SEBASTIAN BECERRA B. Artes Visuales
Pontiicia Universidad Javeriana
DE TODITO
TRABAJO DE GRADO Énfasis en Expresión Plásica
PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA Facultad de Artes
Carrera de Artes Visuales Bogotá D.C., Colombia
2014
Sebasian Becerra Briceño
Asesor:
“Me sení tan insuicientemente dotado, tan poco preparado, tan
débil, y al mismo iempo me parecía que mis relexiones sobre el arte
eran correctas. Me peleé con todo el mundo y conmigo mismo.”
Edgar Degas
“he standard of idelity to the visual has long been given of Western
culture: we tend to feel comfortable with pictures that strongly
resemble the world we inhabit.”
Roger Cardinal
¿Te sientes cómodo con lo que has hecho?
No.
¿Por qué?
Es difícil de explicar. Me gusta hacer lo que hago, pero siento que algo falta. O por lo menos, tengo la sensación de que en el camino algo no resulta bien.
¿Qué quieres decir con “no resulta bien”?
Todo empieza en mi mente, visualizo algo, siento que tengo las herramientas para plasmar esa intención, pero cuando comienza el acto de hacer, algo no sale bien y el proceso se llena de frustración. Lo que no “resulta bien” es que la realidad no concuerda con la intención inicial.
¿Entonces en esencia lo que te molesta es el resultado?
Sí, es el resultado. Cuando hay un gran esfuerzo se espera obtener un resultado. Pero después de un intento fallido, de volverlo a intentar un sinnúmero de veces, te das cuenta que no es algo del proceso, ni la forma, sino pareciera ser algo en ti. Algo no está funcionando. Por más de que lo intentes, no puedes hacer que resulte como lo habías anticipado.
¿Tiene entonces que ver con tus capacidades? ¿Tus habilidades?
De talento, yo creo. Y ahora que lo dices, de habilidad. Me hace falta la habilidad.
Pero ¿de qué habilidad estás hablando? A mí me parece que sí la tienes, y que llegas incluso a hacer cosas buenas.
Pues mucha gente me ha dicho eso. Pero yo tengo una idea de lo que quiero, una idea muy clara. Eso hace muy difícil sentirme satisfecho con lo que hago. No creo que las cosas que hago tengan mayor valor.
Bueno y ¿cuál es esta idea que crees tener muy clara? ¿Qué es eso que sientes te gustaría hacer?
Me gustaría realizar pinturas realistas, naturalistas, pero mis habilidades en dibujo no me permiten lograr ese tipo de pintura.
¡Ah! ¿Esas son las habilidades a las que te refieres? Y ¿por qué entonces no haces algo diferente a pintura o a dibujo?
Inicié mis estudios eligiendo el énfasis audiovisual, pero después de un tiempo me di cuenta que no me sentía cómodo por los largos tiempos y las actividades tan específicas que requiere una producción audiovisual. Decidí estudiar artes porque me gusta trabajar con mis manos, me gusta manipular materia para hacer. Por eso cambié de énfasis, elegí la pintura.
Y ¿cómo fue ese primer encuentro con la pintura?
En el momento que me enfrenté por primera vez con la pintura, para ser específico pintura al óleo, supe que ese era mi campo de acción. Tenía una idea clara para mi formación – primero comprendería las técnicas pasadas, los estilos de los grandes maestros y luego podría desarrollar mi estilo propio. Me interesaba particularmente por las pinturas de los grandes maestros figurativos realistas o naturalistas. Llegué decidido a aprender, con la mentalidad de que no me importaría equivocarme, estropear cosas, sino venía a comprender la técnica y lo que esta me ofrecía.
Pero si finalmente estás haciendo pintura, ¿por qué no te sientes cómodo con lo que estas haciendo? ¿Qué pasó? ¿Qué cambió?
Después de haber cursado diferentes clases de historia del arte, y haber recogido bastantes referencias visuales, se fue consolidando una idea dentro de mí sobre lo que era la “buena pintura”. Nuevamente surge la imagen representativa, con gran influencia de la figura humana y con un dibujo clásico. Era, además, un deseo personal poder realizar ciertas cosas como creo yo, la sociedad considera correctas. Para la mayoría de las personas tiene mayor valor algo que represente la realidad de una forma accesible, que una imagen críptica y sin
sentido aparente.
Bueno, pero si no pudiste pintar como querías pintar, ¿qué atrapó tu atención?, ¿qué te hizo seguir pintando?
Mi continuo interés por la pintura surge en que históricamente se puede evidenciar una exuberancia de posibilidades. Y si en algún lugar podía llegarme a sentir cómodo, si había un lugar que podría habitar, un espacio donde existiera un sitio para mí, era en la pintura. En la pintura pueden convivir personalidades y maneras muy diferentes, una pintura de Velásquez y una de Miró, las dos con intenciones completamente distintas, pero se relacionan entre sí, en la pintura, en que fueron pintadas. Para mi, la pintura tiene todo lo que buscaba del arte: un mundo abierto de temáticas y posibilidades, el trabajo directo con la materia y un tiempo de ejecución sujeto a mi decisión.
Pero si encuentras valor en obras como las de Miró, seguramente te diste cuenta que la pintura puede ser más que figuración y realismo. Puede ir más allá de lo “correcto”.
Sí, es verdad. Pero ese no era el tipo de pintor que yo deseaba ser. Influenciado por las pinturas de Velázquez, Dalí, deseaba ser un pintor interesado por la figura humana, por la representación correcta de las formas y de las figuras. Además mi frustración no solo nace de no poder pintar la figura humana o hacer composiciones como las de Miró, sino que mi forma de trabajar es torpe, deslucida.
El resultado final no te satisface, pero ¿te agrada el proceso de pintar?
¡Sí! Al ir haciendo cada vez más pinturas, comencé a darme cuenta de que aunque mis imágenes no representaban lo que en el fondo deseaba, me sentía cómodo con la manera como estaba trabajando. Sentía satisfacción al entender que en la pintura uno puede hacer prácticamente lo que quiera: uno puede ensuciar o ser muy limpio, usar pinceles finos o grandes brochas, libertades simples que no encuentro en otras formas artísticas. El proceso era satisfactorio, el haber encontrado una independencia en el hacer era gratificante, pero el resultado seguía sin ser lo que mi mente esperaba.
Ya entiendo el problema. Pero dime, ¿que te decía la gente?, ¿cómo te iba con tus pinturas al mostrarlas?
Esa es otra frustración. Increíblemente ¡había algo que le gustaba a la gente! Me molestaba
de una manera profunda no entender qué era lo que les atraía[1]. Eso me daba ánimos, claro,
y yo trataba de aceptar que posiblemente podía haber algo valioso en mi manera de pintar. Pero el no saber qué era, el no tener control sobre eso, me fastidiaba.
Pero entonces tu pintura tal vez es una “buena pintura”. Solo tienes que ser consciente de qué es lo que haces, encontrar la verdad de tu pintura.
