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PROYECTO DE INVESTIGACIÓN CREACIÓN ARTÍSTICA
HERIDA DE ORO: DEL TEXTO LITERARIO A LA PUESTA EN ESCENA DANCÍSTICA
POR: JOSÉ MIGUEL GARCÍA RANGEL 20112088110
UNIVERSIDAD FRANCISCO JOSÉ DE CALDAS FACULTAD DE CIENCIAS Y EDUCACIÓN
LICENCIATURA EN EDUCACIÓN BÁSICA CON ÉNFASIS EN EDUCACIÓN ARTÍSTICA BOGOTÁ
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HERIDA DE ORO: DEL TEXTO LITERARIO A LA PUESTA EN ESCENA DANCÍSTICA
AUTOR:
JOSÉ MIGUEL GARCÍA RANGEL CÓDIGO: 20112188110
TUTOR:
HANZ PLATA MARTÍNEZ
UNIVERSIDAD FRANCISCO JOSÉ DE CALDAS FACULTAD DE CIENCIAS Y EDUCACIÓN
Para optar por el título de:
LICENCIATURA EN EDUCACIÓN BÁSICA CON ÉNFASIS EN EDUCACIÓN ARTÍSTICA
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NOTA DE ACEPTACIÓN
DIRECTOR DE TESIS
EVALUADOR 1
4 Agradecimientos
En primera instancia a Dios por enseñarme la belleza de la vida y hacerme sentir su compañía en lo cotidiano.
En especial, quiero agradecer a mi familia, quienes han sido un pilar indispensable en todos los aspectos de mi vida. Fundamentales en este proceso académico, ya que sin su apoyo o compañía, no hubiera sido posible lograr este objetivo; a mis padres, por su incondicional soporte emocional y consejos de vida, que me brindaron en los momentos más difíciles una orientación clara y precisa, para seguir adelante; a mis hermanos, que con su gran ejemplo de persistencia y éxito en la vida académica, me han guiado y fortalecido para ser una persona intelectualmente integral. A ellos, quienes siempre han estado
pendientes de mi proceso formativo y académico, infinitas gracias.
Agradezco a los docentes que me instruyeron, acompañaron y orientaron desde su labor, desde el inicio. Especialmente a Álvaro Fuentes Medrano, que me enseñó a conectar con mi cuerpo de una manera más personal y sensible; a Ángela Sofía Rivera, quien me brindo la alegría y satisfacción de poder conocerla, por medio de sus clases liberadoras. Y quién me brindo un haz de confianza en mis letras y primera idea de proyecto. Al profesor Hanz Plata Martínez, por sus intervenciones puntuales en esta creación, las cuales me brindaron tranquilidad y claridad, en el momento de realizar este documento.
A Nicolás Gualtero por su colaboración y aporte de registro fílmico y Julián Moya por su compañía en la realización del proceso creativo del proyecto.
5 CONTENIDOS:
RAE………...6
INTRODUCCIÓN:………7
JUSTIFICACIÓN:……….9
OBJETIVOS:………11
MARCO REFERENCIAL CAPÍTULO 1. Lo poético: Definición y contexto literario………..12
Antecedentes de la danza contemporánea: Doris Humprhey, Merce Cunningham y Pina Bausch…….14
Poética en danza: ¿Cómo se ha abordado el tema de la poética en la danza contemporánea?...17
La autobiografía como línea de trabajo de creación artística………...19
Transposición de lenguajes artísticos………..20
Dramaturgia de la danza: Álvaro Fuentes Medrano……….22
CAPÍTULO 2. Dinámicas reales del proceso de creación y objeto creado.………... 23
Dramaturgia de la puesta en escena………..25
Elementos Fundamentales externos de la puesta en escena………..33
CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES………41
REFERENCIAS………....43
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Resumen Analítico Especializado
Trabajo de grado: Investigación creación en educación artística.
Título tentativo: Herida de oro: Del texto literario a la puesta en escena dancística.
Palabras Claves: Poética, dramaturgia, autobiografía, danza, literatura, transposición, creación.
Descripción: Trabajo de grado, bajo la modalidad de investigación creación en educación artística de la Universidad Distrital F.J.C. Consta de cuatro capítulos, en los cuales se estudia lo poético, desde la autobiografía. Se propone una puesta en escena como respuesta a la pregunta ¿Cómo un texto poético se vuelve danza?
Fuentes: Los referentes más importantes son: Álvaro Fuentes Medrano con su libro: El dramaturgista y la deconstrucción de la danza. Octavio Paz: El arco y la Lira.
Contenidos: Herida de oro: Del texto literario a la puesta en escena dancística, es una propuesta creativa que transpone dos lenguajes artísticos: La literatura y la danza. Se ejecuta la transposición de estas dos artes, a partir de la dramaturgia de la danza. La autobiografía, es el punto de partida del texto poético Herida de oro y su eje temático es la poética, visto principalmente desde la perspectiva de Octavio Paz. Es importante poder incentivar, con este trabajo, a los jóvenes en especial, para que logren crear piezas artísticas, desde su propia perspectiva y experiencia. Y de esta manera enriquecer la modalidad de investigación- creación.
Así pues se contemplan dos tipos de escritura, una de tipo poético con el texto “Herida de oro” y la otra, donde la dramaturgia es el método organizativo de la puesta en escena.
Metodología: La modalidad de trabajo de grado es investigación-creación. Es de tipo deductivo, en la temática, ya que se parte desde lo general, (poética) hacia las particularidades, poética en danza y literatura. Además de esto, para la creación de la puesta en escena, se propone la realización de la dramaturgia a partir del texto “El dramaturgista y la deconstrucción de la danza” donde se proponen
métodos pedagógicos y creativos, como la deconstrucción de acciones cotidianas. Una estrategia metodológica es la transposición de lenguajes artísticos, basada en la libertad creativa.
Conclusiones: La poética resulta ser un tema relacional de los lenguajes artísticos que se transponen en un objeto artístico.
7 INTRODUCCIÓN:
El presente trabajo de grado, se realizó bajo la modalidad de investigación-creación artística, regida por el acuerdo 038 del 28 de Junio de 2015 (http://sgral.udistrital.edu.co/xdata/ca/acu_2015-038.pdf) que ofrece la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, en su programa de pregrado: Licenciatura en educación básica con énfasis en educación artística.
Cabe aclarar, que todos los conceptos presentados, en este trabajo, son de ayuda contextual y que además van a ser desarrollados, de manera detallada y específicamente, para ser aplicados en el objeto de creación, que es la puesta en escena dancística.
El tema de investigación que se desarrolló es: La poética, abordada desde la literatura y la danza. La intención es realizar la transposición de lenguajes, de un texto poético con rasgos autobiográficos, a una puesta en escena dancística. Por lo anterior, es importante indagar sobre la poética en ambas áreas, para llegar a responder ¿cómo la literatura se vuelve danza? y con la resolución de ésta, responder otras inquietudes que surgen como: ¿hay un método específico para llevar a cabo este objetivo? Y ¿cuál sería el impacto en el arte y sus actores?
En cuanto respecta al documento del trabajo de grado, en general se va a organizar por capítulos:
El primero, presenta los elementos teóricos del proyecto, los cuales, van a estar encaminados hacia lo poético(es lo que hace referencia a la poesía dentro del ámbito literario y dentro del ámbito dancístico). En primera instancia, se pone en contexto el tema de la poética y su definición en el área de la literatura. Luego se presenta un análisis de los puntos de encuentro entre las áreas artísticas: literatura y danza, siguiendo el eje temático. Finalmente, se presenta la aplicación del estudio de la transposición de lenguajes, para obtener como resultado el objeto de creación; La puesta en escena de danza.
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expresiones humanas que a través del tiempo se han manifestado, de formas únicas dentro del arte. Son las necesidades particulares de las personas, que se vuelven colectivas, generando movimientos sociales que abren paso al cambio, revelándose a la realidad inmediata. Además de las artes representadas en obras artísticas.
