1. Requerimientos de hardware y software
2. Justificación de la aplicación
2.1. Objetivos generales
2.2. Organización y distribución de los contenidos
2.3. Análisis de los contenidos
2.3.1 Estructura
Teatro Griego
Definición, Génesis y Orígenes de Teatro Función social, Hybris y Catarsis Actores, Espacio escénico y Vestuario De comedia, satíricos y de tragedia "Las troyanas" de Eurípides
Teatro Romano
El ocio en Roma, Teorías griega y etrusca Comedia, Mimo y Tragedia
Espacio, Diferencias con Grecia, Actores y Vestuario Plauto, Terencio y Séneca
"El eunuco" de Terencio
Teatro Medieval
Contexto histórico y orígenes Teatro profano y Teatro religioso Espacio escénico, Escenografía y Actores Anónimos
"El Auto de los Reyes Magos"
Teatro Inglés de los siglos XVI y XVII
Contexto histórico, Evolución y el Renacimiento Las moralidades, el drama histórico y las mascaradas Teatros y vestuario
Marlowe, Shakespeare y Ben Jonson Hamlet, de Shakespeare
Teatro Francés de los siglos XVI y XVII Contexto histórico y Renacimiento La tragedia, la comedia y otros géneros Espacio escénico, Escenografía y Vestuario Moliere, Racine y Corneille
Teatro Español de los siglos XVI y XVII Contexto histórico y Renacimiento
Tendencias italianas, clasicistas, religiosas y nacional Espacio escénico, Escenografía y Actores
Tirso, Lope y Calderón
El alcalde de Zalamea, de Calderón
Teatro del siglo XVIII El Rococó y el Neoclasicismo
La Ópera, el Drama y la Comedia de magia Actores, Escenografía y Teatros más importantes Francia, Italia y España
"El sí de las niñas" de Moratín
Glosario
Cronología general
2.4. Tratamiento de las actividades
2.4.1 Sistema de actividades: generalidades
2.4.2 Guía
2.5. Criterios de evaluación
1. Requerimientos de hardware y software
Hardware
Equipo mínimo recomendado:
Ordenador compatible 486 o superior
Un modem (para una mejor navegación se recomienda una velocidad de 28800 bps).
Línea de acceso a Internet.
Tarjeta de vídeo SVGA con profundidad de color a partir de 16 bits, aunque se ha
optimizado para el uso de 256 colores
Tarjeta de audio.
Resolución de pantalla:
Se ha intentado que la interfaz de la aplicación sea independiente de la configuración inicial
del equipo (la resolución mínima para cualquier sistema Windows es 640x480 y la ventana
principal de la aplicación encaja en ese tamaño). Se recomienda 16 bit s de profundidad de
color aunque se obtiene una calidad de trabajo aceptable con 256 colores.
Para cambiar la profundidad de color:
Inicio > Configuración > Panel de control > Pantalla > Configuración > Colores > A partir
de 16 bits.
Software
Requerimientos
Sistema operativo Microsoft Windows 95,98 o NT 4.0.
Navegadores: Netscape 4.0 o superior, Explorer 4.0 o superior
La aplicación que usted va a manejar requiere que su navegador soporte DHTML, y
JavaScript
En Netscape:
Netscape 4.0 o superior soporta DHTML
Para activar JavaScript:
En Internet Explorer:
Explorer 4.0 o superior soporta DHTML
Para activar JavaScript:
en Herramientas > Opciones de internet > Seguridad > Personalizar nivel. Donde pone
Java > Permisos de java, escoger "seguridad alta".
2. Justificación de la aplicación.
2.1 Objetivos generales.
La actividad dramática debe entenderse como un proceso artístico y, al igual que
cualquier experiencia en las artes, debe de ser contemplada como parte integrante del
curriculum educativo.
Según los planes de educación secundaria obligatoria y en atención a la diversidad
para ofrecer a todos los alumnos la posibilidad de desarrollar las mismas capacidades
siguiendo itinerarios diferentes de contenidos, hemos desarrollado la aplicación “Historia
del Teatro” bajo dos criterios:
-
Servir de base teórico - práctica a la asignatura optativa de “Taller de Teatro”.
En esta aplicación se estudian con carácter general: el personaje, el espacio, la
acción, el texto y el montaje, bajo la perspectiva de la evolución histórica del
teatro. Entendemos que no es posible comprender la obra aislándola de su
contexto histórico, por ejemplo, para representar una tragedia griega es
necesario conocer cual son sus elementos: relación coro-personajes, importancia
de las máscaras... De esta manera el alumno contará con una base suficiente para
enfrentarse al montaje y a la representación de cualquier obra, en los niveles que
estamos tratando.
-
Servir de complemento a la asignatura obligatoria de “Lengua y Literatura”. Los
temas dedicados al teatro en los programas oficiales pasan por alto los aspectos
“tridimensionales” intrínsecos a toda representación teatral, dándoles el mismo
tratamiento que a cualquier otra obra literaria. Pretendemos dar a conocer el
enfoque que dieron los al escribir sus obras, así como el espacio en que
representaron y el público al que iban dirigidas.
La aplicación puede usarse como herramienta de consulta o de estudio. El plan
general de la obra se estructura según una progresión histórica, analizando en cada uno de
estos capítulos los aspectos referidos al:
marco histórico,
los géneros desarrollados
los aspectos relacionados con la escena
Se analiza una obra concreta y se plantean una serie de actividades, punto en el que se
articula la diferencia entre el uso para la asignatura de taller o la de literatura. Estas
actividades constan de tres niveles, uno de los cuales es específico para la asignatura de
“Taller de Teatro”. Todo esto se explicará extensamente en el punto 2.4: “Tratamiento de
las actividades”.En atención a la diversidad, uno de los aspectos en los que más incide la
reforma educativa, hemos pretendido dar una visión más globalizadora del teatro, al menos
desde el punto de vista europeo, ampliando las propuestas escénicas y culturales más allá
del caso español. El nivel que planteamos está pensado para alumnos de 14 a 16 años, del
último ciclo de enseñanza secundaria.
Dado las pluralidades que presentan los siglos XIX y XX en cuanto a su estructura
no han sido incluidos en la plasmación al requerir un tratamiento aparte debido a su
extensión. La selección de los temas y el enfoque es por supuesto subjetiva de los autores,
tratando de dar una visión sencilla y completa a muchas de las cuestiones teatrales. Es
evidente que faltan otras muchas y alguno de los enfoques puede dar lugar a imprecisiones
históricas o literarias, la labor del profesor es aquí inestimable para por una lado renovar la
aplicación y para orientar a los alumnos. Uno de nuestros mayores handicaps a la hora de
realizar “Historia del Teatro” ha sido la preocupación por el nivel lingüístico de los
alumnos. Hemos incluido un pequeño glosario de términos, pero que con toda seguridad no
será suficiente.Para enriquecernos ofrecemos nuestras direcciones de E-mail para conversar
sobre reordenaciones pedagógicas y lingüísticas de los temas. (Por supuesto también
temáticas)
Miguel Gomez
[email protected]César Vallejo
[email protected]
Justificación pedagógica.
Historia del teatro
se justifica como una aplicación para:
1. Comprender el contexto que condiciona la creación de una obra teatral, atendiendo a
sus peculiaridades históricas, psico-sociales y culturales.
2. Conocer los principales rasgos de los periodos más significativos de la historia del
teatro, haciendo especial hincapié en el marco histórico en el que se desarrollan las
obras.
3. Interpretar los géneros que se dieron en cada etapa, identificando los elementos que
configuran su naturaleza artística, relacionanlos con una tradición cultural y
reconociendo los condicionantes sociales de su producción y recepción.
5. Conocer los autores y una selección de algunas de las obras más significativas de la
historia del teatro atendiendo a su carácter universal, su influjo literario, su calidad
artística y su vigencia actual.
