VANGUARDIAS ARTÍSTICAS.ppt

LA VIDA (Pablo Picasso). Etapa azul. Pintura

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-Lugar: Cleveland Museum of Art. EE. UU.

-Estilo: Época Azul. Vanguardia -Técnica: Óleo sobre lienzo (197x127,3 cm.

-Presenta personajes tipo de la miseria humana: figuras

esqueléticas, alcohólicos,

mendigos, prostitutas. Recuerda al El Greco, con tonalidades azules que acrecentan el ambiente triste del mensaje, como base del

conjunto.

-Pintado en Barcelona, muestra el tránsito de la vida representado por una pareja desnuda, que observa a una madre con un bebé vestidos.

- Al fondo aparecen unas figuras también desnudas que simbolizan el recorrido de la vida hasta la soledad de la vejez, todo ello rodeado de un ambiente melancólico.

-El hombre de rostro de poeta

romántico es el amigo Casagemas, el pobre suicida a causa del amor sentido por Germaine Pichot. Varón capaz de amar hasta el extremo de quitarse la vida, aunque negado por la naturaleza para engendrar hijos en cuerpo de mujer.

-La mujer desnuda se apoya ensimismada y pensativa en el hombro de él, el hombre. Él señala a lo que han sido y serán: niñez necesitada de cobijo y de regazos, y madurez camino de ancianidad… -La vida es una especie de antigua “vanitas” cristiana que se pintaban con el título de las “tres edades” y a las que se llegaba a añadir la Muerte, o la Vejez mostrando el espantable pellejo de su decadencia corporal.

-Detrás sitúa a una mujer hundiendo su cabeza en el pecho y los brazos protectores del varón, debajo un hombre (o mujer), el ser humano, sumido en su soledad.

FAMILIA DE SALTIMBANQUIS (Pablo Picasso). Etapa Rosa. Pintura

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-Técnica: Óleo sobre lienzo. - El tema son los

saltimbanquis. Se aleja del dolor, aunque no de la melancolía. Los temas se humanizan y se vuelven más cálidos.

- Se centra en el mundo

payasos, las bailarinas y los acróbatas

fascinaron a artistas como Degas, Toulouse-Lautrec, Seurat, y más tarde a Léger, Miró o Chagall. Picasso también entabló

amistas con ellos y los convirtió en sus

modelos.

-Fue la tela más grande que pintó hasta 1905. En ella no hay mensaje ni alegoría oculta; es un

espontáneo homenaje a un mundo que ama. Sus amigos saltimbanquis se hallan agrupados bajo un cielo azul, destacándose de un paisaje desnudo, en una luz irreal, dispuestos en el espacio de una manera precisa.

-La luz y la composición, que dividen el cuadro en tres planos conteniendo los personajes, crean una atmósfera cargada de expectación y misterio. Los estudios que le preceden nos cuentan la historia: la mujer sentada llevaba un sombrero triangular cubierto por un velo; la niña, sin la cestita acariciaba a un perro; el bufón del traje rojo se repite contínuamente. La figura más familiar es la del arlequín, que lleva a la niña de la mano. En su perfil se reconocen los rasgos de Picasso,

queriéndose identificar con sus amigos saltimbanquis.

LAS SEÑORITAS DE AVIGNON (Pablo Picasso). Cubismo. Pintura

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-Autor: Pablo Picasso. -Lugar: Museo de Arte Moderno de Nueva York. -Estilo: Arte “cubista”.

-Técnica: Óleo sobre lienzo (245x235 cm.).

-Obra germinal de arte cubista, de vanguardia. -En origen relacionada con las bañista de Cézanne e influida por una estética antiacadémica.

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eliminando lo anecdótico quedándose únicamente con el espacio y las

figuras; después lo

transformó con violencia, y al fin lo dejó inacabado. Revolucionó el modo de concebir la pintura.

-La figura, gracias a la multiplicidad de planos, puede verse de frente, de perfil y de espaldas a un tiempo.