En la anterior cita, el autor dice que la poesía es danza. Y si la poesía es danza, se encuentra una inmensa posibilidad de que un texto poético literario, incursione de alguna manera, a la danza o cualquier otro arte, por medio de la poética. Y lo poético es: “poesía en estado amorfo; el poema es creación, poesía erguida” (Paz, 1967, p.4). Así pues, lo poético, refiere a la poesía. Esa poesía que es, el estado en bruto de una obra artística, como el poema. Entonces se infiere que la poética, habita en cualquier arte y por ende, puede transponer las artes entre sí. Lo cual nos abre camino responder a la pregunta ¿cómo la literatura se vuelve danza? y más que eso, ¿cómo un texto poético literario se vuelve movimiento en una puesta en escena de un arte como la danza?
Para ello es importante, entender la perspectiva de la poética, que tienen los autores de danza, como Patricia Cardona, quien en el prólogo del libro “El dramaturgista y la deconstrucción de la danza” de Álvaro Fuentes Medrano dice que la poética: “(…) o la creación de mundos internos, es sinónimo de autenticidad” (p.11). Y además, expresa que la poética también tiene que ver con la forma personal en la que las personas abordan la experiencia.
Así, las diversas perspectivas de los autores, tanto en literatura como en danza, nos ofrecen puntos de encuentro y discrepancias, para aplicar de manera efectiva la transposición de lenguajes al objeto de creación y resolver la pregunta problema de la investigación. Por otro lado, permite el estudio y análisis de un método experimental, que nutre la creación y cumple el objetivo del proyecto.
El segundo capítulo, da cuenta de la indagación acerca de las dinámicas reales para el proceso de creación y objeto creado. Aquí se encuentran proyectos afines de docentes investigadores y autores que hablan de los temas en desarrollo. En especial, la visión del método pedagógico y la construcción metodológica de la dramaturgia en la danza del docente Álvaro Fuentes Medrano. Además, la búsqueda de fuentes de información que nutren la investigación-creación. Además de contar con otras fuentes de información como noticias, documentos, artículos, filmaciones, etc.
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En el tercer capítulo, se presenta el proceso de creación: el método y recursos se detallan en este capítulo. También las experiencias, inquietudes, soluciones y caminos que se presentaron durante el proceso del proyecto.
Por último, el cuarto capítulo presenta los registros del objeto creado. Aquí se propone un registro fílmico de la puesta en escena y también el registro de ejercicios escénicos, que abrieron paso a desarrollar las partituras de movimiento de la puesta en escena.
Objeto de creación
El objeto, consiste en una puesta escena, de danza, que aborda lo poético, desde la perspectiva de la transposición de lenguajes artísticos, en este caso, la literatura y la danza. Además, es una manifestación artística que presenta, aspectos autobiográficos del autor.
Justificación
Herida de oro: Del texto literario a la puesta en escena dancística, es una propuesta que nace de la necesidad de hacer un aporte a la modalidad de trabajo investigativo en creación artística, a partir, de la autobiografía y la poética. Además, de poder incentivar en jóvenes del medio artístico, el interés de crear un discurso propio, a partir de la manifestación concreta de sus propias experiencias. Para, que éstos se identifiquen y relacionen con la sociedad, con lenguajes como la danza y la literatura.
Lo anterior, reivindica la autoría y creación autobiográfica, como líneas de trabajo que enriquecen al arte, con obras innovadoras y trans-disciplinares. Además, es una propuesta que incentiva la investigación en creación artística.
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Al reconocer el arte como un factor de cambio, a través de la creación autobiográfica, se logra sensibilizar a la comunidad frente a las dinámicas sociales que los afectan directamente, y más que eso, se pretende brindar una herramienta, que empodere a las personas en su diario vivir. Con esto se reivindican los procesos formativos para la democratización del conocimiento, en esta área.
La ejecución de la puesta en escena es dirigida especialmente a jóvenes creadores, tanto a los que están dentro del medio del arte, como a los que no. Personas capaces de proyectar un cambio en su vida cotidiana y en la sociedad. Es aplicable en el contexto académico, en sus diferentes niveles, iniciando desde la educación media.
Cabe resaltar que este documento es un modelo para la enseñanza, de la dramaturgia de la danza y la creación literaria. Y específicamente, una línea de trabajo que aprovecha la autobiografía como un componente creativo y de investigación en el arte.
11 Objetivo general
Crear una puesta en escena, con elementos autobiográficos, para transponer de la literatura a la danza un texto, abordando el tema de la poética.
Objetivos específicos
1. Construir la dramaturgia de la danza para un texto poético.
12 CAPÍTULO UNO:
BASES TEÓRICAS DEL PROYECTO:
LO POÉTICO
Para resolver la pregunta problema de ¿cómo un texto poético se vuelve danza? Se debe analizar el tema de la poética. Desde la literatura se abordó el texto: El Arco y la Lira de Octavio Paz. Quien desde un inicio, en la advertencia a su primera edición, formula la pregunta ¿vale la pena hacer poesía? y unos renglones más adelante, se pregunta, si acaso la poesía no puede tener un objeto propio, como los instantes poéticos, además de la mera creación de poemas.
Teniendo en cuenta, estos cuestionamientos del autor, frente a la creación poética, se genera la necesidad de clarificar ¿Qué es poesía? ¿Qué es poema? y ¿Qué es poética? La primera parte del texto El arco y la lira resuelve en detalle estas inquietudes terminológicas.
“La poesía es conocimiento, expresión histórica de razas, naciones y clases, arte de hablar en una forma superior, es experiencia innata, danza, diálogo, monólogo, hablada, pintada, escrita, ostenta todos los rostros pero hay quien afirma que no posee ninguno: el poema es una careta que oculta el vacío ¡ prueba hermosa de la superflua grandeza de toda obra humana” ( Paz, 1967,p.3) Lo anterior, demuestra que la poesía puede adquirir diversos calificativos, debido a su carácter universal, a la vez personal. Que brinda una atmósfera de posibilidades expresivas que se manifiestan por medio de las obras artísticas.
Para ser preciso, se puede decir que “la poesía es la capacidad expresiva, estética, sensibilidad y encanto que tiene una obra, persona, imagen, etc. Ejemplo: Paisaje lleno de poesía” (Wordreference, s.f) Sin embargo, para definir claramente la poesía, se debe hablar del poema. (Paz, 1967) dice: “La unidad de la poesía no puede ser asida sino a través del trato desnudo con el poema” Y entonces, ¿qué es el poema? Paz (1967) nos responde que: “Lo poético es poesía en estado amorfo; el poema es creación, poesía erguida, el lugar de encuentro entre la poesía y el hombre. Poema es un organismo verbal que contiene, emite y suscita poesía. Forma y substancia son lo mismo”
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música y otras formas artísticas. Lo anterior, justifica a lo poético dentro de la puesta en escena: Herida de oro: Del texto literario a la puesta en escena dancística.
Por su lado, “lo poético se da cuando la poesía se manifiesta por medio del azar o circunstancias ajenas a la voluntad del creador (Paz. 1967, p. 3) entonces se puede inferir que lo poético refiere a la creación de mundos posibles, aprovechando la sensibilidad y percepción sensorial del artista.
El hecho, de que la poesía pueda ser percibida por los sentidos, abre su espectro hacia nuevos lenguajes y disciplinas, que aprovechan la potencialidad del cuerpo como en la danza, o el sentido auditivo para la música, sin tener que estar encasillada en la literatura.
Es necesario entender cómo la poesía se manifiesta en la literatura y en la danza. Lo que permite, observar los puntos de encuentro de estas dos artes, para lograr el objetivo de transponer ambas, en una puesta en escena. Para ello, se presenta a continuación un análisis de lo poético en la literatura:
En literatura, por ejemplo, si se quiere definir el texto poético, se puede decir, que es cualquier tipo de texto que tenga poesía, sin ser poema y no necesariamente use palabras en su desarrollo creativo. El texto poético tiene signos que se codifican en símbolos:
Por ejemplo:
El cielo oscuro = señal de lluvia. Ése “cielo oscuro” si se codifica puede convertirse en una
combinación o composición de colores determinada por una técnica específica, en una obra pictórica.