6. Valorar la figura del actor estudiando su evolución a lo largo de la historia, desde las
primeras motivaciones religiosas hasta su concepción actual, pasando por las épocas de
desprestigio social, para fomentar una actitud abierta ante la profesión del actor.
7. Reflexionar sobre los distintos componentes del teatro para estimular la crítica abierta
hacia el hecho teatral, localizando y utilizando, en el caso de ser necesario, las fuentes
bibliográficas más adecuadas.
8. Fomentar la asistencia a las representaciones y espectáculos teatrales.
Justificación metodológica (“Taller de Teatro”).
Orientaciones generales.
La educación artística tiene la virtud de contrarrestar el énfasis abusivo que
se le da a las actividades de carácter intelectual y expresar y explorar el mundo
interior de cada alumno.
La actividad teatral requiere que el profesor reflexione sobre cual son sus
propósitos y, de acuerdo con ellos, elegir entre las diversas formas de realización
posibles las más adecuadas a las características de los participantes, el centro y la
ubicación.
En la forma de estructurar las sesiones de trabajo el profesor puede incluir la
aplicación “Historia del Teatro” como una forma de preceder a los momentos de
elaboración y expresión de la obra por él seleccionada.
Dentro de la secuencia estándar con la que se desarrolla la asignatura:
-
Juegos.
-
Improvisaciones.
-
Técnicas de representación.
-
Trabajos de investigación.
Organización de los contenidos.
-
Para enfrentarse a cualquier obra teatral se debe tener un conocimiento del
marco histórico en el que esta se escribió. De está forma es posible comprender
datos que facilitarán su montaje.
-
Las peculiaridades de las obras se desarrollan a través del conocimiento del
género al que pertenecen o al menos a su variedad temática. Las características
comunes que ayudan a relacionar unas obras con otras agilizan el montaje,
puesto que si conocemos un ejemplo, aunque no conozcamos la obra que
tenemos ya tenemos una sabe ideológica sobre la que partir, ya que conocemos
el género y el tiempo al que pertenecen.
-
El siguiente paso es conocer la escenotecnia de la época para poder adaptarla
por un lado a nuestras posibilidades y por otra para saber que elementos son
imprescindibles para la realización del montaje.
-
Finalmente el análisis de los autores más relevantes nos lleva a comprender los
detalles psicológicos que se expresan en las obras a montar.
Justificación del diseño
Las actuales demandas de creación de materiales Web como recursos educativos, nos
han obligado ha cuidar el diseño al máximo, actualmente no puede concebirse ninguna
aplicación educativa que no presente un diseño atractivo y sea funcional, está demostrado
que los pantallazos de texto son inaguantables para el alumno. Dentro de nuestras
posibilidades y siguiendo los principios de Antonio Fernández Coca, profesor de la
Universidad de la islas Baleares (http://fernadezcoca.com) hemos realizado la aplicación.
Entre los principios más destacados citamos:
-
Uso de colores agradables que permitan el trabajo durante un tiempo
continuado. (Nuestro caso gamas de grises, rojos y verdes claros)
-
Interactividad, con constantes referencias cronológicas y de glosario, así como
hacia otros temas, completadas con referencias visuales de imágenes relativas a
los temas.
-
Rango de edades (14-16) la aplicación debe de ser muy dinámica y divertida,
con continuos enganches de atención.
-
La información debe de estar condensada para evitar abuso de información.
-
El diseño es único y optimizado tanto para Nestcape como para Explorer,
presentando en ambas versiones el mismo comportamiento. Esto es una gran
ventaja a la hora de trabajar. También para evitar las manipulaciones del diseño
se ha optado por el método de trabajo de marco único sin posibilidad de reajuste.
Por ello se recomienda no maximizar la pantalla en Explorer
2. 2. Organización y distribución de los contenidos.
La aplicación se articula en capítulos cada uno de los cuales se divide en temas
según podemos ver en la siguiente imagen obtenida de la ayuda.
La pantalla mostrada es la pantalla principal desde la que se pueden acceder a lo diferentes
temas de estudio según vemos estos son:
-
Teatro griego
-
Teatro romano
-
Teatro medieval
-
Teatro Inglés de los siglos XVI y XVII
-
Teatro Francés de los siglos XVI y XVII
-
Teatro Español de los siglos XVI y XVII
-
Teatro del siglo XVIII
La cronología es de tipo general y se relacionan acontecimientos tanto históricos como
culturales de todas las épocas tratadas.
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El glosario presenta una fuente de términos que se usan en los capítulos y que no se
explican propiamente.
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Desde la pagina principal y desde todas las ellas es posible también acceder a un mapa del
sitio, donde de una forma muy dinámica podemos navegar por toda la estructura de la
aplicación.
Este es su icono
El sistema de Mapa del Sitio es simple basta pinchar en cada uno de los capítulos
que se muestran desarrollados o en cada uno de sus subcapitulos para ir directamente al
sitio marcado.
Cada uno de los capítulos a su vez se organiza divida en temas, dentro de cada tema
podemos tener subapartados, además se incluye en la parte superior derecha un marcador
para las imágenes del tema y la parte inferior derecha se reserva para datos añadidos al
tema bien sean los glosarios propios de cada periodo o sus cronologías.
Los temas que dividen a cada capitulo son siempre fijos estos son:
Marco histórico
Géneros
Escena
Autores
Obra Representativa
Actividades
Bibliografía
En marco histórico nos encontraremos con las referencias históricas y culturales que
posibilitaron el desarrollo del teatro en cada época.
En género hablamos de las diferencias temáticas que se producen en la épocas
En escena se desarrollan los aspectos más relevante del espacio teatral; como el
edificio, el vestuario, el atrezo, y también se hablan de los actores como entes de
trabajo.
En autores se analizan una selección de los autores más importantes de la época
En obra representativa se expresa una de las obras de mayor relevancia de la época y se
analizan los contextos históricos y culturales que la produjeron así como sus personajes.
En bibliografía algunas reseñas a otras paginas web de temáticas varias
El único punto que tiene una estructura de navegación diferente es Actividades pero
este punto será explicado de forma detallada en “Tratamiento de las Actividades”
2.3 Análisis de los contenidos.
Los contenidos pretenden dar una visión de la evolución del teatro y de sus
diferentes propuestas a lo largo de la historia. Esto se hace desde un prisma enfocado a
comprender mejor el teatro como arte. Creemos que esta comprensión pasa por entender los
contextos históricos que provocaron las génesis del teatro en sus diferentes épocas, por
entender las adaptaciones temáticas que estos provocan y el análisis evolutivo de la
escenotecnia y del actor. Por ello los contenidos pueden usarse de una forma global por
épocas o ir viendo los distintos cambios por capítulos. En el siguiente epígrafe se reflejan
todos los textos que aparecen en el CD. Recomendamos como libro de ampliación de los
contenidos “Historia del Teatro” de César Oliva y Francisco Monreal, de magnifica
sintesis.
2.3.1 Estructura
Teatro Griego
Marco histórico
Definición de teatro
Se pueden dar dos definiciones de teatro:
La primera, la más organizada y de estudio sistemático, es la que distingue "teatro" cuando:
A) Hay una obra escrita
B) Ésta es representada por actores.
C) Se representa en un medio formado por todos o algunos de estos elementos: auditorio, escenario, decorado, vestuario e iluminación.
Éste es el teatro "formal", en términos de Sófocles, Shakespeare y Miller; como un organismo muy complejo.
Pero además de esta consideración, está el que reconoce y diferencia "El teatro" de "Teatro". Teatro es todo acto de imitación. Este concepto nos hace retroceder hasta el hombre paleolítico, y más atrás aún. Esta clase de teatro, es tan simple y primitiva que se podría pensar que ni siquiera es teatro, sin embargo, para muchos estudiosos es la semilla del teatro.
