30. ARTE DEL RENACIMIENTO Y DEL MANIERISMO EN ESPAÑA.
30.1. Panorama histórico-cultural.
España se incorporó al Renacimiento a finales del siglo XV. Lo hizo a través de la Corona de Aragón, presente en el sur de Italia. Fernando el Católico fue el primero en aceptar el arte renacentista. Carlos V (1516-1556) y Felipe II (1556-1598) aceptaron, impulsaron y se valieron del Renacimiento para proyectar su idea imperial. No obstante, el Renacimiento español arrastró durante un tiempo influencias propias del gótico final y del arte mudéjar.
Las manifestaciones artísticas más importantes del Renacimiento español son la arquitectura, la escultura y la pintura. En las últimas se desarrolló el manierismo.
30.2. Arquitectura.
Atendiendo al grado de influencia de la arquitectura renacentista italiana se distinguen tres etapas en la arquitectura renacentista española: plateresco (finales del siglo XV-1530), clasicismo o purismo (1530-1560) y herreriano o escurialense (1560-1630).
Plateresco (finales del siglo XV-1530). Presenta las características siguientes: o No debe entenderse sólo como un estilo constructivo.
o Perviven estructuras del gótico y del mudéjar a las que se añaden elementos ornamentales renacentistas (emblemas heráldicos, figuras humanas, grutescos, guirnaldas, medallones, etc.).
o Aparición de la fachada-retablo, a imitación de los retablos del interior de las iglesias. Los arquitectos platerescos y construcciones más importantes son los siguientes:
o De Lorenzo Vázquez de Segovia son el Colegio de Santa Cruz de Valladolid (1491) y el Palacio de los duques de Medinaceli en Cogolludo (1492). En ambos edificios incorpora sillares almohadillados de inspiración italiana.
o De Enrique Egas son los hospitales de los Reyes Católicos en Santiago de Compostela (1511) y de la Santa Cruz en Toledo (1515). Ambas fachadas están cubiertas con decoración minuciosa.
o De Diego de Siloé es la Escalera Dorada de la catedral de Burgos (1519), de aspecto monumental.
presenta motivos heráldicos, medallones y bustos de héroes. La fachada está coronada con cresterías.
Una variante del plateresco es el estilo Cisneros. Reúne elementos renacentistas y mudéjares. Los muros se decoran con yeserías siguiendo un ritmo geométrico. Los techos se cubren con artesonados. Hay que citar a Pedro de Gumiel, arquitecto de la Sala Capitular de catedral de Toledo (1514) y del Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares (1519).
Clasicismo o purismo (1530-1560). Presenta las características siguientes: o La estructura de los edificios es renacentista.
o Se usan arcos de medio punto, bóvedas de cañón y cúpulas vaídas.
o Se abandona la decoración plateresca.
o La decoración se concentra en puntos focales. El espacio restante queda liso. Los arquitectos puristas y las construcciones más importantes son los siguientes:
o De Pedro Machuca es el Palacio de Carlos V en Granada (1527) que combina en planta el cuadrado al exterior, aunque achaflanado en una de las esquinas, simboliza la perfección terrenal, y el círculo al interior, simboliza la perfección celestial; la fachada presenta dos pisos, el primero con un banco corrido y sillares almohadillados y el segundo con sillares lisos, balcones y oculis entre pilastras; el cuerpo central de la fachada sur se enmarca entre parejas de columnas, en el piso bajo son de orden dórico, enmarcan una portada con frontón triangular, y en el segundo son de orden jónico y enmarcan un arco serliano; en el patio se repite la superposición de órdenes; el primer piso tiene cubierta de bóveda de cañón y el segundo bóveda de casetones y balaustrada.
o Alonso de Covarrubias trabajó en Toledo. Suyos son el Alcázar (1535), de planta cuadrada, con patio central de doble crujía y torres esquineras; el hospital de Tavera (1541), de planta rectangular, se estructura alrededor de dos patios separados por una doble crujía; y la Puerta Nueva de Bisagra (1547), concebida como arco de triunfo entre dos torreones circulares, presenta un arco de medio punto serliano con dovelas almohadilladas, blasón imperial y frontón triangular. o De Rodrígo Gil de Hontañón es la fachada de la Universidad de Alcalá de
Herreriano o escurialense (1560-1630). El arquitecto y obra que definen el estilo herreriano o escurialense es Juan de Herrera y el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (1563-1583). Felipe II encargó la obra a Juan Bautista de Toledo para conmemorar la victoria de los tercios españoles sobre el ejército francés en la batalla de San Quintín (1556), pero la prematura muerte del arquitecto obligó a que Juan de Herrera se hiciese cargo de las obras, modificando el proyecto. Las características del edificio son las del estilo herreriano: rigor geométrico y proporcionalidad, volúmenes y espacios bien definidos, aristas vivas, tejados de pizarra a dos aguas, uso de torres-chapitel y mansardas y desnudez decorativa. El edificio presenta planta en forma de parilla (152 x 192,5 m.), aludiendo al martirio de san Lorenzo, con torres esquineras. Las dependencias (monasterio, iglesia, palacio, panteón real, biblioteca, etc.) se ordenan alrededor de patios y claustros. La fachada principal se compone de dos cuerpos: el bajo con acceso adintelado flanqueado por cuatro columnas dóricas de orden gigante, sobre las que descansa un entablamento; y el segundo rematado por un frontón triangular sobre entablamento y cuatro columnas jónicas de orden gigante. Tras el Patio de Reyes se encuentra la iglesia de cruz griega con nártex entre dos torres y cúpula con tambor sobre pilares gigantes con pilastras adosadas.