Cuando escuché los buenos comentarios, decidí buscar ese camino. Y digo buscar, porque realmente no sabía cuál era ese recorrido. No quise preocuparme más por ser figurativo o naturalista o correcto. Pero es difícil porque en mi cabeza todavía no veo valor en lo que hago; eso es algo que no enseñan en la academia. Puede haber encanto en las cosas feas, pero siento que es difícil enseñar a identificar ese encanto. Entonces debía decidirme por dos clases de frustración: hacer imágenes que me agradaban pero que no eran lo que yo consideraba “buena pintura”, o intentar hacer una “buena pintura” y darme cuenta que no disfrutaba el proceso, ni el resultado. La segunda frustración llegaba a ser insoportable. Chorreaba trementina sobre el lienzo, cortaba o arrancaba la tela del bastidor y la desechaba.
Esas son cuestiones técnicas, pero ¿qué tipo de imágenes te agrada pintar?
Para mí, lo valioso del arte es que primordialmente habla de la persona que lo realiza. Es un trabajo que inicia siendo inherentemente personal pero que dependiendo de la dinámica entre el artista, la obra y el espectador, puede tener un efecto, una lectura universal. Lo cierto es que solo puede tenerse una respuesta del espectador si al expresarse, se trabaja con sinceridad. Esto lo percibe el espectador. Y para mí no hay nada más sincero, ni que me afecte, y por lo tanto conozco más, que aquello que me rodea - mi familia, mis amigos, mis creencias, las pequeñas cosas que le dan significado a mi vida. Me llaman especial atención las cosas que pasan desapercibidas pero que siempre están ahí. Que nos rodean durante tanto tiempo que se convierten en elementos del paisaje diario y rutinario. Algo similar a lo que le sucedía a
Dubuffet en los mercados de pulgas de Paris.[2]
1. “Que no conozca el signiicado de mi arte, no signiica que no lo tenga.”
Salvador Dalí
2. “(…) it is precisely the banal textures and forms, objects and images of the everyday world that Dubufet would ultimately recuperate into his own works of art, into his own aesthetic.” Allen S. Weiss
“(...) he (Robert Indiana) seems no longer to be seeking guidance
primarily in the art gallery or museum but instead has chosen to
take lessons in the streets of the city”
Simon Morley
¡Ey! ¿Qué esta haciendo?
¡Qué pena! Yo soy estudiante de artes, acá en la universidad. Estoy haciendo un trabajo sobre estos carritos y necesitaba unas…
Sí, pero no tome fotos.
Es que necesito imágenes, por favor déjeme tomar unas fotos. Es para mi trabajo de grado, en serio, son muy importantes para mí. ¿Usted hace estos carritos?
Sí, yo los hago.
Es que mi en mi trabajo quiero hacer un carrito de estos. Me parece fascinante su forma, y los colores que se manejan, todos esos paquetes y productos que llenan de color el carrito.
Bueno, sí.
¿Cuánto cuesta esto?
200. Tómele las fotos, pero rápido. Estoy trabajando.
“he whole technical power of painting depends on our recovery of
what may be called the innocence of the eye; that is to say, a sort
of childish perception of these lat stains of colour, merely as such,
without consciousness of what they signify, as a blind man would
see them if suddenly gited with sight.”
John Ruskin
He estado investigando sobre diferentes movimientos. Creo que encontré algunas semejanzas con movimientos como el Bad Painting y el Pop Art con mi trabajo.
¿Qué semejanzas creyó encontrar?
En el movimiento del Bad Painting usan frecuentemente imágenes de la cultura popular y de lo cotidiano; por ejemplo, usan imágenes extraídas de la publicidad, el arte callejero, el cine y la historieta, además se basa en una libertad hacia el trabajo del pintor. Me siento, en parte, identificado con la descripción que le da Marcia Tucker, la crítica y curadora que le dio nombre al movimiento, para la primera exposición que se hizo de este tipo de trabajos:
“The freedom with which these artists mix classical and popular art-historical sources, kitsch and traditional images, archetypal and personal fantasies, constitutes a rejection of the concept of progress per se. . . . It would seem that, without a specific idea of progress toward a goal, the traditional means of valuing and validating works of art are useless. Bypassing the idea of progress implies an extraordinary freedom to do and to be whatever you want. In part, this is one of the most appealing aspects of “bad” painting - that the ideas of good and bad are flexible and subject to both the immediate and the larger context in which the work is seen.”
Y me atrajo que es intencionalmente sucio y descuidado. David Salle o Julian Schnabel, por otra parte, superpone capas de pintura, imágenes sobre imágenes, y deja algunas “inconclusas”.
En el Pop Art también existe una relación con el objeto cotidiano.
Ese objeto cotidiano, que ya casi ni notamos por la cantidad de tiempo que convivimos junto a él, pero que cobra relevancia y notabilidad porque lo consumimos. Para nosotros serían objetos como los paquetes, la cerveza, los cigarrillos…
¿Cree que esas semejanzas son suficientes para considerar que su pintura es afín a las intenciones de esos dos movimientos?
La verdad, aunque encontré similitudes no me siento completamente identificado. Quizás en técnica y temáticamente hay algunas cosas en común. Pero los objetivos y las intenciones que ellos tenían son diferentes a los míos. Por ejemplo, el Pop Art buscaba atacar la sociedad de consumo en la que nació. En la universidad y en gran parte del arte contemporáneo, nos muestran la necesidad y la gran fuerza que tiene el componente conceptual, es como si el objeto o la imagen no se pudiera sostener por sí misma. En realidad al observar estos referentes, prima esa necesidad de encontrar un lugar donde definirme, donde identificarme, de esta manera conseguir ese cuerpo teórico que le da fuerza y validez a mi trabajo.
Se podría decir que las similitudes son más bien de aspecto formal - lo que se representa y la manera en que se representa, pero no en la finalidad. ¿Cómo es su método de trabajo?
Es muy variado. Me gusta trabajar la pintura fresco sobre fresco para lograr encuentros de colores y efectos específicos que se logran al trabajar de esta manera. También suelo trabajar en capas para amontonar figuras y evidenciar los momentos de ejecución del cuadro. Realmente depende de cada pintura. Recuerdo haber leído en una entrevista que le hicieron a Luc Tuymans donde hablaba de su proceso para pintar:
“…the paintings are all made in one day. It can be a long day, or it can be . . . some paintings really go without any, they just, some paintings come easily. They just fall out. Other paintings are quite difficult. It all depends and, although in terms of being knowledgeable in the craft of making my paintings, which, in fact, is not that crafty because I don’t do glace’. I don’t do layering, I just work wet on wet, so the work is very direct but it’s very, very um, detailed. So there are no, this was always really a little bit the case, except maybe from earlier works, there’s no real big gesture. The biggest gesture is maybe the backdrop, just painting it in one color and then already, immediately, the drawing and the gesture sort of click and then to the end it expands with the contrast. But the brush strokes are short, vivid, and
nervous, which is the way I want to have them because of the sharpness of it. Unlike Richter, for example, I don’t scrape things off, although having been perceived as a blurry painter, the blurriness is super sharp. Everything has to be painted.”
