La Historia del Arte es una disciplina autónoma con sus propios objetivos y métodos. El objeto de estudio de esta materia es la obra de arte como producto resultante de la inteligencia, creatividad y actuación humana en diálogo permanente con el tiempo y el espacio que se expresa con sus propios códigos y enriquece la visión global de la realidad y sus múltiples formas de manifestación.
Simbología
• Describe los conceptos básicos, criterios metodológicos y la función social del arte, a partir del análisis de su expresión en una obra.
• Identifica las características de la pintura, escultura y arquitectura, mediante el análisis de sus técnicas.
• Explica el arte del Paleolítico y Neolítico, mediante el análisis de la forma de vida en estos períodos.
• Describe el espacio físico, contexto histórico y características de las manifestaciones artísticas que desarrollaron las principales civilizaciones de la antigüedad , así como las mesoamericanas.
Arte Neolítico
Contexto histórico y cultural de las
principales culturas m esoameri-canas Las disciplinas artísticas Criterios m etodológico del arte
El arte com o producto social –
histórico
Fundam entos teórico –m etodológicos para
el estudio de las m anifestaciones artísticas Arte Paleolítico Ubicación geográfica de algunas civilizacion
es de la antigüedad Contexto histórico y cultural de algunas civilizaciones antiguas Características de m anifestaciones
artísticas de las principales civilizaciones
antiguas El arte en las civilizaciones de la
antigüedad Manifestaciones
artísticas en la Prehistoria
El arte en las culturas m esoamericanas
Ubicación geográfica de las
culturas m esoamericanas
El arte de las culturas clásicas
antiguas
Ubicación geográfica de las culturas clásicas de la antigüedad
Características de las m anifestaciones
artísticas de las culturas de la
antigüedad
Guía de Estudios
Historia del Arte
Obj etiv o General:•Valorar las manifestaciones artísticas del hombre, enfatizando los periodos y estilos comprendidos en la prehistoria, las civilizaciones de la antigüedad, las culturas mesoamericanas, las culturas clásicas antiguas y la edad media, analizando algunas de sus obras y artistas representativos, como productos históricos de una función social determinada, mediante la creación de puentes conceptuales entre la historia del arte y otras disciplinas humanísticas, en un ambiente de reflexión, crítica y diálogo respetuoso.
Semana 1
Bloque I: Fundamentos teórico–metodológicos para el estudio de las manifestaciones artísticas
Unidad de competencia: describe los fundamentos teórico-metodológicos del estudio del arte, a partir del análisis de los elementos conceptuales de sus manifestaciones, el reconocimiento de su función social y caracterización de algunas de sus disciplinas artísticas.
Calendario de Estudio
Día Temas Ev idencia de aprendizaje
Lunes 1. Fundamentos del arte 1.1. Criterios metodológicos 1.1.1. El arte y la estética
1.1.2. El proceso creativo y la actitud estética 1.1.3. Tiempo y espacio
Describe una definición propia de los conceptos de arte y estética.
Inv estiga a través de documentos o en Internet y elabora un esquema acerca de los criterios metodológicos del arte, la estética, el proceso creativo, la actitud estética, el tiempo y espacio.
Martes 1.1.4. Arte y medio ambiente natural 1.1.5. Percepción y significado
1.1.6. El estudio iconográfico e iconológico
Diseña en equipo un análisis de “La Gioconda”, obra de Da Vinci y redacta individualmente un texto breve con la percepción y significado personal de la obra analizada.
Miércoles 1.2. El arte como producto social–histórico
1.2.1. El tiempo y el espacio en la creación artística 1.2.2. La manifestación de los valores sociales 1.2.3. La función social del arte
Redacta un reporte acerca de una lectura, donde se resalten las características fundamentales de la función social del arte.
Diseña un escrito del análisis de una obra.
Explica en equipo la relación entre el contexto histórico de la obra y sus elementos artísticos.
Juev es 1.3. Las disciplinas artísticas 1.3.1. Pintura
1.3.2. Escultura 1.3.3. Arquitectura
Diseña por parejas un cuadro comparativo que considere las técnicas propias de las disciplinas artísticas: Pintura, Escultura y Arquitectura.
Inv estiga por equipos las características de las siguientes artes: pintura, escultura y arquitectura. Analiza la información sobre las técnicas propias de dichas artes.
.
Viernes Examen semana 1
Rev isa la opción de proyecto modular 1
Realiza el examen de la semana 1.
Guía de Estudios
Historia del Arte
Semana 1
Calendario de Estudio1. Fundamentos del arte
1.1. Criterios metodológicos 1.1.1. El arte y la estética
Al finalizar la sesión 1, serás capaz de:
Instrucciones: contesta con tus palabras las siguientes preguntas.
1. ¿Qué entiendes por historia?
2. ¿Qué entiendes por arte?
3. ¿Mediante qué elementos se puede manifestar el arte?
4. ¿Conoces algunas esculturas famosas? ¿Cuáles?
Tania tiene una boda mañana en la tarde y desea lucir espectacular en el evento debido a que se casa su única hermana.
Tiene planeado ir a arreglarse a una “estética” que queda cerca de su casa. Los servicios que le realizarán son los siguientes:
• Uñas de acrílico • Maquillaje
• Peinado
¿Por qué crees que se le llama “estética” al salón de belleza?
1. Fundamentos del arte
Antes de contestar las preguntas del Explora, es necesario establecer los fundamentos o bases del arte, consistentes en la aplicación de los criterios metodológicos al realizar una obra.
El arte provee la posibilidad de vivir la diversidad cultural de los diferentes grupos humanos que han
transitado por cada época de la historia,
principalmente del presente, al dar la oportunidad de conocer la duplicidad como seres individuales y sociales dentro del proceso creativo de construir el mundo.
1.1. Criterios metodológicos
En este sentido, desenvolverse mediante el arte puede volver a la persona más sensible a la realidad diaria y promover mejores relaciones con los demás, mediante la renovación de vivencias y el reforzamiento de lazos de solidaridad.
Independientemente del papel que se pueda
1.1.1. El arte y la estética
El arte y la estética son dos conceptos que están íntimamente ligados. La forma como han sido explicados ha cambiado con el paso del tiempo, conforme a las épocas históricas de filósofos, historiadores, incluso de artistas, quienes desde sus respectivos puntos de vista han analizado sus elementos esenciales y características.
• Arte
Continuamente la palabra arte suele ser utilizada en innumerables ocasiones; es un término que deriva del latín “ars” que significa habilidad y hace referencia a las
acciones que requieren una
especialización. Por ejemplo, el arte de la gastronomía, el arte de jugar ajedrez y como lo revisamos en el Explora, el arte de maquillar, de peinar, etc.
Aunque no existe una definición única y universal del arte, existen diversas formas de cómo ha sido entendido
este concepto en los diferentes periodos de la
historia.
Platón fue el primer filósofo que trató el tema en la
antigüedad y pensaba que el arte era una destreza manual o intelectual que demandaba cierta habilidad y conocimiento para producir algo. Él pensaba que los objetos artísticos eran una mimesis, es decir, una imitación de las cosas sensibles del mundo natural.
