ESCULTURA XIX Y XX
ANTONIO CANOVA. PAULINA BONAPARTE 1807 Neoclásico
La figura, esculpida en mármol blanco perfectamente pulimentado, cubre ligeramente su desnudez. Se encuentra reclinada en un triclinium y de ella emana una gran sensualidad. La manzana que tiene en su mano alude al premio que Venus recibió de Paris al vencer por su belleza a otras diosas. El artista logra un perfecto equilibrio entre realismo e idealización y resume magistralmente los ideales del neoclasicismo en cuanto a la pureza de las formas y al equilibrio.
Conciliación entre la belleza clásica y el retrato realista Interpretación /función y significado:
Remite a la época helenística, usa un lenguaje sensual y da importancia a los múltiples puntos de vista
LA MARSELLESA O LA MARCHA DE LOS VOLUNTARIOS DE 1792. 1833-1836. FRANÇOIS RUDÉ. ARCO DE LA ESTRELLA, PARÍS.
Talla en piedra calcárea en alto relieve
Composición: guerrilleros esculpidos a la manera de ejércitos de antigüedad y situados en la parte inferior del relieve que obedecen a Belona (divinidad romana)
El gesto de la diosa recuerda a la de la libertad guiando al pueblo de Delacroix Rude se inspira en este cuadro
Diagonales características del romanticismo pictórico: 1. alas diosa
2. figura de la diosa (brazo/pierna izquierda) parece moverse 3. brazo derecho del guerrero y pierna izquierda del joven desnudo
Sensación de “in crecendo” llegar al punto álgido
Las figuras forman un conjunto cerrado y se entrelazan estableciendo simetrías unas con otras a través de la repetición de gestos (brazos diosa, guerrero /piernas guerrero desnudas). Movimiento ascendente y hacia la izquierda. Rude narra a los guerreros que iban a defender la república del 1792 y, además simboliza un pueblo en lucha por su independencia
Estilo: Rude combina el neoclasicismo napoleónico con el fervor romántico. La inspiración clásica es evidente en la figura del guerrero (evoca a los griegos). Sentimiento patriótico, pasión, gestos grandilocuentes…típicos del romanticismo
Muchos críticos aseguran que esta obra y la libertad guiando al pueblo significan lo mismo
Rude consiguió dotarla de vida (su padre fue voluntario en 1792. En la monarquía de Luís Felipe de Orleans se realiza el conjunto. Rude había proyectado 4 relieves de los que se conserva los bocetos. En un principio no fue muy bien acogida su obra por los academicistas. Función y finalidad es claramente patriótica, política, propagandística y conmemorativa de un hecho histórico.
AUGUSTE RODIN. MONUMENTO A LOS BURGUESES DE CALAIS,
1884-1895.
Sus bases serán el renacimiento italiano (Miguel Ángel) y el arte antiguo. Horror por el academicismo e interés por la naturaleza humana.
Se trata de un encargo de la ciudad de Calais para conmemorar el 500 aniversario de la liberación de los ingleses.
Concibe la obra como un grupo de seis héroes unidos por una cuerda que descansan sobre una base común. El proyecto no gustó en Calais pero él sigue creándolo y finalmente se inaugura en Calais en 1895.
Análisis de la obra:
Se representa a Eustache de Sanit-Pierre (el más rico de los burgueses) que es el más anciano acompañado de otros con grandes fortunas como Jean d’Aire,… cada uno se identifica por su edad y gestos diferenciados. Todos aparecen descalzos, sin camisa, con la cabeza al descubierto y con cuerdas al cuello y7 las llaves de Calais en la mano. Se aprecia la humillación que pasaron, el dolor y la angustia. En sí Rodin representa el espíritu de sacrificio de los franceses. Todas las figuras tienen gran realismo y expresividad
Es un episodio intenso, dramático donde los gestos de los personajes demuestran cómo se debieron sentir (uno mira hacia arriba desafiando) otro tiene un gesto triste ante la muerte y necesita el apoyo de su compañero. Otro, deseperación con las manos en la cabeza. Todos avanzan hacia el cortejo fúnebre donde se les daría muerte, aunque la intervención de la reina Felipa (esposa de Eduardo III) hizo que no se cumpliera.
Rodin fue criticado por los academicistas en el planteamiento del conjunto de gran libertad expresiva. La consideraban una excentricidad al no estar pulido, al no seguir las normas establecidas.
Rodin expondrá en varios salones internacionales a partir de 1900 y tendrá gran éxito.
EL PROFETA DE PABLO GARGALLO, 1933. MUSEO PROVINCIAL DE ZARAGOZA
Nació en Maella (ZGZ) y se trasladaron a Barcelona en 1888. Fue asiduo contertulio de "Els quatre gats" y participó de la estética modernista. En un primer viaje a París le impresionó el trabajo de Rodin y se encontró con Picasso. Su obra de madurez se produjo en dos vertientes. Una de ellas siguió la orientación cultural y artística del modernismo y la otra le condujo a la innovación de la escultura incorporando nuevos materiales como el hierro, el plomo y el cobre.
Análisis formal:
Es una silueta figurativa y ampulosamente expresionista con ademán arengador y admonitorio del brazo levantado derecho y rostro de vociferante boca abierta. Sostiene un cayado en al mano izquierda. Sus piernas robustas y pies asentados firmemente en el suelo. Mantiene una apariencia desmesuradamente histriónica (teatral) y solemne, enfatizada por su monumentalidad (2,35 metros).