Ahora si lo volvemos símbolo: El cielo oscuro es símbolo de tristeza. Porque su imagen evoca ese
sentimiento.
Para esta propuesta creativa, se utilizó el texto poético Herida de Oro, en el cual, la primera frase es:
cuando el cielo se rompe:
Cuando el cielo se rompe = Cielo oscuro y cielo oscuro = señal de lluvia
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Como se observa, la poesía no necesariamente debe estar escrita. Un paisaje, una persona, un hecho pueden ser poéticos (Paz, 1967, p.3). Y como lo concebía Aristóteles la pintura, la escultura y la danza son también formas poéticas” (Paz, 1967, p.6) que comparten un elemento creativo y una técnica constituida por invenciones, que “le sirven sólo a su creador” (Paz, 1967, p.4). Que con el paso del tiempo, se convierten en un estilo; invenciones que se patentan en objetos únicos e irrepetibles (obras) y desarrollan fórmulas de cómo pintar, cantar y escribir, a través del tiempo.
Por otro lado, la danza no utiliza necesariamente las palabras para manifestarse, de hecho es el cuerpo el protagonista para comunicar el mensaje. Entonces se confirma la idea de Octavio Paz de que la poesía es la substancia de una obra artística, en este caso una puesta en escena dancística. Para lograr llevar del campo de la poética literaria a la dancística el texto poético, se ilustra el siguiente ejemplo:
La metáfora “el cielo se rompe” una frase textual que se lleva a la danza por medio de la forma. “La
forma, es el diseño que se crea a través del lenguaje del cuerpo del bailarín-actor” (Fuentes, 2012, p.82) Para contextualizar estos conceptos, es importante revisar con detenimiento los aportes y elementos dancísticos de autores como, Doris Humphrey, Merce Cunningham y Pina Bausch. Los cuales, enriquecen esta propuesta con sus conceptos de creación y hacen parte de la fundamentación histórica de la danza contemporánea. Cabe aclarar, que esta puesta en escena, recoge elementos de estos y otros investigadores en danza, para llevar a cabo la transposición de lenguajes, del texto literario a la danza.
Doris Humphrey (1895- 1958)
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Para Herida de oro: Del texto literario a la puesta en escena dancística, se utilizó el concepto de recuperación de Doris Humphrey, la respiración como estímulo para regir las acciones y como marcación del ritmo y del tiempo. La recuperación se ve evidenciada en la las frases de movimiento con dinámicas de movimiento de tipo suspendido, ya que la idea global del texto “Herida de oro”, es un “recobrarse” de una caída emocional, que produce una o varias experiencias conflictivas. Además se aprovecha el lenguaje expresivo que Humphrey ofrece, en paralelo con la música y la interpretación.
Merce Cunningham (1919-2009)
Fue un bailarín y coreógrafo estadounidense quien transformó la concepción formal y tradicional de la danza y el movimiento en su tiempo. Su danza se da por el azar y es autónoma, rompe con la coordinación entre la música y la interpretación corporal, con sonidos y ruidos contrastantes, además de llevar sus puestas en escena a espacios no convencionales como campos deportivos y gimnasios. Su lenguaje anacrónico, genera un orden dentro del caos, en el que se enfatiza, la esencia del movimiento. Sin la intervención de un significado, se disfruta una puesta en escena, donde la comunicación corporal prevalece ante cualquier coherencia racional que el espectador pueda otorgarle. Se disfruta de un movimiento puro que no debe o necesita ser analizado, sino visto.
16 Pina Bausch (1940-2009)
Bailarina, coreógrafa, investigadora e importante exponente de la danza teatro, proveniente de Alemania. Sus coreografías dancísticas están relacionadas con las emociones y los sentimientos de los bailarines-actores, que son coautores de sus obras. Transforma el expresionismo alemán, en una manifestación de danza dramatúrgica, dentro del estilo contemporáneo. Su dramaturgia de acciones escénicas, entretejidas y elaboradas a partir del lenguaje corporal y otros lenguajes, crean imágenes que van más allá de esas acciones. Estas imágenes enriquecen la obra dramatúrgica, a manera de subtextos. Éstos, a su vez, corresponden a intenciones y detalles de las experiencias de-construidas de los bailarines-actores y por supuesto, de la misma Pina.
Todo el proceso creativo de la maestra Bausch, se registra en una bitácora, que incluye preguntas, los temas y demás consignas que se produzcan. Esta forma de registro, se ha aplicado para la presente propuesta, ya que, cada día de trabajo cuenta como avance creativo. Y lo más importante que se acabó de mencionar con esta artista: “Herida de oro” está conformado por imágenes enigmáticas que son producto de experiencias personales de quien las creó, generando un subtexto que enriquece el tema principal de la obra, con esos detalles e intenciones que le proponen al espectador descubrir ese misterio dentro de la obra.
Para Pina los sentimientos no se pueden catalogar de sólo una manera, éstos deben ser direccionados hacia la gran diversidad de posibilidades de creación. En donde los bailarines-actores, deben asimilar sentimientos contrapuestos y antagónicos, para poder crear fragmentos y organizarlos desde la dramaturgia.
17 Poética en la danza contemporánea
Si bien, esta propuesta de investigación-creación, es una puesta en escena de tipo experimental, se basa en referentes que hacen parte de la danza contemporánea. Y por ello, en este punto de la investigación, es importante responder a la pregunta ¿Cómo se manifiesta la poética en las obras de estos autores de danza? además, encontrar respuesta en proyectos afines, que relacionen la literatura y la danza, dentro del marco de la poética.
La poética entendida desde Aristóteles está constituida por tres conceptos importantes: Poiesis, mímesis y catarsis. Para entenderlos, hay que resaltar que en la “Ética a Nicómano” se habla del proceso de generación-creación que se pueden aplicar al hecho artístico. Allí, Aristóteles concibe dos actividades humanas: La contemplación y el actuar. Una se da en la vida contemplativa y la otra en la vida política. Pero además de éstas, existe una tercera actividad, que combina a la acción (poiesis) y a la contemplación (diaonia) y es la creación artística. En detalle, se da que la poiesis se refiere al momento en el que se concibe el hecho poético, la mímesis, a su elaboración y la catarsis es el resultado del proceso. Como complemento se dice que:
“La poiesis, cuya raíz proviene del verbo “hacer” designa a toda actividad que se ordena y arregla conforme a la dirección que le imponen, los principios de razón o conocimiento” (Albano, 2007) y también se observa que la mímesis y la catarsis, en un sentido general, son ejes centrales de la representación artística. Por consiguiente:
“La obra poética, en el marco del pensamiento aristotélico, no queda restringido sólo, a lo que actualmente llamamos poesía, porque lo poético, designa a toda creación artística, en tanto poiesis y en su producción, compromete a un componente de conocimiento”. (Albano, 2007, p.12)
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En Doris Humphrey, la poética se ve manifestada en su concepto de “recobrarse” o recuperarse a través del cuerpo, utiliza movimientos naturales del cuerpo y el carácter humano está presente en su obra. Su
poiesis se da a través, del tiempo y de la experiencia en la danza, lo cual, lo presenta en la elaboración de sus obras (mímesis) y además dentro de ésta última, elabora un texto muy importante de creación coreográfica y dramatúrgica: El arte de crear danzas.
En Cunningham, el concepto de renovación y ruptura de significados, demostrando un lenguaje esencial del movimiento, hace que sus obras artísticas sean revolucionarias. Es evidente que su visión y conocimiento de la realidad, se ven reflejados en su producción artística y que además exige en el receptor una conclusión de la obra. Así se evidencia, el proceso de la catarsis, que es el momento de recepción por parte del espectador en la construcción de la poética, y en extensión, con el hecho creativo y artístico.