30.3. Escultura.
Las características de la escultura renacentista española son las siguientes: Predominio absoluto de la temática religiosa y rechazo de la profana. Realismo y expresividad de las figuras y escenas.
Apenas hay cabida para la “belleza ideal”.
El material más utilizado fue la madera policromada, dorada, estofada o encarnada, para la imaginería y retablos. Para los monumentos funerarios y la escultura vinculada a la arquitectura se utilizó la piedra. Otros materiales como mármol, alabastro, bronce y barro cocido se utilizaron con menos profusión.
La escultura española se incorporó al Renacimiento entre 1500 y 1530 por la importación de piezas escultóricas desde Italia y la llegada de los artistas italianos Fancelli y Torrigiano.
De Fancelli es el sepulcro de don Diego Hurtado de Mendoza (1509), de tipo adosado bajo arco triunfal, y el sepulcro de los Reyes Católicos en la Capilla Real de Granada (1517), de tipo exento con decoración renacentista.
De Torrigiano es San Jerónimo penitente (1525) en barro cocido policromado. Llama la atención por la plasmación exacta de la anatomía, el realismo y la expresividad ascética del santo, que empuña una cruz a la que dirige la mirada.
Bigarny, de origen francés realizó su carrera artística en España. Suyo es el primer retablo renacentista español, el retablo mayor de la catedral de Palencia (1509), en colaboración con Alejo de Vahía y Juan de Valmaseda.
El escultor español más sobresaliente de estos años fue Damián Forment, que destacó como retablista. Suyos son los retablos mayores de la basílica de Nuestra Señora del Pilar de Zaragoza (1518), del monasterio de Poblet (1529), de la catedral de Huesca (1534) y de la catedral de Santo Domingo de la Calzada (1540). Todos los retablos presentan un denso programa iconográfico.
La etapa de mayor esplendor de la escultura renacentista española se desarrolló entre 1530 y 1560. Destacaron Alonso de Berruguete y Juan de Juni.
Alonso de Berruguete se formó en Italia, donde estudió a Donatello y Miguel Ángel. Entre sus mejores obras hay que citar el retablo mayor de San Benito el Real de Valladolid (1532), que se distingue por el realismo, el dramatismo y la contorsión de las figuras, como se aprecia en las imágenes San Sebastián y Sacrificio de Isaac.
Juan de Juni, de origen francés, se formó en su país y en Italia, donde estudió a Della Quercia y a Miguel Ángel. Sus esculturas se caracterizan por composiciones simétricas, estudio anatómico perfecto de las figuras, escorzos acusados, expresiones dramáticas, policromía en tonos intensos, claroscuros acusados y ropajes movidos con pliegues amplios. Hay que citar Entierro de Cristo de San Francisco de Valladolid (1544), el retablo mayor de la catedral del Burgo de Osma (1554) y el Entierro de Cristo de la catedral de Segovia (1570).
El manierismo escultórico se desarrolló entre 1555 y 1600. Lo importó de Italia León Leoni. Destacó como broncista. Su mejor obra es Carlos V dominando el Furor (1555), primera obra manierista en España. Alude a las victorias de Carlos V sobre los enemigos de la Monarquía hispánica, representados por el Furor. Carlos V aparece como un héroe clásico. Llama la atención el estudio anatómico y el monumentalismo.
Entre los escultores españoles manieristas hay que citar a Gaspar Becerra, que se formó en Italia, donde estudió a Miguel Ángel. Su mejor obra es el retablo mayorde la catedral de Astorga (1584) en madera policromada. Consta de predela, tres cuerpos, cinco calles, cuatro entrecalles y ático. Se alternan frontones triangulares y curvos. Las imágenes son de gran tamaño. Se ajusta a los principios del Concilio de Trento (1545-63) por lo que está dedicado a la Virgen María, con las imágenes Ascensión de la Virgen y Coronación de la Virgen en la calle central del retablo, sobre el Sagrario, de mayor tamaño, y bajo el Calvario, flanqueado por estatuas de santos.
