RENACIMIENTO EN ESPAÑA
• Las primeras formas renacientes llegan a finales del siglo XV, como consecuencia de las relaciones políticas de la corona española con Italia.
• La situación social y religiosa de España, así como el arraigo de las formas góticas y mudéjares, supone un freno al desarrollo del Renacimiento.
• La difusión se debe a la labor de la monarquía y del mecenazgo de familias nobles y de la Iglesia.
ARQUITECTURA RENACENTISTA EN ESPAÑA
Arquitectura Reyes Católicos (fines del siglo XV, principios del siglo XVI) • Se funden formas hispánicas mudéjares con formas flamígeras.
• Esplendor y originalidad decorativa en la ornamentación de interiores y fachadas.
• Las formas italianas se adoptan e interpretan conforma a las tradiciones culturales.
Juan Guas. San Juan de los Reyes.
Antón y Enrique Egas. Hospitales Reales de Santiago y Santa Cruz de Toledo. Planta cuadrada con cruz
griega y cuatro patios (Filarete)
Gil de Hontañón. Catedrales de Segovia y Salamanca Gil de Siloé. Fachada del Colegio de San Gregorio. PLATERESCO (primer tercio del siglo XVI)
• Estilo proto-renacentista denominado plateresco, por recordar su decoración a la labores de orfebres y plateros.
• Estructuras góticas y decoración renaciente: grutescos (formas vegetales, animales reales o fantásticos, cabeza y torsos humanos), medallones, columnas abalaustradas, temas a candelieri.
• Predominio de lo ornamental sin conexión con la arquitectura.
• Fachada de la Universidad de Salamanca. Fachada del convento de San Esteban Juan de Alava
Paralelamente Lorenzo Vázquez, y por encargo de los Mendoza introduce el nuevo lenguaje renacentista. Paramento almohadillado, temas a candelieri, soportes de zapatas de madera que reposan sobre capiteles clásicos. Palacio de Cogolludo (Guadalajara, 1492) Colegio de Santa Cruz de Valladolid.
PURISMO (segundo tercio del siglo XVI)
• A partir de la segunda mitad del siglo XVI se abandona la ornamentación plateresca por una mayor austeridad ornamental y una claridad de las formas arquitectónicas, que se liberan del lastre gótico.
• La decoración disminuye en extensión, pero gana en intensidad los relieves. Se ciñe a los encuadres de los vanos y elementos arquitectónicos.
• Por influencia de Italia (Bramante), así como por la publicación de libros y tratados, se presta mayor atención a las proporciones.
• Utilización del repertorio clásico: arcos de medio punto con molduración fina; columnas clásicas; bóvedas vaidas, ovaladas, de cañón con casetones.
Alonso de Covarrubias. Evoluciona desde el plateresco a formas clásicas y severas., Hospital de Tavera:
sobriedad, clasicismo, desnudez decorativa, que preludia lo herreriano.
Rodrigo Gil de Hontañón. Fachada de la Universidad de Alcalá: armoniosa división de zonas y
decoración de gran volumen concentrada en lugares significantes. Coronada por un frontón y cresterías con guirnaldas sostenidas por niños.
Diego de Siloé. Catedral de Granada. Comenzada por Egás (gótico), somete el templo a la estética
renacentista. Pilares con esbeltos pedestales y doble entablamento (Brunelleschi). La capilla mayor: espacio centralizado, como rotonda y con cúpula renaciente. Las naves se cubren con bóvedas de crucería. Influye en las catedrales de Málaga y Guadix.
Andrés de Valdevira. Relación con Siloé. Palacio de las Cadenas, San Salvador de Úbeda. Catedral de Jaén: la sacristía recuerda a Brunelleschi; simplicidad estructural. Influencia en Andalucía, Levante y
Murcia.
Pedro Machuca
• Pintor y arquitecto formado en Italia donde conoce las ideas de Vitrubio y Serlio. Conoce la arquitectura de Bramante, Rafael
Palacio de Carlos V (1528)
• Materiales. Piedra, arenisca y caliza, cortada en sillares; en las portadas mármol.
• Planta: cuadrado con patio interior circular; cuatro zaguanes abovedados; escaleras y capilla
octogonal.