Génesis del teatro
a) La imitación
Muchos psicólogos afirman que el hombre tiene una aptitud para la imitación. Es ésta, una aptitud muy fuerte, una aptitud tal que, bajo ciertas condiciones puede darle un placer peculiar. En realidad, sin la aptitud para la imitación, no serían posible siquiera los rudimentos de una educación.
Aún cuando el hombre tenga simplemente una aptitud para la imitación, el uso exitoso de esa aptitud, estimulado por las recompensas, lo prepara para practicar la imitación y disfrutar de ella. Puede gustarle imitar las cosas, y puede gustarle imitar el comportamiento de los otros seres humanos o de los animales. En un nivel más inferior, esto responde a la práctica infantil de jugar a ser alguien distinto. En un nivel algo superior esto ha llevado al hombre primitivo a crear las danzas y ceremonias mágicas y rituales. Los placeres de imitar y de observar las imitaciones realizadas por otros, han hecho que el hombre civilizado escribiera y representara obras teatrales y que se reuniera en multitudes para disfrutar del teatro.
b)La magia
El hombre es primero cazador. La magia comienza cuando el hombre baila antes de la caza. De algún modo cree que si imita a los animales que quiere matar, e imita sus muertes, las presas serán abundantes y la caza tendrá éxito. Primero en las imitaciones aparecen sólo los animales, luego también los cazadores. Esto abre el camino para movimientos de un mayor propósito y para una acción dramática.
Además de los rituales para controlar la naturaleza, los hombres comienzan a realizar otras, ya con cierto contenido místico: danzas al nacimiento, a la enfermedad, a la muerte, a las leyendas de los orígenes de su gente y a sus dioses. Para lograr el bienestar y la salud tratan de hacer volver a la tierra a los espíritus de sus antepasados, a quienes representan en las ceremonias. Al volver a representar las leyendas de su pasado y las historias de sus dioses, estos primitivos han ido más allá de las ideas primitivas y del drama primitivo de los cazadores y recolectores. Han fundado la religión y están desarrollando el teatro. Cuando un héroe puede convertirse en dios, sabemos que un hombre común puede convertirse en un espíritu inmortal. Y al contar las historias de los dioses, el hombre común se convierte en actor y, finalmente, en autor.
c)La danza
Para imitar el movimiento de los animales, el hombre debe imitar el ritmo inconsciente que tienen estos al moverse. El hombre usa la danza como lenguaje en numerosas ceremonias rituales, que son identificadas justamente como danzas: la Danza de la Serpiente, la Danza del Nacimiento...
En un principio todos los intérpretes de la tragedia griega eran bailarines que cantaban y declamaban, y aunque finalmente el coro quedó subordinado a los actores, sus danzas y sus cantos nunca fueron eliminados de la tragedia ática.
De forma genérica y siguiendo a Aristóteles, podemos decir que el teatro griego nace del Ditirambo o más específicamente de los solistas del Ditirambo. Siendo un poco más rigurosos y como se verá en el tema de géneros teatrales, la tragedia y la comedia tiene su origen en el Ditirambo, mientras que el drama satírico busca sus fuentes en las procesiones en honor de Fales.
El Ditirambo era un coro cantado por unos cincuenta hombres o niños y dirigido por un jefe. El contenido de los cánticos del Ditirambo era más lírico que dramático. En los Ditirambos se invita generalmente a los dioses a que descienden a la tierra para presenciar el canto del Coro, en que se va a agasajar muy particularmente a uno de esos dioses, Dionisos. Esto se realizaba durante las fiestas dionisíacas
Platón llamaba al Ditirambo el nacimiento de Dionisio. En este dios los griegos personificaban todas las fuerzas misteriosas, bienhechoras y aterradoras de la Naturaleza. Y tenía un fuerte sentido de sensualidad orgiástica y de fiesta.
En las grandes fiestas dionisicas, cantaba el Ditirambo. Comenzaba con una procesión en la que se traía la estatua de Dionisos desde Eleuteras.
El elemento característico del Ditirambo solía ser un ritornello lanzado como un grito por el Coro. Con estos gritos alternaba el canto del guía del Coro llamado exacorte o corifeo. En ellos se solía implorar ansiosamente la llegada de Dionisos.
El drama satírico surge a través de las procesiones en honor de Fales, en el que los oficiantes portaban como atributo distintivo un gran falo; aquí, no obstante, el falo sí constituirá un tema y un motivo para los dramas satíricos.
Géneros
Los géneros que cultivaron los griegos fueron tres:
El drama satírico, la tragedia y la comedia.
a) La tragedia
La tragedia nació en Grecia a finales del siglo VI, se desarrollo durante todo el siglo siguiente y desapareció hacia el año 406, tras la muerte de Sófocles y Eurípides. El origen de la tragedia griega es el siguiente: Durante las fiestas dionisicas que se celebraban en los teatros, los integrantes de los coros que formaban el ruidoso cortejo - que recordaba las andanzas del dios- se cubrían con pieles de machos cabríos, para simbolizar a los sátiros que siempre acompañaban a Dionisos. Los griegos llamaban " tragoi ' a las cabras de donde proviene la palabra tragedia.) El director del coro asumió posteriormente el papel de Dionisos y sostenía animados diálogos con los otros integrantes de la procesión, lo que originó los rudimentos de lo que podría llamarse una obra teatral. Tespis, músico y poeta griego del siglo VI a.C. considerado el padre de la tragedia griega, introdujo un actor que, durante los intervalos en que no actuaba el coro, dialogaba con el corifeo. Habiendo actor y diálogo, podía hablarse de espectáculo teatral propiamente dicho (534 a.C)
La estructura de la tragedia se caracteriza por la dualidad coro - personaje, fusionando lo lírico con lo dramático, a las partes habladas se sucedía los cantos del coro. Este coro es ya una evolución del Ditirambo, su número es mucho menor de 12 a 15 personas.
La tragedia es, pues, una representación dramática capaz de conmover y causar pena, y que tiene un desenlace funesto.
· Prólogo: Un personaje de relevancia que interviene desde fuera en la acción explica lo que va a ocurrir
· Parodos o canto primero de entrada del coro
· Episodios: que son las partes hablados generalmente de dos a cinco separados por los stasima o cantos del coro a modo de replica.
· La representación terminaba con el exodo, que incluía el desenlace de la ación y el canto de salida del coro.
b) La comedia
La comedia tuvo el mismo origen, los grupos que danzaban se mofaban de los espectadores, posteriormente aparecieron personajes que entablaban un dialogo y entretenían por medio de sus burlas y chanzas. La comedia griega tuvo un carácter cómico - grotesco y en ella se ridiculizaban las tendencias políticas, religiosas, filosóficas y literarias.
c) El drama satírico
Del drama satírico se sabe poco ya se han conservado tan solo unos pocos documentos; Los sabuesos de Sofocles, El ciclope de Euripides y algunos fragmentos de Esquilo. Se parece a la tragedia tanto en su estructura formal como en su temática de carácter mitológico. Pero se diferencia en la representación en la que se introduce la danza y en que el coro esta compuesto por sátiros, conducidos por Sileno. Podría decirse que una tragedia divertida. Los sátiros iban vestidos con pieles de cabra y personifican las fuerzas de la naturaleza particularmente las que conducen a la procreación.
