El arte en la Historia Contemporánea

Texto completo

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El cuaderno El arte en la Historia Contemporánea, del proyecto Saber hacer, para cuarto curso de ESO es una obra colectiva concebida,

diseñada y creada en el Departamento de Ediciones Educativas de Santillana Educación, S. L., dirigido por Teresa Grence Ruiz.

En su elaboración ha participado el siguiente equipo:

TEXTO

José Manuel Fernández Ros Germán Ramírez Aledón EDICIÓN

Gabriela Martín Bermejo DIRECCIÓN DEL PROYECTO Lourdes Etxebarria Orella

Las actividades de este libro no deben ser realizadas en ningún caso en el propio libro. Las tablas, esquemas y otros recursos que se incluyen son modelos para que el alumno los traslade a su cuaderno.

El arte en la Historia Contemporánea

E SO

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1 Un estilo aristocrático: el Rococó ... 6 Descubre: La pintura, fuente de información de la vida cotidiana

2 El arte de la Ilustración: el Neoclasicismo ... 8 Descubre: La búsqueda de la razón en el arte

3 El arte de las revoluciones: la pintura romántica ... 10 Descubre: La pintura como vía de difusión del sentimiento

nacionalista

4 El impacto de la Revolución Industrial en la arquitectura ... 12 Descubre: La arquitectura como respuesta a las necesidades

de la ciudad industrial

5 La pintura y la escultura en la segunda mitad del siglo XIX ... 14 Descubre: Las clases populares, protagonistas de la pintura

6 La arquitectura y la escultura en la primera mitad del siglo XX ... 16 Descubre: La arquitectura y el diseño llegan a los hogares

7 Las vanguardias pictóricas ... 18 Descubre: El impacto de la Primera Guerra Mundial en la pintura

8 La arquitectura después de la Segunda Guerra Mundial ... 20 Descubre: Los rascacielos, una nueva estética de la ciudad

9 Las artes plásticas después de la Segunda Guerra Mundial ... 22 Descubre: El arte en la sociedad de consumo

10 La arquitectura y la escultura en el siglo XXI ... 24 Descubre: Los proyectos paisajísticos

11 Las nuevas vanguardias y la cultura visual de masas ... 26 Descubre: El arte urbano

Glosario ... 28

Índice

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Presentación de la obra

El arte como fuente histórica

Las obras de arte pueden considerarse como fuentes históricas porque, al igual que los documentos escritos, nos aportan información relevante sobre la época en la que fueron creadas. Más allá de sus propuestas estilísticas o técnicas, las obras artís- ticas constituyen evidencias históricas sobre sociedades, épocas y mentalidades colec- tivas. De esta manera, la obra artística se convierte en una fuente de valiosa informa- ción sobre la sociedad en la que surge.

Las creaciones artísticas son documentos primarios en el pleno sentido de la palabra.

Tanto si pretenden ser un reflejo de la realidad como si su objetivo es realizar una inter- pretación simbólica de esta, nos comunican una información con alto valor histórico. La principal dificultad para acceder a esta forma de comunicación es conocer el lenguaje en el que está elaborada: hemos de saber leer la obra artística no solamente desde la pers- pectiva estilística y técnica, sino también desde la perspectiva simbólica o iconológica, que es la que suele aportar la mayor información histórica.

Los artistas muestran, a través de sus obras, tanto sus circunstancias personales como también los pensamientos, los valores, las actitudes y los conocimientos de su tiem- po. Toda obra de arte tiene un contexto cuyo conocimiento nos permite su mejor com- prensión; pero, al mismo tiempo, la obra también contribuye a explicar el contexto o las circunstancias en los que surge.

La consideración de las obras de arte como fuente histórica ha permitido la ampliación de los campos de estudio de la historia: las mentalidades, la vida cotidiana, la cultura material, la valoración del cuerpo humano… se han incorporado al «corpus» de la inves- tigación histórica. Y la obra de arte supone, a este respecto, una fuente de información de primer orden. Por todo ello, la investigación histórica utiliza, cada vez más, las imáge- nes junto a otros tipos de fuentes, como los testimonios orales o los textos literarios. Se amplía así el concepto de fuente histórica, enriqueciendo con ello nuestro conocimiento del pasado.