Después, Aristóteles conservó la idea platónica del arte como imitación, ya fuera de la naturaleza o de los
acontecimientos humanos. También estableció la
división de las artes de acuerdo con el objeto que imitaban y el efecto que provocaban, a lo que llamó un placer propio “oikeia hedone”, que dependía de la precisión de la imitación, así como de la disposición ordenada y armónica de sus partes.
El intelectualismo estético de los griegos fue retomado por algunos escolásticos de la Edad Media, como Tomás de Aquino, quienes lo insertaron en la cosmovisión del catolicismo.
Al llegar al Renacimiento es cuando se marca la diferencia entre la destreza manual, propia del
artesano, considerado éste como la persona que
produce varios objetos similares con iguales
características, y el talento del artista, que es la persona que realiza una obra única.
De esto parte que algunos artistas como Leonardo Da Vinci, intentaran rescatar su buena fama con las Matemáticas y la Geometría, así como un talento y habilidad que, unidos a un conocimiento del mundo, les permitiera realizar brillantes y fiables representaciones de la naturaleza y de los hombres.
En el período de los siglos XVI al XVIII la actividad artística seguía siendo una imitación con tintes naturalistas, dinámicos y efectos ópticos, pero incluía simbología universal que los hacían comprensibles a los humanos.
En el Renacentismo, el cual abarcó finales del siglo XVIII y principios del XIX, se fortificó el simbolismo y surgió la idea del arte como forma de expresión, manifestando en él la emoción del artista, dotado de una imaginación única y creadora para descubrir la verdadera esencia de la naturaleza y de las cosas.
A partir de la Revolución Industrial aparecieron los primeros coleccionistas, críticos de obras, galerías, academias y museos de Bellas Artes. Se discutía entre lo clásico y lo moderno, lo académico y lo experimental, la objetividad y la subjetividad. El último paso al arte renovado que rompió con lo establecido por el Renacimiento, lo dieron Monet, Van Gogh y
Gauguin con la aportación de nuevos temas del arte Moderno.
Entre los años 1880 y 1905 convivieron artistas “viejos y jóvenes” de la renovación plástica, del Modernismo y
Posmodernismo respectivamente. Como ejemplo tenemos a Picasso, M atisse y Kandinsky quienes culminaron los
cambios definitivos. Todos estuvieron de acuerdo en que las características esenciales del arte son la subjetividad y la espiritualidad.
“Hombre de Vitruvio”,
dibuj o de Leonardo da Vinci, expresión del canon renacentista.
“Femme a L'ombrelle”,
El fuerte carácter individualizador y la idea de impactar o conectar al público han sido los aspectos representativos del arte del siglo XX y que aun en las postrimerías de nuestro siglo XXI, se han mantenido como base de la persistente búsqueda de la versatilidad y transformación del lenguaje artístico.
“La ciudad se levanta”, de U. Boccioni.
Arte futurista del siglo XX.
Desde esta perspectiva, el arte puede definirse como la manifestación de la naturaleza y actividad humana, por medio de la que se expresa una visión personal del mundo real o imaginario con diversos recursos plásticos, lingüísticos o sonoros,
a fin de establecer una comunicación de
sentimientos y sensaciones entre el artista y el espectador.
Como resultado, el arte ofrece a las personas que
lo practican y a quienes lo observan una
La noción fue introducida por el filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten, con el propósito de mostrar la forma de cómo las personas apreciaban los objetos, considerando sus cualidades internas, por las cuales adquirían valores estéticos como la belleza, lo sublime, lo gracioso, lo grotesco y lo trágico.
La percepción, como una actitud estética de contemplar algo por el propio placer de hacerlo sin importar la utilidad que se pueda sacar de él, representa uno de los elementos clave para la estética. El otro elemento a tomar en cuenta es la expresividad de los sentimientos que se manifiestan por medio del arte, de acuerdo con Emmanuel Kant.
• Estética
Estrechamente vinculada con el arte, se encuentra la estética, que es una palabra derivada del griego “aistesis” que significa “sensación”, e ica “relativo a”; se define como la rama de la filosofía que conoce sobre
la belleza y la teoría del arte. Es por ello que al salón
La Estética y la Historia del Arte comparten su objeto de estudio: el arte, pero la manera de abordarlo es distinta.
Como rama de la filosofía, la Estética reflexiona sobre las cuestiones que atañen al arte desde un plano más bien conceptual.
En la Historia del Arte, el fenómeno artístico y su resultado plasmado en las obras de arte, se consideran como instrumentos que transmiten en la actualidad, valiosos mensajes llenos de contenidos sobre los hechos del pasado.
1.1.2. El proceso creativo y la actitud estética
• El proceso creativo
Cualidades…
• Indispensables en cualquier artista y comunes en todos ellos, como son la vocación, creatividad, ingenio e inteligencia.
Habilidades técnicas…
• Requieren de aprendizaje y destreza para la realización de la obra de arte, siguiendo un método.
Para el desarrollo de las Bellas Artes, los artistas requieren del talento artístico, conformado por:
Cuando el artista haya dominado la técnica le será más fácil la elaboración de la obra.
• La actitud estética
El hombre tiene la facultad que le permite crear, captar y/o juzgar los valores estéticos contenidos en la obra de arte y se presenta de distintas maneras. La actitud estética puede ser:
• Creadora: consiste en que el
artista por intuición y sensibilidad encuentra inspiración en cosas que el hombre común las ve simples, para después materializarla.
• Interpretativa: consiste en que ciertas bellas artes tienen que ser recreadas para
ser disfrutadas por el hombre; como
ejemplo tenemos la música, el teatro, la poesía, etc. La recreación la hace el intérprete, quien al igual que el artista debe poseer ciertas cualidades que le permitan una buena interpretación sin falsear el • Contemplativa: consistente en una
percepción desinteresada que
poseen todos los seres humanos y se despierta ante los valores que el arte expresa. También puede consistir en la capacidad para comprender el mensaje que el artista dejó en la obra.
• Crítica: a través de ella la estética no se limita a percibir el arte, sino que juzga acerca del valor de la obra, es decir, emite un juicio valorativo sobre si misma.
1.1.3. Tiempo y espacio
El tiempo de la historia es linealmente extendido y originalmente ilimitado, mientras que el espacio disponible es siempre limitado. Esto vale sobre todo para la Arquitectura, que es el arte que más espacio demanda. Es lógico entonces, que los tiempos posteriores tendrán a destruir lo que se construyó en los anteriores. Si se construyera ilimitadamente, la tierra no tendría más espacio para nuevas obras
arquitectónicas. De cualquier modo, no hay
construcción sin destrucción.
Pero no sólo un edificio, una escultura o una pintura ocupan espacio. También lo ocupa un libro de poesía o una partitura, que a la vez requieren de un cierto tiempo para su ejecución.
Es un mecanismo importante en la vida del hombre; gracias a él se han determinado las diferentes formas de vida de la humanidad.