Función social
Una característica que define la obra dramática, es que a través de ella siempre se presenta un conflicto humano, más o menos universal. Es decir, afecta a todos de una u otra forma. Por ejemplo: la guerra, el amor, el papel de la mujer en la sociedad, la injusticia, etcétera. En algunas obras dramáticas, dicho conflicto está representado por dos fuerzas que luchan entre sí, pero en otras, no hay dos polos opuestos tan claramente definidos. En la tragedia el héroe deja de ser un "modelo a seguir", para convertirse en un "objeto de crítica", y la función de los mitos que la tragedia retoma y remodela consiste en ser la expresión de una "época pasada", con unos patrones políticos caducos y obsoletos, que se muestra como "ajena" en relación con las actuales La tragedia permitía el encuentro con los límites de la condición humana y con las leyes que regulan tal condición en el contexto cívico, a la par que posibilitaba y fomentaba la unidad de los ciudadanos. Pero la tragedia no sólo reunía al pueblo, sino que también -sobre todo-, lo educaba (esto es, tenía una función pedagógica e identificadora -constructora de identidad social -, en la sociedad ateniense)
Hybris y catarsis
En todas las obras del teatro griego en mayor o menor medida se dan dos conceptos:
Hybris es la desmesura, la soberbia del héroe que cree poder desafiar al destino.
Catarsis es la liberación o cura de los males del espíritu gracias a las emociones provocadas por el arte, en este caso la obra teatral.
Escena
Actores
En un primer momento es el Ditirambo transformado en coro el que se encarga de representar las obras. A medida que las funciones de representación pasan del coro a los actores nace el teatro como lo conocemos hoy.
El coro coexiste con el actor y tiene las funciones de:
-Lanzar plegarias.
-Funciones de narrador en la acción: exponiéndola, anticipándose o comentándola. -Son los encargados de mediar con los Dioses
Los actores son los encargados de encarnar a los personajes mitológicos o históricos del teatro griego. Los griegos tienen muy clara la diferencia entre actor y personaje, así como la doble relación ente el personaje y su representación dramatizada. Recordemos que, hasta ese momento el griego sólo ha tenido acceso a un relato narrado y eso es importante porque son ellos los que dan el paso al teatro, es decir, de narración más acción.
La relación actor personaje no se establece en el principio de uno a uno sino que un mismo actor podía representar varios personajes en la misma obra.
Se dice que fue Tespis el que invento al primer actor, posteriormente cada uno de los grandes trágicos aumento su número: con Esquilo aparece el segundo actor (Deuteragonista) con Sófocles el tercero (Titragonista); Eurípides continua con tres actores e introduce uno más que no habla. Menandro en sus comedias da un gran salto y elimina al coro.
A medida que aumenta el número de actores aumenta también la acción de la obra y origina una separación del coro que cada vez tiene menos importancia.
Al separarse de la narración se muestra más objetivo y por lo tanto mas realista perdiendo por lo tanto su carácter ritual y religioso.
Los actores entraban a escena, por la izquierda si el personaje llegaba del campo y por la derecha si deseaban que llegara de la ciudad.
Los actores debían de conocer a la perfección el texto poético porque no había apuntadores. Eran todos varones lo que implicaba que los artistas tuvieran que interpretar roles femeninos, cosa que se llevaba a cabo recurriendo al cambio de traje, de atributos del personaje, de máscara con tez "morena" para los personajes masculinos, y "clara" para los femeninos y cambiando el tono de voz.
Espacio escénico
Teatros más importantes: Epidauro
En los inicios del género teatral las representaciones se realizaban en cualquier plaza pública, y tan sólo se instalaba provisionalmente una pequeña tienda (llamada skené) que los actores y miembros del coro usaban como vestidor.
Cuando el teatro se hizo más estable, lo primero que se construyó fue el sitio donde actuaba el coro: una pista circular llamada orquesta -"lugar donde se baila"- con un pequeño altar en el centro. Alrededor de la orquesta se ponían gradas de madera para el público.
Más adelante se escogía la ladera de una montaña para excavar en ella el graderío recubierto de piedra; tenía forma de abanico a fin de que todos los espectadores tuviesen una buena visión. La palabra teatro significa, precisamente, "lugar desde el cual se ve". Al espacio excavado en la montaña se le llama theatrón.
La skené se convirtió en un cuarto rectangular frente a la orquesta y, frente a esta, se construyó una plataforma también rectangular: el proscenio o "lugar frente a la skené", desde donde hablaban los actores. En un principio esa construcción era de madera y más tarde fue un sólido edificio de piedra, por último se construyeron tres o cuatro escalones que separaban la orquesta del escenario. De esta manera, los tres grupos que participaban en las obras quedaban separados en tres niveles diferentes:
-En el más bajo el coro; -En el intermedio, los actores;
-Y en el más alto (el techo de la skené), los dioses.
El coro entraba por uno de los dos pasillos situados entre el graderío y el proscenio; por su parte los actores salían de la skené hacia el proscenio, por una puerta central de la skené (posteriormente se añadieron dos puertas laterales).
Vestuario
La vestimenta variaba de acuerdo al personaje: así un rey vestía con hermosas túnicas rojas mientras que un protagonista desdichado y perseguido se lo reconocía por sus ropas oscuras.
El traje principal era el quitón o "traje de representación" un ropaje largo hasta los pies, apretado por un cinturón a la altura del pecho. Se utilizaba además la clámide, una capa corta que se cerraba con una hebilla sobre la espalda y el himatión, una capa larga, amplia y suelta, complementado con unos botines para los pies y también la máscara que representaba al personaje encarnado por el actor; los componentes del coro, unas doce personas, también llevaban máscaras.
Las mascaras, tenia una especie de bocina en la boca, destinada a aumentar la intensidad de la voz. Se llamaban carátulas. Primero hubo dos tipos de carátulas: una para la tragedia y otra para la comedia. La primera tenía expresión de espanto, la segunda, alegre. Estas dos máscaras se utilizan hoy en día como símbolo del teatro.
Mas adelante hubo varios tipos de carátulas: el héroe trágico, el esclavo intrigante, el orgulloso, el malhumorado.
Autores
Autores de comedia
En la comedia griega se distinguen tres periodos; el llamado de la comedia antigua, representado por Aristófanes, el de la comedia media, como periodo de transición y el de la comedia nueva, representado por Menandro. La característica principal de la comedia antigua es la introducción de la "parábasis" donde hacia la mitad de la representación el autor toma la palabra mediante la voz del coro, para intervenir sobre asuntos de la ciudad, realizando una critica social. La llamada comedia nueva suprime los ataques y ridiculizaciones personales, renunciando a compromisos sociales y, además suprime al coro. Se trata de una comedia que retrata el ambiente griego de la época, lo que se viene a llamar comedia de costumbres.
Aristófanes: (446-388 a.C.)dotado de un extraordinario ingenio y sentido del humor, se dedicó exclusivamente a la comedia. En sus obras, llenas de sátiras audaces, trató todos los problemas más notables de la vida pública de su tiempo. De las once comedias completas llegadas a nuestra época las mas famosas son 'Las ranas", " Las nubes" y "lisistrata". Fue también muy controvertido por su fuerte tendencia al ataque personal, en sus obras contra otros escritores y personajes de relieve cultural de la época, como Esquilo o Sócrates.
Menandro: Fue el más destaco de los representantes de la llamada comedia nueva. Hizo del amor su tema principal. La única obra completa que nos ha llegado es el Atrabiliario. Fue el creador de los prototipos que influiría en la comedia latina y en otros autores posteriores como Molière.
Autores satíricos
No hay autores que destaquen en la escritura del drama satírico de forma independiente ya que se sabe poco porque se han conservado tan solo unos pocos documentos; Los sabuesos de Sofocles, El cíclope de Eurípides y algunos fragmentos de Esquilo. Estos autores escribían sátiras como parte integrante de los concursos que se celebraban en honor de Dionisos y que estaban compuestas en una tetralogía, formada por tres tragedias relacionadas y un drama satírico final.