Las obras de arte nos posibilitan, en suma, imaginar y construir el pasado de una forma más viva. Aunque los textos son imprescindibles en el trabajo histórico, las fuentes artís- ticas son muy valiosas para comprender el poder de las representaciones visuales en la vida cultural, política y religiosa de las sociedades, porque atienden aspectos que el do- cumento escrito puede expresar con mayor dificultad.

El objetivo de esta obra es facilitar al estudiante de cuarto curso de ESO la identificación

del arte como fuente histórica. Para ello, se expone una síntesis de las características

esenciales de cada estilo artístico, citando algunos de sus representantes más destaca-

dos, y relacionando al movimiento con el contexto histórico en el que surgió. A continua-

ción, se propone el análisis e interpretación de una obra artística para relacionarla con

su tiempo y obtener información histórica a partir de ella.

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Esquema del cuaderno

Las secciones que componen este cuaderno contienen una serie de elementos que faci- litan el trabajo a partir de las obras de arte y el análisis de todos los aspectos menciona- dos en esta presentación.

Páginas de contenido: SABER y SABER HACER como un todo integrado. Los conte- nidos y su aplicación se desarrollan conjuntamente, para obtener un saber más profundo.

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El impacto de la Revolución Industrial en la arquitectura

Desde finales del siglo XIX, la Revolución Industrial tuvo un fuerte impacto en las ciudades. Como conse- cuencia del éxodo rural, estas crecieron mucho y rá- pidamente y demandaron nuevas necesidades.

La arquitectura industrial La arquitectura industrial se basó en el empleo de nuevos materiales, como el hormigón armado, el hierro, el acero y el cristal, que facilitaron la construc- ción de edificios grandes y ligeros. Puentes, viaduc- tos, estaciones de ferrocarril, fábricas, almacenes, galerías comerciales y mercados fueron las novedo- sas tipologías arquitectónicas.

El uso de los nuevos materiales constructivos se di- fundió a través de las Exposiciones Universales. Uno de los arquitectos más destacados fue Gustave Eiffel, autor de la Torre Eiffel, construida para la Exposición Universal de París de 1889. (10) A finales de siglo XIX, en Estados Unidos se produjo un vigoroso impulso de la arquitectura como conse- cuencia del desarrollo tecnológico, de la emigración y del surgimiento de las grandes urbes. Para resolver el problema de las necesidades de vivienda hizo su aparición el rascacielos: las estructuras metálicas de hierro permitieron levantar grandes alturas y elimi- nar los muros de carga. El uso de pilares de hormi- gón y el desarrollo del ascensor eléctrico facilitaron su expansión. Destacaron los arquitectos de la llama- da Escuela de Chicago, como Le Baron Jenney, Louis Sullivan y Daniel Burnham.

El Modernismo

A finales del siglo XIX surgió una nueva arquitectura que rompió con lo que se consideraba la fealdad es- tética de los productos industriales. Era el llamado Art Nouveau, cuya expresión en España fue el Mo- dernismo.

La naturaleza tomó parte activa en las obras con la incorporación de motivos vegetales y líneas on- dulantes tanto en las fachadas como en los interio- res. Por otro lado, se dio un refinamiento en el em- pleo de todo tipo de materiales, incluido el hierro, que son trabajados artesanalmente. Era un estilo muy decorativo creado por y para la burguesía urbana.

En España, Barcelona fue el foco principal del Mo- dernismo y la figura de Antonio Gaudí representa la versión más original del Modernismo europeo. (11) 10. Torre Eiffel, en París, obra de Gustave Eiffel. Tiene

300 metros de altura.

11. Casa Milà o La Pedrera, en Barcelona, obra de Antonio Gaudí.

La arquitectura como respuesta a las necesidades de la ciudad industrial La Revolución Industrial planteó una serie de desafíos arquitectónicos derivados de la rápida expansión de las ciudades. El ferrocarril demandó estaciones y puentes, y las fábricas requirieron instalaciones de dimensiones desconocidas hasta entonces.

