Vanguardias Artísticas

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La reconciliación estética como consecuencia del desciframiento del carácter enigmático de la obra de arte en las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX en la Teoría Estética de Theodor Adorno

La reconciliación estética como consecuencia del desciframiento del carácter enigmático de la obra de arte en las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX en la Teoría Estética de Theodor Adorno

Resumen: El tema de investigación de este trabajo es la reconciliación estética como consecuencia del desciframiento del carácter enigmático de la obra de arte en la Teoría Estética de Theodor Adorno. Asimismo, la pregunta gira en torno a examinar en qué medida dicha reconciliación es posible. Por eso, es preciso indicar que tal desciframiento es la solución del carácter enigmático de la obra de arte; esto es, el porqué una obra de arte muestra algo a la vez que lo oculta. No obstante, tal desciframiento es un proceso que implica tres etapas donde será necesario analizar y distinguirlas, ya que, por separado, dan origen a cada uno de los capítulos de este trabajo. Así, en la primera etapa, será oportuno examinar los dos contextos de aparición del enigma. Por un lado, en la ‘teoría crítica’ de la Escuela de Frankfurt. Y, por otro, dentro de las vanguardias artísticas de la primera mitad del siglo XX. Mientras que en la segunda etapa, se estudian dos nociones de mimesis en relación a dos razones que le son inherentes a cada una de estas. En este sentido, la mimesis como adecuación es la manera en cómo se representa fiel e inmediatamente la realidad por medio de la obra de arte. En cambio, la mimesis como razón crítica es la dinámica reflexiva que se establece entre el sujeto y la realidad a través de, por ejemplo, un cuadro. Y con la tercera etapa se busca explicitar el desciframiento del enigma por medio del contenido de verdad de las obras de arte, el cual es entendido en un sentido estético; es decir, un proceder donde conjugan tanto la reflexión filosófica (por medio de conceptos) y la percepción artística (el primer contacto por medio de los sentidos) para configurar una verdad de índole crítica frente al caos moderno.

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Pedagogía estética y vanguardias artísticas

Pedagogía estética y vanguardias artísticas

Durante los primeros años del siglo XX se produjo en el ámbito artístico un movimiento de renovación estética que, con un marcado inte­ rés por innovar el estilo y una clara voluntad de introducir nuevos concep­ tos e ideas, dio lugar al nacimiento y expansión de las vanguardias artísticas. Aunque de procedencia europea, las mismas no tardarían en llegar a España por medio de una exposición celebrada en la Galería Dalmau de Barcelona (abril, 1912) que introdujo la obra de Metziner, Gris y Du­ champ en nuestro entorno [1]. Tanto es así que, a partir de esa fecha, se sucederían un sinfín de publicaciones, exposiciones y actividades que de­ notarían en todo momento, lo que se estaba gestando en el campo artísti­ co. Los trabajos de los uruguayos Rafael Barradas y Torres García, de Picasso o de las primeras obras de Dalí, son un buen ejemplo de ello.

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Dos miradas sobre la historia del arte. Las vanguardias artísticas entre Eric Hobsbawm y Walter Benjamin

Dos miradas sobre la historia del arte. Las vanguardias artísticas entre Eric Hobsbawm y Walter Benjamin