• Patio. Circular, no guarda buena ligazón con la periferia. Patio adintelado, con dos galerías y
superposición de órdenes. El primer piso es de orden toscano y el segundo de orden jónico.
• Las columnas toscanas, lisas, esbeltas, espaciadas; basas áticas; clípeos y bucráneos se alternan en las metopas del entablamento.
• El muro de la galería circundante del patio presenta pilastras recuadradas; hornacinas aveneradas; cartelas y tondos. Bóveda anular.
• En la galería superior: orden jónico sobre pedestales. Pretil con cartelas.
• Fachadas. Derivadas del palacio de Sangallo.
• En el primer cuerpo: pilastras toscanas, a modo de rafas, alternando hiladas (columnas vulgarizadas por Vignola); almohadillado; entablamento con friso.
• En el segundo cuerpo: pilastras jónicas; recuadros sobre pedestales; balcones protegidos por una cornisa sobre ménsulas con hoja pendiente y un festón de hojas y frutas. Encima de tal cornisa: frontones angulares, con granadas por acróteras y rebancos entre angelillos con canastos de frutas y jarrones alineados encima. Sobre ellos claraboyas.
• Simboliza la idea imperial de Carlos V, su poder. El cuadrado hace referencia lo terrenal y el círculo a la eternidad, la perfección absoluta relacionada con la divinidad. El espacio centralizado como el poder del monarca. La solidez de la construcción refleja la idea de fortaleza del buen gobernante. El palacio es el templo de la fama, el reflejo de las virtudes del buen gobierno. Es un microcosmos en el que se puede ver reflejada la idea de la universitas cristiana de Carlos V.
EL ESCORIAL (1563-1584)
• Metáfora estética, arquitectónica y personal de Felipe II
• Símbolo del poder real y de la Iglesia triunfante de la Contrarreforma. Simboliza el templo de Salomón, Felipe II es rey de Jerusalén.
• Conmemora la batalla de San Quintín (10 de agosto de 1557), festividad de San Lorenzo.
• Palacio, templo, panteón, biblioteca, monasterio. Mantiene la tradición de las casas reales hispanas.
Planos y proyectos
• La traza universal y el Patio de los Evangelistas corresponden a Juan Bautista de Toledo formado en Italia junto a Miguel Ángel
• Planta rectangular de riguroso cuadriculado y cierto simbolismo de parrilla.
• En la parte central la basílica, flanqueada por el convento a la derecha y por el palacio en el lado izquierdo y testero; entorno se levantan varios patios que mantienen una distribución cruciforme. El
Patio de los Reyes como atrio de la iglesia.
• El Escorial se concibe como un edificio mediterráneo, donde la luz no se capta directamente, sino mediante los patios.
• En 1572 Juan de Herrera, sustituye a Juan Bautista de Toledo manteniendo la idea esencial del proyecto y con algunas modificaciones, como la elevación de toda la parte delantera del edificio, para situarla al mismo nivel que el resto de la obra y la supresión de seis de las doce torres proyectadas.
• Quiere plasmar la idea de equilibrio y armonía del Universo (Raimundo Lulio). Busca la relación entre los principios abstractos (filosóficos) y matemáticos (pitagorismo) del rectángulo áureo y del cubo.
• Herrera transforma la idea de Felipe II de plasmar en piedra su concepto del mundo en una obra que sobrevivirá al tiempo
La arquitectura del Escorial Fachadas exteriores
• Ruptura frontal con lo Plateresco. Refleja la personalidad del arquitecto, de Felipe II (El plateresco no es válido para grandes edificios) y del Concilio de Trento (ascetismo de formas). Austeridad aparente, racionalismo decorativo.
• Manierista por la atomización artificiosa y complejidad de la planta que no permite tener una visión clara del conjunto.
• Las fachadas repliegan el edificio en sí mismo como un mundo independiente, al margen de su entorno (ambigüedad: edificio enorme para llevar una vida ascética)
• Primacía de los elementos estructurales desnudos de todo ornato. Volúmenes natos, aristas vivas (Vignola, Palladio). Juego visual de masas y volúmenes (abstracción)
• Numerosas y simétricas ventanas (desnudas, rectangulares) que acentúan la simplicidad y la severidad.