Y un ejemplo claro de la creación artística, desde la mirada aristotélica, es el hacer creativo de Pina Bausch, ya que, ejecuta la contemplación (diaonia) y la acción (poiesis) en su obra, con una mirada humana, en la que sus creaciones, están dirigidas por un juicio valorativo de las experiencias de vida, sentimientos y emociones de sí misma y de sus co-creadores.
El maestro Álvaro Fuentes, menciona que Pina se destaca en la innovación de la práctica como reflexión y la práctica como movimiento, expresa en sus textos dramatúrgicos de difícil superación” (Fuentes, 2012) conceptos que hacen referencia al hacer teórico y práctico respectivamente.
Para concluir, el hecho de estos artistas de ser creadores en arte, los ubica dentro del espacio de la poética de manera natural. Una poética dancística, que desde el cuerpo y sus obras, que diversifican la creación artística, con este lenguaje único. Y donde el conocimiento se democratiza a través de las obras.
Lo anterior, abre una puerta para desarrollar el tema de la dramaturgia de la danza, de manera detallada. Antes de esto y a continuación se presenta el tema de la autobiografía y su importancia para el desarrollo de este trabajo, con la ayuda de la maestra Pina Bausch.
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La idea de implementar la autobiografía nació, de una propuesta del docente, en la asignatura de creación literaria, en la cual, se debía entregar un texto literario con rasgos autobiográficos, que proyectaran la manifestación personal de un alter ego1. De este ejercicio literario, surgió la idea de contar cómo fue la experiencia y emocionalidad de los últimos momentos de la carrera, en esta propuesta de creación.
La autobiografía contada desde la creación, tanto literaria como dancística, es una apuesta a la autenticidad, que aborda el arte de una manera personal. Herida de oro es un texto poético, que habla de un estado existencial, generado por la falta de sentido e interés por la vida. En él, están implícitas muchas imágenes, que remiten a la memoria del autor, sensaciones y recuerdos de momentos conflictivos que motivan una inspiración y hacer artístico.
Lo que se busca con la puesta en escena, con la autobiografía, es exteriorizar ese sentir emocional e íntimo, de forma indirecta, para que con la intención dramatúrgica se conecte con las experiencias de vida del espectador. Lograr que el espectador se pregunte: ¿En qué momento resoné con la obra? ¿Qué de todo esto, es un espejo de mi propia biografía? (Fuentes, 2012, p.12)
Para identificarlo y motivar una catarsis, una liberación de sensaciones, una reflexión que lo lleve a encontrar respuesta en la creación artística, frente a experiencias conflictivas, rutina, y emociones negativas, que se presentan en el diario vivir. Esta liberación se busca en ambas partes, tanto en el espectador como en el autor.
Patricia Cardona menciona: “El dramaturgista, ese coreógrafo, director, creador y espectador de sí mismo y de los demás, reúne todos los elementos de la galaxia expresiva para la creación de la magia que le permite al espectador crear, también su propia dramaturgia de la percepción” y más adelante continúa “(…) la forma, la percepción íntima y la percepción externa (…) se encaminan a comunicar la fragilidad y fuerza de la vida mediante procesos de decisión y libertad” (Fuentes, 2012, p.11).
1Puede tratarse de la persona real o ficticia en quien se identifica o reconoce una imitación o una reproducción de otra.
Tomado de https://definicion.de/alter-ego/.
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Por su parte, se elige a Pina Bausch, ya que para sus obras, ella entreteje las acciones escénicas, partiendo de las experiencias autobiográficas de los bailarines-actores, como menciona Álvaro Fuentes: “(…) quienes como coautores construyen un subtexto de imágenes particulares que son coherentes y, en apariencia, contradictorias con aquello que se está creando, dentro de una intención específica” (Fuentes, 2012, p.212).
Para el caso particular, el mismo coreógrafo es el intérprete de su obra, dentro de la escena.
Transposición de lenguajes artísticos
Una de las opciones, que ofrece el maestro Álvaro Fuentes, acerca de la concepción de una intención primaria, es a partir de una obra literaria. El dramaturgista, en este caso debe de-construir la intención primaria de la obra literaria. Estudiar e investigar cuál es la perspectiva del autor, su obra, lo que éste quiere comunicar originalmente. Como sucede actualmente en compañías como “El ballet nacional de Cuba”, que tiene un repertorio de piezas dancísticas, basadas en cuentos infantiles, como “La bella durmiente” o “El Cascanueces”, bajo la dirección de Alicia Alonso. Esta relación de la literatura como punto de partida, para la danza, es válida en cuanto a re- presentación o mímesis2, entendida como la reproducción de un modelo, dentro del mismo arte.
Sin embargo, hay una relación entre danza y literatura más compleja, que es la transposición de lenguajes artísticos o para efectos de esta propuesta: La transposición entre la poesía y la danza como unidad creativa en el arte.
La transposición lenguajes artísticos, es un rasgo común en la cultura actual, debido a elementos fundamentales externos, como la luminosidad, la escenografía, el sonido, que generan una sensación de realidad mayor en el espectador. “Se podría definir a la transposición como la operación social, por la cual, una obra o un género cambian de soporte y/o sistema de signos” (Bermúdez, 2008) Poner en escena, el texto poético, permite además una nueva lectura de la obra.
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En otras palabras, la transposición de lenguajes artísticos, se refiere a un traslado ya sea de tipo conceptual o estructural, de una obra, a un lenguaje diferente del de su origen. En el caso de las artes, la transposición se da por el lado de la semántica, que es la parte de la lingüística que estudia el significado de los signos lingüísticos. Y parafraseando a González (s.f):
“Todo proceso de trans-codificación, es decir, de traspaso de elementos significantes, de un lenguaje o código a otro, conlleva una transposición semántica, ya que el cambio del soporte significante (lienzo, tarima, libros, cuerpo) en las estructuras artísticas, supone una ruptura y también una conservación de los rasgos significantes nuevos, como de los originales. Lo que justifica esta correspondencia entre lenguajes”.
En “Herida de oro: Del texto literario a la puesta en escena dancística”, por ejemplo, se realiza la transposición del soporte del texto literario al lenguaje del cuerpo-movimiento3. Sin embargo, en la dramaturgia de la danza, se mantiene la palabra como una característica estructural discursiva en común, de ambos lenguajes. Además hay una equivalencia o relación entre ambos lenguajes, de homología. En la cual: “se instaura una correlación entre las partes de dos sistemas semióticos. Y puede ser conceptual o poético” (Benveniste, 2002)4
. Para este caso, la correlación es de orden poético entre el lenguaje corporal y el lenguaje articulado, de las palabras.
Po último, es pertinente entender la transposición de lenguajes, como un modo de apropiación, por parte de quienes lo aplican, donde se relacionan dos lenguajes artísticos.
Lo anterior, demuestra que a través de la poética, se puede incursionar en la transposición de las artes, de una manera práctica, ya que no se pretende cambiar una obra de lenguaje, sino apropiarla desde otro lenguaje, conservando aspectos significativos, tanto de la literatura, como de la danza. Cabe aclarar, que este proyecto es una unidad creativa e integral, en su totalidad. Además reivindica la autoría e innovación de obras artísticas, desde la perspectiva autobiográfica.
3 Cuerpo-movimiento hace referencia a la unidad integral que conforman estos dos conceptos, por su naturaleza relacional.