DESCUBRE

12. Estación del Norte de Madrid en 1900 (A) y en 2015, (B) renombrada actualmente como Estación de Príncipe Pío.

La estación del Norte de Madrid La Compañía de los Caminos de Hierro del Norte construyó en 1861 unas instalaciones provisionales para el ferrocarril de Madrid a Irún.

La estación definitiva fue inaugurada en 1882.

Durante la guerra civil española (1936-1939) fue parcialmente destruida. Posteriormente, se integró en RENFE y continuó su funcionamiento, aunque inició un largo declive. En 1993 la estación fue clausurada.

El edificio ha sido recientemente restaurado. Actualmente funciona como intercambiador y como centro comercial.

5 INTERPRETA LAS IMáGENES.

•   ¿Qué función cumplían el  hierro y el acero en este tipo de arquitectura? ¿Qué  ventajas tenían frente a otros materiales empleados hasta entonces (piedra, ladrillo…)?

•   Investiga por qué este  edificio está protegido por la Ley del Patrimonio Histórico.

•   Las necesidades de la ciudad  actual son las mismas que las de la ciudad de finales del siglo XIX? ¿Por qué?

6 USA LAS TIC. Busca información sobre el mercado de Les Halles en París e indica cuál fue su función original y a qué se dedica actualmente.

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El texto informativo expone de forma ordenada y clara el contexto histórico y las características de cada estilo artístico.

Las imágenes de algunas obras representativas facilitan la comprensión de cada movimiento artístico y la relación con un periodo de la historia.

Se incluye una propuesta de trabajo sobre una obra para que los alumnos apliquen lo estudiado acerca de un estilo y lo relacionen con el contexto histórico de su época.

El cuaderno de El arte en la Historia Contemporánea finaliza con un glosario. Este recoge un listado de algunos de los términos artísticos fundamentales para facilitar la compren- sión del arte contemporáneo.

Glosario

Acrílica: Técnica pictórica que utiliza pinturas de origen plástico que se secan con facilidad y adquieren un tono mate.

Su estabilidad y resistencia permiten el añadido de otras capas ya pintadas. Su uso se asocia con el arte contemporáneo.

Arte abstracto: Estilo que no busca representar la realidad, sino explotar las cualidades estéticas del color, la forma y la materia. La obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, que busca expresar sentimientos. Suele considerarse a Wassily Kandinsky como uno de sus iniciadores, pero también destacan Paul Klee, Piet Mondrian, Jean Arp, Alexander Calder o Henry Moore, entre otros.

Arte Minimal: Término acuñado en 1965 por una revista para designar a una serie de obras que surgen como reacción al exceso pictórico y compositivo del Expresionismo abstracto. Se caracteriza por una obra innovadora de formas puras, geométricas, sin adornos, sin tema, poco expresivas, casi impersonales, que buscan el efecto de la luz sobre los materiales y el efecto espacial. Entre sus principales representantes están Frank Stella y Sol Lewitt.

Arte povera: Corriente artística que surge a finales de los años sesenta del siglo XX y que reacciona contra el arte tradicional, que se consideraba hecho con materiales nobles y con un sentido de exaltación de la belleza.

Bauhaus: Término alemán que significa «casa de la construcción» y que se refiere a un movimiento cultural y artístico que surgió en la primera escuela de diseño, arte y arquitectura del mundo. Esta escuela, la Bauhaus, fue creada en Weimar en 1919 por Walter Gropius. El programa de la Bauhaus unía el estudio de los oficios artesanos con la tecnología, el diseño con la producción y el arte con la ingeniería. Su meta era servir de instrumento para mejorar la sociedad a través del diseño, con productos duraderos, bellos y baratos. Creó los fundamentos para las formas estéticas de la arquitectura moderna y del diseño industrial, favoreciendo la producción en serie de sus objetos cotidianos funcionales. Fue clausurada en 1933 por las autoridades nazis, pero sus ideas se extendieron con gran éxito a Estados Unidos y al resto de Europa. Tras la Segunda Guerra Mundial, cuando Europa hubo de ser reconstruida, se emplearon las formas de la Bauhaus.

Boceto: Fase previa de realización o diseño de una obra artística.

Bodegón: Pintura que presenta en primer plano alimentos o flores junto a útiles diversos. Se denomina también naturaleza muerta.