4 necesidad del anacronismo" para expresar "la exuberancia, la complejidad, la sobredeterminación de las imágenes" y a la obra de arte 6 como un objeto de tiempo complejo, impuro: "un extraordinario montaje de tiempos heterogéneos" en el que nociones fundamentales como estilo y época alcanzan una plasticidad que permite interrogar "los diferenciales de tiempo que operan en cada imagen" (2006, 2000: 15-21). Si bien la necesidad del anacronismo para la historia del arte es un problema cuya discusión excede el objetivo de este trabajo, la concepción compleja del tiempo y de un arte que se presenta como montaje de tiempos heterogéneos, es fundamental para entender tanto una pintura mural de Fra Angélico -el objeto del que parte Didi-Huberman para mostrar la policronía de las obras de arte-, como para dar cuenta de un fenómeno como el de las vanguardias, en las que esa policronía o montaje temporal, se observará, no sólo está presente en cada obra en particular sino también en la variedad y diversidad de programas artísticos que ellas representaron durante casi siete décadas del siglo XX, y especialmente en las denominadas vanguardias históricas, del primer cuarto del siglo. De allí que, más que replicar la propuesta de una historia anacrónica del arte al modo de Didi- Huberman, se recuperará su impulso de apelar a algunos planteos de Benjamin para volver sobre las vanguardias artísticas como caso.

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Las vanguardias artísticas a través de la serie Los Simpsons : un esbozo de análisis cualitativo y cuantitativo

Las vanguardias artísticas a través de la serie Los Simpsons : un esbozo de análisis cualitativo y cuantitativo

Sabemos que el arte siempre ha sido algo con lo que las personas han parodiado y lo seguirá haciendo. Pero Los Simpson han servido para algo más, con ellos se ha conseguido llevar obras clásicas al mundo de las masas. Algunas veces podemos apreciar sutiles apariciones de obras y otras veces son completamente obvias y visibles. Tanto los guionistas como los animadores de la serie han sabido encontrar la manera perfecta de introducir en el momento adecuado cada una de las referencias artísticas modernas de todo el mundo, pero sobre todo de la cultura estadounidense. Hay teorías que dicen que podría tratarse de una conspiración, como cuando se dice que la CIA financió la carrera de Jackson Pollock (1912-1956), ya que esta serie tiene una gran influencia a nivel mundial o simplemente se trata del amor que sienten los involucrados en crear la serie de animación por todo lo que tiene que ver con el arte.

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La poesía española e hispanoamericana en "Quaderns de poesia" (1935 1936): una revista catalana "antilocal, extrapatriótica, universal"

La poesía española e hispanoamericana en "Quaderns de poesia" (1935 1936): una revista catalana "antilocal, extrapatriótica, universal"

que parecían invitar a todo lo contrario, cinco poetas de edades diversas fundaron una revista de vida breve y exclusivamente dedicada al género de la poesía, en la compleja y apasionante Barcelona de preguerra. En el preciso año de 1935, Josep Vicenç Foix tenía 42 años y junto a Juan Ramón Masoliver había sido uno de los principales introductores de las vanguardias artísticas europeas en la cosmopolita cultura catalana; Tomàs Garcés, de 34 años, conta- ba con seis poemarios publicados y dos obras de prosa lírica; Marià Manent ya había nutrido, a sus 37 años, a la literatura catalana con numerosas traduccio- nes desde el inglés y el francés (Kipling, Chesterton, Keats o Perrault), además de cultivar la poesía y la crítica literaria; Carles Riba, nacido el mismo año que Foix, era en esos momentos catedrático de griego en la Fundació Bernat Met- ge, auspiciada por el político conservador Francesc Cambó, y profesor auxiliar de griego en la Universitat de Barcelona, además de haberse convertido, con la publicación de Estances en 1930, en la gran voz del post-simbolismo poético ca- talán del XX ; y por último, el más joven del grupo con 22 años, Joan Teixidor,

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Vanguardias  Institución y representación en el campo cultural

Vanguardias Institución y representación en el campo cultural

La crítica del lenguaje que Lyotard vislumbra a través de lo sublime en el arte posmoderno tiene su ancla- je en las vanguardias artísticas, que plantearon una toma de posición dentro del campo de producción cultural que se propuso indagar las formas tradicio- nales de presentar el objeto de arte. Breton plantea en su manifiesto de 1924: “Es indispensable instruir el proceso contra la actitud realista...se me revela con un aspecto hostil hacia todo vuelo intelectual y ético. Me causa repulsión porqué está constituida por una mezcla de mediocridad, odio y chata suficiencia. En la actualidad es ella, la que inspira esa multitud de libros ridículos, de obras insultantes. Gracias al periodismo, su poder se acrecienta de modo incesante, y así man- tiene en jaque a la ciencia y al arte, preocupándose por halagar a la opinión pública en sus más bajos ape- titos: una claridad que linda con la estulticia, una vida de perros.” 15