El espacio
Es una unidad afectiva,
simbólica, un medio de
relación y de
comunicación, el cual
cobra valor según su uso y vivencia.
Se debe considerar al objeto o cuerpo como un espacio notablemente expresivo, que está en el origen de otros espacios igualmente expresivos,
en los cuales las personas proyectan un
significado, es como si el entorno cobrara vida y las cosas tuvieran expresión.
En la experiencia espacial participan todos los sentidos como la vista, tacto y oído.
Siempre que el cuerpo se detenga o se mueva lo rodea el espacio y todo movimiento tiene su lugar en el espacio, ya sea transportando el cuerpo entero o partes de él.
Instrucciones: une con una línea el criterio metodológico con el ejemplo correspondiente de la vida
cotidiana. Puede ocurrir que alguna obra tenga relación con dos o más criterios.
Actividad 1
Instrucciones: describe una definición propia de los conceptos de arte y estética. Discute los
resultados de forma ordenada y respetuosa con tus compañeros.
Arte:
________________________________
________________________________
________________________________
________________________________
Estética:
Actividad 2
Instrucciones: investiga a través de una consulta documental o en Internet y elabora un esquema
1.1.4. Arte y medio ambiente natural
1.1.5. Percepción y significado
Al finalizar la sesión 2, serás capaz de:
Instrucciones: relaciona ambas columnas, colocando en el paréntesis la letra de la respuesta
correcta.
( ) Se refiere tanto a la habilidad como al talento creativo, en un contexto visual, verbal, musical y literario.
( ) Él pensaba que los objetos artísticos eran una mimesis, es decir, una imitación de las cosas sensibles del mundo natural.
( ) Estableció la división de las artes de acuerdo con el objeto que imitaban y el efecto que provocaban, a lo que llamó un placer propio “oikeia hedone”.
( ) Actitud estética consistente en que el artista por intuición y sensibilidad encuentra su inspiración en cosas que el hombre común las ve simples.
( ) Es siempre limitado.
( ) Linealmente extendido y originalmente ilimitado.
“La cena”, de Leonardo Da Vinci
Observa la obra de Da Vinci, “La cena” y reflexiona:
1.1.4. Arte y medio ambiente natural
La Naturaleza ha constituido el territorio principal para el Arte; antes de ser colonizado el espacio, el medio
natural se instauraba como lugar mágico, medio cotidiano, territorio sagrado y espacio de desarrollo del mito.
En la relación con el medio ambiente, el artista renueva sus fuerzas y busca motivos para el avance de su trabajo. También, forja su propio lenguaje a través de la capacidad de ordenar los elementos y materiales que encuentra en el medio ambiente, así como recrear o reinventar los signos que están a su disposición.
1.1.5. Percepción y significado
Todo ello va fortaleciendo la formación del espectador que, una vez educada su sensibilidad, se convertirá en un digno receptor de la obra de arte.
1) Saber leer las imágenes, descubriendo sus mensajes y las intenciones del autor.
2) Identificar los elementos inherentes a la expresión pictórica, escultórica, arquitectónica y de otras manifestaciones artísticas como la fotografía, el cine o el comic.
3) Conocer el momento histórico en que se desarrolló la obra de arte.
Para valorar una obra se necesitan tres momentos
determinantes en la
formación de espectador:
Para saber leer las imágenes es necesario aprender a observar, porque contemplar una obra pictórica o escultórica no se limita a mirarla y decidir si agrada o no, hay detrás de una imagen muchos más elementos de los que se valoran a simple vista. Existen
colores, formas, luces, materiales, símbolos escondidos, un orden de las figuras,
La percepción visual constituye uno de
los procesos fundamentales en la
valoración de la obra de arte por definir los elementos formales que la componen. En el campo del arte, una percepción adecuada es primordial y con ella se completa un estudio artístico.
Una obra de arte no tendría sentido si no comunica algo.
El significado es básico en su
interpretación debido a que los signos y elementos dan un concepto específico a la obra de arte.
El signo es el código de señales
universales, el significado es la
1.1.6. El estudio iconográfico e iconológico
• Estudio iconográfico
A lo largo de la Historia, la imagen ha sido una forma de expresión y comunicación de todos los pueblos por constituir un lenguaje propio con sus normas y códigos de interpretación.
Las imágenes pueden exhibirse mediante diversas técnicas (pintura, escultura, grabado) y en muchos estilos. Todo depende de la sociedad que la reproduzca, del sistema de valores y del artista que ejecute la obra. Así pues, están dispuestas bajo un orden que es susceptible de ser estudiado y analizado para descifrar las claves de su representación.
El término se presta a múltiples definiciones, pero una de las que más influencia tiene es la de González Sárate, quien menciona a la iconografía como “la ciencia que estudia y describe las imágenes conforme a los temas que desean representar, identificándolas y clasificándolas en el espacio y el tiempo precisando su origen y evolución”.
Sárate establece distintos aspectos que pueden integrarse dentro del estudio iconográfico debido a que la imagen es fuente de interpretaciones que establecen variadas relaciones como las siguientes:
1) La primera de ellas sería con la Arquitectura, que para muchos porta una significación simbólica mediante la combinación de sus formas.
Por ejemplo, la relación que se suele plantear entre una planta centralizada (planta de iglesia
donde toda la arquitectura se organiza en torno a un eje central) y el círculo como forma sagrada.
2) La iconografía natural se ocupa de las representaciones en las que las imágenes no tienen sentido figurado alguno.
3) La iconografía simbólica incluye variedad de atributos y signos que convierten a cualquier motivo visual en un tema iconográfico.
Este método de investigación necesita que busquemos su origen y evolución, después que se han descrito, identificado y clasificado las imágenes.
Para ello hay que utilizar una serie de fuentes:
2) Otra veces es el comitente (el que encarga la obra), quien dispone qué y cómo representarla. En este caso es fundamental la labor de investigación en los archivos, búsqueda de contratos y todo tipo de documentos. Las fuentes literarias en las que el artista ha podido inspirarse son abundantes: por ejemplo, en los temas religiosos acudirían a la Biblia, Evangelios Apócrifos, literatura mística, etc.
La lectura de estas fuentes debe ser rigurosa; no podemos darles el sentido que consideramos sino el que realmente tenía en su época.
• Estudio iconológico
Se llama Iconología a la rama de la simbología que estudia las designaciones visuales del arte, como la representación de las virtudes, vicios y otras cosas morales o naturales, con la figura o apariencia de personas.
Se trata de la ciencia que estudia las imágenes, emblemas, alegorías y monumentos con que los
artistas han representado a los personajes
mitológicos, religiosos o históricos.
Pagana. Comprende las imágenes de la idolatría o religiones no
cristianas.
Profana o civil. Comprende las figuras de personajes históricos
que no sean objeto de culto religioso.
Religiosa. Se refiere a Dios, ángeles, santos y otras imágenes
originarias de la religión.
Instrucciones: escribe el “significado” que tienen para ti las siguientes obras.
