PDF superior Gilberto Owen, poeta viudo de la poesía

Gilberto Owen, poeta viudo de la poesía

Gilberto Owen, poeta viudo de la poesía

El 24 de octubre de 1925 el abate Henri Bremond dio ante las cinco Academias Francesas una conferencia que no tardó en desatar una polémica. Al año siguiente la conferencia “la poesía pura”, se publicó con otros textos en un libro que llevaba el mismo nombre. En su búsqueda de la esencia de la poesía Bremond formuló la siguiente afirmación: ‘Tout poème doit son caractere proprement poétique à la présence, au rayonnement, à l’action transformante et unifiante d’une réalité mystérieuse que nous appelons poésie pure’. En contra de los teóricos de ‘la poesía-razón’ el religioso sostiene que la pureza no es una propiedad de forma o de fondo que puede ser captada por el intelecto sino que constituye una corriente inefable y misteriosa que tiene que ser intuida. Se trata de una sustancia indefinible, un Absoluto que tiene un origen divino –una especie de gracia poética en el alma- y que después se transmite del estado inspirado del poeta al lector receptivo a través del poema. Al final de la conferencia se postula que cada arte en su autonomía comparte un origen y un destino con la plegaria. De hecho, en el mismo año de 1936 el abate publica otro libro con un título que delata sus anhelos, Prière et poésie, y en cuyas páginas se lee que “l’expériencie poétique est une expérience d’ordre mystique.”
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La poesía de Gilberto Owen como un sistema de coordenadas

La poesía de Gilberto Owen como un sistema de coordenadas

La noción de tiempo y el motivo de la caída circular (looping the loop) revelan la definitiva y fundamental influencia de la teoría de la relatividad en la poética de Gilberto Owen. Lo circular en relación con la caída es un moti- vo constante en la poesía de Owen. Esto tiene que ver con la física moderna. Para situar un evento en el espacio, esta ciencia prescinde de la existencia de puntos notables, provistos de nombres y situados sobre el cuerpo rígido al que se refiere la localización, en la descripción de lugares. Se prefiere usar sólo números o signos abstractos. La física experimental emplea el sistema de coordenadas cartesianas. Este sistema consta de tres paralelas rígidas, pla- nas, perpendiculares entre sí y ligadas a un cuerpo rígido. “El lugar de cual- quier suceso, referido al sistema de coordenadas, viene descrito (en esencia) por la especificación de la longitud de las tres verticales coordenadas ( X , Y , Z ) [...] que pueden trazarse desde el suceso hasta estas tres paredes”. 35
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Yo como como multiplicidad  Estudio de la poesía de León De Greiff y Gilberto Owen

Yo como como multiplicidad Estudio de la poesía de León De Greiff y Gilberto Owen

102 histórico del devenir poético latinoamericano. Si ambos autores irrumpen dentro de pequeños círculos de élite donde la poesía desempeña un papel asociado aún con ciertas prácticas de corrección civil de los sujetos sociales, poco a poco, en la medida en que los autores ganan su autonomía artística, se podrá ver que lo poético aunque gana en crítica a las convenciones sociales y estéticas ya ha cambiado sus funciones dentro de lo social. Desde esta perspectiva “Sindbad el varado” y El libro de relatos poseen dos puntos de vista que aunque contradictorios señalan un problema dentro de la historia literaria latinoamericana: en la medida en que el artista gana su autonomía artística, los procesos de cambios histórico- sociales parecen recluirlo a un campo cada vez más pequeño de incidencia social, a tal punto en que lo poético quedase reducido a una reflexión de sí mismo: un soliloquio. Lo interesante de estos autores es que ambos lo llevan a sus últimas consecuencias. LG como un viaje perpetuo, una aventura por la palabra de la que siempre hay un regreso pero hacia sí mismo. “Todos los viajes, todos mis viajes / son viajes de regreso” dice Harald el Obscuro. GO, por su parte, a través del marinero que, a pesar de su extravío, mantiene su actitud afirmativa en el viaje y parece sugerir que ese estado no es una condena sino que también hay una promesa de retorno. “Tal vez mañana / Tal vez” son los versos con que cierra “Sindbad el varado”. La poesía entonces para ambos autores está determinada por dos movimientos hasta cierto punto contradictorios: uno prospectivo que mira siempre en favor de la aventura y la exploración de nuevas formas poéticas, en busca del “individual hallazgo” otro, su complemento, retrospectivo, que lleva una mirada puesta en el pasado, como una huella de la que no se debiera olvidar, pues sin ella no habría entonces retorno.
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«La medida exacta de su luz»: Emily Dickinson y las «versiones a ojo» de Gilberto Owen