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4. Las vanguardias: tendencias y características. Ramón Gómez de la Serna. - Tema 4. Las vanguardias 2018

4. Las vanguardias: tendencias y características. Ramón Gómez de la Serna. - Tema 4. Las vanguardias 2018

Las resonancias de los movimientos europeos de vanguardia llegaron a España de manera dispersa, durante la segunda década del siglo, sobre todo a través de la labor divulgadora de Ramón Gómez de la Serna, quien desde revistas y tertulias actuó de embajador de las nuevas ideas estéticas. Conviene señalar algunos rasgos propios de la vanguardia española que la diferencian de la europea. Uno de ellos es la actitud menos radical y doctrinaria de los movimientos españoles, lo cual repercutió positivamente en la calidad de las producciones hispánicas. También se aprecia la influencia selectiva de las vanguardias, pues los españoles supieron escoger bien lo realmente valioso que aportaban las vanguardias en cuanto a renovación de la literatura. Por último, los españoles no renegaron del pasado ni de sus manifestaciones artísticas, sino que conciliaron la innovación propia de la vanguardia con la tradición anterior. Las corrientes europeas sufrirán una reelaboración hispánica y serán conocidas aquí con otros nombres.

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 “Irrupción y continuidad de las vanguardias latinoamericanas”

 “Irrupción y continuidad de las vanguardias latinoamericanas”

Una de las cuestiones que se plantean al respecto, y por las cuales se duda del valor de las manifestaciones artísticas, es porque se piensa o se argumenta que los artistas latinoamericanos no han sido creadores de matrices. Yo creo que si. Nosotros somos herederos de la cultura euro- pea, somos occidentales por derecho. No es algo que debamos, es que es así. El arte nuestro tiene elementos que ha tomado de las vanguardias históricas, pero esto es un proceso normal y natural. El ejemplo nos lo dan las mismas vanguardias europeas, que tuvieron como referente el arte del Africa negra. O simplemente qué pasa con la influencia que Picasso recibe del arte ibero o del románico. Picasso parte de Cezanne, y todos sabemos que es deudor de muchos otros artistas o tendencias, sin embargo es uno de las más grandes creadores de la Historia del arte. Picasso reelaboró, recodificó, transformó e hizo suyos los elementos que le interesaron, que le influyeron o le gustaron para crear su propio len- guaje. Hemos puesto de ejemplo a Picasso, porque nadie se atreverá a

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 “Irrupción y continuidad de las vanguardias latinoamericanas”

IRRUPCIÓN Y CONTINUIDAD DE LAS VANGUARDIAS LATINOAMERICANAS

Una de las cuestiones que se plantean al respecto, y por las cuales se duda del valor de las manifestaciones artísticas, es porque se piensa o se argumenta que los artistas latinoamericanos no han sido creadores de matrices. Yo creo que si. Nosotros somos herederos de la cultura euro- pea, somos occidentales por derecho. No es algo que debamos, es que es así. El arte nuestro tiene elementos que ha tomado de las vanguardias históricas, pero esto es un proceso normal y natural. El ejemplo nos lo dan las mismas vanguardias europeas, que tuvieron como referente el arte del Africa negra. O simplemente qué pasa con la influencia que Picasso recibe del arte ibero o del románico. Picasso parte de Cezanne, y todos sabemos que es deudor de muchos otros artistas o tendencias, sin embargo es uno de las más grandes creadores de la Historia del arte. Picasso reelaboró, recodificó, transformó e hizo suyos los elementos que le interesaron, que le influyeron o le gustaron para crear su propio len- guaje. Hemos puesto de ejemplo a Picasso, porque nadie se atreverá a

