Indios y amerindios como cristianos nuevos y cristianos viejos de la Corte de la Muerte de Miguel de Carvajal. Sin embargo, este tipo de argumento no puede aplicarse a la Escena XIX Cortes de la muerte.
Rosario Castellanos and El eterno femenino
La farsa es una profunda y clara reflexión en la que demuestra cómo a lo largo de la historia la mujer ha sido un mito más que una realidad social o biológica. Castellanos hará un recorrido irónico y humorístico por la historia de la mujer en México, a través de una serie de personajes femeninos.
Rosario Castellanos y El eterno femenino
Literalmente, se manifiesta en el motivo de la historia oficial (generalmente falsa pero aceptada por la sociedad) y la historia real y oculta (exactamente lo contrario de la verbalización social). Castellanos básicamente realizó en El eterno feminino un análisis de la realidad de la mujer mexicana en ese momento.
The tragic hero in the Rodolfo Usigli and Elena Garro theater
En el transcurso de veinticinco siglos de historia del teatro occidental, la tragedia ha sido sin duda el género dramático que mayor prestigio ha gozado y ha sido considerado como el más noble y exaltado. Para abordar este tema dentro del contexto dramatúrgico mexicano, me interesa centrarme en la estrategia dramática utilizada por Usigli y Garro sobre el héroe trágico.
El héroe trágico en el teatro de Rodolfo Usigli y Elena Garro
Y es la acción del héroe la que constituye uno de los rasgos más distintivos de la forma trágica. Aunque la voluntad de los dioses puede jugar un papel importante en el destino del héroe, su desgracia se deriva de la comisión de un grave crimen. Los personajes trágicos de la tradición clásica no son víctimas pacientes de un destino adverso.
Sin embargo, según Usigli, el sacrificio de la vida puede ser el remedio.
Pilgrimage to Common Desertion
En 2013 estrenó su último trabajo, El pájaro de Chile, que corresponde a una tercera etapa de creación de un lenguaje más racional. Con El pájaro de Chile vuelve al principio «Cuando gano el premio 2003 empiezo a buscar otras formas de escritura que pueden ser muy sutiles y pasar desapercibidas, y finalmente con El pájaro de Chile decido volver atrás. escribir como al principio, es una cuestión de lenguaje". Hay nueve años entre estas dos obras, sin embargo, Amador Ausente y El pájaro de Chile tienen algunos rasgos en común, entre los que predomina el 'abandono común'.
El pájaro chileno es más reflexivo, más decidido, fruto de experimentar con distintos lenguajes escénicos.
Leyla Selman’s First Dramatic Cycle
Amador Ausente, del mismo año, se publicó en Santiago en noviembre y ganó el Premio Nacional de Dramaturgia 2003. La obra pertenece a una primera fase de la creación, es el momento en que Leyla Selman descubre la palabra teatral de forma casi automática. En Absent Amador, Selman aplica la intuición a la literatura, escribe sin sugerir nada, sin cuestionar.
La temática de esta primera escena va desde un teatro que aborda explícitamente un tema político controvertido hasta una obra que recrea a una figura icónica de la cultura chilena, Violeta Parra), una obra intertextual que combina las artes escénicas contemporáneas.
Peregrinaje al abandono ‘común’
Este artículo analiza estas dos obras a partir del abandono, tema recurrente en su obra, siempre relacionado con el amor como dolor, muerte y despojo.
El primer ciclo dramático de Leyla Selman
Selman ha optado por desarrollar su trabajo fuera de la capital, en Concepción junto a TeatroReconstrucción, grupo penquista fundado en 2005. Fue estrenada en Concepción bajo la dirección del autor en 2008 por la Compañía TeatroReconstrucción. Tanto el padre de Amador como los desaparecidos son el centro utópico de la vida de quienes aún los esperan.