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22 Dramaturgia de la danza
Para la puesta en escena se debe realizar una dramaturgia. Pero ¿qué es una dramaturgia de la danza? El concepto de la dramaturgia, visto desde el teatro es: “el arte de composición de las obras teatrales” (Hormigón, 1994) sin embargo que ha tenido muchas acepciones, dependiendo desde donde se le defina. En palabras de Eugenio Barba (2004): “Llamamos dramaturgia a una sucesión de acontecimientos basados en una técnica que apunta a proporcionar a cada acción una peripecia, un cambio de dirección y tensión, la dramaturgia no está ligada únicamente a la literatura dramática, ni se refiere solo a las palabras o a la lectura narrativa”
Esta definición es importante, ya que, resalta la importancia de los acontecimientos, entretejidos y de construidos en acciones extra cotidianas. Lo cual nos ubica en el texto poético Herida de oro, ya que su escritura está basada en acontecimientos reales, que como dice Eugenio, cambian de tensión y dirección. Y gracias a una técnica apropiada del cuerpo-movimiento se ejecutan las acciones. Sin embargo, y para verlo de una manera más clara, Fuentes (2012) afirma:
“La dramaturgia es un proceso creativo organizado, dentro de una investigación escénica dirigida a comunicar una experiencia humana enmarcada en un contexto artístico y estético”. Y por consiguiente, el dramatrugista es quien cumple las funciones de investigar, elaborar e intervenir en la organización de la puesta en escena. Para el maestro Álvaro, la figura del dramaturgista se constituye en la cabeza organizativa de la puesta en escena, por eso Fuentes (2012) menciona: “Éste último elabora la creación que enlaza a un equipo de artistas para una interpretación sólida dentro de un proceso de liberación psíquica, el cual parte de la práctica como reflexión para llegar a la práctica como movimiento5, con un cariz crítico objetivo del proceso pedagógico de construcción del montaje y de la puesta en escena. Orientaciones determinantes en la organización de un espectáculo de danza con características dramatúrgicas”. (p.60)
Teniendo en cuenta, lo anterior y para esta propuesta el rol de dramaturgista, es el mismo bailarín-actor, lo cual reivindica la autoría y conserva íntimos las situaciones autobiográficas, que no se quieran
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compartir. A continuación, se describe en detalle la organización dramatúrgica, basada en los conceptos y método del maestro Álvaro Fuentes, anteriormente referenciados.
CAPÍTULO DOS:
DINÁMICAS REALES DEL PROCESO DE CREACIÓN Y OBJETO CREADO
La puesta en escena “Herida de oro: Del texto literario a la puesta en escena dancística” surge de la necesidad personal del creador, de poder manifestar y comunicar a través del arte, las sensaciones y cuadro emotivo, que resultan de situaciones conflictivas en el diario vivir, del creador. Además de lo anterior, existe la necesidad profesional de realizar una puesta en escena, donde se demuestre la transposición de lenguajes artísticos (literatura y danza) entendiendo la poética como su eje relacional.
Desde un inicio y con estas intenciones, se formularon varias ideas de proyecto, que confluyeron en la creación artística final. A continuación, se describirá el proceso de creación y sus dinámicas reales, basados en una bitácora, para contextualizar al lector.
Texto poético:
Para esta puesta en escena, se realizaron dos tipos de texto literario; por un lado, se encuentra la creación del texto poético, titulado “Herida de oro”, el cual, va a ser transpuesto a la danza:
24 Herida de oro.
Cuando el cielo se rompe, mil estallidos se asientan en el caracol de nuestros oídos y martillan el tímpano de forma desastrosa. Perdemos los estribos y ya no oímos, cuando alguien nos dice las cosas. Cuando el cielo se rompe, no puedo dejar de sentirlo, porque se quiebra en mi cuerpo. Cada grieta, agrieta mi vida, destruyendo cada parte de mi corazón, y va sobre la piel ahogando cada poro, con suciedad, con hiel. Y mis bellos, ya se cansan de estar de pie, recibiendo cualquier señal de temor y de pánico que se extiende en el ambiente. Se destruyen con facilidad los pensamientos y se salen de las cisuras, abriendo paso a que la hecatombe, los deje fluir por la sangre que brota de mis orejas. Ya no puedo pensar, porque mis neuronas se han quemado por un instante, el corto circuito que generó el impacto, hizo que mis extremidades se quedaran quietas, frágiles. Fácilmente por las arrugas, que cuentan la medida de mi tiempo, se drenan las angustias, la inseguridad y los miedos. En ese líquido viscoso de lo negativo, quedaron coaguladas las toxinas, en un rojo negro. Así se ha roto el cielo, para iluminar en mi rostro lo oculto de mi alegría, para revelar del secreto, lo que casi ya no había. Para rescatar con una cuerda, lo que se hundía. Así, violentamente se ha roto el cielo, así se tuvo que martillar mi vida, así tuve que despertar cuando no tenía suelo. Violentamente, así, se ha roto el cielo.
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que lo evitaba, aún sin haber hecho nada. Y se fue el aire, el oxígeno y una lágrima deletreaba mi nombre en su reflejo y caminaba, se esparcía. Se resbaló de mi ojo, porque pensaba que también moriría, abandonó el barco y se dispersó en mi mejilla.
Ya, en el momento en el que, según Yo, partía, sentí un fuego interno que me revivía, sólo pude preguntarme qué pasaría. Y como era ciego me sorprendí al ver que ya no tenía sangre que derramar, el agua de mi cuerpo, se contuvo y ni quiso salir, sólo yo reía porque veía, que, en vez de estar muriendo, estaba transformando mi vida. Que, al salir, salir la sangre enferma de mi torrente, mi corazón aún latía. Y como la fuente de agua pura, cristalina, restauraba los caminos sanguíneos, con las pulsaciones más fuertes, apasionadas, vivas. Así descubrí, que aquel día en el que fácilmente, violentamente se destrozó el cielo, en mí, había un tesoro que, sin cofre, se tradujo en oro. Se veía ahora por los agujeros, los cortes, las flagelaciones de los vidrios que sacudieron mi carne, ya no tan viva. Resplandeció así, lo mejor de mí. Ahora que lo recuerdo y lo visualizo en mi mente, la escena se cumple en el día de mi parcial muerte. Y sí, me conservo de pie, mirando al cielo, con destellos desde mis adentros, con rayos de sol que, esclarecen e iluminan los ojos ajenos de la gente. Así se derrumbó encima de mi vida el cielo, para encontrarlo, para sentirlo, para vivirlo. Y termino, así termino, saludándome de nuevo, sabiendo que yo soy el majestuoso dueño de mi Yo infinito.
En segundo lugar, dramaturgia de la danza, que comprende todas las directrices que orientan la parte metodológica y dancística del trabajo.
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Por otro lado, hablar de la concepción de una intención primaria surgida desde el azar, para esta propuesta, conlleva que la puesta en escena, mantenga una interpretación original del texto de una manera fluida o como dice el maestro Álvaro, orgánica. Cabe aclarar, que “Herida de oro”, rescata de las opciones mencionadas, directrices específicas, que permitieron durante el proceso, una sistematización y ejecución eficiente de la puesta en escena dancística.
Dramaturgia de la puesta en escena
Como se puede observar, el texto poético se dividió en tres momentos globales: “Cuando el cielo se rompe”, “Y vivo porque mi vida se ha despertado del letargo del hielo” y “Ya en el momento que según yo, partía”. El primer momento, se refiere al desenlace de un conflicto personal, que produce situaciones adversas y de allí surgen emociones y sentimientos negativos que desenlazan en una muerte simbólica. A partir del segundo párrafo, empieza a haber una primera reacción frente al problema. Es un primer despertar, en donde la reflexión es una acción importan y se reconocen las fortalezas del individuo. El tercero, marca la conclusión en donde hay un panorama, visión y mentalidad diferentes al enfrentar la vida. Surge un nuevo “yo”, una versión mejorada de la persona, la proyección de un alter ego, con el cual cada quien se quiere identificar. Surge el personaje principal de la puesta en escena: “Yo infinito”.
Posteriormente se ubicó la idea central e intención primaria del texto partiendo de la preguntas ¿De dónde partimos? ¿Qué se quiere contar en la puesta en escena? y ¿cómo ejecuto una dramaturgia clara, partiendo del texto y conservando su idea original?