Van Gogh Van Gogh
Miguel Ángel Miguel Ángel
Instrucciones: diseña en equipos un análisis de la siguiente obra de Leonardo Da Vinci titulada “La
Gioconda”. Escribe individualmente un texto breve con la percepción y significado personal de esta
obra.
Instrucciones: construye el siguiente cuadro comparativo de la Iconografía y la Iconología.
Iconografía
Iconología
1.2. El arte como producto social – histórico
Al finalizar la sesión 3, serás capaz de:
Instrucciones: subraya la respuesta correcta para cada pregunta.
1. Antes de ser el espacio colonizado, se instauraba como lugar mágico, medio cotidiano, territorio sagrado y espacio de desarrollo del mito.
A) El medio natural B) El medio social C) Las cuevas
2. Para saber leer las imágenes es necesario empezar por aprender a:
A) Escuchar B) Observar C) Deletrear
3. Constituye uno de los procesos fundamentales en la valoración de la obra de arte por definir los elementos formales que la componen:
A) La percepción visual B) El significado del artista C) Los símbolos inmersos en ella
4. Es el código de señales universales:
¿Sabías qué… ?
El Monumento a la Independencia, también conocido como El Ángel de la Independencia, o bien la Columna de la Independencia, es un monumento histórico que se encuentra en la Ciudad de México sobre el cruce de Paseo de la Reforma y la calle de Florencia.
La obra fue propuesta por el entonces presidente de México Porfirio Díaz en 1902 para conmemorar el primer centenario de vida independiente del país. Originalmente, se pensó construirla en el centro de la Plaza de la Constitución, y finalmente fue instalada en el Paseo de la Reforma. El concurso para el diseño se convocó en 1877 y fue inaugurado por Porfirio Díaz el 16 de septiembre de 1910, con motivo del Centenario de la Independencia de México.
Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Monumento_a_la_Independencia
Según la lectura, ¿crees que el acontecer de esa época influyó en la obra de “El Ángel de la Independencia”?
¿Qué opinas del espacio que ocupa y el lugar donde se instaló?
1.2. El arte como producto social – histórico
El arte ha sido una fuente inagotable de manifestaciones sociales debido a que en todas sus expresiones refleja los momentos de gloria y triunfo, así como los motivos de rebeldía, queja o inquietudes de grupos sociales o de pueblos enteros.
En sus diferentes representaciones como la novela, la pintura mural, la gesta heroica o la sinfonía, también se expresa una fuerte demanda de justicia.
El arte está unida a la realidad social, económica, política y cultural de los distintos países. Así como el medio que rodea al artista interviene en su creatividad, también la obra de arte influye en la vida de un pueblo y en la humanidad porque les recuerda a hombres y mujeres su responsabilidad, haciéndoles ver que son parte del mundo y que el mundo es un trabajo de ellos, lo cual implica su compromiso con el ambiente.
1.2.1. El tiempo y el espacio en la creación artística
Como ya lo viste en la sesión anterior, el tiempo y el espacio son vitales en la creación artística.
El tiempo es muy importante debido a que ciertas artes como la Música, necesitan reproducirse en un espacio de tiempo, mientras que el espacio es importante porque en él se ubican las obras, como por ejemplo, la Arquitectura.
Las artes son generalmente organizadas de acuerdo con la forma simbólica:
Espacio
Artes
1.2.2. La manifestación de los valores sociales
El arte, aparte de sus valores estéticos posee valores de
carácter social por recibir influencia y lleva la marca del
contexto histórico social al que pertenece el artista y su obra.
Las cualidades, ideales, aspiraciones, luchas, triunfos y aun fracasos de cada pueblo o nación son características que se reflejan en el arte, cuyas creaciones artísticas están profundamente ligadas a la sociedad y a la época en que se realizan las obras.
Por lo anterior, si se perdieran los documentos históricos del pueblo, pero se salvara su arte, a través de él se podría reconstruir su pasado, tal y como se ha hecho con algunas culturas antiguas.
La belleza es primordial para los seres humanos y por ello el arte vale por sí mismo. Sin embargo, si el arte se mira con ojos libres de estética, nos muestra una comunicación del autor, y éste, a su vez, un reflejo del ambiente social– histórico en que vive.
Hay expertos que consideran al arte como fenómeno social, ya que su misión es provocar un sentimiento en otros. Esta condición se puede explorar desde la Prehistoria, cuando las antiguas civilizaciones, además de fabricar utensilios y herramientas de utilidad, los decoraban para inducir admiración en los demás.
De ahí la conclusión de que ninguna sociedad por primitiva que fuera, haya ignorado al arte, pues desde su etapa antigua la creación artística fue una necesidad de expresión y proyección social.
Eventualmente todos somos creadores, y el arte en sus múltiples dimensiones, es un campo inmenso de posibilidades de ejercicio de creación.
El arte suministra oportunidad de experimentar la diversidad cultural, dando la oportunidad de conocernos y reconocernos en
un proceso creativo en el que incorporamos nuestra
individualidad a la multitud de seres humanos con sus variadas formas de construir y reconstruir el mundo. Por ello el papel del arte en la sociedad es fundamental.
Además, se ha comprobado que el arte es una de las mejores herramientas para
estimular valores esenciales del ser
humano.
A través del arte se puede encontrar la espiritualidad del mundo que nos rodea y
una manera más consciente para
1.2.3. La función social del arte
El hombre crea el mundo humano cultural y lo transforma continuamente; es responsable de sus cambios, para bien o para mal. Ante las diversas condiciones sociales y económicas, a través de la historia y sus consecuencias, el hombre sigue creando, y al crear trasforma y trasciende al mismo mundo.
Como medio de comunicación
Como transformación
En la sociedad de consumo
El arte por el arte
Como fuerza social
En este contexto, el arte tiene una función
• Como medio de comunicación
Aquí la obra de arte es el medio del que se vale el artista para transmitir sentimientos y emociones al espectador, y tiene como fundamento la capacidad que poseen las
personas para experimentar como propios, los
sentimientos ajenos.
El arte:
• Como transformación
• Como fuerza social
El mar xismo, que tuvo una enorme influencia en las teorías estéticas del siglo XX, propuso que el arte se determinaba por condicionantes socio–históricos; por ello, era un reflejo de la realidad social y de utilidad para justificar la estructura económica imperante. Sin embargo, el arte podía “liberar” en la medida en que fomentara el proceso revolucionario; de ahí que el artista
tenía una gran responsabilidad social y debía de estar
comprometido con su tiempo.
• En la sociedad de consumo
• Por el arte
El arte tiene su sentido y finalidad en sí mismo. Según esta teoría, el artista es alguien dotado de extraordinarias cualidades creativas y su principal obligación es perfeccionar su obra. Esta teoría, que fue defendida por algunos románticos alemanes del siglo XIX, ha sido muy controvertida por considerarse una actitud individualista que evade el compromiso social y la responsabilidad sobre el mundo.