Algo que rige mucho mi pintura es el tiempo de ejecución, hay tiempos largos y tiempos cortos, en donde yo necesito tener siempre el control. Hay pinturas que acabo rápidamente y otras que me toman más tiempo, pero por lo general no duro mucho en una misma imagen. Si trabajo pequeño quizás me demoro un poco más porque siento que tengo mejor control sobre la composición y trabajo por zonas pequeñas, mientras que si el trabajo tiene un mayor formato por lo general trato de acabarlo rápidamente, ya que las dimensiones me piden pintar rápidamente, con gestos y decisiones grandes.
Su trabajo tiene un encanto, una bondad en lo torpe, en lo genuinamente descuidado. En eso hay mucho potencial.
Gracias. También me parece importante destacar que, no solo es descuidado y torpe mi trabajo, sino que no tiene intenciones de ser más de lo que es, que radican en el acto mismo de pintar. Es reducir la obra de arte a la pintura sobre lienzo.
Claro. Es que su pintura es eso, PINTURA. Usted tiene un soporte, un medio, y como lo había expresado, pinta casi inconscientemente. Su pintura no es pretenciosa, es maravillosamente torpe, dirigida por una necesidad imperativa de pintar que desconoce requisitos técnicos. Es como si le robara lo grandioso a la pintura.
Gracias, supongo.
Quizás no es lo que esperaba oír, pero nada de eso es malo.
“(…) no había nada hermoso ni majestuoso en su aspecto, nada que
nos atrajera hacia Él. Fue despreciado y rechazado por los hombres
(…)”
La Biblia, Isaías 53:2,3.
Dios en tus manos coloco este trabajo, realmente sin tu ayuda no puedo hacerlo. Ayúdame Señor, a encontrar una voz para hablar sobre el proyecto. Pon Tú las palabras en mi boca y ayúdame a creer en lo que hago. Tú sabes que me cuesta mucho aceptar mi forma de trabajar, pero confío en que Tú tienes un propósito, y por algo me diste las capacidades que tengo[1]. Tu palabra dice que Tú escoges
lo que el mundo rechazaría y tiraría[2], enséñame que la aprobación que necesito
es la Tuya. Yo confió en ti Señor, y sé que Tú dispones todo para mi bien. Pero te confieso que es difícil, no logro ver el valor en lo que hago, me gustaría poder pintar como te pintaron en la antigüedad. No logro ver lo que otros parecen ver en mis pinturas, y me frustra no poder pintar como me gustaría. Pero que no se haga mi voluntad, sino la Tuya. Pase lo que pase, confiaré en Ti.
“Empieza a aceptarse lo feo, tanto en la teoría como en las practicas artísticas (…), a partir del cristianismo que transmitirá su legado al mundo moderno. Esta religión, en la que se adora a un Dios sufriente, no postula los mismos cánones estéticos que la tradición clásica. Como observa Hegel en la Estética, “no es posible figurar con las formas de belleza griega a Cristo flagelado, coronado de espinas, llevando la cruz hasta el lugar del suplicio, crucificado, agonizante en medio de los tormentos de una larga y torturada agonía.
Hay un pasaje del profeta Isaías , que contiene la descripción del aspecto que presentara el Mesías a su venida, y que ha servido (en una tradición de mayor solidez, alternativa a la serenidad de las primeras figuraciones catacumbales de Jesús) como modelo para representar un Cristo feo, un Dios que se ha humillado hasta asumir el rostro de mas desgraciado de los
hombres (…).” [3]
1. “Cada vez él me dijo: “Mi gracia es todo lo que necesitas; mi poder actúa mejor en la debilidad”. Así que ahora me alegra jactarme de mis debilidades, para que el poder de Cristo pueda actuar a través de mi.” La Biblia, 2 Corintios 12:9 2. “ha escogido lo sin
importancia según el mundo, lo despreciable, lo que nada cuenta, para anular a quienes piensan que son algo.”
La Biblia, 1 Corintios 1:28
3. Romeo Bodei
“(James Castle) Perhaps it is also the tininess of his work which
seduces us; for the drawings are small, almost negligible, and too
modestly presented to be assertive.”
Roger Cardinal
Quiero poder aceptarme a mí mismo, aceptar mi pintura y mi forma de trabajar, sentirme cómodo con ella. Entender qué eso lo que la hace especial, y dejar de concentrarme en lo que no puedo hacer, y concentrarme en lo que sí puedo hacer.
Para empezar, ¿quién ha hecho algo similar a lo suyo, algo que puede ser un referente directo para su trabajo?
He estado investigando y justamente encontré algo con lo que me puedo relacionar, en el sentido de que siento que me cuesta encontrar lugar en el mundo del arte establecido. Aunque no me puedo incorporar completamente a ese movimiento, ya que fui entrenado por una academia en conocimiento del arte. Hay artistas que su trabajo tiene la esencia de lo que he estado buscando con el mío.
¿Cuál movimiento?
Outsider Art.[1]
Ahí está el interés por lo personal, siento que puedo plasmar mi mundo, lo que me rodea. Puede que no sea completamente parecido a la realidad, pero se identifica con lo que deseo representar[2]. El Arte Marginal no se identifica fácilmente con
el Arte tradicional, pero de igual manera tiene la capacidad de comunicarse con el espectador. Se genera en el interior del artista y se reconoce por una manera de expresión poco convencional[3].
Pues sí, su pintura habla de lo que lo rodea y lo afecta a usted. Pero lo que está haciendo actualmente son unas cajitas y pedazos de madera mal cortadas representando cajetillas de cigarrillo y paquetes de papas. Son bastante precarias y efímeros, no van a perdurar. ¿Por qué no pinta sobre un lienzo imprimado adecuadamente?
Por ese lado justamente va una de mis intenciones. La Pintura no tiene que ser una costosa tela, perfectamente enmarcada . La Pintura, es un pigmento suspendido en un vehículo, aplicada sobre un superficie, cualquier superficie. Para mí, esa es la base de la Pintura, el hacer, el hacer como sea. El hacer gracias al, pero también a pesar del conocimiento; el hacer gracias al, pero también a pesar de la capacidad.
1. “Outsider Art ignores tradition and academic criteria. Instead, it relects a strong creative impulse, running free of the communicative conventions to which we are accustomed.” Roger Cardinal 2. “Casi cualquier cosa
puede representar cualquier cosa.” Arthur C. Danto
En ese campo es que juega el Outsider Art, y mi trabajo. Podemos tener como ejemplo a James Castle que dibujaba con hollín, saliva sobre cartones o cuadernos que encontraba en la basura[1]; no se necesitan grandes materiales, el hacer es el
que fundamenta el arte. Las imágenes son la base del arte. Y mi interés es mostrar mi cotidiano, lo que para mí es importante. Para mí algo tan aparentemente insignificante como un carrito de ventas ambulantes me afecta a diario, convivo con él, y aunque en ocasiones no lo tenga presente, mi realidad seria distinta sin su presencia.