«La medida exacta de su luz»: Emily Dickinson y las «versiones a ojo» de Gilberto Owen

A juzgar por lo que escribe en otra carta, esta vez para Alfonso Reyes, la fascinación de Owen tiene su origen en una suerte de deferencia: «Quiero escribirle una carta muy larga sobre Emily Dickinson», le confiesa. «En diciembre es su centenario, y aquí pasará inadvertido. Yo tengo algunas traducciones y notas, que no he podido ordenar, sobre su sueño. ¿Cómo podría yo celebrarlo?» (1996: 276). Podría parecer, pues, que las ocho traducciones que Owen rescata de sus papeles neoyorkinos y publica tiempo des- pués en Colombia tienen el propósito de «cele- brar» la poesía de Dickinson, de darla a conocer en Hispanoamérica, o (como él mismo aduce en «Datos biográficos») de hacerla «resucitar [magnífica] en otro siglo» (1934b). Sin embargo, como muy pronto se adivina al leer las traduc- ciones, hay una doble intención por parte de Owen o, por decirlo de otro modo, una asimila- ción de poeta y traductor. Como apunta Alfredo Rosas, cuando Owen traduce a la neoinglesa
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El trazo de los otros: Jaime Torres Bodet y Elías Nandino frente a Contemporáneos

El trazo de los otros: Jaime Torres Bodet y Elías Nandino frente a Contemporáneos

La libertad entrañada en los rumbos literarios de los jóvenes pertene- cientes al grupo Contemporáneos –de los años veinte y treinta del siglo pasado– se aprecia como un momento cumbre de las letras mexicanas. Los integrantes de dicha generación “fueron acusados en su tiempo (en una de las polémicas más pasmosas de la crítica mexicana) de ejercer una literatura extranjerizante y ‘poco viril’, aunque han sido valorados luego como ejecutantes y disparadores de un canon renovador, sobre todo en lo que respecta a la poesía y ensayo modernos” (Toledo 226). La lista de nombres nunca ha sido unánime, no obstante de acuerdo con “la superficialidad del análisis de sus componentes, vistos sólo desde la poesía, incluye con cierta relatividad a Carlos Pellicer, Jaime Torres Bodet, José Gorostiza, Bernardo Ortiz de Montellano, Enrique González Rojo, Jorge Cuesta, Xavier Villaurrutia, Elías Nandino, Salvador Novo y Gilberto Owen” (Schneider 80). Para comprenderlos es fundamental saber que se congregaron alrededor de un proyecto cultural como lo fue la revista Contemporáneos (1928-1930) 1 , que les dio su nombre, pues “al acelerar la
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Cernuda y su dulce prosa atormentada

Cernuda y su dulce prosa atormentada

“El sarao” es un texto narrativo envuelto en una atmósfera poética. Tiene la dulzura y suavidad de un texto trabajado con parsimonia de artesano y al mismo tiempo la calidad tormentosa de la mano de un poeta romántico y mal- dito, o maldito y romántico, lo mismo da. Bécquer y Baudelaire se dan la mano en las páginas de este relato.