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El Cine Surrealista  Desde las Vanguardias hasta Michel Gondry

El Cine Surrealista Desde las Vanguardias hasta Michel Gondry

El objetivo principal de este trabajo es profundizar en el surrealismo cinematográfico, pues de las vanguardias históricas fue el movimiento que mayor repercusión tuvo en el cine. No obstante, cabe destacar que resulta un tanto complicado establecer una definición precisa que delimite los márgenes del cine surrealista, tanto por parte de los historiadores, como por parte de los propios artistas. Como más adelante mencionaré, una de las cuestiones de dicha dificultad es la existencia de múltiples contradicciones entre los integrantes que conforman este movimiento. Además aparecen aspectos en la filmografía dadaísta y cubista cuyas características, tradicionalmente, han resultado difíciles de separar del surrealismo y por ello suelen confundirse sus denominaciones. En realidad, el surrealismo es mucho más restrictivo de lo que el público en general suele considerar. De hecho, la cantidad de obras que pueden catalogarse estrictamente dentro del movimiento son más bien reducidas. Finalmente en este estudio pretendemos mostrar cómo el surrealismo ha seguido presente a lo largo de los siglos XX y XXI .

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Muertes dudosas y enfermedades epifánticas de las vanguardias

Muertes dudosas y enfermedades epifánticas de las vanguardias

No se trata de menoscabar los ímpetus de las primeras vanguardias, de relativizar, por ejemplo, la bruta sordidez de la obra de Otto Dix pintada durante y poco después de la Primera Guerra. La hilera yaciente de despojos del panel inferior del tríptico La guerra (1929-32) es horrorosa; pero difícilmente nos hará retroceder más atrás que las fotografías (mitad simulación, mitad realidad) de los cuerpos vendados, ensangrentados, mutilados de Rudolf Schwarzkogler de mediados de los 60; o que el puñado de miasmas que Gina Pane deja, por un buen rato, que le avancen por la cara en Control de la muerte (1974); o que los autorretratos de David Nebreda (1989-97) exhibiendo su delgadez caquéctica, el torso lacerado, las manchas fecales, el pene clausurado por agujas atravesadas en cruz, o que los documentos de Chris Burden haciéndose pegar un tiro en Shoot (1971). En el mismo sentido, la serie Asesinato por placer (1920-22) es indiscutiblemente revulsiva; y no únicamente por figuración de las prostitutas descuartizadas ferozmente que muestra, sino, como en todo lo que firma Dix, por la solución plástica que le ha dado (la de un extrañamiento conseguido, como dice Eva Karcher, por "paralelismo, contraste, reflejo, deformación, desproporción, unidos al cuidado y exactitud que ponía"); puede que uno de los primeros cuadros de esta serie, aquel en que Dix pintó su propio rostro en la cara del furioso asesino sea el más provocador; pero difícilmente supere la aversión del espectador ante los registros de Cita a ciegas presentados por John Duncan en 1980, en los que el artista mantiene relaciones sexuales con el cadáver de una mujer comprado en Tijuana y, seguidamente, pasa a un quirófano para ser vasectomizado para "quedar convencido de que mi última semilla fecunda quedó en ese cadáver". 6

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Las dimensiones del objeto de estudio de la educación artística universitaria . Sus áreas proyectuales: el proceso creativo y el proceso teórico

Las dimensiones del objeto de estudio de la educación artística universitaria . Sus áreas proyectuales: el proceso creativo y el proceso teórico