¿Para qué pinta uno a uno todos esos paquetes, si todos parecen iguales? ¿No sería mejor imprimirlos de una manera gráfica?
Puede que parezcan todos iguales, pero en realidad no lo son, todos son diferentes. Ningún paquete tiene los mismo dobleces, las mismas decisiones de pintura, siempre hay errores que son bienvenidos, pequeñas variaciones. Creo que ese es el trabajo del artista, es como lo que decían acerca del trabajo de Gregory Blackstock[2].
A mí me siguen pareciendo todos iguales.
Parecen, pero la gracia está en que no lo son.
¿Estas 3 pinturitas de Marlboro no son iguales?
No, no lo son.
Está bien. Pero ¿no cree que el arte deba resaltar, que deba llamar la atención? A lo suyo le va a pasar lo mismo que a esos carros, va a pasar desapercibido, y nadie se va a dar cuenta que allí hay pintura. Ahí puede perder toda validez porque no se relaciona con el espectador.
Pero ¿por qué tiene que llamar la atención? No es necesario que la pintura sea escandalosa o prominente. Mi trabajo es mas intimo[3]. Claro que se relaciona con
el espectador, pero justamente en pasar desapercibidamente existe esta relación. 1. “(James Castle) His
drawings are remarkable, not least in terms of their material constitution, for he favored a pigment made of soot scraped from a wood stove, mixed with water or saliva and applied to paper or cardboard, usually with a sharpened piece of wood. his primitivism of means carries its own pathos and tends to appeal to the Outsider Art connoisseur as conirmation of creative independence. It also represents an involuntary cross- over with certain manifestations of twentieth-century avant-gardism whereby minimal marks produced with unsuitable materials have come to be prized within an aesthetic of minimalism.”
Roger Cardinal
2. “Here we confront the reproduction of objects that bear witness not so much to the proliferation of things in the actual world, as to the artist’s alertness in noticing and documenting all the aspects of diference that distinguish them.” Roger Cardinal
3. “Art consistent with what is essentially an expressionistic model can be wild, loud and diicult to ignore. Yet, art does not have to be that way, and what I am interested in considering here is the possibility of a quieter, less bombastic idiom arising in conditions of psychological and emotional withdrawal that apparently inhibit normal modes of communication. Such art making can be oddly moving, precisely because it contradicts the stereotype of the noisy hooligan and because it cultivates a characteristic repertoire of marks and signs, creating as it were a peaceful realm of its own, an intimate and vulnerable private world.” Roger Cardinal
Y ¿por qué pinta tan…?
¿Tan mal?
Bueno, no quería decirlo así, pero sí, tan mal. Usted trabaja muy burdo, la tipografía es tosca, los trazos torcidas, todo está sucio, accidentado. Incluso el carro parece estar a punto de desbaratarse.
No es que pinte mal, sino que es mi forma de pintar. No tengo paciencia para hacer una tipografía perfecta, e inadvertidamente mancho y ensucio todo. He encontrado una estética en eso, y en realidad en ocasiones creo que se ven mejor que si estuviera todo perfectamente pintado.
Por ahí vi una bien pintada. Y limpia. Esa es la que más me gusto.
“Mr. Whistler’s etchings are twelve in number, of unimportant
dimensions, and of the slightest workmanship. hey convey a certain
sense of distance and atmosphere, otherwise it cannot be said that
they are of particular value or originality. hey rather resemble
vague irst intentions, or memoranda for future use, than designs
completely carried out”.
Art Critic
… para que se vea el proceso.
Y, ¿cómo hace eso?
Trabajo por capas. Colocando imágenes sobre imágenes, pero no las “acabo”.
¿Cómo así que no las acaba?
Es la manera en la que me gusta trabajar. Como ya le dije, para que se vea el proceso. No me parece necesario ocultar completamente las cosas. Cada imagen que he colocado en el lienzo es importante, y, aunque la cubra con otra imagen, me parece importante que el espectador tenga acceso a lo que fue ese proceso.
Pero… ¿cómo así que no las acaba?
En ocasiones dejo la imagen solo esbozada en línea, o comienzo a trabajar en ella, pero mientras estoy trabajando en ella, la dejo en el estado que va esa imagen y empiezo a elaborar otra encima, incluso la puedo tratar de borrar con trementina, para que quede solo un indicio de la imagen en la que estaba trabajando.
Ah, y ¿cómo funciona la parte en la que se ve el proceso?
Al dejar solo la línea, o dejar secciones sin trabajar, realmente no se está cubriendo esa sección de la imagen que se encuentra detrás, entonces se ven todas las etapas que paso el cuadro.
Usted coloca todas estas imágenes en un cuadro, pero, eh… ¿Por qué no realiza un cuadro para cada imagen?
Porque no busco reproducir las imágenes en las que me estoy basando para mi trabajo, sino la yuxtaposición de cada una de las partes son las que forman la imagen que yo deseo. ¿Conoce el trabajo de David Salle? Sus cuadros se componen con imágenes que a primera vista no tienen nada que ver una con la otra, pero al
ver todo como un uno, ahí es donde se forma la obra.
El trabajo de Salle maneja una lógica similar, aunque la ejecución es diferente en comparación con mi trabajo. Él divide las imágenes, y al instalarlas es donde se juntan, en mi trabajo todas las imágenes confluyen en una sola tela.
¡Aahh!... pero, un momento, ¿cómo es, de nuevo, lo de dejarlas inconclusas?
Es fácil. ¿No es muy interesante cuando un artista nos permite ver ese proceso creativo que se lleva a cabo, en una especie de “detrás de cámaras”? A mí me gusta eso, mostrarle al espectador todo lo que hice. En especial por lo que yuxtapongo imágenes, que si las terminara se perdería todo el trabajo detrás de ella. Y ese trabajo, por lo menos a mí, me interesa y me llama muchísimo la atención.
¿Y cual es el asunto con las lineas? Yo le veo relación, luego de ver lo que me muestra de Salle, pero no lo logro entender muy bien.
La línea es boceto, en mi trabajo. Cuando la superficie esta virgen, yo comienzo a definir las figuras con una linea. Esa linea, para mí, es una de las partes más expresivas del cuadro; la hago rápido, sin pretensiones… en realidad sé que voy a pintar algo encima, entonces no me preocupa tanto. Al principio no era muy consciente de esto, pero luego me percate de todo esto que sucede con esas líneas iniciales de una imagen. Muchas veces el furor creativo del artista que existe en los bocetos, se pierde en una obra “terminada”.
emote province of the heroic, expressive artist- could
imple transitive verbs: to take, to edit, to collect, to
install, to perform.”