• Muros lisos. Horizontalidad de las ventanas y cornisas (molduras longitudinales que dividen en altura los pisos) rota por las torres.
• La fachada Sur desviada ligeramente para que coincida su orientación con la puesta del sol el 10 de agosto.
• Tejados de pizarra, inclinación, buhardillas (Países Bajos).
• Componentes manieristas: pirámides, bolas, para aliviar la monotonía. Sentido de inestabilidad. Contraste muro-vano.
• Se contraponen efectos como colosalismo-simplicidad, hermetismo externo apertura de espacios interiores, grandiosidad-austeridad.
Portada principal
• Herrera la sobreeleva para ocultar la Iglesia, creando una falsa portada que se asoma al exterior (juego de simulación y ocultamiento)
• El primer cuerpo es un rectángulo doble de ancho que de alto con ocho medias columnas dóricas, nichos y ventanas.
• Sobre la puerta dos parrillas; el segundo cuerpo encima de la cornisa con cuatro columnas jónicas entre las que se sitúa el escudo de los Austrias y la imagen de san Lorenzo. Se remata con frontón.
Patio de los Evangelistas
• Comenzado por Juan Bautista de Toledo.
• Formas puras y armónicas, desnudez ornamental, superposición clásica de órdenes.
• Se contrapone al templete central de Herrera de frialdad artificiosa. “Fons Vitae”: imagen de la Iglesia; en la cúspide Cristo, de él fluye el agua de salvación a través de los cuatro canales (cuatro evangelistas) cuatro puntos cardinales donde la Iglesia predica por medio de Felipe II.
Patio de los Reyes (Josafat, Ezequias, David, Salomón, Josías y Manases)
• Reyes de la familia de David y tribu de Judá que engrandecen a Felipe II (se consideraba rey sabio como Salomón)
• Antesala de la basílica. Sirve como fachada a la iglesia.
• Orden toscano, arcos de medio punto, frontón triangular.
• En los lados de las puertas dos torres de planta cuadrada y cúpula semiesférica; remates piramidales sobre pequeñas cúpulas.
Basílica.
• Basada en proyectos Italianos para la basílica de San Pedro (Bramante, Miguel Ángel).
• Planta cruz griega inscrita en cuadrado, convertida en basílica con la incorporación de nartex (sotocoro), con bóveda plana.
• Presbiterio elevado sobre gradas, cabecera plana.
• Bóveda de cañón en los brazos. Cúpula sobre tambor.
• Enormes pilares con pilastras acanaladas que aligeran la estructura (hornacinas, nichos), entablamentos, ventanas termales.
ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
• Predominio total y absoluto de la tradición iconográfica religiosa.
• Rechazo de lo profano y pagano, relegado a función decorativa y círculos humanistas.
• Los clientes son la iglesia, la Monarquía y la nobleza (potencian el Humanismo y se interesan por las novedades)
• Los artistas mantienen la tradición artesana y gremial del gótico, sujetos a los contratos de los clientes, lo que les impide cierta libertad y originalidad.
• Tradición del patetismo gótico; gusto por lo expresivo, directo y realista; pocas veces se busca la belleza ideal
• Supervivencia de la madera policromada (entalladores, ensambladores, escultores, pintores) se tapa las hendiduras con lienzos y grapas, después varias capas de yeso y sobre ellas una arcilla muy fina (bol). A continuación se dora con panes de oro; por último se cubre con una capa de colores lisos; el estofado; a veces se trabaja con un punzón para sacar el dorado, o a punta de pincel, pintar algunos detalles minuciosamente encima del oro: el esgrafiado. Las partes desnudas se pintan al óleo, encarnado.
• Conjuntos escultóricos en retablos, sillerías de coro (maderas nobles), imágenes exentas
• Utilizan también el mármol y el alabastro (monumentos funerarios y decoración arquitectónica). Los temas funerarios expresan el triunfo sobre la muerte, la idea humanista de la fama y la gloria para la eternidad
Escultura del primer tercio del siglo XVI
• La presencia de escultores italianos a comienzos del siglo XVI supone la introducción de formas florentinas (grutescos en relieves y formas de Donatello). También empiezan a llegar obras importadas de Italia como sepulcros, portadas, fuentes, cerámica.