El arte se ocupa de transformar el mundo en algo digno de ser vivido; un lugar de lucha por la sobrevivencia diaria y de imaginación creadora, de sueño y fantasía. Es importante proteger la función del arte como transformador hacia una nueva visión del ser humano y su contribución para levantar la autoestima, humanizar y emancipar el
espíritu, con la finalidad de ofrecer mejores
Instrucciones: une con una línea las imágenes con su clasificación, si pertenecen a las artes del
Instrucciones: redacta un reporte acerca de la lectura que se presenta a continuación resaltando las
características fundamentales de la función social del arte. Comparte tus comentarios con el grupo.
Función social del arte
Oscar Manuel Doñas
Como signo de los nuevos tiempos, el pueblo nos pide a todos girar hacia el cambio, y por su parte, el arte nos señala ese cambio, no sólo a los artistas, sino a todo el pueblo como consumidor de las producciones artísticas. Y debo aclarar que me refiero a las cinco áreas: letras, teatro, danza, plásticas, música y a sus cuatro divisiones: etnográfico o indígena, folklórico, popular y académico. Y no solo se refiere a las llamada s “Bellas Artes”, entendidas como las “artes académicas”, sino también a las populares, como mimos, títeres, payasos, cantantes, orquestas, tríos, bailarines, etc. Todos van incluidos en el proyecto “Profesorado en Educación Artística”, presentado ya al nuevo Ministro de Educación.
Y ese arte, que refleja las vivencias humanas, palidece ante el crudo salvajismo de la propia realidad. El arte -ojo- es una autobiografía de la realidad, no del artista.
La función social del arte es, pues, reflejar la realidad tal como es. Son otras las instituciones que tienen la función de convertir esa realidad como debe ser: la familia, la escuela en todos sus niveles, incluido el superior, las iglesias, los medios de comunicación, etc. ¿Será que estamos preparados para el cambio?
Bueno, ante la presentación del arte como fenómeno social, hay quienes sostienen que el arte es una autoexpresión individual, espontánea y libre, sin ninguna responsabilidad social y sin ningún eslabón de unión con las realidades sociales.
El arte refleja y expresa este mundo al cual pertenece, ya que el artista está en la tierra y no en las nubes. La libertad del artista, pues, está limitada por su situación histórica, por su tiempo-espacio, por su aquí y ahora, de tal manera que un artista salva doreño que está en los albores del siglo XXI no va a crear una obra italiana del siglo XIX.
El pintor y maestro español Valero Lecha, escribió unas palabras que aplican a todos los artistas salvadoreños de las cinco áreas: “Hay en El Salvador una luz maravillosa, tan rica en matices, tan móvil en sus formas y dimensiones, que no comprendo cómo nuestros muchachos, que surgieron a la vida de la pintura dentro de esa realidad, cuando salen del país y regresan, ya no reflejan en su arte que fue lo nutricio. Lo salva doreño parece ausentarse: el cielo, el lago, el río, el árbol, las flores y las frutas, no son ya esta naturaleza de Cuscatlán; todo parece estar ausente de su emoción artística”.
La función social del arte es un reto para el cambio, ¿o no?
Instrucciones: redacta un escrito acerca de la siguiente obra y compártela con el grupo. Distingan por
equipos la relación entre el contexto histórico de la obra y sus elementos artísticos.
Breve contexto histórico:
El artista Robert Koehler crea su obra “La huelga” en 1868, año en que comenzaron las masivas huelgas en los Estados Unidos, cuando se manifestaban a favor de la jornada de ocho horas y cuando el Primero de mayo, en Chicago, el mitin de los trabajadores fue disuelto sangrientamente por la policía.
1.3. Las disciplinas artísticas
1.3.1. Pintura
1.3.2. Escultura
Al finalizar la sesión 4, serás capaz de:
Instrucciones: completa las afirmaciones utilizando las palabras del recuadro.
1. El _____ está unida a la realidad social, económica, política y cultural de los distintos países.
2. El _______ es muy importante debido a que ciertas artes como la Música, necesitan reproducirse en un espacio.
3. El arte, aparte de sus valores __________ posee valores de carácter social, porque recibe la influencia y lleva la marca del contexto histórico social al que pertenece el artista y su obra.
4. Crear significa transformar las cosas, darles un sentido, un ______________.
5. Sin embargo, si el arte se mira con ojos libres de estética, nos muestra una comunicación del________ , y éste, a su vez, un reflejo del ambiente social–histórico en que vive.
Imagina que estás de visita en el Museo de Louvre, que es el museo nacional de Francia, y encuentras las siguientes obras:
Imagina que estas de visita en el Museo de Louvre, que es el museo nacional de Francia, y encuentras las siguientes obras:
¿Conoces sus nombres y autores?
1.3. Las disciplinas artísticas
En las obras de arte conviven expresiones y lenguajes que requieren habilidades y técnicas específicas. Por ello, existen diferentes formas en las que los artistas han plasmado sus creaciones y que se denominan disciplinas artísticas. Todas y cada una de estas disciplinas representan la amplia gama de posibilidades de comunicación con los espectadores de cualquier época o lugar del mundo, para suscitar experiencias estéticas significativas.
Reconocer el diversificado campo de las disciplinas artísticas, también implica admirar las capacidades creativas y el conocimiento que el ser humano ha desarrollado, encontrando a cada paso novedosas y versátiles maneras de aplicarlo en su entorno.
• Clasificación de las artes
En la antigua Grecia dividieron las artes en:
• Formadas por todas las que se podían apreciar con los sentidos de la vista y el oído, considerados superiores, sin necesitar un contacto táctil para apreciar su belleza.
Superiores
• Formadas por las que se aprecian con los sentidos inferiores como el tacto y el gusto.
En 1474, Charles Batteaux acuñó el término Bellas Artes, formado por seis disciplinas:
Arquitectura
Escultura
Pintura
Música
Declamación
(incluía a la
literatura en
general)
Danza (incluía al
teatro)
De acuerdo con su finalidad, el arte también ha sido dividida en:
Arte noble
• Las que crean solamente valores estéticos haciendo caso omiso de la utilidad.
Arte útil
Otra clasificación que trata de agrupar todas las disciplinas artísticas es:
ARTES
ARTES
Plásticas Hablan de espíritu mediantela vista; sus
obras materiales están situadas en
el espacio de
manera estática y
su belleza es
exterior. Éstas son: Arquitectura, Pintura y Escultura Fonéticas
Hablan al espíritu
por medio del
oído, son más
espirituales y subjetivas, con belleza interior, como la Música
y la Literatura.
Del movimiento
Se realizan
simultáneamente en el tiempo y en
el espacio;
comprenden la
danza y el ballet,
cuya belleza está en el movimiento.
Del gesto
Aspiran a crear belleza por medio de la expresión y los movimientos corporales, entre
ellas se
encuentran el
1.3.1. Pintura
Es el arte de representar formas o imágenes por medio de
líneas y colores sobre alguna superficie (tela, papel, cartón,
metales, etc.). Existe gran variedad de temas pictóricos, que por sus características se dividen en: históricos, desnudo,
retrato, paisaje, folklórico, etc.
La pintura se
clasifica en:
Abstracta: representa
formas imaginarias.