Autores de tragedia
Los tres grandes triunfadores del teatro de Dionisos o, al menos, los tres autores trágicos de los que conservamos obras completas, son Esquilo, Sófocles y Eurípides
Las obras trágicas eran compuestas por escrito, lo que permitía la corrección de las mismas, y presentadas previamente en concurso para su estreno durante las grandes fiestas.
Sófocles: (496 a 406 a.C. ) introdujo en la escena un tercer actor, relegó el coro a un segundo plano y perfeccionó la técnica dramática. Desempeñó importantes cargos públicos y fue muy estimado por los atenienses. Gran belleza poseen sus diálogos, en los que intercala algunas veces, pinceladas cómicas.
Escribió 123 tragedias de las que conocemos siete: "Edipo Rey"," Electra", "Ayax", "Antigona", "Edipo en Colona"," Las Traquinianas "y " Filóctetes".
Hizo mas movida la acción escénica.
Eurípides: ( 480 a 406 a. C) Fue un poeta culto que mantuvo amistad con los filósofos. Anaxagoras y Sócrates. Profundamente realista, sus obras se caracterizan por los complicados enredos, creando verdaderos dramas de intriga. De las 88 obras que escribió nos llegaron dieciocho, las principales fueron: "Alcestes", "Medea" ,"Hécuba," "Andrómaca" e " Ifigenia en Táuride.", " Las Bacantes" y "las troyanas"
Aumentó considerablemente el número de actores.
Obra representativa: Las Troyanas de Eurípides
Contexto
Eurípides escribe esta obra como alegato contra la guerra y cuestionando las intervenciones divinas.
Según la mitología griega, Atenea, Afrodita y Hera se enfrentaron en un concurso de belleza y eligieron como juez al mortal más bello. Este era Paris, cada una de ellas, le ofreció un presente si ganaba.
Afrodita los dones adivinatorios y una gran sabiduría de por vida, Hera ser poderoso e invencible en la batalla y Afrodita a la mujer más bella de la tierra. Esta era Helena, esposa de Menelao, rey de Esparta.
Paris eligió a Afrodita y obtuvo mediante la ayuda de Afrodita a Helena. Paris se llevo a Helena a Troya. Menelao decidió recuperar a Helena con la ayuda de Atenea. Además Menelao se alía con los griegos bajo el mando de Ulises.
La guerra tiene lugar y los troyanos son derrotados.
Personajes
Poseidón, dios del mar y protector de la ciudad de Troya.
Atenea, diosa de la ciencia y de la guerra, protectora de Atenas.
Hécuba, ex-reina de Troya, hecha prisionera, esclava de Ulises, esposa de Príamo, madre de Paris, Hector, Casandra, Polixena.
Coro, constituido por las mujeres troyanas supervivientes de la guerra.
Taltibio, heraldo y mensajero de los griegos.
Casandra, hija de Hécuba, esclava de Agamenón, tiene el don profético de la adivinación.
Andrómaca, viuda de Hector
Menelao, rey de Esparta.
Sinopsis
La guerra de troya ha terminado. En ella los griegos apoyaban al rey de Esparta en la lucha contra los troyanos.
Los griegos se alian con los espartanos para así librarse de una de sus mayores preocupaciones y el rey de Esparta se embarca en la guerra con el fin de recuperar a su esposa Helena.
Paris había raptado a Helena y se la había llevado a Troya.
La caida de Troya provoca una gran cantidad de muertos y la ciudad es saqueada y destruida quedando solo las mujeres y los ancianos como valuarte de la ciudad.
Entre las mujeres supervivientes estan Hécuba, reina de la ciudad y que es otorgada como esclava a Ulises, Casandra su hija, que se otorga como esclava a Agamenón y el Helena que será recuperada por su legítimo
marido Menelao que intentará vengarse. La reina Hécuba hace lo posible para defender a sus ciudadanos, pero aun así no consigue salvar al hijo de Andrómaca al cual por orden de Ulises matan arrojándole desde unas murallas para evitar que cuando crezca se vengue. Además Hécuba se entera por Andrómaca que su hija Polixena ha sido sacrificada en la tumba de Ulises. Helena la causante de la guerra consigue mediante sus encantos seducir a Melenao de nuevo salvando así su vida, la obra finaliza con la deportación de las mujeres a sus nuevos amos ahora como esclavas.
Teatro Romano
Marco histórico
El ocio en Roma
El origen del teatro romano, generalmente se ha supuesto como una continuación heredada del teatro griego. Muchos estudiosos, afirman que el teatro romano es una copia del teatro griego, que fue de una peor calidad y que terminó degradándose y que sería una de las razones por las que desaparecía en la época siguiente dado su carácter licencioso.
Para los romanos de pleno derecho, aquellos que habían nacido libres, sólo existían dos ocupaciones en la vida; el llamado tiempo de otium y el tiempo de negotium
Durante el tiempo de negotium (literalmente no otium), los ciudadanos se dedican a la política y a la guerra, cuando estos se detienen comienza el tiempo de otium. Fuera de Roma el otium se organiza a través de actividades placenteras como el cultivo de tierras, el aprendizaje cultural o los amigos. En la urbe, el tiempo de otium está organizado a través de los juegos o ludi.
Los juegos se dividen en ludi circenses y ludi scaenici. Los ludi circenses son anteriores a los juegos escénicos y ofrecen carreras de caballos, combates de animales y exhibiciones atléticas. Sólo, avanzado el imperio, asistiremos a combates de gladiadores y al martirio de los cristianos en la arena. El tiempo de otium va aumenta progresivamente durante los siglos de dominación romana llegando a 135 días con Marco Antonio y alcanzando 165 días al año en 354 d. C.
la plasticidad visual. También debido a itálico que la tendencia a la chanza, a lo grotesco y a lo mordaz, su teatro se verá impregnado de un fuerte sentido de fiesta y se desarrollaran muy pocas tragedias.
Las tendencias actuales concluyen en que el origen del teatro romano es una mezcla del teatro etrusco y del griego.
Teoría griega
Una de las teorías que explica la génesis del teatro romano, llamada teoría griega dice que Grecia al ser absorbida por la conquista romana sufre un periodo de mezcla cultural. Sin embargo, al contrario que en otras provincias romanas conquistadas, Grecia posee un sistema cultural muy desarrollado y a través fundamentalmente de los nuevos esclavos, se difunde la cultura griega. Muchos de ellos serán elegidos como preceptores.
Teoría etrusca
Se sabe a través de Tito Livio que los romanos hasta el año 364 ac de C sólo conocían los ludi circenses, pudiendo contemplar a los actores llegados de Etruria que danzaban al son de una flauta sin que mediara en ello, un texto cantado o acciones. Los romanos comenzarían imitándolo, introduciendo, burlas en versos improvisadas y produciéndose paso a paso una concordancia entre sus palabras y sus gestos.
Esto convergiría a lo que se conoce como satura, en la que se mezclan textos cantados y mimados sin una unidad argumental. Finalmente se le atribuye a Livio Andrónico la unión de los textos cantados por una pieza teatral.
Géneros
Comedia
Los romanos crearon varios tipos de comedías:
Comedia palliata: comedia latina de asunto griego. Recibía este nombre porque los actores se cubrían con el "pallium" o manto griego. La fabula palliata tenía una estructura formal tomada de sus modelos griegos.
Comedía togata: comedia sobre temas y personajes romanos. Los actores vestían la toga romana. Se produjo en cierto sentido una latinización de la comedia palliata que culmina cuando se ponen en escena tipos y costumbres de la vida cotidiana de Roma, surgiendo así la fábula togada.
Tampoco existió en Roma en los primeros tiempos una especialización de los dramaturgos en trágicos y cómicos. Los iniciadores del género, Livio Andrónico y Nevio, escribieron indistintamente obras de argumento trágico y cómico, sólo a partir de Plauto se observa una tendencia a ceñirse a uno de los géneros.