Fuentes (2012) responde: “¿De dónde partimos? del lenguaje del cuerpo ¿Qué es lo que queremos mostrar? la dramaturgia (esencia) del movimiento. ¿De qué está compuesta la dramaturgia (esencia) de movimiento? del contenido de la intención primaria e intenciones establecidas en el pre-guion (texto escrito que no está elaborado en la práctica como movimiento). (p.71)
Para este caso, el pre-guion fue el texto poético Herida de oro y de allí se extrajo la idea central,6 que es “salir de sí” y la intención primaria es exteriorizar a un público, por medio de la danza, las sensaciones y
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emociones que surgieron de experiencias conflictivas y cotidianas. Con el objetivo, de canalizar los aspectos negativos, por medio del arte.
Posteriormente se separaron frases claves y se extrajeron de ellas, la idea principal de la siguiente manera:
1. Frase: “Cuando el cielo se rompe, perdemos los estribos y ya no oímos”.
Idea principal: Cuando se desenlaza un conflicto, se empieza a derrumbar lo oculto y el individuo atraviesa por cambios que lo aleccionan (purifican). Se destruye el hombre viejo7 para rescatar lo bueno del ser.
2. Frase: “Y vivo, porque mi vida se ha despertado del letargo del hielo”.
Idea principal: Es un primer despertar, una reacción sutil que lleva a la reflexión de la situación actual y de lo que se puede recuperar, con un cambio de mentalidad hacia lo positivo. El individuo, imagina y proyecta una posible solución del problema.
3. Frase: “Y llegaba la muerte soñada en mis pesadillas.
Idea Principal: El individuo se ve al límite de la desesperación, al borde, de perderlo todo. Es una caída fuerte de ánimo, donde se sufre con pasión exacerbada y se proyecta un escenario desastroso, una visión fatalista de la realidad.
4. Frase: “Ya en el momento, en el que, según yo, partía”, sentí un fuego interno que me revivía, sólo pude preguntarme, qué pasaría”.
Idea principal: Y estando al borde de la desesperación, hay una fortaleza (perseverancia) que se manifiesta con frecuencia (escritura) y denota una pasión (poética). Características que conducen al sujeto a enfrentar el problema, asumir consecuencias y llegar a la solución.
5. Frase: “Así descubrí que aquel día, en el que fácilmente, violentamente se destrozó el cielo. En mí, había un tesoro que sin cofre, se tradujo en oro”.
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Idea principal: Hay un segundo despertar, donde se revela el tesoro personal que conducirá al sujeto al éxito integral. Es un reconocimiento de las capacidades, a través del empoderamiento de las situaciones y emociones, gracias al arte.
Teniendo las ideas principales, se empezaron a diseñar las formas8, partiendo de ejercicios escénicos y de improvisación como los siguientes:
Creación de la forma a partir de palabras clave:
Como lo plantea Álvaro Fuentes, cada palabra tiene un significado, que corresponden a una acción física, en concreto, que permiten construir y de construir movimiento.
En esta puesta en escena se trabajaron palabras extraídas de las frases analizadas anteriormente como: cielo, romper, vivir, vida, fuego muerte, renacer, tesoro, oro. De allí surgieron improvisaciones, para empezar a desarrollar una partitura de movimiento específica.
Un ejemplo de la búsqueda a través de este ejercicio, a continuación:
Frase: “Cuando el cielo se rompe, perdemos los estribos y ya no oímos”
Seguida de una descripción subjetiva: “Cuando el cielo se rompe sucede un gran caos en mi cuerpo, alma, mente y espíritu9”.
Luego una significación de la frase: Es una mortificación y purificación del cuerpo, para rescatar lo bueno, en un hombre nuevo.
Luego se seleccionaron las palabras: caos, purificar, fuego, hombre, vejez, juventud.
8 “Es el diseño que se crea a través del lenguaje del cuerpo del bailarín-actor” ( Fuentes, 2012, p.82)
9 Desde un inicio se aplicaron las fuerzas básicas de la composición de la danza dramatúrgica: cuerpo, mente, motivación y
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Se llegó a construir a partir de las palabras vejez y juventud, una noción de rutina, de aletargamiento, de pesadez de lo cotidiano. La cual, al llevarla a ejercicios escénicos, se fue de construyendo como la vida rutinaria como una animación suspendida, en la que se crearon unas formas zoomorfas del oso y la rana. Ya que son animales que hibernan y entran en una especie de animación suspendida. Además se acompañó con bastones de madera, para dar más dinamismo a los movimientos y peso a la interpretación del concepto de vejez10.
Herida de oro. Interpretación de vejez. En escena, Miguel García. Foto de Nicolás Gualtero.
Después de tener estas palabras globales, el creador como dramaturgista, empezó a construir la escena, a partir de la elaboración de frases corporales, en donde se pudiera evidenciar la intención de “salir de sí” con la ayuda de las dinámicas de movimiento11
.
Así pues, se dispuso a organizar la información del proceso creativo del movimiento, con lo componentes de la escena, como los personajes, las soluciones escénicas y las estrategias de improvisación. (Fuentes, 2012, p.134)
Partitura de movimiento:
10 Ver en cd, registros de los ejercicios a espacio abierto con objetos, aquí mencionados.
11 Se refiere a los tipos de movimiento, producido por la cantidad de fuerza que se le imprime a los músculos. (Fuentes, 2012,
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Como pre dramaturgia se eligieron las cinco frases del texto “Herida de oro” y se convirtieron en situaciones escénicas así:
1. Frase: “Cuando el cielo se rompe”.
Idea principal: Cuando se desenlaza un conflicto, se empieza a derrumbar lo oculto y el individuo atraviesa por cambios que lo aleccionan (purifican). Se destruye el hombre viejo, para rescatar lo bueno del ser.
Situación: Un hombre encadenado permanece inmóvil, atrapado en el tiempo, observando la destrucción que se avecina.
Solución escénica: En escena se encuentra un encadenado de rodillas, en la zona centro-derecha del foro, mirando hacia arriba, de frente al público. Posteriormente, entra el personaje “Yo
infinito” por la zona izquierda centro, se quita de la cabeza una especie de capota blanca, camina hacia la zona centro, dándole la espalda al encadenado. Da un salto, observa la destrucción y reacciona protegiéndose del peligro.
Estrategia de Improvisación: “Yo infinito” camina, rebotando en su peso, da un ligero salto y empieza a mover los brazos en círculos, con movimientos por impulso. Cambia de nivel y se inclina hacia los lados, con movimientos atacados. Realiza una pequeña sacudida del torso y señala con el índice, al público.
2. Frase: “Y vivo, porque mi vida se ha despertado del letargo del hielo”.
Idea principal: Es un primer despertar, una reacción sutil que lleva a la reflexión de la situación actual y de lo que se puede recuperar, con un cambio de mentalidad hacia lo positivo. El individuo, imagina y proyecta una posible solución del problema.
Situación: El Yo infinito empieza a reaccionar, defendiéndose del caos, y burlando la muerte, con el movimiento.
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arriba y abajo, formando un círculo, de izquierda a derecha, imitando el movimiento de las manecillas de un reloj. Se arrodilla, recoge la tela blanca y se la pone en los ojos, en nivel medio.
Estrategia de Improvisación: El personaje “Yo infinito” da el primer giro en contenido y lo devuelve por impulso, con movimientos contenidos cambia progresivamente a nivel bajo y se incorpora lentamente, hasta das dos patadas de manera atacada. Da un giro completo por impulso y lo conecta con un movimiento ligado que cambia de nivel bajo a alto. Luego realiza con los brazos movimientos quebrados, para interpretar el reloj y el tiempo. Y se deja caer con un ligero rebote, tomando la tela.
3. Frase: “Y llegaba la muerte soñada en mis pesadillas.
Idea Principal: El individuo se ve al límite de la desesperación, al borde, de perderlo todo. Es una caída fuerte de ánimo, donde se sufre con pasión exacerbada y se proyecta un escenario desastroso, una visión fatalista de la realidad.
Situación: El personaje “Yo infinito”, agoniza por un leve instante y lucha desesperadamente por vivir.