Domenico Fancelli (1469-1518). Obras en mármol de carácter funerario: Reyes Católicos en Granada.
Las figuras yacentes idealizadas; medallones y figuras de virtudes en hornacinas, estilo preciosista.
Bartolomé Ordoñez (1520). Tumba de Juana la Loca y Felipe el Hermoso (Granada)
Felipe Bigarny. Relieves del trasaltar de la Catedral de Burgos, Sillería del coro de la Catedral de Toledo (con Berrugete)
Segundo tercio del siglo XVI. Berrugete (1490-1561)
• Hijo de Pedro (pintor). Viaja a Italia; conoce a Miguel Angel, Donatello, Della Quercia.
• Sus composiciones no tienen serenidad. Las figuras se agitan en actitudes inestables, rebuscadas y
violentas; en desaplomo casi siempre: doblando una pierna, juntas o cruzadas casi siempre; no importa que tenga defectos anatómicos. El movimiento de los brazos se justifica con algún libro o tablero.
• Los gestos se exageran, se distorsionan, para destacar la expresividad; se alarga el canon y se
estilizan las formas en una búsqueda de una mayor expresividad e intensidad religiosa (eco del nervioso patetismo gótico).
• Rostros disimétricos; barbilla prominente y maxilar inferior arqueado; abierta la boca; oblicuos los
ojos y apretado entrecejo, con expresión dolorida; intenso desarrollo de la barba y la cabellera.
• Figuras huesudas. Desnudo descarnado y acusando músculos sin precisión.
• El movimiento helicoidal (movimiento serpentino manierista) al que somete las composiciones hace que se desplacen brazos y piernas (movimiento gesticulante) y rompa con el frontalismo.
• Atavío de ropajes: variedad de prendas y complementos de fajas y ceñidores, flotando o ciñéndose.
• Trabajo rápido, con incorrecciones, que cubre con la policromía.
• Retablo de la Iglesia de San Benito en Valladolid. Retablo a modo de fachada con grandes columnas
Juan de Juni (1507-1577)
• De origen francés (borgoñón), se forma en Italia, conoce a Miguel Angel. Se instala en Valladolid, adaptándose a la espiritualidad castellana.
• Composiciones monumentales, ordenadas. Clasicismo formal; afán de perfección. Figuras sólidas, robustas, musculosas (Miguel Angel)
• Efectismo teatral, dramatismo (tradición Borgoñona) por medio de posturas violentas y juego mímico de las manos (gestos de angustia); figuras entrelazadas unas con otras, dialogando entre sí y con el espectador.
• Santo Entierro de Valladolid. Estudiada composición, simétrica y cerrada; hondo patetismo; figuras
corpulentas (antítesis de Berrugete)
Escultura Renacentista en España. Ultimo tercio del siglo XVI.
Gaspar Becerra. Imitación de Miguel Angel. Desnudo opulento; músculos, actitudes y modelos sin
demasiada movilidad. Retablo de la Catedral de Astorga: alternancia de frontones (importancia de la arquitectura); estilo grandioso; tensión de sus elementos.
Escultura de Corte. Felipe II
• En torno a la corte creaciones escultóricas de influencia italiana, pero de mayor perfección técnica, así como la utilización de materiales nobles (mármol, bronce)
• León y Pompeyo Leoni, realizan retratos en bronce y mármol; monumentos alegóricos y medallones. • León Leoni. Carlos V dominando el Furor:
• Pompeyo Leoni. Imágenes del retablo mayor del Escorial, según trazas de Herrera. Grupo funerario de Carlos y Felipe con sus familias, a ambos lados del presbiterio; bronce dorado con esmaltes y
PINTURA DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
• Escasez del tema profano, excepto en las colecciones reales y nobleza.
• Temática religiosa para la Iglesia. Concepto del decoro y ejemplaridad moral, frente a las ideas protestantes.
• Utilización exhaustiva de las imágenes religiosas como vehículo adecuado para fomentar la devoción de los fieles, explicar las verdades de la Fe y servir de complemento a la predicación.
• Se sigue apostando por la forma tradicional del retablo, por su gran capacidad narrativa y de adoctrinamiento
• Continúa la tradición realista del arte flamenco.