La comedia palliata está documentada en las obras de los dos grandes cómicos de los primeros siglos de la República: Plauto y Terencio.
La comedia dejó prácticamente de escribirse y representarse en el siglo I a. de C., ante la competencia del mimo que había ido evolucionando hacia un tipo de farsa licenciosa, con gran número de personajes y que llegó a ser extraordinariamente popular.
Aunque la mayor parte de las obras dramáticas que nos han llegado están basadas en originales griegos, sin embargo la libertad en el trabajo de adaptación es total. Los autores latinos no sólo introducen situaciones nuevas y referencias a su momento histórico, sino que también utilizan en una misma obra argumentos de distintos originales griegos e incluso escenas de autores distintos. Este procedimiento se conoce con el nombre de contaminatio y es particularmente visible en las comedias de Plauto y Terencio.
El desarrollo de la comedia literaria basada en originales griegos se vio mediatizado por la existencia desde antiguo de formas escénicas muy elementales (atelanas y mimo), pero profundamente arraigadas en el gusto popular.
Mimo
En el mimo inicialmente contribuía a partes iguales la acción corporal, junto con un texto que era cantado por los propios actores.
El mimo tiene parte de las características de la comedia atelana y podemos decir que es en realidad un género cómico que fue ganado durante el imperio romano cada vez más adeptos, convirtiéndose en un espectáculo de corte naturalista y con tintes groseros.
Al separarse el canto de la música, surgen las pantomimas donde un coro independiente es el encargado de recitar los versos cantados mientras que los actores se expresan de forma solo corporal y aquí si se introducen máscaras.
Además en las pantomimas se podían tratar temas tanto de corte cómico, como de corte trágico.
Tragedia
Se piensa generalmente que la tragedia no alcanzó nunca en Roma la popularidad que lograron la comedia y otras formas escénicas. Quizá la razón de esta opinión generalizada resida en que sólo nos quedan escasos fragmentos de las tragedias de la época republicana y su carácter retórico lo hace poco atractivo. Pero lo cierto es que la tragedia tuvo una larga vida en Roma; se siguió representando por espacio de más de doscientos años.
Dado este estado de cosas, resulta sorprendente que precisamente las únicas tragedias que se nos han conservado completas se sitúen en este período en el que su representación había caído en desuso.
El representante más destacado de la tragedia romana es Séneca.
Escena
Espacio escénico
Entre los teatros romanos el primero fue el teatro de Pompeyo, pero el más importante es el teatro de Marcelo, construido por Augusto.
Inicialmente al contrario que ocurre en el teatro griego, los romanos no tendrán un espacio fijo donde representar sus obras, realizándose las representaciones en tablados de madera. En cambio el circo contendrá desde el principio un espacio reservado para tal fin, siendo el coliseum de Roma su edificio más emblemático. A medida que los juegos escénicos cobraban mas importancia los romanos copiaron la distribución de los teatros griegos, que solamente modificaron en algunos detalles que aumentaran su espectacularidad.
Las tres partes principales de un teatro eran: la sala, auditorio o cavea de los latinos; la orchestra (7) y las edificaciones de la escena (literalmente en griego, tienda, o barraca, en latín scena).
Como la orchestra (7), espacio situado entre la cávea y la scena, de forma circular y de herradura en el teatro griego, semicircular en el teatro romano que se destinaba al coro en Grecia, era el germen del teatro, determinó también la forma de éste. El auditorio estaba dividido por hileras de asientos en forma de cuñas o cuneus (4) y también longitudinalmente por un pasillo o praecinctio (5).
La cavea (1) designa a la parte del teatro dotada de gradas y reservada a espectadores cuyo perímetro supera al semicírculo en el teatro griego y es semicircular en el teatro romano. Radialmente se estructura en sectores llamados cuneus (4). Los asientos de honor, en una o más filas, reservados a los sacerdotes y a los notables, situados inmediatamente alrededor de la orchestra (7) se denominan proedia. Las gradas situadas encima de los corredores laterales se denominan tribunal (6) y forman unos palcos a cada lado de la orchestra(7). El aditus maximus (8) eran grandes corredores de acceso lateral a la orchestra (7) abovedados por donde se accedía a las gradas senatoriales allí situadas.
La scanae es la parte del teatro formada por un conjunto de salas situadas al otro lado de la orchestra (7), reservadas a los actores para su actuación y para otras funciones teatrales (camerinos, espacio para las maquinarias, vestuarios, etc.) Comprende el proscenio (10), la scaenae frons (2), los parascenios, el hiposcenio y el postcaenium. El pulpitum (11) es la plataforma de madera delante del proscaenium (10) e incorporado a él, que avanzaba hacia la orchestra y en donde cantaban los coros.
Proscaenium (10): Cuerpo sobre elevado de la scena (2). Parte anterior de la escena donde declamaban los actores. Elementos estructurales pertenecientes al área de representación, comprendidos entre la scaena frons(2) al fondo y los apraescenios a los lados.
Valvae: Puertas del muro de la escena
Valvae regiae: (12)Puerta principal central del muro de escena Valvae hospitalia (13)Cada una de las dos puertas laterales. Versura (9) Cuerpo lateral de la scena, de diversos pisos.
Las obras cultas, por si fuera poco, no gozan del fervor popular con lo que desaparecen y lo que se escribe queda destinado a las lecturas de salón, creándose los odeones como lugares de tamaño reducido donde poder mostrar estas obras.
Diferencias escénicas entre Grecia y Roma
Las diferencias esenciales entre el teatro de tipo romano y el de tipo griego son las siguientes:
1º los teatros griegos se construyen directamente sobre una colina o ladera, mientras que los romanos podían ser construidos en llano, ya que eran capaces de utilizar bóvedas para levantar la estructura de las gradas. Eso no quiere decir que todos los teatros romanos se construyeran mediante una estructura de soporte; de hecho la mayor parte de los teatros construidos en época romana se siguieron haciendo al menos en parte y en las caveas inferiores a la griega, ya que lógicamente eran más baratos de realizar.
2° la escena griega está mucho más apartada del centro de la orchestra que la escena romana
3.° La orchestra griega tiene más extensión que la romana
4.° el proscaenium griego es casi dos veces más estrecho que el proscenio romano
5.° el proscaenium griego es casi dos veces más alto que el proscenio romano
6.° los corredores abovedados denominados aditus que dan acceso a la cavea son propios de los teatros de tipo romano; los teatros griegos tienen simplemente entre el proscaenium y las alas de la cavea grandes pasos descubiertos denominados parodos.
Actores, autores y público
En los espectáculos escénicos el público tomará tanto partido o más que los actores. Existen muchos testimonios de personajes cultos que se quejan del desorden, por otro lado, este publico es el mismo que acudía a los juegos circenses, así se comprende que le resulte difícil de prescindir de sus hábitos. No es de extrañar pues que Tiberio prohiba a sus senadores frecuentar los juegos escénicos.
La condición de los actores no inspiraba demasiado respeto; se trata de esclavos o de liberos.
Aunque eso si tenían una formación esmerada. Sin embargo, el trabajo era abundante pues por un decreto romano, todas ciudades debían de contar con un teatro, lo cual crea las primeras giras teatrales.
Los romanos, aun más que los griegos, separaron las atribuciones de los actores. Los griegos, habían tenido que dispensar a los coreautas de cantar mientras bailaban; desde entonces, limitables a gesticular mientras un corifeo más artista y menos fatigado cantaba las palabras. Tito Livio nos dice que en Roma los actores, para conservar su voz, sobre todo aquellos a quienes el pueblo pedía que salieran de nuevo, hacían cantar una parte de su papel por esclavos, lo cual les permitía reservar todas sus facultades para el solo o para el diálogo; de modo que al actor le ayudaba un artista de segundo orden que cantaba mientras él, para descansar la laringe, se limitaba a hacer ademanes ajustados al sentido de las palabras del cantor.