Solución escénica: El personaje “Yo infinito” permanece en la zona centro. Da medio giro cambiando de nivel y dirección, con la tela blanca en los ojos. Se arrodilla en nivel medio y se quita la tela, de manera desesperada, dejándola caer al suelo. Se incorpora a nivel alto.
Estrategia de Improvisación: “Yo infinito” se amarra la tela blanca en los ojos de con un movimiento fluido. Cambia de dirección y nivel con un movimiento ligado y luego contenido. Se arrodilla con calidad de movimiento atacada, extiende los brazos con un movimiento ligeramente sacudido, se quita la tela de los ojos, con movimiento atacado y se incorpora lentamente.
4. Frase: “Ya en el momento, en el que, según yo, partía”. Sentí un fuego interno que me revivía, sólo pude preguntarme, qué pasaría”.
Idea principal: Estando al borde de la desesperación, hay una fortaleza (perseverancia) que se manifiesta con frecuencia (escritura) y denota una pasión (poética). Características que conducen al sujeto a enfrentar el problema, asumir consecuencias y llegar a la solución.
Situación: “Yo infinito”, renace poéticamente, reconociendo sus fortalezas. Deja el pasado atrás.
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nuevo, pero se devuelve a su posición inicial, con un ligero salto hacia atrás. Vuelve al centro y va a nivel medio bajo, agitando las telas. Se incorpora, señala al horizonte y se deja caer a nivel bajo, dando las espalda al público, dirigiéndose al encadenado, en la zona centro foro, incorpora su frontalidad hacia el público, vuelve a nivel medio y a la zona centro. Realiza movimientos en nivel alto como medio bajo. Se sienta, deja las telas en el suelo, vuelve a la zona centro del foro donde se encuentra el encadenado, interactúa con él y se recuesta a nivel bajo, en la zona derecha centro.
Estrategia de Improvisación: El personaje “Yo infinito” se quita de manera atacada el gabán. Deja caer las telas y realiza movimientos ligados con los brazos. Al señalar al horizonte, se contiene y hace un movimiento vibratorio con el brazo izquierdo. Vuelve a realizar movimientos ligados y lentos con la tela. Al dirigirse al encadenado, se sostiene sobre un pie, en dos ocasiones. Acaricia al encadenado de manera sutil. Finalmente se dirige al suelo lentamente.
5. Frase: “Así descubrí que aquel día, en el que fácilmente, violentamente se destrozó el cielo. En mí, había un tesoro que sin cofre, se tradujo en oro”.
Idea principal: Hay un segundo despertar, donde se revela el tesoro personal que conducirá al sujeto al éxito integral. Es un reconocimiento de las capacidades, a través del empoderamiento de las situaciones y emociones, gracias al arte.
Situación: Yo infinito, descubre que su fortaleza y voluntad son su tesoro más preciado.
Solución escénica: El personaje “Yo infinito” está ubicado en la zona derecha centro, en nivel bajo. Se incorpora a nivel medio y se cubre con la tela blanca. Señala al público y se descubre. Se dirige a la zona centro del foro, y le quita la cabeza al encadenado. Se la pone como máscara y se dirige a la zona centro, se arrodilla a nivel medio, se quita la máscara. Se deja caer de espaldas en nivel medio, con la mirada al cielo, se sienta recoge las telas del suelo y se dirige a la zona derecha del centro, se pasa las telas por el cuello y de rodillas se vuelve a colocar la máscara.
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brazos, mira al público y se arrodilla. Luego con movimientos sostenidos y suaves se pasa las telas por el cuello, y finalmente termina la escena, poniéndose la máscara, adoptando la posición inicial del encadenado.
Luego se realizó una planimetría básica de recorridos y desplazamientos de la puesta en escena que se encuentra en la parte de anexos, del presente documento.
Posteriormente, se realizaron ejercicios y ensayos, con la cámara fotográfica, para tomar la evidencia del proceso creativo.
Registro Fílmico:
Durante todo el proceso de creación se realizaron ejercicios escénicos, que se registraron en video. El video es un medio y herramienta importante, ya que desde esta herramienta audiovisual, se han incorporado movimientos que, surgidos al azar y por las condiciones particulares de cada momento, enriquecieron la puesta en escena final.
Se registró un trabajo en espacios cerrados (salones, salas, casa) de ejercicios de creación de movimientos, de desarrollo de partitura de movimiento. Ejercicios con piezas musicales elegidas al azar, otros en silencio, para concentrarse en la interpretación y gestualidad. Además, se realizó un registro en exteriores, en donde se realizaron pruebas escénicas con objetos, desarrollo de escenografía y vestuario, pensados desde los movimientos posibles, etc.
Además de los ejercicios compilados en el cd, se tomaron registros fotográficos de vestuario, escenografía, utilería, etc.
El registro final del video se realizó, en el Salón comunal del barrio Carimagua, en la localidad de Kennedy, al sur occidente de Bogotá. Donde se grabó la puesta en escena Herida de oro: Del texto literario a la puesta en escena dancística. A este registro se le aplicaron textos y los siguientes efectos visuales, para, ubicar al lector en cada frase de movimiento:
34 Frase 3: Efecto Charcoal. Minuto 1: 19
Frase 4: Efecto Color Sketch. Minuto 1:33
Frase 5: Efecto Shadow. Minuto 3:00 y efecto Window Shades en el minuto 3:22.
Elementos Fundamentales externos de la puesta en escena
Iluminación:
La iluminación es el quinto elemento fundamental externo, para potenciar el tejido de acciones de la puesta en escena. Sin embargo, en la propuesta no se va a hablar de iluminación en cuanto a diseño y creación, sino a la cantidad de luz que tiene un espacio. En otras palabras, se refirió a este punto, el tema de la luminosidad.
Si el plano de las luces es fundamental para mostrar algo que se quiere decir, desde la intención primaria o desde las intenciones, que surgen o que narran algo preciso, se puede concebir desde el inicio o durante el proceso creativo para que los bailarines—actores, trabajen el cuerpo con la iluminación. (Fuentes, 2012, p.105)
Entonces la propuesta de la iluminación para la mayoría de los registros y la puesta final fue luz del ambiente, ya que una de las características esenciales del texto poético, es el espacio abierto y natural. Donde se “rompe el cielo” y donde hay una conexión vital con la tierra. La intención primaria del texto “Herida de oro”, es un salir de sí mismo al mundo exterior. “Salir de esa morada, de la casa que alberga el ensueño, la que sostiene al hombre a través de las tormentas del cielo y de las tormentas de la vida” (Bachelard, 2000).
Por ello la escena, originalmente estuvo concebida, para presentarse en un espacio abierto y natural, como en parques. Por ende, no se utilizaron luces artificiales.
Por otro lado, en el registro final, donde sí se utilizó un espacio cerrado, se dispuso una cortina color rosa, en la zona centro del foro12, para atenuar la luz de medio día y de atardecer, ya que esos fueron los momentos recurrentes del día para lograr la luminosidad requerida. Y se realizó una edición multimedia para agregar efectos visuales al registro.
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35 Música:
El sonido es el segundo elemento complementario, compuesto por acústica, resonancia, cacofonía, ruido o música. El sonido como acción escénica se entrelaza a la estructura de movimiento. El dramaturgista puede concebir una obra de danza, a partir de música existente o sonidos incidentales (Fuentes, 2012).
En esta puesta en escena se utilizó una pieza musical existente (Shape of my heart de Sting), en versión de guitarra acústica y que está en analogía con el texto dramatúrgico13.
En el proceso creativo, se inició una búsqueda musical, de tipo instrumental especialmente. Y se halló un artista llamado Damien Escobar quien realiza versiones de canciones comerciales, en violín. Fue de gran importancia, ya que con su trabajo, la puesta en escena se enriqueció, en la parte de ensayos.
Finalmente se decidió, dejar como protagonista una sola canción: Shape of my heart de Sting, en versión de guitarra acústica14.