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Referencias de publicaciones

Referencias de publicaciones

Los temas –anota Eduardo Milán en el prólogo a este ensayo de Josu Lan- da– que un poeta sabe y no sabe –cómo, para qué, de qué manera, poesía y verdad, poesía y no-verdad, grados diferenciales entre géneros poéticos, vínculos entre poesía y mundo suprasensibles, mito y más allá, para lo cual Landa inventa un curioso neologismo: “metamito”– todos motivos latentes o evidentes según las épocas en la poesía de Occidente, son exhumados con maestría por Jose Landa. En un momento en que ciertos filósofos vuelven a pensar la poesía –Giorgio Agamben y Alain Badiou, sobre todo, quien recientemente escribió una revisión de Repúbli- ca– Josu Landa colabora iluminando una zona que habita la oscuridad del sobren- tendido entre poetas, lectores, extranjeros, habitantes en sueños de una República que parece cada vez más alejada en el tiempo de lo probable.
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La poesía en el aula de literatura: los poetas y el canon escolar

La poesía en el aula de literatura: los poetas y el canon escolar

trabajar en torno a este tema era “Yolleo”, de Oliverio Girondo, para dar cuenta de que el Yo dentro de una poesía es un aspecto constitutivo y que no necesariamente podía tener que ver con la expresión de la subjetividad del poeta. Por supuesto esa posibilidad no es descartada, pero eso no significa abordar la poesía acríticamente siempre desde el lugar de lo que quiso decir el poeta, porque sería obturar el texto en busca de posibles intencionalidades ocultas, o podría resultar el sometimiento de la lectura o la interpretación de esa lectura a la autoridad del texto como un acto de “sumisión” (Giroux y McLaren, 1998: 155), en lugar de poder hacer un proceso de comprensión crítica y transformadora, apropiándose del texto. De esta manera, se favorece al fenómeno de hegemonía de la figura del autor al que se refiere Bombini. Más adelante en la siguiente clase vamos a ver en la respuesta de uno de los chicos, cómo la figura del autor/poeta pesa en el imaginario que los estudiantes tienen sobre el canon escolar y sobre esos textos que son pertinentes para la escuela, eso que la escuela espera de los textos.
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Vicente Mojica y la vigilia de la poesía. Contra la consumación de un olvido historiográfico

Vicente Mojica y la vigilia de la poesía. Contra la consumación de un olvido historiográfico

Y esta tensión, como hemos visto, se pre- senta mediante varias formas y desde sus principios. Sus primeros poemarios –Llamada al corazón, Geografía del llanto y La paz nos esperaba, aquellos que componen la primera etapa (1958-1968)– inician esta línea estética menos reconocida. Por ejemplo, Llamada al corazón combina una primera parte destinada a la ternura de la amada, al hallazgo de Dios o al ambiente familiar del hijo y la amistad con una segunda parte gobernada por un tono rei- vindicativo y verdaderamente crudo. Hacemos hincapié en esta inflexión y en esta otra parte de la moneda de la vigilia porque, sin lugar a dudas, es un ámbito de la poesía de Mojica que no se ha estudiado. Aquello que dijimos más arriba acerca de leer en defensa propia (García, 2012) y la automatización de Vicen- te Mojica como un poeta netamente católico. De este modo, un poema como “Llamada a las conciencias” (Llamada al corazón) da el pis- toletazo de salida a esta tensión mediante el tema de la pobreza en la infancia: “niños igual de niños que nuestros propios hijos, / sin que nadie les vista ni les tienda una mano” (Mojica, 1990, 54).
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Pablo Neruda

Pablo Neruda

poesía absorbe de tal modo la vida del poeta, que puede continuar en la Universidad Se retira de ella, lo La.. que le trae.[r]

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Nicanor Parra en el territorio del lenguaje

Nicanor Parra en el territorio del lenguaje

El primer aspecto es el entronque de la poesía de Parra con la lengua culta, lo que resulta evidente: el poeta conoce su tradición, conoce la retórica de la poesía culta domina el alejan[r]

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La modernidad de Altazor : tradición y creacionismo

La modernidad de Altazor : tradición y creacionismo

Poeta fundacional, adánico, crea- cionista, Vicente Huidobro es, junto con César Vallejo y Pablo Neruda, uno de los más altos pilares de la poesía hispanoamericana contemporánea. Su Altazor oscila entre el Génesis y el Apocalipsis. Su infatigable labor como teórico y poeta del creacionismo lo rescata de esa otra faceta de su vida que muchos de sus contemporáneos siempre vieron como piedra de escán- dalo. En Altazor culmina su aventura creacionista. Utilizando los más varia- dos recursos: la incorporación de géneros como la épica, la tragedia, el idilio, el poema místico —en aras de una mayor precisión estructural—; y en cuanto a los registros verbales, no desdeña las posibilidades del monó - logo interior, del tono conversacional, la exposición narrativa en ocasiones, así como una abigarrada concen- tración de imágenes, símbolos, ale- gorías y metáforas inéditas.
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Distanciamiento y extrañeza en la obra de Alejandra Pizarnik