ESCUELA LEVANTINA
Fernando Yañez (primer tercio del siglo XVI). Retablo de la Catedral de Valencia. Próximo a Leonardo
da Vinci: difuminado en los rostros y mímica de las manos; tipos, actitudes, paisajes; caricatura en los personajes secundarios; arquitectura de Bramante.
En la segunda mitad del siglo XVI, influencia de grandes maestros italianos y del primer manierismo florentino .Influencia de Rafael: elegancia y amplitud compositiva. Se olvida de lo minucioso de lo flamenco y del juego perspectivo del siglo XVI.
Vicente Masip: difunde a Rafael y Juan de Juanes (hijo) crea temas religiosos que alcanzan gran
devoción popular con un estilo dulcificador: Ultima Cena
ESCUELA CASTELLANA
• Arraigo de la pintura hispano-flamenca
Pedro Berrugete. Sigue con pormenores flamencos y oros. Fondos con arquitectura renacentista;
techumbres moriscas de lazo; brocados y sedas orientales. Auto de fe (Santo Tomás de Avila)
Juan de Flandes. Pintor de los Reyes Católicos. Bodas De Caná. Resurrección de Lázaro.
Juan de Borgoña. Sin romper con el gótico, introduce decoración arquitectónica y amplios escenarios de
paisaje. Figuras idealizadas (Guirlandaio). Sala Capitular de la Catedral de Toledo
ESCUELA ANDALUZA
Pedro Machuca. Influencia de Miguel Angel, Rafael y Corregio. Descendimiento EXTREMADURA
Luis de Morales
• Difuminado de Leonardo; aportaciones manieristas y pervivencia del detallismo flamenco.
• Utiliza mucho los contrastes de luz y sombra. Figuras iluminadas sobre fondos oscuros.
• Divulga temas religiosos, llenos de expresividad y sentimiento piadoso.
EL GRECO (1541-1614)
Formación de un estilo
Formación Cretense (estética bizantina)
• Pintor de iconos. Simbolismo de sus composiciones y figuras.
• Iconografía: Cristo bendiciendo con los dedos cruzados, nimbos romboidales, el alma en forma humana.
• Sentido casi abstracto, ritual. Composiciones sencillas. Gestos solemnes de los rostros.
• Imágenes de devoción popular, rígidas, poco realistas.
Venecia
• Rico colorido (Tiziano, Veronés) de (azules, carmines, verdes, amarillos), gama fría, luces coloreadas, contrastes lumínicos y escorzos.
• Técnica suelta y libre (veladuras, pincelada amplia). Pincelada emborronada, acabado espontáneo (Tintoretto)
• Estudia composición y perspectiva.
• Dramatismo, figuras dinámicas (Tintoretto) Efectismo: pincelada vertical blanca en párpados.
• División en dos zonas diferenciadas (terrenal y celestial) unas veces en profundidad y otras en primer plano.
• Sentido anecdótico, instrumentos musicales (Bassano) “La curación del ciego” la expulsión de los
mercaderes del templo”. Roma
Estudiadas composiciones, dibujada musculatura, tratamiento anatómico de las figuras y movimiento serpentino de Miguel Ángel. Alarga y estiliza a su manera.
Rasgos Generales de la Pintura del Greco
• Fuerza expresiva del color: riqueza de materia. Pintor de calidades. Riqueza del arbitrario colorido,
subjetivo, irreal (vibrantes amarillos, verdosos, fuertes rojos, anaranjados, grises azulados) Al sensualismo veneciano opone frialdad y riqueza tonal.
• Rompe con el dibujo, pintando a base de anchas y certeras pinceladas (veneciano). Pincelada
emborronada, acabado espontáneo
• Falta de profundidad, de relieve plástico y de claroscuro. No le interesa el dominio del espacio ni
la exaltación del relieve.
• Composiciones por zonas: planos celeste y terrenal se funden con gran naturalidad, enlaza lo
sobrenatural y natural.
• Sacrifica la anatomía y la proporción en beneficio de la expresión y el dramatismo al servicio de
la Iglesia. Alarga proporciones (adhesión a la Edad Media, bizantinismo, también manierismo) aumenta el dramatismo. Formas alargadas, sinuosas, retorcidas, complicados escorzos.