En Absent Amador, Selman aplica la intuición a la literatura, escribe sin sugerir nada, sin cuestionar; en El pájaro de Chile es más reflexivo, más decidido, fruto de la experimentación con distintos lenguajes escénicos y de un proceso de escritura reflexivo.
Mestiza power by Conchi León, writer without borders
Dividimos este ensayo en cinco secciones: una breve reseña de los trabajos aparecidos en las dos últimas sobre la mujer en la dramaturgia mexicana. Los estudios feministas de la década de 1980 incluyen la participación de la mujer en la literatura. Sin embargo, desde la década de 1990 hasta la actualidad se ha producido un proceso de insubordinación de los excluidos.
El libro de Conchi León nos traslada a otras fronteras de la dramaturgia mexicana: el sur del país.
Mestiza Power, fragmentación de las violencias de género
Cuando ahondamos en ellos, lo primero que aparece suele ser confusión por parte del destinatario. Mestiza Power integra en el primer segmento el diálogo entre tres mujeres: Mestiza 1, Mestiza 2 y Mestiza 3. Estas mestizas nos introducen en el complejo campo de la violencia física, económica, laboral, institucional, de clase, étnica, etaria, educativa. el plano que se entrecruza en los cuerpos y vidas de estas mujeres.
La violencia doméstica proclamada por los personajes femeninos puede verse como otro acto descolonizador del silencio: nombrar equivale a liberación, no en el sentido de condena legal, sino de reconocimiento del yo (indignado) y del nosotros (cómplice).
Atisbos antropológicos en Mestiza Power
Migración, pobreza y otredad
En experiencias fragmentadas, el trabajo revela la inserción conflictiva de las mujeres mayas dentro de una sociedad de la ciudad que viola, rechaza y estereotipa la identidad indígena. Para las mujeres mayas, generalmente jóvenes, que migran a la ciudad, las oportunidades de trabajo asalariado están ligadas a los roles tradicionales asignados a las mujeres en el hogar, es decir, como sirvientas o sirvientas, denominadas peyorativamente en México como chacha. En Mestiza Power, Conchi señala que el abuso y la explotación que sufren las mujeres no es solo por ser pobres, sino también por ser indígenas.
En consecuencia, en lugar de trabajos asalariados, muchas prefieren dedicarse al comercio informal, como vendedoras, lo que les permite gozar de mayor autonomía (por ejemplo, en los horarios).
Cosmovisión maya
Esto mantiene el equilibrio entre los agricultores mayas y los señores de la montaña, dueños de la milpa, y por ende cura las enfermedades causadas por la falta de reciprocidad de parte de los campesinos. Sin embargo, la medicina tradicional sigue desempeñando un papel destacado en la atención de la salud. HIROSE LÓPEZ, Javier, La salud de la tierra: el orden natural en las prácticas ceremoniales y curativas de un médico tradicional maya.
El hombre como eje cósmico: concepciones de cuerpo y persona entre los mayas de la región Chenes, Campeche.
Salvador Távora Interview
En las décadas de 1960 y 1970, bajo la dictadura de Franco, comenzaron a aparecer en España una serie de grupos de teatro que compartían una actitud progresista que se manifestaba en la oposición al franquismo, con la carga política que suponía, y en la búsqueda de nuevas formas. para el escenario, lejos del teatro tradicional y escapista que se ha apoyado y fomentado en España a lo largo de los años. Aquí se encuentra el teatro de Salvador Távora y su grupo La Cuadra, quienes han continuado su carrera profesional desde el estreno de su primer espectáculo en 1972 hasta la actualidad. En la entrevista incluida en este trabajo, Salvador Távora expone sus ideas sobre el espectáculo teatral y comparte algunas de sus experiencias pasadas, especialmente las relacionadas con la puesta en escena de la novela de García Márquez Crónica de una muerte anunciada en 1990.