De la misma forma estimamos que, el texto artístico se presenta como una meta-objetualidad concreta de obtención cognitiva, para su transmisibilidad y aprendizaje, en una descripción acotada al campo de las artes ya que, como universo posible de análisis/población, manifiesta dimensiones de análisis viabilizando aunar entidades artísticas, compartiendo recursos y aprovechando la co-relación de comunidades e instituciones artísticas con historia y reconocimiento. Por lo tanto, al hablar de la Teoría de las Artes de lo que estamos discutiendo es de jerarquizar y categorizar las producciones artísticas en base a niveles de integración entre:

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5. Las vanguardias: tendencias y características. - Tema 5 Las vanguardias 2018def

5. Las vanguardias: tendencias y características. - Tema 5 Las vanguardias 2018def

Todos parten del rechazo frontal de las manifestaciones artísticas anteriores, especialmente de la literatura burguesa de raíces decimonónicas, tanto de inspiración realista como subjetivista. La creatividad y la originalidad se sitúan por encima de todo. Hay un evidente interés por la experimentación, por la búsqueda de temáticas sorprendentes y de nuevas y llamativas formas de expresión. Por último, también cabe señalar la intención puramente lúdica de muchos de estos movimientos. Los vanguardistas evitan el sentido trascendental; para ellos el arte no debe ser patético ni emotivo en exceso, no debe impregnarse de emociones humanas, debe ser algo autosuficiente. Esta idea entronca con el movimiento novecentista, como también la concepción minoritaria del arte, negado a los gustos burgueses y orientado a las minorías.

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Un efecto de las vanguardias

Un efecto de las vanguardias

El primer fracaso expuesto por Hobsbawm es de la "modernidad" como proyecto, en tanto su programa en el siglo XIX sostenía, en términos de Proudhon, que el arte debía ser "una expresión de los tiempos". El mismo historiador plantea la inexistencia de un consenso respecto del significado de ese imperativo, aunque concluye que muchos artistas acordaban que el siglo XX era "esencialmente una era-máquina..." y agrega que sin embargo "la mayoría de las respuestas a estos planteamientos eran triviales o retóricas" (1999:11-14). Si bien como el mismo autor plantea el problema de cómo las artes pueden ser "expresión de los tiempos" ya es de una enorme complejidad, lo que parece quedar claro en su exposición es que hay una sola manera de "expresar los tiempos", o por lo menos una que es la correcta. En cambio, si hay algo que muestra la diversidad –conflictiva– de las vanguardias, es que aquello no es posible. Diversos autores (entre ellos muchos presentes en otros artículos de este número) plantean esa diversidad, en relación por ejemplo con vanguardias que se constituyen especialmente en términos de críticas a un arte del pasado o incluso contemporáneo y otras que se plantean además como "constructivas" en tanto proponen un programa estético específico (H. Piñón en el prólogo de la Teoría de la vanguardia de Bürger por ejemplo). Son disímiles los modos de relación con el pasado y los grados de ruptura respecto de la tradición artística, e incluso se observan relaciones de compensación entre distintas vanguardias, dadas sus diversas acentuaciones sobre el problema de la especificidad del lenguaje plástico, el del arte como institución o el de las relaciones que debe tener con diversas series de la vida social. De allí que no sea posible plantear una relación punto a punto entre "los tiempos" y su posibilidad de "expresión". (Volver al texto)

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Acerca de las vanguardias  artísticas latinoamericanas: el caso de las revistas de Buenos Aires  y San Pablo en los años '20

Acerca de las vanguardias artísticas latinoamericanas: el caso de las revistas de Buenos Aires y San Pablo en los años '20