30.4. Pintura.
La pintura renacentista española es sobre todo de temática religiosa. Son escasos los cuadros de temática profana, mitológica, de desnudos, y los retratos sólo fueron importantes a finales del siglo XVI en la corte madrileña.
La pintura renacentista apareció en España en Valencia de la mano de Rodrigo Osona el Viejo con el retablo del Calvario de la iglesia de San Nicolás (1476), del italiano Paolo da San Leocadio con Virgen del caballero de Montesa (1505) y Fernando Yáñez de la Almedina, que introdujo en España el estilo leonardesco con Santa Catalina (1510), que se caracteriza por líneas suaves y mirada y sonrisa delicadas.
En Castilla destacaron Pedro Berruguete y Juan de Flandes.
Pedro Berruguete viajó a Italia, donde colaboró con Della Francesca. Es renacentista en las formas, tratamiento de la luz y por incorporar arquitectura renacentista en sus cuadros, pero todavía es flamenco en el detallismo. Entre sus obras hay que citar Degollación de san Juan Bautista (1485), Santo Domingo resucita a un joven (1499), Santo Domingo y los albigenses (1499) y Auto de fe presidido por santo Domingo de Guzmán (1499).
Juan de Flandés llegó a Castilla en 1496. Fue pintor de Corte de Isabel la Católica. Destacó por su destreza técnica, dominio de la composición y la luz e introducir paisajes castellanos en sus cuadros. Hay que citar La resurrección de Lázaro (1518).
El estilo rafaelesco entró en España por Valencia entre 1530 y 1560 de la mano de Vicente Macip y su hijo Juan, conocido como Juan de Juanes. Los dos pintaron cuadros devocionales; de Vicente Macip es Adoración de los Reyes Magos (1530) y de Juan de Juanes La última cena (1556).
Navarrete el Mudo, que pintó Martirio de Santiago (1571) y Tibaldi, que decoró la biblioteca con temas alegóricos (1571).
El manierismo en España está representado por Luis de Morales y El Greco. Luis de Morales se caracteriza por ajustarse a los principios de la Contrarreforma y del Concilio de Trento (1545-63), el sfumato leonardesco, el canon alargado de Parmigianino y la idealización de los personajes. Hay que mencionar Virgen con el Niño y san Juanito (1545), Virgen con el pajarito (1546) y Virgen con el Niño (1568).
El Greco es el pintor más original del manierismo español. Originario de Grecia, su ciudad de adopción en España fue Toledo.
La trayectoria pictórica de El Greco se divide en cuatro etapas: Cretense, de 1555 a 1566.
Veneciana, de 1567 a 1570. Romana, de 1570 a 1577. Española, de 1577 a 1614.
En Creta se formó como pintor de iconos, de estilo tardobizantino, donde aparecen personajes carentes de naturalismo sobre un fondo de oro. Hay que citar La Dormición de la Virgen (1565).
En Venencia estudió a Tiziano, Tintoretto, Veronés y Bassano. Desarrolló un estilo ecléctico, que revela que asimiló los elementos escenográficos, el dibujo, el color, la luz, los escorzos y el dramatismo de la Escuela veneciana. Hay que citar Curación del ciego (1567) y La huida a Egipto (1570).
En su viaje a Roma se detuvo en Parma, donde estudió las obras de Corregio y Parmigianino.
En Roma recibió la influencia de Miguel Ángel y de los manieristas y asumió los principios contrarreformistas del Concilio de Trento (1545-63). De ahí que pinte personajes de complexión alargada y retratos sobrios. Hay que citar Retrato de Giulio Clovio (1571), El soplón (1572) y Anunciación (1573).
En 1575 su carrera en Roma se había estancado por considerarse al mismo nivel que Miguel Ángel. Don Luis de Castilla le persuadió de que viniese a España y participase en la decoración del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.
deán de la catedral de Toledo, que le puso en contacto con una clientela culta, comprometida con la Contrarreforma, y gustaba de sus pinturas.
El Greco fijó en España las características que hacen que sus cuadros sean inconfundibles y representativos de un manierismo personalísimo:
Las figuras se alargan hasta lo imposible. Es así porque El Greco consideraba más bellas las proporciones alargadas que las naturales. La cabeza es pequeña en proporción con el resto del cuerpo.
Los espacios escenográficos son indefinidos y poco profundos.
Las figuras se concentran en el primer y casi único plano, apareciendo superpuestas, en un evidente horror vacui.
La pincelada es larga y fluida.
Los colores son fríos, y los cálidos resultan fríos por su brillo metálico.