Las mujeres, que no figuraban ni en la tragedia ni en la comedia, fueron sin embargo admitidas como mimas (mime o mimulae), lo que constituyó un atractivo hasta entonces desconocido: los ejercicios en que tomaban parte consistían en danzas ejecutadas al son de los crótalos o de la flauta, o también en actitudes variadas acompañadas de palabras. Los actores romanos eran pues hombres y llevaban vistosas máscaras e indicaban el tipo de personaje que el actor representaba: joven o viejo, hombre o mujer, dios o héroe.
Los enanos y los monstruos eran muy solicitados para el teatro, tanto que se llegó a fabricar personajes apropiados colocando a los niños, desde muy tierna edad, en moldes que deformaban sus cuerpos.
Vestuario
En las paliatas se suele vestir imitar el modo de vestir griego y los personajes visten siguiendo el canon de:
Personajes masculinos: túnica y manto Personajes femeninos: quitón e himatión
En las togadas, se imponen las ropas romanas, los hombres llevan toga mientras que los esclavos llevan túnica, los personajes femeninos además llevan capa. Para los colores también existe una especie de convección; los jóvenes visten de amarillo, los ancianos de blanco, los esclavos de rojo...
Las máscaras reproducen los tipos griegos; se usa la máscara doble a fin de que el autor muestre al público la cara que conviene en cada momento. En la tragedia, se suele usar una especie de coturno alto, y zueco en la comedia, siguiendo los usos griegos.
Autores
Plauto
Se sabe que en su juventud trabajó en el entorno de compañías dramáticas donde pudo adquirir su conocimiento poco común de los aspectos técnicos y del repertorio tanto griego como romano.
Plauto es el primer poeta romano que se especializa en un sólo género literario; su contemporáneo Nevio, componen también poemas épicos.
En Plauto no encontramos alusión alguna al momento político, ni utilización satírica de cosas o personas relacionadas con el Estado: su elección es el género cómico que se acomoda a su talante jovial e inclinado a la risa fácil sin segundas intenciones.
Todas sus obras son palliatae, basadas en originales griegos de la "Comedia Nueva"; algunas de ellas son: Anfitrión, Los cautivos, Las tres monedas, El cartaginés, Comedia de la olla, Casina, Los asnos, Aulularia, Las Baquis, Curculio, Los Menecmos, El Soldado fanfarrón, El mercader, El Persa y La Cuerda.
En estas comedias se repiten con escasas variaciones tipos y situaciones, de forma que resulta difícil, por no decir imposible, establecer un criterio de clasificación; el único título que conviene a todas es el genérico de "comedia de enredo" con múltiples complicaciones y situaciones cómicas.
Maneja los modelos griegos con una absoluta libertad; no sólo mezcla fragmentos de distintas obras y de distintos autores griegos (la contaminatio, de la que Plauto hace un amplio uso), sino que además modifica el original cortando o añadiendo, insertando recursos cómicos típicamente itálicos, recreando situaciones con mayor fuerza cómica y, en definitiva, dando lugar a una comedia totalmente diferente, profundamente romana.
La finalidad última del teatro plautino es divertir: pretende conseguir un efecto cómico en cada escena, aunque para ello tenga que sacrificar la lógica interna de la acción. Para lograr el efecto cómico deseado no le importa al autor caer en contradicciones, anacronismos e incongruencias; la caracterización de los personajes es a veces extravagante y las situaciones se alargan frecuentemente más allá de lo verosímil.
También en el campo de la estructura formal se distancia Plauto de sus modelos griegos, creando una forma nueva de comedia con entidad propia. Desde Livio Andrónico el teatro romano concede mayor importancia a las partes cantadas que el teatro griego; Plauto acentúa esta tendencia, creando una comedia en la que la parte dialogada o recitada ocupa en la mayor parte de las obras sólo un tercio del total. Los cantica se enriquecen en su estructura y en su métrica; no sólo incluyen parlamentos y recitados al son de flauta, también se encuentran fragmentos melodramáticos (arias, solos, duos) interpretados con acompañamiento instrumental. Este carácter melodramático de las comedias de Plauto, unido a su lenguaje cotidiano y popular de gran fuerza cómica, les confiere un carácter propio e inconfundible.
Terencio
causa que desconocemos y en el transcurso del mismo, en circunstancias igualmente oscuras, falleció.
La corta carrera dramática de Terencio se extiende por espacio de seis años; entre el 166 y el 160 escribió seis comedias palliatas, cuyas fechas de estreno conocemos perfectamente. La mayor parte de sus comedias siguen originales griegos de Menandro, el más moderado y moral de los autores del Comedia Nueva. La relación de las comedias de Terencio según el orden de su representación es el siguiente:
"Andria", "La suegra" , "Heautontimoroumenos", "El eunuco", "Formión", "Los hermanos"
Como se puede observar, a diferencia de Plauto, el éxito de público no fue para Terencio algo inmediato, si bien cuando se produjo, en concreto con el Eunuco, éste fue rotundo. Pero no sólo tuvo que enfrentarse el poeta con la indiferencia y frialdad del público en sus primeras obras, sino que durante toda su corta carrera dramática tuvo que hacer frente a la crítica de otros poetas dramáticos y literatos. A defenderse de estos ataques consagró el poeta los prólogos de sus comedias, y en ello es totalmente original. El prólogo era un elemento fundamental en las obras dramáticas.
Después de la muerte de Plauto los gustos habían cambiado y los círculos literarios no aceptaban de buen grado la latinización de los originales griegos. Terencio se somete al gusto imperante y mantiene en sus comedias el ambiente griego. Huye deliberadamente del chiste fácil, de las tramas complicadas, del recurso a la caricatura, en definitiva de todo aquello que había conferido a las comedias de Plauto su peculiar estilo. En Terencio toda la comedia gira en torno a la caracterización de los personajes, las inconsecuencias y el contraste entre ellos es el medio escogido por el poeta para provocar la hilaridad, que siempre será moderada, más próxima a la sonrisa que a la abierta risa de Plauto. Quizá este sea unos de los puntos débiles de la obra de Terencio: sus obras son de una gran altura desde el punto de vista lingüístico, la caracterización psicológica de los personajes está lograda, pero el conjunto carece de fuerza cómica. La nota dominante de sus comedias no es la burla, sino más bien la piedad, la ternura y la melancolía.
Terencio pretende escribir obras de teatro de un elevado nivel artístico. Su lengua es de gran pureza y elegancia. En resumen, Terencio por sus conocimientos literarios, por sus gustos elevados, por su estilo elegante alejado de toda vulgaridad, es un representante cualificado de lo que en su época se llamó "humanitas".
Séneca
Durante los primeros años del principado de Augusto se confirma la tendencia a la desaparición de la tragedia y de otras formas de drama literario con pretensiones escénicas. Ya en gran parte del último siglo de la República se había constatado la ausencia de otras nuevas para su representación. Por otra parte, el paso del tiempo había dado lugar a cambios tanto en el estilo como en los gustos literarios, lo que hacía que las obras de los tragediógrafos republicanos parecieran cada vez más arcaicas y rudas a medida que pasaba el tiempo. El público romano, menos cultivado que el griego, mostraba preferencia por los espectáculos circenses y, dentro de los espectáculos escénicos, el mimo, las atelanas y las pantomimas sustituyeron a las obras dramáticas de mayor valor literario. De esta forma en el siglo I d. C. la tragedia se convierte en un ejercicio literario dedicado exclusivamente al recitado y la lectura en círculo literarios e intelectuales.