Esta escultura fue trabajada en yeso y no se fundió en bronce hasta después de la muerte del artista, según parece por falta de recursos económicos. Se considera su obra más relevante, cuyo diseño fue preparado durante muchos años. Se conservan los dibujos previos.
Lo más innovador de su técnica escultórica es la manera de resolver los volúmenes de la figura con la materia metálica. Aquí no es la masa, como sucede en al escultura tradicional de bulto redondo en mármol o piedra, la que genera los volúmenes de “El Profeta”, sino que son virtuales, sugeridos, conseguidos por el tratamiento y la acción formal ejercida en la lámina metálica. La forma concreta de conseguirla ha sido:
- curvándola
- doblándola en concavidades y convexidades y aristas
- dejando vacíos sin materia escultórica en el interior de la figura, como perforaciones, tal como ocurre en el torso y en las extremidades.
personaje, con vacío en la boca, que nos permite ver el grito y de al mejilla izquierda. La visión frontal es la predominante. “la figura de este visionario, inclinada ligeramente hacia delante y cubierta con una esquemática piel de cordero, se estructura entrono al eje central de la cabeza, la columna vertebral y la pierna izquierda; a partir de este eje crecen los diferentes elementos del cuerpo mediante un juego de curvas y contra curvas (la materia y la ausencia). El vacío es la transparencia de la masa tal y como la llamaba Gargallo.
La luz resbala sobre la pieza de forma dinámica contrastando con la robustez de los pies cúbicos. Marca la presión del aire en el pecho y la piernas frente a la tensión de andar en las pantorrillas donde se aletean las formas.
Su función es decorativa, ya sea en espacios cerrados o en abiertos.
CONSTANTIN BRANCUSI (1876/1957). PÁJARO EN EL ESPACIO -1910/12. MOMA DE NUEVA YORK, EE.UU.
Brancusi nació en Rumanía en una aldea de campesinos y la naturaleza será su fuente de inspiración. Su escultura es difícil de clasificar en ningún movimiento en concreto.
Análisis formal:
Se trata de una escultura en bronce sobre pedestal de piedra. Es la decimoquinta de una serie de variantes de bronce o mármol basada en un tema que le apasionó durante tres décadas. La forma está simplificada al máximo donde se busca captar la esencia del vuelo del pájaro en su forma más aerodinámica pero sutilmente asimétrico en sus líneas. La superficie está muy pulida para aligerar la sensación de material pesado del bronce así como para que la luz resbale en el vuelo (movimientos ascendentes y descendentes). En cuanto al pedestal de piedra está divido en dos elementos; una sección cilíndrica donde se apoya la escultura y debajo una forma cruciforme marcando así la influencia de la escultura africana en Brancusi.
Así mezcla las formas compuestas con las simples o unitarias; las superficies mates frente a las brillantes; las formas geométricas pesadas frente a las suaves curvas ligeras.
UMBERTO BOCCIONI. EN FORMAS ÚNICAS DE CONTINUIDAD EN EL ESPACIO, 1913 MILÁN.
Boccioni es el único escultor perteneciente al movimiento futurista y colabora con los manifiestos sobre pintura y escultura de principios de siglo. En el caso de la escultura los principios del clasicismo serán sistemáticamente negados; el bloque homogéneo por el vacío; la representación por la estilización y la abstracción; la masa por el movimiento. El futurismo se planteará la relación entre objeto y espacio, mejor dicho, la relación entre objeto en movimiento y espacio, la escultura dinámica.
Análisis formal:
Es una figura de aspecto antropomórfico y marcial de bronce de 126 cm que camina deprisa y desnuda. No tiene rostro porque no es su representación lo que interesa. La forma escultórica no se encierra en sí misma, sino que se desarrolla en su periferia, es decir, desaparece el concepto de contorno y el resultado es una forma variable y orgánica que marca una dirección que continuará inexorablemente. Las formas se hacen cóncavas y convexas en planos entrecruzados que muestran la tensión del caminar y la resistencia con el espacio. La luz resbala sobre la pieza de forma dinámica contrastando con la robustez de los pies cúbicos. Marca la presión del aire en pecho y piernas frente a la tensión al andar en las pantorrillas (aletas).
MARCEL DUCHAMP (1887/1968). RUEDA DE BICICLETA 1913, MOMA DE NUEVA YORK.
Fue pintor influenciado por Monet y tras exponer en el Salón de Otoño y en el Salón de los Independientes de 1909 se interesó por el fauvismo. A partir de allí comenzará a realizar sus maquinas disparatadas pretendiendo recomponer las fases estáticas del movimiento para lo que se inspira en el cinematógrafo y en el análisis fotográfico del movimiento. Usa materiales prefabricados que los descontextualiza. Formará el DADA que es el círculo de artistas independientes que expone sin excluir a nadie ni dar premios. Su personalidad y obra son provocadoras como cuando le coloca unos bigotes y perilla a la MonaLisa. Hoy en día sigue siendo un artista incomprendido. Análisis de la obra:
Es una rueda de 64 cm de diámetro sobre un taburete de 60 cm de altura. Constituye su primer Ready –made (Ya hecho) tal y como él llamaba a sus obras. La rueda gira realmente, es decir, se adelantará al movimiento de las esculturas cinéticas de Calder y se convierte en un referente del Pop-Art y del Arte conceptual posterior.