Body Art: Corriente conceptual de los años sesenta del siglo XX en la que se trabaja el cuerpo como material plástico, se pinta, se ensucia, se calca, se tatúa. Suele realizarse como una performance.

Cartel: Medio publicitario que se encuentra en vallas, paredes, estadios o marquesinas. Se realiza en papel, cartón

o material plástico de gran tamaño y se caracteriza por la interrelación entre texto e imagen para definir el producto de manera viva y penetrante. A finales del siglo XIX, París fue la ciudad pionera en utilizarlos como elemento decorativo, con artistas como Toulouse-Lautrec.

Collage: Técnica pictórica en la que se mezclan materiales de uso cotidiano, como periódicos, cartones o plásticos…, combinados en ocasiones con la pintura, lo que permite que la propia realidad forme parte de la obra.

Colores primarios: Aquellos que no se pueden obtener mezclando otros colores. Son el rojo, el amarillo y el azul.

Colores secundarios: Aquellos que se obtienen mezclando los colores primarios.

Cómic: Viñetas que integran textos e imágenes y que se organizan sucesivamente para contar una historia. Los diálogos y pensamientos de los personajes aparecen en globos o bocadillos y las palabras del narrador en cartelas.

Cubismo: Movimiento artístico surgido en Francia a comienzos del siglo XX a partir de la obra Las señoritas de Avignon, pintada por Pablo Picasso en 1907. Se caracteriza por el uso de formas geométricas, la representación simultánea de las diferentes facetas de un objeto, la superposición de planos y el empleo del collage. Entre sus principales representantes se encuentran Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque. La influencia de la pintura cubista alcanzó las esculturas de Robert Delaunay y Marcel Duchamp y se hizo también visible en la arquitectura de Le Corbusier.

Dadaísmo: Movimiento artístico surgido en la segunda década del siglo XX, en un café de la ciudad suiza de Zúrich.

Rechaza los valores establecidos y se apoya en lo absurdo, el azar, la intuición y lo irracional. Promueve la libertad del individuo, la espontaneidad y la contradicción, y defiende el caos frente al orden establecido. Sus representantes proclaman el arte de la protesta y el escándalo. Entre los artistas más destacados se encuentran Marcel Duchamp, Max Ernst y Jean Arp.

Decoración orgánica: Tipo de ornamentación que tiene formas inspiradas en las producidas por la naturaleza, con predominio de la línea curva y el contorno irregular.

Diseño gráfico: Actividad que expresa mensajes gráficos a través de un lenguaje visual en campos diversos, como publicidad, libros, multimedia…

Eclecticismo: Mezcla de distintos estilos artísticos.

Estética: Sinónimo de belleza.

Expresionismo: Movimiento artístico que surgió en Europa en el primer tercio del siglo XX y que se caracteriza principalmente por la importancia concedida a la expresión de los sentimientos del artista. Se originó en Alemania, a partir del grupo Die Brücke (El Puente), creado por algunos artistas que se distinguían por la violencia y la fuerza del colorido y las formas, la abundancia de temas relacionados con el dolor, la miseria, el sexo y lo prohibido, y por el interés

concedido a tradiciones artísticas como el grabado en madera. Entre sus principales representantes se encuentran James Ensor, Edvard Munch y Emil Nolde.

Expresionismo abstracto: Corriente artística que fusiona la Abstracción y el Surrealismo. Surge en Estados Unidos hacia 1950, cuando los artistas rompen con la figuración y las influencias europeas para crear un estilo que refleje sus propias identidades artísticas. Entre los principales representantes se encuentran Jackson Pollock y Mark Rothko.

Fauvismo: Movimiento artístico que nació en París en 1905.

Se caracteriza por el empleo del color puro, la autonomía del color sobre la forma, la simplificación de los elementos plásticos y la búsqueda de la expresión libre del artista.

La crítica los llamó «fauves» (bestias) debido a las obras que presentaron un grupo de pintores, como Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck o Georges Braque en el Salón de Otoño de 1905.