-La obra fue concebida como una sátira erótico-alegórica-literaria de las obras en boga relacionadas con la Arcadia. Se trataba de cinco mujeres y dos hombres en la habitación de un prostíbulo, en torno a una mesa con frutas, flores, cortinas,.. En principio la figura central era un marinero, y la que entraba por la izquierda un estudiante con una calavera. Placeres de la carne y de los sentidos

enfrentados a la muerte, una “vanitas” barroca, para reforzar la ironía antiacadémica.

-En las simplificaciones desaparecen hombres y mujeres dejando los desnudos centrales que miran al espectador.

EL GUERNICA (Pablo Picasso). Cubista. Pintura

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- Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid

- Estilo: Cubismo. Vanguardia - Técnica: Óleo sobre lienzo (349x777 cm.).

- Para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París en 1937, como propaganda de la República española. Atrajo una gran cantidad de visitantes.

-Creado para la colectividad, para ser contemplado por un gran número de personas, de ahí

EL GRITO (Edvard Munch). Expresionismo. Pintura

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Obra: El Grito.

-Autor: Edvard Munch

(1893).

-Lugar: National Gallery.

Oslo. Noruega.

-Estilo: Expresionista.

Vanguardia

-Técnica: Pastel (91x73,5

cm.).

-Expresa el gran

desaliento que el hombre

de finales del XIX sentía

ante el XX.

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La situación personal

del autor está

relacionada con la obra:

depresivo y traumatizado

por su relación con las

mujeres, a quienes odia y

trata tétricamente. En el

momento de pintar el

cuadro acababa de morir

su madre. El hecho le

marcóy es uno de los

condicionantes que le

impulsaron a emitir ese

grito visceral

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-El empleo de los colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es puramente

simbólico; trata de transmitir el agitado estado de ánimo del autor. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras que se recortan al

fondo de una violentísima perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la contempla.

-Las formas se retuercen y los colores son arbitrarios. Intentan expresar el sentimiento del autor y no una verdad racional. Esto incluye a Munch en la senda de otros pintores de simbolismo

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA (Salvador Dalí). Surrealismo. Pintura

-Obra: La persistencia de la

-Autor: Salvador Dalí.

-Lugar: Museo de Arte Moderno de Nueva York. EE.UU.

-Estilo: Surrealista. Vanguardia. -Técnica: Óleo sobre lienzo (24x33 cm).

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y lo duro encuentra en las estructuras de los relojes su máxima expresión, sobre todo

como manifiesto del tiempo que se come y que come.

-Alude al aspecto que obsesiona al hombre del siglo XX: espacio-tiempo. Después del conocimiento y las consecuencias de la relatividad, de las teorías de Einstein, la obsesión por el paso del tiempo y por el espacio fueron argumentos utilizados por Dalí.

-Es la culminación gran “masturbador”. El reloj no sirve, no es materia, no funciona, de manera que aparece la estructura blanda simbolizando la idea pasional, vivencial y no racional, sobre la cabeza del gran masturbador como una masa viscosa, con un ojo, una pestaña y una gran nariz.

-Es el triunfo de los sueños que no están controlados por nada, es el canto al triunfo del deseo sobre la realidad. Salvador Dalí muestra, mediante imágenes inéditas, los mitos eternos del ser humano. -Otros estudiosos insisten en la victoria del deseo sobre la presencia obsesiva del tiempo, reflexión sobre la teoría de la relatividad, en la cual la postura de Dalí abogaba por acabar con el

EL CARNAVAL DEL ARLEQUIN (Joan Miró). Surrealismo. Pintura

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-Autor: Joan Miró. -Lugar: Albright-Knox Art Gallery. Buffalo. Estilo: Surrealismo. Vanguardia

-Técnica: Óleo sobre lienzo (66x93 cm.)

-El final del proceso es abstracto. Las figuras están sujetas a una metamorfosis según surgen de la naturaleza, aunque sólo veamos líneas que conforman siluetas.