"fabulae coturnatae" más una "praetexta", atribuidas a Séneca el Filósofo (5-65 d. de C). De ese conjunto de obras, ocho son con toda seguridad de Séneca: Hércules furioso, Las troyanas, Las fenicias, Medea, Fedra, Edipo, Agamenón, Tiestes; una, Hércules eteo, es de atribución dudosa y la "praetexta", titulada Octavia, no puede ser de ninguna manera obra suya. No se sabe exactamente qué lugar ocupan cronológicamente las tragedias en el conjunto de la extensísima obra de Séneca. Generalmente se ha considerado que fueron escritas en su primera época, con anterioridad a la redacción de sus tratados filosóficos, pero lo cierto es que no hay ningún dato objetivo que corrobore dicha opinión.
En cuanto a la relación de las tragedias senequianas con sus originales griegos, hay que decir que Séneca sigue la práctica habitual en el teatro latino y mezcla distintas obras griegas en una misma tragedia. Utiliza en mayor medida como modelo las obras de Eurípides que la de los dos trágicos anteriores. Aunque sigue habitualmente las versiones tradicionales de los mitos, difiere notablemente en su tratamiento escénico; Séneca demuestra un gusto especial por los detalles truculentos, por la desmesura en la expresión de los sentimientos y pasiones que lo alejan de la tragedia clásica griega; sus personajes, cuyo análisis psicológico es riquísimo, tienen un código de valores morales radicalmente distinto al de los personajes de Eurípides. Su estilo es marcadamente retórico, caracterizado por la precisión y el laconismo que se expresa frecuentemente por medio de aforismos y sentencias. Las tragedias de Séneca no tuvieron gran influencia en su época, pero en cambio ejercieron un profundo influjo a partir del siglo XV en el teatro italiano e inglés.
Teatro Medieval
Marco histórico
Contexto histórico
La edad Media es un periodo muy extenso, desde el siglo V hasta el XV. Los eventos históricos que marcan el comienzo y término de tan largo período son: la caída del imperio romano de Occidente en el año 476 y la toma de Bizancio por los turcos en el año 1453. Con el advenimiento de la época medieval, podemos afirmar que surge el nacimiento de Europa; y con ello el establecimiento de diferentes naciones, lenguas, sistemas políticos y sociales. En definitiva, surge una nueva cultura que se diferencia de la cultura greco-romana del mundo antiguo y que busca su propia identidad.
La estructuración social medieval contempla 3 elementos: sacerdotes (clero), caballeros (nobles) y campesinos (siervos). El clero manejaba la cultura y la nobleza, las armas y la tierra. El régimen político, social y económico dominante fue el feudalismo. Durante el feudalismo la tierra era la única fuente de poder y su producto era para el noble, el campesino recibía una parte mínima de la cosecha, estos campesinos con el tiempo llegaron a perder hasta su libertad personal, quedando vinculados de por vida al feudo en el que habían nacido.
Orígenes
relevantes de la Biblia. En cuanto al lenguaje será un teatro caracterizado, en una primera etapa, por el latín, dado su carácter religioso. Sin embargo, al ir perdiendo su carácter religioso y salir el teatro de las iglesias a la calle, empezará a representarse en latín vulgar, terminado por representarse en la lengua romance del país en cuestión.
La única excepción será Alemania que permanecerá realizando teatro en latín hasta el siglo XVIII. En el resto se alternaran párrafos en latín y lengua romance. Estas representaciones, que tenían lugar dentro de las iglesias, en el coro o parte central de la nave, se fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a un tipo de teatro religioso que fue el teatro medieval por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo elementos profanos y cómicos a este tipo de representaciones y se permite que los laicos actúen en vez de los religiosos y, por razones de decoro, las obras terminan por abandonar las iglesias y comenzaron a representarse en lugares públicos: en los pórticos y atrios de las iglesias, plazas, calles y cementerios.
Géneros
Teatro profano
Existen tres teorías sobre la génesis del teatro profano medieval:
1. Por imitación de las comedias latinas.
Debido en gran medida a las traducciones de los clérigos de las obras griegas y romanas
2. Por evolución de los juglares y los mimos
La figura del mimo y juglar se desarrolla de forma especial durante el medievo. El juglar, que era un hombre espectáculo que recitaba, cantaba y baila, terminan al unirse con otros juglares representando e improvisando pequeñas piezas
3. Como desahogo de los temas religiosos.
Esta se considera la causa más probable, ya que era inevitable que ciertas representaciones causaran risa a un publico muy predispuesto para ello, así en las que se escenificaban voces de animales o celebraban alguna festividad, terminaban rompiendo la solemnidad del acto religioso.
Subgéneros:
El teatro profano comienza su desarrollo con pequeñas piezas con un gran carácter lúdico y crítico frente a la iglesia y al estado.
1. Sermon jocoso: se desarrolla en Francia y parodia los sermones y la lengua sagrada. Como ejemplo tenemos el Sermón de la santa morcilla.
3. Obras laicas de carácter moral: Tiene como central la muerte, en el un personaje vestido como ella habla a los demás personajes. La muerte y su representación es uno de los temas más recurrentes de la Edad Media
4. La evolución de estos tres subgéneros anteriores origina en España el paso y el entremés
y en Francia la farsa. En todas ellas se desarrolan personajes prototipos, con un marcado carácter irónico: son el viejo celoso, el marido burlado, la criada ingenua...y representa de forma caricaturesca a una parte de la sociedad de la época.
En los intermedios de las obras de carácter religioso se representaba el paso, el entremés o la farsa.
Teatro religioso
Los clérigos de la época vieron una forma muy buena en el teatro de instruir al pueblo sobre la religión. Concretamente en dos de los misterios esenciales de la religión cristiana la Resurrección de Cristo y la Encarnación. El inicio se debe buscar en el Domingo de Resurrección; durante toda la semana santa los clérigos mediante símbolos, como la colocación de paños en los altares había ido realizando las fases del calvario de Cristo. El domingo de Resurrección, un clérigo representaba al ángel y otros tres a las Marías que van al sepulcro, el ángel les informa que Cristo ha resucitado y que ya no deben buscarlo. Todos ellos entonan el Aleluya. Esta pequeña pieza denominada tropo va incrementándose en duración por los propios clérigos que son los encargos de desarrollarlas. Los textos se hacen cada vez más extensos, incluyendo gran variedad de diálogos y empiezan a incluir elementos profanos. Se permite entonces que algunos laicos participen en las obras y surge así un genero nuevo denominado Milagros que se basa en la vida de los Santos. En muchos casos perdían su carácter religioso si exceptuamos el final, en el que la Virgen o algún Santo obraban un milagro y solucionaban el problema planteado en la obra.. En Inglaterra reciben el nombre de miracle-play y uno de los más importantes es el Milagro de San Nicolás. Aquí se va a desarrollar una variante denominada laudes umbrianas, en las que el dramatismo llegaba hasta el punto de que los participantes se flagelaban en publico para desagraviar a Dios y a la Virgen, En Francia se va un paso más allá y las obras se extienden considerablemente denominándose Misterios y siendo exclusivamente de contenido religioso pero solo en principio por que también los temas profanos se camuflaran en ellas. Quizá uno de los mayores misterios sea el misterio de la Pasión de Arnoul Geban y de Jean Michel, que cuenta con mas de doscientos personajes y 35000 versos. Después de Francia, Inglaterra y Alemania se sumaran a este desarrollo.
Escena
Espacio escénico
El espacio escénico inicial donde se representaban las obras era el interior del templo. El lugar más común de la acción solía ser el coro, destinándose las arcadas conventuales o las naves para las procesiones y cortejos.
De ahí, a medida que el teatro se iba haciendo cada vez más laico, se abandona el interior del templo y se da paso a las representaciones en los pórticos de las iglesias y catedrales. Finalmente se representan en las plazas, preferentemente y en los patios, claustros...