Happening: Tendencia artística que rechaza el proceso tradicional de creación y lo sustituye por una manifestación colectiva en la que el público participa activamente y donde el resultado tiene igual importancia que el proceso. Entre sus integrantes destacan Vostell y Joseph Beuys.

Historicismo: Tendencia artística que surge a finales del siglo XVIII y que se inspira en estilos antiguos para crear otros nuevos llamados «neos», como el Neomudéjar, el Neogótico…

Impresionismo: Movimiento artístico que surgió en Francia a finales del siglo XIX. El nombre fue impuesto por un crítico de modo despectivo a raíz del cuadro de Claude Monet Impresión, sol naciente expuesto en la primera exposición independiente que organizaron estos artistas. Sus integrantes se caracterizan por pintar al aire libre, donde buscan la captación atmosférica del momento a través de la luz y los colores. Aplican el color en pequeñas manchas sueltas y brillantes; no mezclan los colores en la paleta, sino que la fusión se produce en la retina del espectador. Sus temas preferidos son el paisaje, los retratos y los bodegones.

Entre los pintores más sobresalientes se encuentran Édouard Manet, considerado uno de los precursores del movimiento, Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Camille Pissarro y Edgar Degas.

Informalismo: Corriente artística que surge hacia 1945 en Europa en paralelo con el Expresionismo abstracto, en el ambiente anímico de la posguerra. Defiende la expresividad con total libertad en cuanto al uso de la pintura y los materiales. En lugar de emplear el dibujo introduce signos y garabatos. Entre sus artistas destacan Pierre Soulages, Lucio Fontana, Martín Chirino, Antoni Tàpies y el grupo Cobra.

Land Art: Tendencia artística que se desarrolló a finales de los años sesenta del siglo XX y que tiene como materia prima la naturaleza: piedras, madera, arena, tierra, etc. El soporte material es el propio paisaje rural o urbano. Su técnica es

la instalación al aire libre. Muchas obras de esta corriente desaparecieron, ya que, al estar a la intemperie, sufrieron la erosión y el deterioro.

Modelado: Técnica escultórica que se realiza sobre materiales blandos, preferiblemente arcilla y yeso.

Modernismo: Estilo artístico desarrollado a finales del siglo XIX y principios del XX. Surge como reacción al Racionalismo.

La arquitectura se caracteriza por el uso de la línea sinuosa y las formas geométricas irregulares inspiradas en la naturaleza; el dinamismo y la ligereza del edificio gracias al uso del hierro en las columnas; y la libertad de formas en el exterior, donde se utilizan el mosaico, la piedra y el ladrillo, junto a nuevos materiales, como el vidrio y el hierro, que crean expresivas formas orgánicas. El arquitecto más representativo es Antonio Gaudí.

Naturaleza muerta: Bodegón.

Naturalismo: Corriente artística que trata de reproducir la realidad con fidelidad. Se suele utilizar como sinónimo de Realismo.

Neoclasicismo: Movimiento artístico surgido en Italia a mediados del siglo XVIII, como una reacción al Rococó.

Defiende la vuelta a los modelos clásicos grecolatinos.

En arquitectura se caracteriza por el empleo de los órdenes clásicos, el gusto por las plantas rectangulares y centralizadas, el abandono del decorativismo, la búsqueda de la pureza de las formas constructivas y el regreso de algunas tipologías romanas, como el arco de triunfo, las columnas conmemorativas y las puertas monumentales.

Algunos destacados arquitectos neoclásicos son Sabatini, Ventura Rodríguez y Juan de Villanueva. La escultura, también inspirada en el pasado grecolatino, se caracteriza por la preferencia por el mármol blanco sin policromar, el predominio de la serenidad y la sencillez de las líneas y el gusto por el desnudo y los temas mitológicos. Entre los principales escultores se encuentran Jean-Antoine Houdon, Bertel Thorvaldsen y Antonio Canova. La pintura se caracteriza por el predominio del dibujo frente al color, las composiciones calculadas y geométricas, las formas solemnes y la temática moralizante y ejemplarizante desde el punto de vista político y social, por lo que se representan héroes griegos y romanos y los grandes episodios de su tiempo. El máximo represente de esta pintura fue Jacques- Louis David, pero también se adhirieron en algún momento a este movimiento Anton Raphael Mengs, Jean Auguste Dominique Ingres, Francisco de Goya y Andrea Appiani.