Sucede algo especial en Colombia, sobre todo en Bogotá. En la mayoría del mundo yo puedo salir y comprar una goma de mascar, o un hot dog, pero lo hago en una esquina o en carros metálicos brillantes, que hasta tienen permison y otros documentos de la ciudad. Pero en Bogotá, ¡estos carritos de madera, cargados hasta mas no poder! Es una mezcla de colores, formas, ¡hasta publicidad le colocan! ¿Les pagarán algo por decorar los carritos así?
No sé, pero si no, deberían. Es una publicidad bastante efectiva, creo yo. Incluso, los carritos se hacen publicidad a sí mismos.
Es increíble, lo mezclan todo, ¡es que hasta en las llantas! Esto es Bogotá. Uno no puede escapar de ellos. El bogotano debería detenerse a apreciar estas cosas.
Es que convivimos con ellos a diario y se convierten en un paisaje recurrente, un lugar que tiene relevancia pero que parece perder importancia. Eso pasa con muchas cosas. Siempre están ahí, pero, justamente como siempre están ahí, las dejamos de ver por lo que son, nos acostumbramos a ellas. A mi me gustan esas cosas y ese fenómeno, ¿sabe?
Es que a uno como extranjero, estas cosas lo golpean. Uno no esta acostumbrado.
Imaginemos una salida con sus amigos. Usted toma fotografías y luego, al revisarlas, se fija en lo aparentemente importante - sus amigos, el lugar, pero deja de percibir todo eso que parece ser irrelevante, toda la intrascendencia que los rodea, las botellas, los papeles en el suelo. Se acostumbró a eso y no lo ve. A mí me gusta creer importante eso que la mayoría de las personas ve pero olvida por vulgar y corriente.
Sí, es cierto. Pero ¿cómo ignorar esto? Es imposible.
Créame, sucede. Pasamos a su lado todo el día, todos los días y ya no lo vemos como usted lo está viendo ahora por primera vez.
Es ingenioso como organizan todos esos paquetes, las cajitas, los productos. Caen por los lados del carro, cuelgan de la sombrilla; le añaden módulos al carro para poder colocar cada vez más y más productos.
Como usted bien lo dice, es ingenioso. Tiene una estética muy particular. La manera como los organizan, los acumulan, los arman, los colores, es algo casi escultórico.
Estos carritos son obras de arte. Yo creo que de donde yo vengo, alguien, fácilmente, podría colocarlos dentro de un museo o galería como una obra de arte original y fascinante.
¡Es que son una galería! Cada paquete o caja es una imagen, y todas están acumuladas en el carrito. Me recuerda una pintura de Samuel Morse, en la que nos muestran como eran los Salones de Pintura en 1830. Es hasta graciosa, se puede observar la Gioconda en la parte inferior, perdida, simplemente una pintura entre muchas. La pared del museo o de la galería es como el carrito, una superficie donde se exhiben todas las imágenes[1]. Lo importante en este pequeño “espacio
expositivo” es el aprovechamiento del espacio, Como tienen que exponer tantos productos como puedan, en este reducido espacio, la idea es que no sobre nada, igual que en los salones de pinturas. La idea era sacarle el mayor provecho a la pared, es casi una obra por si misma la forma como organizaban los cuadros.
¡Son salones andantes! Imaginese, los pueden llevar a donde quieran, se pueden colocar en cualquier sitio. Imaginese colocar, en serio, obras sobre ellos. Asi como le venden a todas las personas, las obras podrian llegar a todas las personas. Usted se haria famoso de manera facil y rapida (risas).
1. “Indeed, the Salon itself implicitly deines what a gallery is, a deinition appropriate for the aesthetics of the period. A gallery is a place with a wall, which is covered with a wall of pictures. he wall itself has no intrinsic esthetic; it is simply a necessity for an upright animal. Samuel F. B. Morse’s Exhibition Gallery at the Louvre (1833) is upsetting to the modern eye: masterpieces as wallpaper, each one not yet separated out and isolated in space like a throne.” Brian O’Doherty.
“Similarly, the artist take everything (subject, choice of material,
modes of trasposition, rhythm, writing styles) from their own being,
not from the canons of classical or fashionable art.”
Simon Morley
¿Cuántas lleva?
No sé, hace como dos semanas deje de contarlas. Pero ya está tomando forma.
¿Todo lo ha hecho usted?
Si. Esa es la idea.
Y el carrito, todo eso de allá.
También yo. De eso se trata mi trabajo… no, va más allá, mi forma de ser. Busco que la obra hable de cómo soy yo a partir de mi forma de trabajar.
¡Ah!, cuénteme como ha hecho. Son muchísimas cosas.
Se trata de trabajar, casi como una maquina. Todos los días me siento y me dedico a pintar y trabajar hasta que me agote, luego descanso y sigo. Algo bueno es que todo es muy variado, aunque se vea repetitivo. Cuando deseo variar un poco, comienzo a pintar otros paquetes.
Aunque no es sólo la pintura. El carrito, la sombrilla, incluso cada paquete.
He tratado de recurrir lo mas que sea posible a materiales reciclados, además de que esto es parte de la idea del trabajo. Puede que parezca un poco descuidado, pero esa es mi intención. No sé si me ha visto trabajar, pero no soy muy cuidadoso con las cosas, quería que eso se notara en el trabajo.
Son un poco extrañas estas pinturas… no se sienten como pinturas. Déjeme explicarme, se ven algo desechables, no tienen la sensación de las pinturas que uno normalmente podría encontrar en una galería o un museo.
Mmm, creo entenderlo. Me parece que todo esta en la forma como asumo el trabajo. No busco crear nuevos espacios o universos que “transporten” al espectador a través de la pintura, sino
quiero que la pintura sea lo que es: óleo sobre madera[1]. Realmente no estoy buscando una
1. “For Wölli, as for the other such “outsiders”, the paper is conceived of as a two-dimensional surface rather tan as a window or stage because the rules of ixed-point perspective are unknown or ignored”
imagen especifica y que dé un resultado, sino me interesa que el trabajo, el proceso y la técnica sean los protagonistas, ese es el resultado que busco.
Siéndole honesto. Uno puede ver todo el trabajo que usted le ha puesto al carrito y los paquetes, pero siento que le hace falta un “peso” mayor. No sé si me entienda. Nuevamente, aunque entiendo la idea de los materiales, me parece que aún falta algo que atraiga más a las personas, algo que las ubique un poco.
No creo que todo sea extraño o nuevo para que el espectador se desubique. Creo que su inquietud es por lo que la obra en general se desvía de los cánones establecidos en torno a lo que se trata el “buen arte”. El arte no es una fórmula, y, a mi parecer, es mejor cuando el artista cae en cuenta de ello, y decide ignorar lo pasado, se deja guiar por su espíritu, por lo que el quiere realizar mas no por lo que le están diciendo que haga . Por mi parte, tomo esta decisión por dos razones: la primera, por separarme de las llamadas “reglas” del arte, o fórmulas, y segundo, siendo lo mas honesto posible, me queda muy difícil tratar de imitar ese “buen” arte, mis habilidades no van dirigidas a esas técnicas o fórmulas, razón por la cual trabajo con lo que tengo.