A través de las revistas y los manifiestos, entonces, las vanguardias del veinte intentan, tal cual lo mencio- nado anteriormente, establecer una oposición con el status quo cultural y, al mismo tiempo, renovar las ar- tes y los valores, instaurando una “nueva sensibilidad”. Para ello, uno de los puntos claves es el cuestiona- miento del lenguaje, la necesidad y el deseo de crear y afirmar un nuevo lenguaje o de renovar los lenguajes existentes. La discusión presente desde fines del siglo XIX en torno a la construcción de una identidad nacio- nal, es decir, en lo que respecta al proceso de norma- lización inherente a todo proceso de modernización, es retomada en otros términos por la vanguardia. Así pues, pensar la identidad nacional a la luz de un nuevo lenguaje y/o una nueva sensibilidad es, sin dudas, una forma de intervención en el espacio público que logra articular arte y política. La revisión del lenguaje, por otra parte, implica una reconfiguración de la relación que el país y sus letras tienen con los países desarro- llados y colonizadores, que es la de romper las cade- nas que anclan la identidad nacional a ese proceso de siglos y siglos, y, al mismo tiempo, situará al país al mismo nivel que los otros.

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Una función con móbiles y tentetiesos de Marcos Carías o la tensión entre modernidad y posmodernidad en la escritura narrativa

Una función con móbiles y tentetiesos de Marcos Carías o la tensión entre modernidad y posmodernidad en la escritura narrativa

A pesar de estos elogios la novela ha tenido y tiene pocos lectores (entre los más entusiastas los mismos escritores) cuando por sus méritos bien podría tenerlos a millares dentro y fuera del país. Aquí quiere volverse sobre esta novela para promover su lectura y para intentar comprender las bases de su estética. No precisamente explicar el que un texto artístico que logra ser una obra maestra no encuentre lectores, pero sí llamar la atención hacia ese balance contradictorio que se haya en el que quizás sea el experimento narrativo más osado de la literatura hondureña. Hacer ver esa situación paradójica en la que el impulso por alcanzar la comprensión intelectiva de la realidad en la obra de arte (impulso típico de las vanguardias artísticas heredero de la tradición de la modernidad), conduce a la producción de una imagen tan rica, heterogénea y compleja que tiende a diluirse como el sujeto mismo en esa realidad (como en los estilos en boga de la posmodernidad).

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Experiencias artísticas basadas en algunas vanguardias, apoyadas en lengua castellana en el grado 11º del colegio mayor de San Bartolomé

Experiencias artísticas basadas en algunas vanguardias, apoyadas en lengua castellana en el grado 11º del colegio mayor de San Bartolomé

En 1917 el escritor Apollinaire utilizó el termino Surrealismo en París para describir dos experiencias artísticas que había tenido, como en el Ballet de Jean Coteau con la obra denominada “Parade” y con la partitura de Eric Satie con decorados y vestuario de Pablo Picasso ; describiendo que “Aquella noche era una verdad más allá del realismo, una especie de sur-realismo” (Apollinaire) La siguiente experiencia fue su propia obra “Los pechos de Tirésias” denominándolo drama surrealista aunque estos ejemplos difieren del concepto que se tiene en la actualidad. Solo en 1924 en el Manifiesto Surrealista escrito por André Breton y Philipe Soupault dieron su nombre a esta nueva forma de expresión que se evidenció en pintura, poesía , prosa, escultura, fotografía, cine. En 1924 el actor y escritor Antonin Artaud publico el aforismo “El surrealismo no es un estilo es el grito de una mente que vuelve sobre sí misma” En 1919, Breton, Soupaulty Aragón fundaron la revista “Literatura” como símbolo de experimentación para una nueva vanguardia denominada surrealismo , con escritos como “los campos magnéticos” cuyos autores anotaban frases aleatoriamente a medida que se les ocurría.