De acuerdo con el procedimiento de trabajo, las técnicas de pintura son:
Técnicas de pintura
Óleo
Acuarela
Pastel
Encáustica Fresco
Acrílicos
Técnicas mixtas
De acuerdo con el procedimiento de trabajo, las técnicas de pintura son:
• Óleo: los colores se mezclan con aceite especial llamado secante para lograr un secado rápido. Como ejemplo de ésta técnica se encuentra la “Mona Lisa” o “La Gioconda” de Da Vinci mostrada en el Explora, que es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 centímetros, pintado entre 1503 y 1506, y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el esfumado, procedimiento muy característico de Leonardo. Otro ejemplo es el cuadro "La Libertad
guiando al pueblo“ (La Liberté guidant le peuple) de Eugène
Delacroix, pintado en 1830 en óleo sobre lienzo que se encuentra en el Museo del Louvre.
• Acuarela: pintura sobre papel o cartón con colores diluidos en agua.
• Encáustica: los colores se mezclan con cera derretida.
• Fresco: se hacen en paredes y techos con colores disueltos en agua de cal y extendidos sobre una capa de estuco fresco.
• Acrílicos: cuando se utilizan materiales sintéticos.
• Técnicas mixtas: cuando se emplean
más de una de las técnicas antes
mencionadas.
• Temple: los colores se disuelven
previamente en cola.
1.3.2. Escultura
La escultura se divide en dos grandes ramas:
• Que tiene un propósito en sí misma; puede ser de bulto redondo o de relieve.
Estatuaria
• Que sirve de complemento a la estatuaria o a la Arquitectura; puede abarcar la naturaleza, los animales o vegetales.
Ornamental
• Exenta
• Adosada
• M onumental
Altorrelieve
Bajorrelieve
De acuerdo con su
ubicación, la
De acuerdo con su ubicación, la escultura puede ser:
• Exenta: escultura conocida también con el nombre de bulto redondo o completo, que forma una entidad independiente con su entorno y pueden contemplarse desde cualquier ángulo.
• Si se representa la figura humana se le llama estatua.
• Si la estatua representa a un personaje divino o está hecha para el culto religioso se llama imagen.
• Adosada: la forma, volumen y espacio del objeto escultórico se encuentra adherido a un plano que lo sustenta y se llama relieve.
• Altorrelieve cuando sobresalen de la superficie en la mitad de su volumen.
• Bajorrelieve cuando sobresalen del plano en menos de la mitad de su corporalidad.
• Monumental: cuando la escultura es de grandes proporciones y está compuesta principalmente, por un grupo o conjunto de elementos.
Los materiales que se han usado en la historia de la escultura han dependido de su ubicación geográfica. Cada pueblo ha aprovechado los elementos disponibles a su alcance, por ejemplo, la madera, el hueso, marfil, piedra, mármol, alabastro, oro, plata, bronce y hierro. La “Venus de
• Modelado, en el que se utilizan materiales blandos (cera, arcilla, etc.) en algunos casos, a manera de moldes anteriores a la realización de un original con materiales tales como el bronce, hierro o metales preciosos.
• Talla directa sobre materiales pétreos (de piedra, roca) o maderas duras.
Cabeza de Dragón Tradicional Chino de Agua, (escultura sobre madera).
Madre Teresa de Calcuta y Princesa Diana, esculturas en cera del Museo de cera de Madrid.
Según el procedimiento de
trabajo se puede dividir en
1.3.3. Arquitectura
La Arquitectura presenta ciertas singularidades que la hacen diferente de las demás artes:
Se define a la Arquitectura como el arte de proyectar y construir edificios o espacios interiores con estructuras materiales relativamente estables, destinadas para el uso de las múltiples formas de vida humana, siendo considerada arte desde el momento en que conlleva una búsqueda estética.
• El espacio interior que, definido por unos limites físicos llamados muros, determina un volumen al tiempo que posibilita la función arquitectónica y el recorrido interior de la edificación.
• La técnica constructiva que se ocupa de la correcta utilización de los materiales en función de su naturaleza y cualidades como son la plasticidad y la resistencia, de modo que cumplan con las condiciones de solidez, aptitud y belleza.
• El aspecto funcional que está relacionado con la utilidad de la obra.
Instrucciones: relaciona la disciplina artística que corresponde a cada imagen. Utiliza una línea para
unirlas.
Instrucciones: diseña por parejas un cuadro comparativo que considere las técnicas propias de las
disciplinas artísticas: Pintura, Escultura y Arquitectura.
Pintura
Escultura
Arquitectura
Instrucciones: investiga en equipos una consulta documental de las características de las siguientes
artes: pintura, escultura y arquitectura. Distingue la información sobre las técnicas propias de dichas artes.
Debe contener en esencia los siguientes puntos:
a) Presentación.
Limpieza, redacción y ortografía.
b) Investigación.
Información relevante y empleo de fuentes seguras de información.
c) Tratamiento de la información.
Manejo de herramientas didácticas.
d) Ideas personales y conclusiones/ejercicios.
Ejemplo de portada para cada
una de las actividades:
Universidad CNCI de México, S.C.
Plantel Ajusco
El proceso de la comunicación Historia del Arte
Leticia Gómez Rodríguez Grupo: 205
Módulo 3
Maestra: Nora Montes Martínez
México D.F., 28 de Enero de 2010
Nombre de la escuela Logo de la Universidad
Nombre del tema en el que se va a trabajar Nombre de la asignatura (materia)
Nombre del alumno, grupo y módulo en que se encuentra.
Nombre del maestro (a)
Requisitos para la entrega:
• Realizarlo en hojas blancas tamaño carta.
• Agregar portada a la actividad para su correspondiente identificación.
• Si la actividad se realiza por computadora se deberá manejar letra Arial, número 12.
• La actividad se anexará en un fólder para su entrega.
Proyecto modular 1
Actividad
Instrucciones: realiza un reporte con las especificaciones que se te dan a continuación. Mínimo 5
cuartillas.
Reporte (Primera Parte)
1. Investiga las características y técnicas propias de la pintura, escultura y arquitectura en tres fuentes distintas.
2. Con dicha información, elabora un cuadro comparativo de las tres disciplinas artísticas. 3. Recuerda señalar cuáles fueron las fuentes que consultaste.
Reporte (Segunda Parte)
Instrucciones: realiza un cuadro comparativo de las
disciplinas artísticas como la pintura, escultura y arquitectura.
Instrucciones de la actividad.
Hoja blanca tamaño carta.
Colocar actividad.
Ejemplo de contenido para cada una de las actividades:
Pintura Arquitectura Escultura
Instrucciones: elabora un ensayo en el que describas
lo que has aprendido respecto a las técnicas de la pintura, escultura y arquitectura. Incluye tu opinión al respecto.
Ensayo
Ejemplo de contenido para cada una de las actividades:
Alabastro. Variedad de piedra blanca, no muy dura, compacta, a veces translúcida, de apariencia
marmórea, que se usa para hacer esculturas o elementos de decoración arquitectónica.