-Los animales son objeto de interés, en lo que tienen de monstruoso y violento, aunque Miró opta por lo grotesco, humorístico y lúdico que hay en un carnaval donde la realidad queda disfrazada. Debajo de la

máscara se esconde otra forma, que a su vez puede esconder otra forma.

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A pesar del aparente desorden en el que los diferentes personajes se sitúan hay

un orden de carácter cromático, un juego zigzagueante de azules, amarillos,

blancos y rojos.

- Siguiendo el colorido saltamos de un personaje a otro, pero sin que haya una

imagen, o una dirección del recorrido que prime sobre la otra, todo está

ARCO NEGRO (Wassily Kandinsky). Abstracción. Pintura

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-Autor: Wassily Kandinsky.

-Lugar: Museo Nacional de Arte Moderno. Centro Georges Pompidou. París. Francia. -Estilo: Abstracto.

-Técnica: Óleo sobre lienzo (188x196cm.).

-Gran artista y teórico, impresionado por

los fauvistas y postimpresionistas.

-En 1913 realiza sus obras completamente

abstractas: sin ninguna referencia a

objetos del mundo físico e inspiradas en el mundo de la música, del que tomaba los títulos.

-Arco Negro fue predecesora en 1912.

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-Reduce la pintura a ella misma: el color se convierte en su método, objeto y materia, sin contenido ni perspectiva. Emplea manchas y trazos con hallazgos aleatorios de color libre.

-Es creatividad intuitiva, formas abstractas surgidas de la naturaleza y que responden a impulsos espontáneos, al azar, emociones internas calculadas con ayuda de la razón.

COMPOSICIÓN 4. Composición de línea y color (Piet Mondrian). Abstracción. Pintura

-Obra: Composición

nº 4 (1913).

Composición de línea y color

-Autor: Piet Mondrian. -Lugar: Museo

Kroeller-Mueller. Otterlo. Holanda. -Estilo. Abstracción neoplasticista. Vang. -Técnica: Óleo sobre lienzo (88x115 cm.).

De familia calvinista.

-Sus primeras obras, paisajes, eran serenas en grises delicados, malvas…

-Luego se interesó por la abstracción

autolimitándose a trazos verticales y horizontales. Acuñó el término:

“neoplasticismo”

-Lleva el arte abstracto a sus últimas consecuencias. Por medio de la simplificación radical, en composición y colorido, intentó exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia. -Busca un “arte puro” desalojado de lo particular y basado en una supuesta ley universal del equilibrio

-Busca la renovación estética y la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal. Depura las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Su planteamiento es racionalista. Crea ritmos asimétricos a base de líneas y masas coloreadas verticales u horizontales, con gran sentido del equilibrio. Los colores son planos, saturados, primarios: amarillo, azul rojo, o tonal: blanco, negro y grises, aunque los fondos son claros.

LUCIFER (Jackson Pollock). Expresionismo Abstracto. Pintura.

-Obra: Lucifer (1950). -Autor: Jackson Pollock. -Lugar: Museo de Arte Moderno. Nueva York. -Estilo: Expresionismo Abstracto. Vanguardia -Técnica: Dripping (“chorreado”). -Influido por los

surrealistas: el origen del arte reside en el

inconsciente.

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Pollock, junto con Rothko en el “action painting”, refleja la actitud norteamericana de

ruptura y superación de la tradición europea.

-Aplicó una nueva técnica: el chorreado: “dripping”, consistente en poner la tela en el

suelo, prescindiendo de caballete, y aplicar la pintura sin pincel, lanzando botes y tubos

abiertos, bailando alrededor con los botes de pintura para homogeneizar sus obras.

Todo muy “activo”. Importa el proceso de creación más que la obra terminada.

Importancia de las formas no premeditadas.

-Esta concepción deriva de la teoría surrealista del automatismo psíquico: “la pintura

tiene vida por sí misma y trato de que esta surja”.