Entrevista a Salvador Távora
El Cerro del Águila, un barrio obrero de Sevilla, es el escenario de la infancia de Távora. Si en el marco de la escena he podido expresar un pensamiento con un gesto, una caricia o un silencio, no he tratado de escribirlo para convertirlo en palabra. Todas estas experiencias vitales, que acabamos de mencionar, nutren y forman parte de la propuesta escénica de Távora, cuyo teatro fue y sigue siendo fundamental en la cultura española.
Hay un proceso ya establecido desde que surge la idea inicial hasta que se hace realidad en el escenario.
El final que el público esperaba en una comedia era el casamiento de los personajes principales. Como señala el editor, su supresión restauraría la redondilla en los versículos 516-519. Utiliza con mucho éxito pasajes paralelos que ilustran sus explicaciones y ejemplifican el uso de los términos en cuestión en ese momento.
Otras referencias aparecen en el romance Fatest y altos cipreses recogidos en el Romancero general o en el canto decimosexto de la "Liga deshecha por la expulsión de los Mors en los Reinos de España", de Juan Vélez de Vasconcelos.
Vélez de Guevara, Rojas Zorrilla, Mira de Amescua, El pleito que puso al diablo el cura de Madrilejos,
La colaboración de tres estudiosos del Siglo de Oro español, Piedado Bolaños Donos (Universidad de Sevilla), Abraham Madroñal (CSIC Madrid-Universidad de Ginebra), y C. George Peal (California State University, Fullerton), ha dado como resultado una edición crítica de la comedia El pleito que se la dio al diablo un cura madrileño, escrita también con la colaboración de tres célebres genios Vélez de Guevara, Rojas Zorrill y Mira de Amescu. Vélez de Guevara, Rojas Zorrilla, Mira de Amescua, El traje dado al diablo por el cura de Madrilejos, Piedad Bolaños Donoso, Abraham Madroñal, C.
Vélez de Guevara, Rojas Zorrilla, Mira de Amescua, La denuncia que el cura de Madrilejo le hizo al diablo.
George Peale (eds.)
A través de documentos históricos, el lector advierte que los hechos narrados en la comedia no son fruto de una invención literaria, sino que responden a un caso real muy concreto, según indican los editores. Según los editores, el documento da noticias sobre la labor exorcista del sacerdote, su formación y los hechos que encontramos en la comedia -el exorcismo de La Rojela- a partir de la cual el sacerdote se hizo muy famoso. Aún en el estudio introductorio, los editores explican el argumento de la obra, así como algunas características que la distinguen.
Como ya hemos indicado, la datación de la obra también es objeto de análisis por parte de los investigadores que la proponen, con argumentos convincentes.
José Romera Castillo (ed.)
- Los creadores hablan de su propia obra
- La escena nacional
- Los premios teatrales
- Dramaturgia nacional
- Los teatros autonómicos
- La escena extranjera
- A modo de conclusión
Según el dramaturgo, en la dramaturgia del yo se cuestiona el principio fundamental de la imitación, pues la identidad ya no se fundamenta en el sujeto, sino en su relación con el mundo. El yo dramático que se expone al público no se da entero y acabado: surge en el acto mismo del anuncio y en su recepción. Para ilustrar esta base teórica, se centra en dos obras: Actos de juventud de La Tristura y En defensa de un teatro político-revolucionario de su autoría.
Prueba de ello serían las obras Over the rainbow, que aborda el abuso en la figura de una madre y su hija, o la Pornografía en la que aparece la relación sexual como vía de escape a la soledad.
Entrevista a Andrés Amorós a
Una de las cosas que hice mientras estuve a cargo de la CNTC fue crear la figura del director asociado. Se quedó con la ilusión de haber visto a otros profesionales del escenario colaborando con la CNTC. Que llegaron los prejuicios políticos y hubo quienes entendieron que era una privatización de KKTN.
Le parece adecuado que el repertorio de la CNTC fluctúe entre obras canónicas y obras alternativas al canon.