Distanciamiento y extrañeza en la obra de Alejandra Pizarnik

Si el fracaso del formalismo ruso y del estructuralismo en su afán de definir una “esencia de la literatura” (la literaturnost) o de hallar un modelo universal que fuera el modelo de todo texto posible ha dado lugar a la convicción de que cada texto busca las teorías desde las cuales sea posible pensarlo y cada teoría busca los textos en los cuales funcionar adecuadamente, será necesario entonces encontrar el lugar de esta escritura. La poesía de Pizarnik ocurre en sus palabras, sus frases, sus ritmos, sus metáforas de modo tal que a poco de recorrerla nos encontramos sumergidos en un lenguaje hermético, un mundo cerrado cuyas claves de apertura deben buscarse en su interior mismo. El trabajo de lectura y relectura, el retorno paciente sobre los textos será el que pueda descubrir algunas de las múltiples entradas que permiten recorrer su poesía con vocación de madriguera; el que nos permita “comprender” esta escritura, entendiendo esta comprensión no como un modo de acceso a un mensaje único ubicado en cierto centro laberínticamente labrado sino como pistas para ir buscando las entradas y salidas, diversas y ambivalentes, de las redes de sentido.
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Armando Uribe : una aproximación a su poética = Armando Uribe : an approximation to his poetic theory

Armando Uribe : una aproximación a su poética = Armando Uribe : an approximation to his poetic theory

Una clave para entender que el mensaje de los versos anteriores está teñido de ironía, la encontramos justamente en otros versos del mismo libro de fragmentos: “Mi voz no cesa de cantar, ¿acaso/ callaré aunque mis labios se desangren? (75). Aquí el sujeto vuelve a rescatar su sentido trascendente mediante la actividad creadora poética. Esto lo vemos en la actitud de eternidad otorgada a la ac- tividad. La voz que no cesa de cantar aun cuando se desangren los labios nos regala una imagen significativa y potente. En estos versos se descubre toda la intención de quietud en la permanencia temporal. El sujeto se asume poeta y, como tal, asume que no puede dejar de utilizar la palabra poética, como una condena. El hablante de cierta manera cree haber estado condenado a la poesía. Según nos cuenta en su libro Memorias para Cecilia, Roque Esteban Scarpa publicó en 1951 un artículo en el que daba a conocer al poeta Uribe, cuando este apenas tenía diecisiete años. Desde ese momento Uribe, recuerda, sintió que estaba obligado a seguir escribiendo de por vida, conde- nado a la poesía 9 . Esa condena Uribe la explica desde un punto de
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Simultaneidad de identidades: las máscaras de Yeats

Simultaneidad de identidades: las máscaras de Yeats

que arroje una luz inequívoca y absolutamente reveladora sobre la poesía de Yeats, o bien parte de Yeats el filósofo para llegar al poeta y su obrao Es por esto que A [r]

