar en la pintura. Será el cronista de la vida nocturna de Montmartre. El se definía como un "dibujante que pintaba". Sus cuadros, sus carteles (el famoso de Moulin Rouge, La Goulue) parecen más bocetos rápidos para ser vehículos colectivos de comunicación que cuadros de tipo tradicional. Pintó una serie sobre las bailarinas del Moulin Rouge y otra sobre las prostitutas y la prostitución.
PAUL GAUGUIN (1848-1903). Fue el artista más rompedor con las convenciones sociales. De vocación tardía se inicia como pintor en las exposiciones impresionistas. Radical y apasionado pronto abandonará los principios impresionistas de pintar al aire libre, de las impresiones para pasar a pintar en su estudio sobre apuntes tomados en el exterior pero reflexionados y seleccionados por él. El dibujo se convierte en personal, simbólico e incluso infantil. El color adquiere total protagonismo y no concuerda con la realidad (será el origen de los nabis). Tras pintar temas de Bretaña y de las carreras emigrarán al Caribe y posteriormente a Tahití donde creará sus nuevos modelos.Obras famosas suyas son: Visión después del sermón, Cristo Amarillo, Mujeres de Tahití.
LA ESCULTURA ( RODIN)
El gran escultor de finales del siglo XIX será AUGUSTO RODIN (1840-1917). Francés. Es muy naturalista y es una de las más grandes figuras del arte escultórico universal. Rodin huye del idealismo en sus esculturas. Estudia a Miguel Ángel de quien tomará su "terribilitá" que vemos en muchas de sus obras.
Consigue una técnica impresionista con la rugosidad de las superficies y con la multiplicación de los planos obtiene efectos de luz y fuerza colorista.
La edad de bronce (1878) Es un bronce. Un hombre joven, desnudo, con un gesto de cierta angustia se lleva su brazo derecho a la cabeza. Nos recuerda un tanto a los esclavos de Miguel Angel.
Las puertas del Infierno (1880). Bronce que le costó realizar 20 años y está sin terminar. Es una reelaboración de las Puertas del Paraíso de Ghiberti. Las figuras retorcidas y angustiadas, irregularmente dispuestas, recuerdan el Juicio Final de Miguel Ángel.
El Beso (1886) Mármol. Es la apoteosis de la belleza y el movimiento, con la multiplicación de los planos y una composición circular. Es el triunfo de la curva.
El Pensador. Bronce. Es a destacar la indiscutible influencia de Miguel Ángel en su terribilitá, músculos tensos, concentración del rostro, manos fortísimas, movimiento contenido. Los músculos se convierten en diferentes campos y planos de luz.
Los burgueses de Calais (1885). Bronce. Representa un hecho histórico medieval, en el que unos ciudadanos de Calais (Francia) van a Inglaterra como siervos encadenados al no poder pagar la ciudad los impuestos al rey de Inglaterra. Tragedia en los rostros, enormes manos rugosas y sarmentosas, planos de luces en los diferentes espacios que señalan los caminos a seguir por la escultura del siglo XX.
Monumento a Balzac (1891). Bronce. No es propiamente un retrato del escritor francés, sino más bien una manifestación del poder del genio. No pudo fundirse hasta 1939 ya que su ruptura era tan evidente para su tiempo que hubo que esperar a que madurasen los gustos.