La luz es estridente y brillante. No hay una fuente de luz exterior; la fuente de luz son los propios personajes que aparecen en el cuadro. El Greco utilizó la luz para reforzar el mensaje de que Dios en sus diversas presentaciones es la verdad; en este caso la única fuente de luz en el cuadro es el Señor.
Los personajes están dominados por el dramatismo y la espiritualidad con el fin de provocar en el espectador emoción y reflexión.
La mayoría de los cuadros son de temática religiosa y ajustada a los principios de la Contrarreforma, aunque también cultiva el retrato, la mitología y el paisaje.
Del Retablo mayor de Santo Domingo el Antiguo (1577) destaca La Trinidad, con las figuras dispuestas en zigzag.
Felipe II hizo dos encargos a El Greco para decorar el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. En Alegoría de la Liga Santa o Adoración del nombre de Jesús o Sueño de Felipe II (1582) se combinan iconografías políticas de difícil lectura con motivos ortodoxos medievales. En El martirio de san Mauricio y la legión tebana (1582) no aparece la escena del martirio. Felipe II expresó su disgusto hacia ambos lienzos por lo que El Greco no participó en la decoración de Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial y se asentó para siempre en Toledo.
La obra maestra de El Greco fue El entierro del conde de Orgaz (1585) de la iglesia de Santo Tomé de Toledo, donde descansan desde 1323 los restos del conde de Orgaz. Según la leyenda la caridad del conde de Orgaz fue recompensada en el momento de su entierro con la aparición de san Agustín y san Esteban que introdujeron al difunto en la tumba. La composición se estructura en dos planos bien diferenciados; la parte baja representa la realidad terrenal, el entierro, y la parte superior el mundo espiritual; ambos planos están separados por la línea de las cabezas de los asistentes al entierro, y están unidos por el triángulo que forman las nubes, donde se encuentra la figura de un ángel que hace ascender hacia Cristo el alma del difunto. Acompañan a Cristo la Virgen, san Pedro y san Juan Bautista. El cuadro es también una galería de retratos en el que se distingue a Felipe II en la parte superior derecha.
Entre los mejores lienzos de temática religiosa se cuentan los dedicados a los santos, caso de Las lágrimas de san Pedro (1580) y San Andrés y san Francisco (1598).
El Retablo de doña María de Aragón (1596-1600) es el retablo de la iglesia del colegio seminario de la Encarnación de Madrid, desmontado durante la Guerra de la Independencia (1808-1814). Sus seis lienzos son El Bautismo, La Crucifixión, La Resurrección, La Anunciación, El Pentecostés y La Adoración de los pastores del Museo Nacional de Arte de Rumanía en Bucarest. Sus características anticipan las obras de su etapa tardía: las escenas se ciñen a espacios claustrofóbicos, que refuerzan su verticalidad; la luz espectral subraya la irrealidad de las figuras; los escorzos están muy marcados; los colores son fríos e intensos; y la espiritualidad es expresionista.
Las pinturas del que fue retablo de la Capilla mayor del hospital de la Caridad de Illescas (1603) son cuatro y ensalzan la figura de la Virgen.
La Visión del Apocalipsis (1608-14) formaba parte de uno de los retablos laterales de la capilla del hospital de Tavera de Toledo. Representa el momento del Apocalipsis en el que Dios muestra a san Juan la apertura del quinto sello. La composición está dominada por san Juan y los siete resucitados. Hay un contraste de colores entre el azul del vestido de san Juan, el rosa del manto que hay a sus pies, el amarillo pálido y el verde de los mantos de los mártires, el blanco de los cuerpos y las nubes oscuras.
La Adoración de los pastores (1614) es la última obra maestra de El Greco. La pintó para que colgase sobre su tumba en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo de Toledo. La composición se presenta en una espiral ascendente y en dos planos: el terrenal, que tiene por protagonista al Niño Jesús, rodeado por sus padres y los pastores, y que actúa como foco de luz; y el celestial, ocupado por dos ángeles. Las figuras se alargan hasta la exageración. Contrastan los colores entre los cálidos de las ropas con el fondo oscuro.
El Greco también pintó retratos, el más conocido es El caballero con la mano en el pecho (1584) en el que supo recoger el aspecto y carácter austero del caballero castellano. Concentra la fuerza expresiva en los ojos, que muestran melancolía y tristeza, y en la mano, que al tocar el pecho quiere llamar la atención acerca de la riqueza espiritual del caballero y de una época. Otros retratos son Retrato de un caballero anciano (1600) y Retrato de Jorge Manuel Theotocópuli (1603).
Vista de Toledo (1600) es el único cuadro de paisaje y El Laocoonte y sus hijos (1614), con el paisaje de Toledo al fondo, el único mitológico. En ambos el tratamiento que da al paisaje anuncia el impresionismo de finales del siglo XIX.