Por eso es que requiere tanto trabajo propio para la obra. Todo proviene de usted y lo que lo rodea.
“(Pop art) he calligraphic gesture was now replaced by the look
of mechanical typography, while the texts that were incorporated
into artworks incresingly focused on the cliché and the omnipresent
chatter of the mass media.”
Simon Morley
¿No se ha dado cuenta que todo lo que ha trabajado tiene un patrón? Cada paquete, e incluso el carrito están llenos de palabras, letras, tipografía. Me acuerdo cuando estaba trabajando en las cajetillas; el rojo y el blanco los coloco rápido, pero se tomo especial cuidado al hacer cada letra de la palabra “Marlboro”.
No había caído en cuenta, pero tiene razón. En cada paquete y aviso del carrito lo que prima son las palabras y cada letrero o aviso tiene su propia tipografía. Al verlo solamente como pintura sobre madera, casi llego a un punto en el que estaba olvidando que estaba pintando.
Se convirtió en algo, casi mecánico. ¿Recuerda como los pintaba? Uno tras otro tras otro…
Pero eso era parte de la idea. Todos estos paquetes, en los que habíamos visto una relación con el Pop Art.
Igual no le quedaron bien, a pesar de que se concentraba bastante en hacer correctamente la tipografía.
No era necesario que quedaran bien. Mi trabajo no es Pop Art. No es tan mecánico, es volver al oficio, al hacer. Volver a ese intento de caligrafía hecha con la mano y no por una maquina que imprime o, inclusive por una plantilla, que, aunque, deja todos iguales y bien hechos, se alejan de mi intención de hacer yo el trabajo. No se trata del texto, aunque es un motivo frecuente en la obra, sino se trata del hacer[1].
Al estar hablando con usted, me he dado cuenta que pareciese que no aprendió mucho durante la carrera. Su trabajo se basa en eso mismo, trabajar.
Como no fui muy “habilidoso” en la mayoría de las clases, o bueno, como no cumplía las expectativas de las clases, pareciese que no aprendí mucho. Pero creo que lo más importante, es que aprendí justamente a trabajar. Mi método de estudio es la repetición y la copia (risas). Eso se puede entender mal, pero aprendí a copiar trabajos de otros, y aun algo más difícil, copiarme a mi mismo.
1. “Text here (Rauschenberg’s paintings) functioned as an already-given, an apparently worthless and overlooked material.”
Simon Morley
Pero, no son copias.
Son malas copias. Eso es lo que hago. No busco una copia mecánica, y exacta, ¿qué gracia hay en eso?. Mi interés está en la copia que puedo hacer con mi propia mano. El trabajo propio. Creo que eso es característicamente visible en la tipografía.
Entonces… si se convierte en algo mecánico, ¿no?. Copia y copia hasta que se vuelve un acto casi automático.
Aunque me esfuerzo por hacer la tipografía, ninguna resulta igual a otra. Hay radica la belleza de este tipo de trabajo. Tal vez se pueda decir que con cada paquete, “voy mejorando”. Pero lo que busco destacar es que el primero es tan bueno como el último. ¡Claro! Aprendo al hacer cada pintura, pero… realmente no sé que aprendo. Al empezar uno nuevo, trato de desvincularme del anterior; pero, es importante aclarar, uno no se puede desvincular completamente.
Me parece divertido lo fácil que resulta cuando es sólo una pieza. Como por ejemplo las pinturas del carrito, o los letreros de minutos. Parecen rápidos, y con poca preocupación.
Yo creo que es por lo que en ellos no existió ese proceso de aprendizaje, simplemente salieron. Como únicamente se trata de una imagen, mas no de varios paquetes o cajitas, me enfrentaba a la tipografía y a la imagen sin algún conocimiento previo.
Los minutos parecen los avisos que uno ve en la calle pintados: Aprenda a Bailar o Ciclomotores.
“Don´t shine so that others can see you. Shine so that through you
others can see Him”
C. S. Lewis
Bueno… ¿Ahora qué?
Toda mi vida gira en torno a Dios. Realmente me gustaría trabajar en mi iglesia, o incluso ir a algún sitio como misionero.
Es que ésa es su vida. Creo, realmente que sus momentos de mayor alegría y honestidad son cuando habla acerca de Dios y sobre Jesús. Es el campo donde usted se siente más cómodo.
Si, para mi, ese es el propósito por el que Él nos mando a la tierra[1]. Antes esperaba
ser muy reconocido y exitoso, pero, en realidad, lo único que quiero ahora es poder hacer su nombre famoso. Siento que todos lo necesitan conocer.
¿Cómo así el propósito?
Todos tenemos un propósito acá en la tierra. Tenemos un propósito general como seres humanos y un propósito personal. Honestamente, aún no se el propósito personal que Dios tiene preparado para mi vida, pero se que el me esta guiando hacia ese propósito. Mientras tanto persigo el propósito general por el cual Dios nos envió acá a la tierra. El propósito es lo que le da sentido a mi vida, es como “tenerla clara”, por eso hago lo que hago. Se a donde voy, entonces procuro que mis acciones en el presente me lleven a ese objetivo.
Y, ¿cuál es ese propósito general que Dios creo?
El propósito general de Dios para nuestras vidas se encuentra en su Palabra, en la Biblia. Pero, un pastor norteamericano, resumió en cinco partes este propósito general en su libro “Una vida con propósito”. Uno, adorar a Dios; dos, ser parte de la iglesia; tres, ser como Cristo; cuatro, servir a Dios; y cinco, atraer a las personas a Cristo. Esto es de lo que se trata realmente la vida, y mi deseo es que estos cinco propósitos se vean reflejados en mi vida.
¿Por qué todos lo necesitan conocer? Usted me ha contado muchas cosas pero nunca había visto esa necesidad suya por darlo a conocer.
1. “Por tanto, vayan y hagan discípulos de todas las naciones, bautizándolos en el nombre del Padre y del Hijo y del Espíritu Santo, enseñándoles a obedecer todo lo que les he mandado a ustedes. Y les aseguro que estaré con ustedes siempre, hasta el in del mundo.” La Biblia, Mateo 28:19-20
Es fácil. Todos lo necesitamos. Usted se ha preocupado mucho por lo que “no” se puede hacer y la cuestión del pecado, pero yo nunca le explique lo verdaderamente importante acerca de Dios. Él es amor, y lo ama a usted, a mi y a todo el mundo, y solo quiere darnos lo mejor[1], como cualquier padre querría para sus hijos.
Si es así, ¿por qué pasan tantas cosas malas en el mundo?
Porque nos hemos alejado de Él. Él nos ama lo suficiente para entender cuando no lo queremos en nuestras vidas, y ese es el mensaje que le hemos dado durante muchísimo tiempo.
Y después de toda la carrera, ¿cómo cree que le ayuda a lo que usted quiere hacer?
Dios lo creó todo, y lo único que quiere es que lo exaltemos, lo demos a conocer y vivamos siendo conscientes de la necesidad que tenemos por Él. Puede que sea difícil, pero Él nos explico cómo hacerlo, en todo lo que hagamos, no importa si es por medio de la música, el arte o desde una oficina.