Alegorías. Ficción en virtud de la cual algo representa o significa otra cosa diferente. Ejemplo: La
venda y las alas de Cupido son una alegoría.
Cosmovisión. Conjunto de opiniones y creencias que conforman la imagen o concepto general del
mundo que tiene una persona, época o cultura, a partir del cual interpreta su propia naturaleza y la de todo lo existente.
Escolásticos. Filósofos pertenecientes al movimiento escolástico. Es el movimiento teológico y
filosófico que intentó utilizar la filosofía grecolatina clásica para comprender la revelación religiosa del cristianismo.
Guía de Estudios
Historia del Arte
Semana 2
Bloque II: Manifestaciones artísticas en la Prehistoria
Unidad de competencia: explica las diferentes manifestaciones artísticas del hombre en los períodos Paleolítico y Neolítico, a través de la revisión y análisis de sus principales características.
Calendario de Estudio
Día Temas Ev idencia de aprendizaje
Lunes 2. Arte Paleolítico 2.1. Forma de vida
2.2. Desarrollo de la alfarería
Elabora un esquema que represente el “desarrollo de la alfarería en el paleolítico”.
Realiza una investigación documental sobre las “características geográficas y culturales del periodo Paleolítico”.
Martes 2.3. La pintura rupestre y el pensamiento mágico-religioso
Imagina que es un famoso científico de la revista “Reader's Digest” y le piden hacer un reportaje sobre las pinturas rupestres del paleolítico superior. Escribe el reporte dirigiéndolo a los lectores que comprarán la revista. Busca láminas, diapositivas o fotografías que muestren la influencia de la flora, fauna, el medio natural y el pensamiento religioso en los utensilios, esculturas y pinturas rupestres.
Guía de Estudios
Historia del Arte
Miércoles 3. Arte Neolítico
3.1. El cultivo de la tierra y su relación con el florecimiento de la cerámica
3.2. La arquitectura megalítica
Realiza un esquema en el que se muestren las características de la agricultura en el Neolítico.
Realiza una consulta documental o en internet sobre los procesos culturales y sociales que permitieron el florecimiento de la agricultura y el comercio en el Neolítico y elabora un resumen en hojas tamaño carta.
Juev es 3.3. La cerámica geométrica
3.4. Los metales, los textiles y la cestería
Elabora un esquema que represente el desarrollo de los metales, los textiles y la cestería en el Neolítico, así como de los elementos que lo caracterizaron.
Imagina que es un alfarero del Neolítico. Realiza “cerámica geométrica” dibujada en su cuaderno y explica brevemente las formas y trazos que utiliza.
Viernes Examen semana 2
Rev isa la opción de proyecto modular 2
Realiza el examen de la semana 2.
Semana 2
Calendario de Estudio
2. Arte Paleolítico
2.1. Forma de vida
Al finalizar la sesión 5, serás capaz de:
Instrucciones: contesta con tus palabras las siguientes preguntas alusivas al tema “las disciplinas
artísticas”, estudiado en la sesión anterior.
1. ¿Cómo se dividían las artes en la antigua Grecia y en qué consistían cada una?
2. En 1474, Charles Batteaux acuñó el término Bellas Artes, formado por seis disciplinas ¿Cuáles eran?
3. ¿Quién le dio la denominación al cine como “séptimo arte”?
4. ¿Cómo se divide el arte según su finalidad?
5. ¿En qué consisten las artes plásticas?
6. ¿En qué consisten las artes fonéticas?
7. ¿En qué consisten las artes del movimiento?
Caminando por el bosque, Betty se acaba de encontrar una máquina muy
especial, pues tiene el poder de
regresar al pasado. Después de
pensarlo mucho, decide entrar en ella. La máquina tiene un gran reloj que
puede atrasar el tiempo que
desees…¡Betty ha puesto el reloj para regresar al año 250, 000 a. C!
Encuentra que la gente caza animales para comérselos y con las pieles, se confeccionan sus vestidos. También ve que transitan de un lugar a otro, sin establecerse en un territorio fijo para vivir. Habitan cuevas y las decoran con pinturas que realizan con los dedos…
2. Arte Paleolítico
Las divisiones de la prehistoria se muestran en el siguiente esquema: Se le llama prehistoria al gran período de
la humanidad del que carecemos de documentos escritos.
La prehistoria se ha dividido conforme a los tipos de
materiales que fueron utilizados por los primeros seres
humanos para la fabricación de herramientas y
utensilios.
Prehistoria
Edad de piedra
Paleolítico o piedra antigua. Abarca desde la aparición del ser humano en el año 250, 000 aproximadamente hasta el año 10, 000 antes de nuestra era.
Mesolítico. Etapa intermedia que abarca del año
10,000 al 7,000 antes de nuestra era.
Neolítico o piedra nueva. Abarca a partir del año 4,000
antes de nuestra era.
Edad de los metales
Edad de cobre. A partir del año 4,000 antes de
nuestra era.
Edad de bronce. Inició en el año 3,500 antes de
nuestra era, en Asia Menor.
Edad de hierro. Inició en Europa y el Próximo
2.1. Forma de vida
La aparición del paleolítico superior coincidió con los momentos finales de la última glaciación, aproximadamente 40 mil años antes de nuestra era.
A partir de esta fecha, la aparición de las primeras manifestaciones artísticas realizadas por el Homo
sapiens, se considera una de las principales transformaciones culturales logradas por el ser humano, entre las muchas que había en ese tiempo. Se consideran importantes debido a que constituyen un testimonio inapreciable de su capacidad intelectual y creativa para expresar sus ideas y emociones, a través de la utilización de procedimientos técnicos como la
pintura en cuevas, el grabado y las figurillas
(escultura).
Después, el hombre se dedicó a la caza y se convirtió en nómada; aquí es
cuando aparecen las primeras
manifestaciones de arte en forma
rudimentaria, ya que adornaba las
cuevas que habitaba con pinturas y relieves a pesar de que los medios que
utilizaba eran primitivos, como los
golpes, espátulas de hueso, puntas
hendidas, raspadores y buriles.
En estas culturas la naturaleza tuvo una influencia definitiva; no obstante, en las
culturas posteriores influyó más el
estado espiritual de los pueblos.
Cuevas de Altamira en Santillana del Mar, España.
En el último periodo del magdaleniense (variante geográfica inicial dentro del paleolítico superior) se hace más notorio el deseo artístico.
Lo que subsiste del arte de este período se ha agrupado en:
a) Arte mobiliario o arte miniatura, que comprende los pequeños objetos que dejaron los
cazadores del Paleolítico en los lugares que habitaron.
b) Arte rupestre o mural; se encuentra en los muros o paredes de las cuevas.
Algunas pinturas obtienen un tamaño de más de dos metros, como los gigantescos toros de Lascaux que sobrepasan los cinco; en ningún caso aparece el suelo o el paisaje de fondo.
2.2. Desarrollo de la alfarería
Los primeros objetos de alfarería se
remontan al período Paleolítico y se trata de jarras o de pequeñas representaciones de divinidades maternales y el culto a la fertilidad.