El contenido de la letra de esta pieza musical, es pertinente y enriquece la puesta en escena, sin embargo, la interpretación vocal puede ser un distractor del registro. En consecuencia, se conservó el protagonismo del cuerpo- movimiento y su intención primaria, con la versión instrumental. La canción elegida, tiene una marcación clara, dinámicas lentas que permiten de-construir el lenguaje del cuerpo, tanto en analogía como en contraste, con movimientos rápidos y lentos. Además se ejecutaron dinámicas de movimiento como la atacada, por impulso y la ligada, que las características de la pieza musical, potencian.
Vestuario:
13 Véase ( Fuentes, 2012, p.102) 14
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El vestuario del bailarín-actor, quien interpreta el personaje “Yo infinito” estuvo constituido por un gabán color negro, con café claro y capota15.
Personaje “Yo infinito” interpretado por Miguel García. Foto de Nicolás Gualtero.
Además el bailarín-actor vistió cortes de tela de seda blanca16, acompañada de dos cortes de tela (una anaranjada y otra negra). La tela color naranja, simboliza el fuego interno, del que se habla en la frase de movimiento número cuatro. Y hablando del color anaranjado Pons (2009) afirma: “Los expertos en simbología creen que, por estar asociado al tono que adquiere el sol en su nacimiento y en su ocaso, se ha vinculado a la muerte y al renacimiento” (p.35) Para este caso, es el punto donde empieza el renacer del personaje. Tiene que ver con el equilibrio entre cuerpo y mente, donde el color naranja simboliza el camino del aprendizaje continuo, como en la religión budista. Por ello, el personaje “Yo infinito” es calvo, porque en la práctica como reflexión del texto dramatúrgico de “Herida de oro” se concibió la sabiduría y el aprendizaje en la figura del monje o asceta. De hecho es un renacer intelectual del personaje.
15 Se elige el gabán como símbolo de proyección del alter ego. Inspirada en la imagen “El caminante sobre el mar de nubes
de Caspar David Friedrich (1818).
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La tela y la licra de color negro, representan el miedo a lo desconocido y siguiendo con la creencia budista, es el color de la esclavitud, de la carencia de fuerza de voluntad y el sometimiento (Pons, 2009). Sin embargo, el gabán color negro, representa como en los cátaros pureza, perfección o en los chinos, signo de vida y nuevas oportunidades17. Y como menciono anteriormente el vestuario de este alter ego, llamado “Yo infinito”, está inspirado en la imagen de Caspar Friedrich, la cual estimuló en el autor una sensación de cambio y proyección personal.
El gabán negro, se vestirá con una chaqueta color café oscuro, para seguir la coherencia de tonalidades y que además cumplen con la simbología de representar la naturaleza y no se viste calzado para mantener la relación hombre-tierra.
Maquillaje:
Para el maestro Álvaro Fuentes es el cuarto elemento complementario del montaje. El cual, se diseña durante o después del proceso creativo y en el que se tiene en cuenta la luz y color del vestuario18. El maquillaje del bailarín-actor consta de unas líneas que representan arrugas, que “miden las huellas de mí tiempo”, con una base color café. Son tres líneas dispuestas a ambos lados de la frente, direccionadas hacia abajo y en diagonal. Otro rasgo característico del personaje desde su apariencia física, es asumir el reto de raparse la cabeza. Ya que dentro del proceso de concebir los principales rasgos del personaje, está el de representar la sabiduría, bajo la figura del monje budista que se enclaustra en las montañas.
Escenografía:
Para potenciar la puesta en escena se dispuso un personaje inmóvil, llamado “In cade nnato”, nombre compuesto por las palabras, encadenado e innato
17 (Pons, 2009, p.32)
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Personaje “In cade nnato” como propuesta escenográfica. Foto de Nicolás Gualtero.
Otra figuración del personaje, que representa el pasado, el hombre viejo y las costumbres nocivas. Se ubicó en la parte izquierda del aforo. Este personaje esta encadenado de ambos brazos y se encuentra arrodillado. Su traje, se compone de un gabán café claro opaco y un pantalón café oscuro.
El color café o marrón y sus dos tonalidades en el vestuario del personaje “In cade nnato” representa la preferencia por el trabajo físico por encima del mental. Materialismo, esfuerzo, tesón, cálculo, capacidad manual. Acción por encima de la reflexión. (Pons, 2009)Sin embargo, en esta propuesta, va más encaminado el color marrón, a la materia de la tierra.
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En frente del personaje, más cercano a la zona del proscenio, se dispusieron dos bastones, que representan el tiempo y la vejez. Y una espada que representa, el carácter espiritual del personaje. Además se dispuso, un texto con las frases principales de “Herida de Oro” en la zona izquierda del foro.
Personaje “In cade nnato” como propuesta escenográfica. Fotos de Nicolás Gualtero.
Utilería:
Dentro de la utilería se encuentran objetos cotidianos como cadenas y bastones. Uno extra cotidiano, que es la espada de madera.
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Propuesta de utilería y personaje In cade nnato. Foto de Nicolás Gualtero
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St. Michael por Sheila Diemert. Acrílico sobre lienzo19.
La espada tiene una simbología espiritual y religiosa. Denota por un lado, el carácter divino del personaje principal que es el “Yo infinito” y a la vez es una representación de la figura del arcángel san
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Miguel, en la religión católica20. La espiritualidad, es parte fundamental ya que como fuerza básica, es una motivación que genera el dinamismo en la creación escénica. (Fuentes, 2012)
Utilería y escenografía. Texto de palabras y frases claves del texto Herida de Oro. Foto de Nicolás Gualtero.
En definitiva, se decidió dejar los objetos como escenografía, más que como utilería, ya que la importancia del movimiento estuvo concentrada en el lenguaje corporal del bailarín-actor. Además la utilización de objetos, implica un proceso creativo e interpretativo de la relación del bailarín y el objeto21.
Conclusiones y Recomendaciones
De acuerdo con lo planteado en los objetivos del presente documento. La dramaturgia de la puesta en escena fue concebida bajo los lineamientos de construcción creativa, del docente Álvaro Fuentes
20 Es considerado protector y patrono de la iglesia universal. Se representa con una espada amenazando un demonio. Su
nombre significa ¿Quién como Dios?
21 Véase Castillo, Karol.2017. Reflexiones sobre el uso del objeto en la interpretación-creación de danza contemporánea.
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Medrano y su texto “El dramaturgista y la deconstrucción de la danza”, hecho que fue de vital importancia, para la organización y sistematización del proceso creativo.
La puesta en escena se desarrolló con gran eficiencia y el registro fílmico fue exitoso, como soporte de la creación.
Se lograron abordar los aspectos teóricos de la poética y de la autobiografía, como ejes de la creación en educación artística. Y la poética, vista como eje relacional e inter disciplinar. Este trabajo en realidad, fue una apuesta a la autenticidad creativa desde la literatura y la danza. Además se reivindicó el hecho de la total autoría de la puesta en escena y del texto poético.
Se logró el objetivo de transponer de manera efectiva la danza y la literatura, en una sola obra artística, que comunica de manera efectiva, el mensaje de “salir de sí mismo” a través arte. También se logra un empoderamiento en el proceso, de llevar a feliz término la planeación del proyecto, como se concibió originalmente.
Por otro lado, se logró demostrar la colaboración por parte de personas que de una u otra manera están conectados con el arte. Y además se fortalecieron los lazos personales y profesionales de los implicados.
Si bien, el proceso fue exitoso, se presentaron obstáculos de último momento, que conllevaron a solucionar rápidamente, problemas del espacio y momento de filmación. Además que los recursos, fueron limitados, en el aspecto humano y de materiales.
El maquillaje del personaje, no se vio evidenciado en la filmación, debido a la distancia entre asistente de cámara y el bailarín-actor. Además de la suavidad de tono de la base utilizada, que se dispersó, por el sudor y el roce con las manos.
La inclusión de texto dentro de la puesta en escena, limito el espacio. Se recomienda realizar un diseño de proyección visual más limpio.