¿Usted qué va a hacer?
Bueno. Darlo a conocer en todas las oportunidades que tenga, creo que Él me dará la manera de hacerlo, no necesariamente con pinturas cristianas, sino viviendo conforme a su voluntad, y segundo cumpliendo su mandamiento mas importante, dando amor a todos[2].
Como le dije, ésa es su vida. Usted es mucho más de lo que se ve, es mucho más que sólo pintar. Tiene que mostrar todo eso, mostrar lo que usted es. Como lo está haciendo con el trabajo. Habrá gente que le guste y gente que se moleste pero lo importante es entender quien es usted y no esconderlo ni negarlo.
¡Claro!, nunca podría negar mi fe. Creo que usted me ha puesto bastantes pruebas, pero se quien esta a mi lado, y Él me cuidara y me protegerá en todo momento. Poco a poco voy trabajando de la mano del Señor en mi carácter y mi principal objetivo es ser cada vez mas parecido a Él.
1. “… porque (el Señor) no quiere que nadie perezca sino que todos se arrepientan”
La Biblia, 2 Pedro 3:9.
2. “Jesús contestó: —El mandamiento más importante es: “¡Escucha, oh Israel! El Señor nuestro Dios es el único Señor. Amarás al Señor tu Dios con todo tu corazón, con toda tu alma, con toda tu mente y con todas tus fuerzas”. El segundo es igualmente importante: “Amarás a tu prójimo como a ti mismo”. Ningún otro mandamiento es más importante que éstos.” La Biblia, Marcos 12:29-31.
“It is normal to be average: not everyone is astonishingly original.
And it is common to be a litle behind the imes: not everyone is
bleeding-edge avant-garde. It is also normal, and common, to be
unhappy about being average and a litle behind the imes.”
James Elkins
AGRADECIMIENTOS
Primero, quiero agradecer a Dios por todo lo que ha hecho en mi vida. Todo esto fue posible únicamente por su inagotable amor y fidelidad. Todo es gracias a Él, y todo es hecho por medio de Él y para Él.
Quiero agradecer a Nicolás por toda la ayuda que me dio y por tanta paciencia que tuvo. Me ayudo a encontrar un camino por medio de creer en mi y en mi trabajo, y cuando ni yo le tenía fe a mis habilidades, él tuvo fe en mi.
Estoy completamente agradecido con mis papas que me apoyaron de mil maneras distintas durante este recorrido. Siempre han estado a mi lado, y aunque hubo momentos difíciles, ellos no me dejaron caer. Gracias mamá, gracias papá.
Quiero darle las gracias a una persona que en los últimos años ha estado a mi lado apoyando, creyendo en mi cuando nadie lo hizo, y colaborándome, incluso en tiempos que estuvimos lejos. Sin darse cuenta Dios la uso para ayudarme, y fue luz en momentos difíciles. Gracias Ángela.
Finalmente, quiero darle gracias especiales a aquellos que me ayudaron con palabras o con su tiempo. A mis amigos y compañeros que en ocasiones se preocuparon mas que yo, y siempre estuvieron allí para darme una mano.
ANEXO
Traducción de Citas
Pág. 8 - “Durante mucho tiempo, el estándar de fidelidad ha sido dado por la cultura visual occidental: tendemos a sentirnos cómodos con imágenes que se parecen mucho al mundo que habitamos.” Roger Cardinal.
Pág. 12 - 2. “(...) Son, precisamente, las texturas y las formas banales, objetos e imágenes del mundo cotidiano que Dubuffet en última instancia, recupera en sus propias obras de arte, en su propia estética.” Allen S. Weiss.
Pág. 16 - “(...) él (Robert Indiana) ya no parece estar buscando una orientación primaria en la galería de arte o un museo, sino que ha optado por tomar clases en las calles de la ciudad.” Simon Morley.
Pág. 20 - “Todo el poder técnico de la pintura depende de nuestra recuperación de lo que podría llamarse la inocencia de la mirada; es decir, una especie de percepción infantil de estas manchas planas de color, simplemente como tal, sin conciencia de lo que significan, como un ciego vería si de pronto pudiera ver.“ John Ruskin.
Pág. 21 - “La libertad con la que estos artistas mezclan las fuentes histórico-artísticas clásicas y populares, el kitsch y las imágenes tradicionales, fantasías arquetípicas y personales, constituye un rechazo del concepto de progreso en sí. . . . Parecería que, sin una idea concreta de progreso hacia una meta, los medios tradicionales de valoración y validación de las obras de arte son inútiles. Sin pasar por la idea de progreso implica una libertad extraordinaria para hacer y ser lo que quieras. En parte, esto es uno de los aspectos más atractivos del “Bad Painting” - que las ideas del bien y el mal son flexibles y sujetas tanto a lo inmediato y el contexto más amplio en el que se ve la obra.“ Marcia Tucker.
Pág. 22, 23 - “... Las pinturas están hechas en un día. Puede ser un día largo, o puede ser. . . algunos cuadros realmente van sin ninguna, simplemente, algunas pinturas vienen fácilmente. Ellos simplemente caen. Otras pinturas son bastante
difíciles. Todo depende y, aunque en términos de ser entendido en el arte de la fabricación de mis pinturas, que, de hecho, no es tan astuto porque yo no barnizo. No hago capas, yo sólo trabajo en húmedo sobre húmedo, por lo que el trabajo es muy directo, pero es muy, muy um, detallada. Así que no hay, esto siempre fue realmente un poco el caso, a excepción tal vez de trabajos anteriores, no hay gran gesto real. El mayor gesto es tal vez el telón de fondo, simplemente pintar en un color y luego ya, de inmediato, el dibujo y el gesto como un clic y luego al final se expande con el contraste. Pero las pinceladas son cortas, vivas y nerviosas que es la forma en que quiero que sean a causa de la nitidez de la misma. A diferencia de Richter, por ejemplo, no raspo las cosas, a pesar de haber sido percibido como un pintor borroso, la visión borrosa es súper fuerte. Todo tiene que ser pintado.“ Luc Tuymans.
Pág. 30 - “(James Castle) Tal vez también es la pequeñez de su obra que nos seduce; los dibujos son pequeños, casi insignificantes, y demasiado modestamente presentados para ser asertivos.“ Roger Cardinal.
Pág. 31 - 1. “Outsider Art ignora la tradición y criterios académicos. En cambio, refleja un fuerte impulso creativo, libre del funcionamiento de las convenciones comunicativas a las que estamos acostumbrados.“ Roger Cardinal.