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El poeta en la Academia

El poeta en la Academia

que les dejan libres la inevitable participación en el ser- vicio público, el campo de batalla o el terreno parlamen- t a r i o , nuestras plumas tratan de encontrar los mejores significantes para el significado México, empobrecido y saqueado por propios y ajenos. Desde la fundación de la Academia en 1835 es palpable la orientación polí- tica, conservadora y clásica, de sus integrantes. De aque- l l o s ilustres fundadores, sólo dos eran poetas: Andrés Quintana Roo y Francisco Manuel Sánchez de Tagle. Un año después de la fundación de la Academia Mexicana, un grupo de muchachos funda, con el magro banquete de una piña azucarada, la Academia de Letrán. El más célebre de sus integrantes, un muchacho de dieciocho años llamado Guillermo Prieto, no ingresaría a la nues- tra, pero recibiría el testimonio de admiración de va r i o s académicos cuando en plena calle y en hombros de sus pares sus sienes fueron ornadas con un laurel de plata, que lo consagraba como el poeta más popular de México. Conforme se integra el mapa de la República letrada, se perfila también la orientación de los poetas que ingresan a la Academia. Hoy, muchos de ellos han sido injustamente olvidados, en un país donde al adversario vencido no se le concede su lugar en la Historia. “Los reaccionarios que al fin son mexicanos”, dijo Justo Si e r r a con su habitual sentido de la justicia. Una fórmula sim- p l e podría establecer que los poetas académicos son conservadores y aquellos que se mantienen al margen son liberales. Más complejo, por fortuna, es el pro b l e m a. Si la sátira fue una de las armas más poderosas del libe- ralismo, también lo fue de uno de los paladines conser- va d o res miembros de esta Academia, don Ignacio Agui- l ar y Marocho, autor del extenso y divertido poema “El marqués de Jueves Santo”, en que hace la relación del intento de Ignacio Comonfort y Juan José Baz por abrir a cañonazos las puertas de la Catedral, ante la negativa del obispo de dejar entrar a las autoridades de la que lla- maban plebe roja o canalla liberal. Escasamente es men- cionado como poeta Ignacio Mariscal, cuando su lugar en la Academia está más que merecido por su exc e l e n t e y temprana traducción de “El Cuervo” de Edgar Allan Poe; o José María Roa Bárcena, que tuvo el valor para ser
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Influencia de Oriente en la poesía de José Juan Tablada

Influencia de Oriente en la poesía de José Juan Tablada

José Juan Tablada fue un estudioso de la cultura oriental. En 1900 pudo viajar a Japón, en donde vivió durante tres meses; leyó los estudios más avanzados que en su época hizo Occidente sobre Oriente, venidos sobre todo de Francia e Inglaterra; se obsesionó a tal grado por esta cultura, que rodeó su espacio habitacional de elementos orientales, incluido en ocasiones, su vestuario; exaltó, desde cánones occidentales, a China y Japón en muchos de sus escritos ensayísticos y poéticos. Finalmente, y como coronación de su búsqueda, logró internarse en la estética de la poesía oriental, y producir desde allí sus “poemas sintéticos” y sus “disociaciones líricas”. Los primeros fueron publicados en 1919 con el título de Un día..., y los segundos, en 1922, con el de El jarro de flores.
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Globalización, cultura e identidad

Globalización, cultura e identidad

Giménez, Gilberto “ Identidades en globalización ”, en www.gimenez.com.mx 146 Giménez, Gilberto “ Cultura, identidad y metropolitanismo global ”, op.cit., p. Giménez, Gilberto, “ Iden[r]

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El poeta que conversa, el poeta que ironiza: conversacionalismo y humor en la poesía de Luis Rogelio Nogueras

El poeta que conversa, el poeta que ironiza: conversacionalismo y humor en la poesía de Luis Rogelio Nogueras

Encontramos que la trasformación del lenguaje vendría también con la transformación del poeta y con una inclusión distinta del lector. La enunciación se hacía desde una ubicación diferente a la de la poesía tradicional: el poeta de lo cotidiano acudía a una especie de “desjerarquización” y “despersonalización”, ahora hablaba desde cualquier lugar, se incluía en la colectividad y tomaba para sí la alteridad. Era entonces una poesía de vuelta a la calle, al mundo y al café. El poema “Arte Poética” de Nogueras nos muestra ese nuevo lugar, esa nueva forma y esa posición del poeta: “Ahora sé/ que trazar estas líneas/ no es sino la forma última de hacer la poesía/ el último acto del poema,/ la función de trasplantar la vida a la hoja./ La poesía empieza en todas partes/ y termina siempre en los papeles” (41). De estos versos se puede inferir que el mundo se sirve como un potente detonador de la creación poética: se podía hacer poesía del contexto circundante. También sugieren que existe una delgada línea entre quienes se dedicaban al oficio y quienes no. En lo conversacional el lector es un receptor que, dado lo cotidiano que se incluye en lo poético, tiene un contacto mediado por esa experiencia, que se ve reflejada en el poema. Consistentemente la distancia de ese lector cambia, es un co-jugador más cercano (Gadamer, 1991: 33).
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