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El artista mártir

El artista mártir

Asegura que las personas tenemos demasiado miedo al dolor, al sufrimiento, a la muerte y lo que hace Marina Abramovic es mostrar esos miedos y afrontarlos, en cierto modo, repetir el trauma del que hablaba Freud, porque esas acciones tienen un efecto catártico. Para ella la espiritualidad es muy importante, afirma usar la energía del público y de esos miedos, pues ella se considera como un espejo del público. 52 Para ella, la performance la componen el artista y el espectador juntos. Le da importancia a las sensaciones que recibe el público en el momento presente de la acción, muchas han sido brutales y desconcertantes para el público que asistía a ellas y en ocasiones ha tenido que finalizar cuando alguien intervenía contestando a su acción. Mediante estas prácticas masoquistas dolorosas y peligrosas crea su experimentación y exploración del cuerpo hasta el extremo. Presenta el cuerpo como vehículo social cuyas convicciones se respetan o se transgreden y el cuerpo como sujeto histórico. En 1970 y hasta 1976 crea una serie de performance, en la primera de ellas, Ritmo 10 (1973), cogiendo diferentes cuchillos y moviéndolos repetitivamente entre sus dedos, se crea heridas. En Ritmo 0 (1974) se deja maltratar por el público durante 6 horas, en las que la gente podía utilizar cualquier de los objetos que había expuestos junto a ella. Entre estos objetos había una cámara fotográfica, una pistola cargada, tijeras, un perfume, etc. Se trata de un experimento social, habla de la dominación de la gente cuando una persona se muestra vulnerable, y de cuanto puede llegar a afectar la respuesta de las personas. Vemos la influencia de la obra de Yoko Ono, Cut Piece (1965), en la que se entregaba vulnerable al público y la gente le cortaba trozos de vestido. En Ritmo 2 (1974) Abramovic altera sus músculos al tomar una serie de medicamentos para la esquizofrenia. Durante la acción, la artista era plenamente consciente de lo que estaba sucediendo, pero era incapaz de controlar los movimientos de su cuerpo. En el mismo año, realizó Ritmo 5, rozando el borde de la muerte. Después de cortarse las uñas y el pelo, se tumbó en una estrella de madera en llamas, y cuando el fuego consumió todo el oxígeno, la artista se desmayó. Una persona del público la rescató cuando las llamas empezaron a quemarle la pierna. En Lips of Thomas (1975) Abramovic se desnudó en una sala de un museo y maltratándose a sí misma, se dibujó en el vientre una estrella sangrante con una cuchilla, que simbolizaba el comunismo. En esa misma ocasión, conoció a Ulay, su futura pareja, también artista, que se ocupó de ella curándole las heridas. Con él compartía sus inquietudes artísticas. Estuvieron juntos doce años, cinco de los cuales vivieron en una furgoneta, viajando alrededor del mundo y

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La búsqueda de la modernidad en el Futurismo italiano  De Milán a la Città Nuova de Antonio Sant'Elia

La búsqueda de la modernidad en el Futurismo italiano De Milán a la Città Nuova de Antonio Sant'Elia

Dentro de la línea temática “Vanguardias históricas y política” hemos centrado el objeto de este estudio en las prácticas artísticas que se realizaron en Italia a principios del siglo XX bajo el movimiento del futurismo italiano, centrándonos básicamente en la búsqueda que estos autores, guiados por Marinetti, realizaron sobre la modernidad, una modernidad entendida a partir de sus parámetros futuristas, en los que las transformaciones de la ciudad y las novedades que nos ofrecen las nuevas industrias configurarán un nuevo modelo de sociedad, así como un nuevo modelo de arte al servicio de ésta. A lo largo de este estudio emprenderemos un camino que nos conducirá desde las transformaciones industriales que sufrió la ciudad de Milán durante los primeros años del siglo XX, hasta las propuestas arquitectónicas del grupo futurista, observando como se asimilan, teorizan, se absorben y se representan aquellos elementos que simbolizan la modernidad en la ciudad en los diversos campos de las artes.

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Las vanguardias  2

Las vanguardias  2

• Experimentación estética: se lleva al extremo este objetivo (ya presente en el Modernismo). Se juega con la fusión de las diversas disciplinas artísticas; el poema, de este modo, se convierte en objeto visual. También desaparecen los signos de puntuación, triunfa el verso libre... Destaca la interrelación de artes plásticas, cine, música y creación literaria (ej: el cubismo con Picasso y Apollinaire).

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