• Se sirve de formas inestables, de colores ideales y de luz inmarchitable para obtener efectos de
lejanía intangible, atmósferas espirituales, ambientes supraterrenales. Empleo de detalles realistas que certifican la distancia con la realidad natural.
• Pintor místico: cuadros soñados, contenido irreal. Todo es volátil, ingrávido. Cada figura brilla
con su luz propia interior y cobra un extremo movimiento que le confiere una intensidad expresiva (almas que reciben la luz divina). Figuras se alargan “espectrales “. Parecen creaciones del interior de la mente (neoplatonismo).
• No fue pintor de reyes, ni cortesanos, sólo comprendido por una minoría intelectual. (Aristócratas, clérigos, eruditos teólogos de Toledo). Lecturas diversas.
• Temática. Temas religiosos de la Contrarreforma. Muchas obras realizadas para lugares privados (capillas, instituciones religiosas, seminarios).
• Figuras aisladas de santos, penitentes, Escenas pasión de Cristo, éxtasis, visiones.
• Interpretación de santos como intercesores del hombre ante Dios. Exaltación de la Penitencia, por la que el hombre se salva. Glorificación de la Virgen, como madre de Dios. Retratos. Paisajes. Temas profanos (mitología).
EL GRECO EN TOLEDO
• Llega a España para trabajar en el Escorial (Zúcaro, Tibaldi) (1577) Se instala definitivamente en
Toledo, donde percibe con toda agudeza el anhelo de reforma espiritual y de renovación litúrgica que
vivían sus contemporáneos.
• Forjó un estilo en el que quedaba excluida la idea de representar la manifestación de Dios exclusivamente en términos naturalistas, y recurrió a la iconografía del arte bizantino y manierista como medio para la contemplación de Dios.
• Pintura como expresión al servicio del significado religioso. Contrarreforma La Trinidad (retablo de Santo Domingo el Antiguo). El Expolio (Catedral de Toledo) 2ª Etapa (1580-1585)
• Intensa actividad. Original y modernas composiciones por zonas: planos celeste y terrenal se funden con gran naturalidad, enlaza lo sobrenatural y natural.
• Uso de formas, luces y sombras arbitrarias.
• Las figuras tienen su propia y dramática luz interior. Luz exterior anticonvencional y efectista (carácter extraterreno a sus escenas).
• Pinceladas largas y pastosas, con retoques (acabado espontáneo).
Entierro del Conde de Orgaz (Santo Tomé). Caballero mano en el pecho
3º Etapa (1590)
• Iconografía nueva: figuras aisladas de santos, penitentes, escenas pasión de Cristo, éxtasis, visiones.
• Sufre transformaciones: figuras se alargan “espectrales “. Se hacen bidimensionales Inmateriales. Parecen sumergidas en un sueño. Arte se intelectualiza y espiritualiza.
• Se marcan más claramente las transiciones de la luz a la oscuridad. Los colores son más expresivos y menos descriptivos. Utiliza más los negros, grises y blancos, y abandona gradualmente las reglas renacentistas de la perspectiva y la proporción, tendiendo hacia una estética manierista
• Humaniza creaciones abstractas, ternura emotiva (expresivo modelado de las manos).
• Rico empaste de colores, trazos angulares en los ropajes, fuerte pincelada: textura.
Bautismo de Cristo. (Prado)
Principios del S. XVII
• Disimetrías, formas diluidas y libre utilización del color en manchas.
• Santos y apóstoles “febril misticismo “. San Francisco.
• Bautismo de Cristo. Supresión del espacio, inestable, transitivo, colores tornasolados fundidos en
reflejos constantes y en iluminaciones deslumbrantes.
• Resurrección. Tema muy tratado. Variedad de escorzos y posturas. El misterio envuelve y retiene a las
figuras. Desaparición del sepulcro (ausencia de todo material).
• La adoración de los pastores (Prado), pintado para su tumba, revela que la iconografía mística de su
última época era muy personal y demuestra su interés por la espiritualidad.
• Laocoonte, Vistas de Toledo.
• Arquitectura de retablos: Santo Domingo el Antiguo. Hospital de la Caridad de Illescas.