La pieza más antigua que se conoce es una
vasija del período Jōmon de la época de la
prehistoria del Japón (10,000 a. C. / 8,000 a. C.) que actualmente se expone en el Museo Nacional de Tokio.
Su nombre se le da por las marcas de cuerda que la decoran.
Existen trozos de alfarería encontrados en el sur de China y que con el método del carbono 14 se han datado comprobando que el material fue elaborado entre los 14, 000 y 9, 000 años a. C.
Las pequeñas figuras de arcilla cocidas se
Instrucciones: relaciona con una línea las imágenes actuales con el nombre que le hubiera
correspondido en el Paleolítico.
Instrucciones: realiza en un reporte una investigación documental describiendo las “características
geográficas y culturales del periodo Paleolítico”. Entrégalo a tu tutor. La extensión del reporte debe ser de una cuartilla.
Características geográficas y culturales del Paleolítico
Al finalizar la sesión 6, serás capaz de:
Instrucciones: identifica la respuesta correcta en la siguiente sopa de letras alusiva al tema “arte
Paleolítico: forma de vida y desarrollo de la alfarería”.
1. Palabra que se refiere al período de la
humanidad del que carecemos de
documentos escritos:
2. La prehistoria se divide conforme a los
tipos de ___________ que fueron
utilizados por los primeros humanos. 3. La aparición del paleolítico superior
coincidió con los momentos finales de la última ______________.
4. El hombre del paleolítico habitó en
___________ que eran cuevas de varias cámaras.
5. El hombre del paleolítico se dedicó a la caza y se convirtió en _______, pues no tenía un lugar fijo donde vivir.
N S E D E N T A R I O S
R O B V E U B M F U P Q
Y O M C A L M E H I R E
O G L A C I A C I O N R
S W Ñ V D N T F S K R C
Q D L E G A E N T Ñ O R
A N A R O S R E O G S Z
G H N N J N I K R J A R
I T H A C H A P I L Ñ H
T F R S F Y L K A D Y M
R E V O L U E C I O N O
Lee el siguiente texto y reflexiona las preguntas que se te presentan:
Las pinturas de Altamira, “Capilla Sixtina” del arte paleolítico
Al principio, la perfección de dichas pinturas murales hizo que éstas fueran tomadas por falsas; pero en 1902 se descubrió la gruta francesa de Font de Gaume con otras parecidas. Las más interesantes de Altamira ocupan una extensión de techo de 12.50 metros de largo y 5 de ancho. La mayor parte representan bisontes; hay también algunos caballos, un jabalí notable y una hermosa
cierva de 2.20 metros de largo, que es la más grande de todas las figuras.
La cueva de Altamira, situada en las
proximidades de Santillana del Mar
(Santander), fue descubierta en 1879 y ha sido calificada como la “Capilla Sixtina” del arte paleolítico, debido a las numerosas
pinturas rupestres de este periodo
prehistórico que recubren sus paredes.
Esta cueva, cuyo descubridor fue Don
Marcelino Sanz de Sautuola, es, por
naturaleza de sus magníficas pinturas
Los colores empleados son el rojo y el negro, y a veces el ocre amarillento. Los autores de las pinturas aprovechaban las rugosidades de las paredes para dar una auténtica sensación de relieve. El contorno negro se hacía con carbón vegetal y se usaron los dedos para aplicarlo, o bien alguna herramienta a modo de pincel.
Fuente:
http://www.viajes.net/blog/2008/11/15/las-pinturas-de-altamira-capilla-sixtina-del-arte-paleolitico/
¿Por qué se compara la cueva de Altamira con la Capilla Sixtina?
2.3. La pintura rupestre y el pensamiento mágico-religioso
La pintura paleolítica encuentra su
significado en el campo de la magia y la
religión. El hombre pensaba que cuando
moría tenía una segunda vida y poseía un
alma; esas almas podían ser buenas o
malas, y por ello les ofrecían culto, para que reencarnaran en un animal, el cual se dejaría cazar.
En el sentido mágico, el hombre primitivo creía en el hechizo y lo representaba en las cuevas por medio de la pintura.
A la pintura del paleolítico se le ha denominado pintura franco cantábrica porque su radio de extensión abarca sobre todo el sur de Francia y la cornisa cantábrica española.
Entre los principales yacimientos pictóricos pueden citarse:
Cuevas francesas de Lascaux
Cuevas francesas de Niaux
Cuevas francesas de Trois Fréres
La Pasiega en Cantabria
Cándamo en Asturias
El Parpalló en Gandia, Valencia
La pintura parietal o arte mural se desarrolló durante el largo periodo del Paleolítico superior. Los investigadores intentan explicar la ubicación de estas obras con base en las rudas condiciones del
clima que, a finales de la glaciación, obligarían a los pintores a realizar su trabajo en el interior de las
cuevas.
La técnica empleada para la realización
de estas pinturas asombra por la
sencillez y larga perdurabilidad.
Los instrumentos usados para extender los colores eran los dedos de los
autores o pinceles elaborados con
cerdas de algún animal. En ocasiones se servían de un buril para limitar la
figura, a modo de un primario
El procedimiento graso resultó ideal para conseguir una adherencia perfecta sobre las porosas rocas de las cuevas, de modo que absorbidas por éstas y mantenidas en constante humedad, temperatura
y ausencia de luz, las pinturas perduraron durante miles de años casi inalteradas.
Para la confección de estos murales, sobre todo en las últimas etapas del paleolítico, se recurrió al
aprovechamiento de salientes con el fin de aumentar la sensación de volumen, o a la degradación tonal, que consistía en producir cambios en la intensidad de los colores para proponer bulto, efecto
especialmente visible en los rojos-ocre fusionados con el negro-carbón.
Con todo lo anterior, se lograba un alto grado de realismo que, junto con el tratamiento de las proporciones, lograba una proposición realista de las figuras.
Para crear los colores, utilizaban grasa de los
animales como adhesivo a la que añadían
diferentes pigmentos. Gracias a las
En cuanto a la perspectiva, fue evolucionando con la experiencia de sus creadores.
Entre los estilos más comunes destaca la perspectiva torcida que exige diferentes puntos de vista, por ejemplo, dado un bisonte de perfil, los cuernos se presentan de frente. A su vez, el perfil
absoluto, implicaba dibujar la figura siguiendo una línea paralela a su contorno, mientras que la visión de tres cuartos suponía un mayor naturalismo en la representación.
La pintura rupestre se ha entendido como un rito mágico–religioso que buscó favorecer la captura de animales, necesarios para la alimentación y así subsistir como individuos aislados y perdurar como especie.
Es difícil entender el pensamiento del hombre primitivo tan lejano a nosotros, sin embargo, algunos estudiosos consideran que el fin de la pintura rupestre era explicar cómo se llevaba a cabo la caza. Otros piensan que las cuevas pintadas eran santuarios destinados a celebrar rituales de una magia muy primitiva. La imagen representaba un medio para comprender su entorno y no perderse de él.