Pág. 31 - 3 “Uno de los criterios para la identificación de Outsider Art es el sentido de su extrañeza, su idiosincrasia; y me he dado a entender que esta extrañeza es nada menos que la marca de un mundo privado coherente conjuró en el barrido de las imágenes de un creador individual. A condición de que como los espectadores pueden entretenerse con la fantasía de viajar a ese mundo - de la misma manera que nosotros pudiéramos viajar a un país extranjero sin el conocimiento de su idioma o sus costumbres - estamos en condiciones de disfrutar de la experiencia extrema de la alteridad, en la forma de exotismo seductor que produce un placer inarticulado pero intenso.“ Roger Cardinal
Pág. 32 - 1. “(James Castle) Sus dibujos son notables, sobre todo en términos de su constitución material, pues favoreció un pigmento hecho de hollín raspado de una
estufa de leña, mezclado con agua o saliva y aplicado a papel o cartón, por lo general con un pieza afilada de la madera. Este primitivismo de los medios lleva su propio pathos y tiende a atraer a los conocedores de Outsider Art como confirmación de la independencia creativa. También representa un involuntario cruce con ciertas manifestaciones de las vanguardias del siglo XX por el que las marcas mínimas producidas con materiales inadecuados han llegado a ser muy apreciadas dentro de una estética del minimalismo.“ Roger Cardinal.
Pág. 32 - 2. “Aquí nos enfrentamos a la reproducción de objetos que dan testimonio no tanto a la proliferación de las cosas en el mundo real, ya que el estado de alerta del artista esta en notar y documentar todos los aspectos de las diferencias que los distinguen.” Roger Cardinal.
Pág. 32 - 3. “El arte consistente con lo que es esencialmente un modelo expresionista puede ser salvaje, ruidoso y difícil de ignorar. Sin embargo, el arte no tiene por qué ser así, y lo que me interesa considerar aquí es la posibilidad de un lenguaje más tranquilo, menos grandilocuente que surja en condiciones de retirada psicológica y emocional que aparentemente inhiben modos normales de comunicación. Tal creación artística puede estar moviéndose extraña y precisamente porque contradice el estereotipo del hooligan ruidoso y porque cultiva un repertorio característico de marcas y signos, creando por así decirlo un reino pacífico del sujeto propio, un mundo privado, íntimo y vulnerable.“ Roger cardinal.
Pág. 35 - “Los grabados de Sr. Whistler son doce, de dimensiones poco importantes, y con la menor mano de obra. Ellos transmiten un cierto sentido de la distancia y la atmósfera, de lo contrario, no se puede decir que son de valor o de originalidad particular. Ellos más bien se asemejan a primeras vagas intenciones, apuntes o notas para un uso futuro, que diseños completamente realizados.“ Crítico de Arte.
Pág. 40, 41 - “El proceso creativo, -una vez la remota provincia del artista heroico y expresivo- podría ahora ser imaginado cómo una serie de verbos transitivos simples: Tomar, editar, recoger, instalar, ejecutar.” Richard Prince.
Pág. 43 - 1. “De hecho, el propio Salón define implícitamente lo que una galería es, una definición apropiada para la estética de la época. Una galería es un lugar con una pared, que se cubre con un muro de imágenes. El muro en sí no tiene una estética intrínseca; es simplemente una necesidad para un animal en posición vertical. “Exhibition Gallery at the Louvre” (1883) de Samuel FB Morse es molesto para el ojo moderno: obras maestras como fondo de pantalla, cada una todavía no separanda ni aíslada en el espacio, como un trono.“ Brian O’Doherty.
Pág. 46 - “Del mismo modo, el artista toma todo (sujeto, elección del material, los modos de trasposición, ritmo, estilos de escritura) a partir de su propio ser, no de los cánones del arte clásico o de moda.” Simon Morley.
Pág. 47 - 1. “Para Wölfli, como para los otros ”Outsiders“, el papel se concibe como una superficie de dos dimensiones en lugar de una ventana o escenario porque son desconocidas o ignoradas las reglas de perspectiva.” Simon Morley.
Pág. 52 - “(El Pop Art) El gesto caligráfico fue sustituido ahora por el aspecto de la tipografía mecánica, mientras que los textos que se han incorporado en obras de arte se centraron en el cliché y la charla omnipresente de los medios de comunicación.” Simon Morley.
Pág. 53 - 1. “El texto acá (las pinturas de Rauschenberg) funciona como un dado ya, un material aparentemente sin valor y que se puede pasar por alto.” Simon Morley.
Pág. 58 - “No brilles para que los demás puedan verte. Brilla para que, a través de ti, los demás puedan verlo a ÉL” C. S. Lewis.
Pág. 63 - “Es normal estar en el promedio: no todo el mundo es increíblemente original. Y es común estar un poco detrás de los tiempos: no todo el mundo tiene sangre de vanguardia. También es normal y común, estar infeliz por estar en el promedio y un poco detrás de los tiempos.” James Elkins.
BIBLIOGRAFIA
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• Morley, Simon. Writing on the Wall, Word and Image in Modern Art; University of California Press, 2003.
• Danto, Arthur. La Transfiguración del Lugar Común, Una Filosofía del Arte; Ediciones Paidós Ibérica, 2002.
• O’Doherty, Brian. Inside the White Cube, The Ideology of the Gallery Space; University of California Press, 1999.
• Whistler, James. The Gentle Art of Making Enemies; Dover Publications, 1967. • Spector, Nancy. Richard Prince; Guggenheim Museum, 2007.
• Cardinal, Roger. Outsider Art and the Autistic Creator; Philosophical Transactions of The Royal Society, 2009.
• Weiss, Allen. The Primacy of Matter; The University of Wisconsin Press, 1991. • Turner, Christopher. Through the Eyes of a Child; Tate Gallery, 2010.
• Ruskin, John. The Elements of Drawing; A&C Black, 2007. • Bodei, Remo, La Forma de lo Bello; Visor, 1998.
INDICE DE IMAGENES
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Francis Bacon, Inocencio X, 1945.
Pág. 14, 15 - Carros de ventas ambulantes, Bogota. Pág. 18 - Julian Schnabel, Al Pueblo de España, 1991. Pág. 19 - Andy Warhol, Brillo Boxes, 1964.
Pág. 24 - Diego Velásquez, Cristo Crucificado, 1632.
Pág. 25 - Elías García Martínez, Ecce Homo de Borja, 1930. Pág. 28 - James Castle.
Pág. 29 - Gregory Blackstock, Birds Collection.
Pág. 34 - James Whistler, Nocturne in Black and Gold, 1875. Pág. 38 - David Salle, Outside Her House, 2009.
Pág. 39 - Sebastian Becerra, Sin Titulo, 2012.
Pág. 40 - Sebastian Becerra, Cajetillas de Chiclets, 2013 Miroslav Tichy.
Pág. 41 - Joaquín Torres García. On Kawara, Studio, 1966.
Pág. 44 - Samuel Morse, Gallery of the Louvre, 1883. Pág. 45 - Charlie Roberts.
Pág. 50 - Robert Weaver. Pág. 51 - Graffiti, Bogota.
Pág. 56, 57 - Hillsong, No Other Name (Times Square), 2014. Pág. 62 - Sebastian Becerra, Cajetilla Marlboro, 2013.