Óleo: Técnica pictórica que mezcla los colores con aceite vegetal, que actúa como aglutinante, y que se aplica a distintas superficies, como el lienzo, la madera o un muro.

Su origen y difusión se debe a los talleres flamencos del siglo XV.

Op Art: También llamado arte óptico. Se trata de un movimiento de abstracción geométrica surgido en Estados Unidos a comienzos de los años sesenta del siglo XX, que

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El Rococó surgió en Francia a principios del siglo

XVIII y se prolongó durante todo el siglo. Era un esti- lo artístico vinculado a la aristocracia y a la alta burguesía; reflejaba sus formas de vida, sus gustos culturales y sociales y un estilo de vida que hacía de la diversión su eje principal. Plasmaba un mundo fes- tivo, delicado y despreocupado. En cierto modo, fue una reacción a la religiosidad barroca.

La arquitectura

La arquitectura tuvo estas características:

•    Formas puras y simples en el exterior. Frente a los grandiosos palacios e iglesias barrocos, las construcciones son más pequeñas y funcionales, como el Pequeño Trianón del Palacio de Versalles, edificado por Jacques Ange Gabriel.

•    Acumulación decorativa en el interior. Abun- dan las líneas curvas y la decoración fastuosa en techos y paredes, como se aprecia en el Salón Gas- parini del Palacio Real de Madrid. (1)

•    Influencia oriental. Se divulgó por Europa a tra- vés de la importación de las porcelanas chinas.

La pintura

La pintura rococó alcanzó gran desarrollo. El placer y la diversión fueron los temas centrales: fiestas campestres o galantes (3) , escenas amorosas, etc. La figura femenina está muy presente, como tal o como referencia mitológica.

Dominan los colores pastel claros y las formas suaves y curvilíneas. El paisaje adquiere, además, gran importancia.

Algunos de los artistas más representativos fueron Tiépolo, Canaletto, Mengs, Watteau, (3) Quentin de La Tour (2) , Reynolds y Fragonard.

La escultura

La escultura tuvo una importancia mucho menor que la arquitectura y la pintura. Encontró su máxima ex- presión en la porcelana (como la de Sèvres).

Las obras perdieron la solemnidad del Barroco, aunque se mantuvo el gusto por las composiciones complejas. Los motivos son sensuales, alegres y frí- volos o inspirados en la naturaleza. Destacaron Piga-

1 Un estilo aristocrático: el Rococó

1. Salón Gasparini del Palacio Real de Madrid.

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La pintura, fuente de información de la vida cotidiana

Peregrinación a la isla de Citera es una de las pinturas más conocidas de Jean-Antoine Watteau (1684-1721).

Representa a un grupo de jóvenes vestidos de forma elegante que han viajado hasta la isla de Citera, asociada a Afrodita, diosa del amor. Se trata de un tema repetido en siglos anteriores: la representación simbólica del jardín del amor. Watteau pintó una fiesta galante en una atmósfera teatral. Los personajes coquetean, escuchan música, pasean y gozan del momento en actitud amorosa.

Tras la Revolución francesa este tipo de obras fueron despreciadas por reflejar la vida indolente de la aristocracia.

DESCUBRE

1 INTERPRETA LA IMAGEN.

•   ¿A quiénes iban dirigidas las obras de este estilo artístico?

•   ¿Qué formas de vida refleja esta pintura? ¿Crees que se corresponden con las que tenía la aristocracia  en el siglo XVIII ? Justifica tu respuesta.

•   ¿Por qué después de la Revolución francesa la sociedad rechazó este estilo de pintura? ¿Qué valores  exaltó la revolución?

•   ¿Qué características del arte rococó se recogen en esta pintura?

2 USA LAS TIC.

•   Busca información acerca de otras obras realizadas por Jean-Antoine Watteau. 

¿Qué personajes representó en ellas?

La atmósfera idealizada refuerza la frivolidad de la escena.

Peregrinos

Pareja de enamorados 3. Peregrinación a la isla de Citera, obra de Jean-Antoine Watteau.

Afrodita, diosa

griega del amor

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