Loyola 32, [C1414AUB] Buenos Aires, Argentina

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Loyola 32, [C1414AUB]

Buenos Aires, Argentina

+5411 4856 8787

[email protected]

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GILDA PICABEA

Otro beso # 1, 2021

Óleo sobre tela | Oil on canvas 30 x 50 cm | 11.8 x 19.7 in Inventario | Inventory: GP189 USD 1.400

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GILDA PICABEA

Rectángulo negro sobre blanco (exhumación), 2021 Óleo sobre tela | Oil on canvas

90,2 x 90,2 cm | 35.5 x 35.5 in Inventario | Inventory: GP186 USD 3.000

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GILDA PICABEA

Sin título, 2021 | Untitled, 2021 Óleo sobre tela | Oil on canvas 89 x 138 cm | 35 x 54.3 in Inventario | Inventory: GP187 USD 3.700

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GILDA PICABEA

Sin título, 2021 | Untitled, 2021 Óleo sobre tela | Oil on canvas 138 x 96 cm | 54.3 x 37.8 in Inventario | Inventory: GP184

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GILDA PICABEA

Sin título, 2021 | Untitled, 2021 Óleo sobre tela | Oil on canvas 150 x 150 cm | 59.1 x 59.1 in Inventario | Inventory: GP181 USD 4.800

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GILDA PICABEA

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GILDA PICABEA

Que, 2021

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GILDA PICABEA

Es, 2021

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GILDA PICABEA

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GILDA PICABEA

Zigzag vertical, 2021

Óleo sobre tela | Oil on canvas 130 x 70 cm | 51.2 x 27.6 in Inventario | Inventory: GP178

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GILDA PICABEA

Torsión en azul, 2021

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GILDA PICABEA

Torsion en rojo, 2020

Exhibida en | Exhibited in:

Lo que queda, HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2020 USD 2.700

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GILDA PICABEA

Persuación vertical, 2020 Óleo sobre tela | Oil on canvas

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GILDA PICABEA

Estática, 2020

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GILDA PICABEA

Concreta, 2020

Óleo sobre tela | Oil on canvas 56 x 70,5 cm | 22 x 27.8 in Inventario | Inventory: GP141 USD 2.100

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GILDA PICABEA

Serie Sin final, 2020 | Series Sin final, 2020 Óleo sobre papel | Oil on paper

28 x 20 cm c/u | 11 x 7.9 in each

Inventario | Inventory: GP145 / GP146 / GP147 / GP148 1, Inventario | Inventory: GP145

1-3, Inventario | Inventory: GP147

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GILDA PICABEA

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GILDA PICABEA

28 x 20 cm c/u | 11 x 7.9 in each

Inventario | Inventory: GP153 / GP154 / GP155 / GP156 3-1, Inventario | Inventory: GP153

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GILDA PICABEA

Vistas exhibición UN PERFIL DIBUJADO EN EL ESPACIO & DISTANTE, HACHE

Exhibition view UN PERFIL DIBUJADO EN EL ESPACIO & DISTANTE, HACHE, Buenos Aires,

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GILDA PICABEA

Exhibition view UN PERFIL DIBUJADO EN EL ESPACIO & DISTANTE, HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2019

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GILDA PICABEA

Exhibition view UN PERFIL DIBUJADO EN EL ESPACIO & DISTANTE, HACHE, Buenos Aires,

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GILDA PICABEA

Exhibition view UN PERFIL DIBUJADO EN EL ESPACIO & DISTANTE, HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2019

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GILDA PICABEA

Filosa (I), 2019

Óleo sobre tela | Oil on canvas 126 x 168 cm | 49.6 x 66.1 in Inventario | Inventory: GP113 Exhibida en | Exhibited in:

Un perfil dibujado en el espacio, HACHE Galería, Buenos Aires, Argentina, 2019

USD 5.000

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GILDA PICABEA

Vagabunda, 2019

USD 5.000

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GILDA PICABEA

Filosa, 2019

USD 5.000

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GILDA PICABEA

Migratoria, 2019

USD 5.000

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GILDA PICABEA

Oblicua, 2019

USD 5.000

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UN PERFIL DIBUJADO EN EL ESPACIO HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2019 Texto: Marita García

19 de noviembre 2019 a febrero 2020

Gilda Picabea en la encrucijada de la pintura

Hay cuestiones que no desaparecen y que vuelven constantemente a ser asunto de la pintura. Una pervivencia de formas (ya lo intuyó acertadamente Aby Warburg a finales del siglo XIX pensando en los vínculos entre el arte de los Antiguos y el renacimiento italiano) se cuela una y otra vez entre los movimientos del pincel. Una persistencia, reiteración, resurrección de motivos y problemas que, en el caso de la exposición que nos convoca, Un perfil dibujado en el espacio de Gilda Picabea, dan cuerpo a la abstracción. Algunas de estas formas revividas trascienden al arte y se constituyen en legado visual de la humanidad: me refiero, por ejemplo, a las grillas, a la reiteración de elementos geométricos simples como círculos, cuadrados y cruces. Específicamente, en el caso de la pintura pensemos en las series como modo de organización reiterada de la superficie y de los conjuntos pictóricos. Respecto de la constitución misma de la imagen es la tensión entre una figura y el fondo la que vuelve para poner en jaque la planimetría del soporte y la lectura espacial. Sobre este asunto particular nos propone indagar Gilda en esta exposición.

Nuestra lectura de las imágenes tiende a organizarse en función del reconocimiento de una figura sobre un fondo; figura en el sentido de un elemento que se distingue como forma de la generalidad del fondo. Que se recorte una figura de un fondo implica que existe una relación espacial en la superficie: leemos un adelante y un atrás. Ampliamente estudiado por la psicología de la percepción distinguir figura y fondo es uno de nuestros mecanismos perceptivos que se activan de manera inconsciente al momento que nos enfrentamos a las imágenes y a la realidad que nos circunda.

Esta cuestión que, evidentemente desborda lo artístico, fue un eje clave del debate y las investigaciones de nuestros artistas concretos.

Sin desarrollarlo de manera minuciosa me detendré brevemente en este punto para que se entienda de qué manera se inscribe la propuesta de Gilda en los debates de la abstracción argentina. La vanguardia de los años 40 –específicamente la Asociación Arte Concreto-Inveción intregrada por Edgar Bayley, Alfredo Hlito, Lidy Prati y Tomás Maldonado, entre otros- se centró en estudiar, en sus propuestas teóricas y en sus desarrollos plásticos, la autorreferencialidad de la pintura en tanto superficie bidimensional. Este grupo entendió que para obtener una estructura plástica no representativa era central abolir la lectura figura-fondo y cuestionar la estructura del soporte tradicional; de esta manera se producía la exaltación del plano bidimensional. El marco recortado fue, entonces, un dispositivo que pareció lograr abolir la lectura figura-fondo en una superficie bidimensional. La articulación de la pintura en función de sus propios requerimientos plásticos no solo quebraba el tradicional formato representativo, sino que también anulaba la relación entre figura y fondo. Quebrar la estructura ortogonal del marco y liberar las formas del marco convencional buscaba resolver esta humana estrategia cognoscitiva de interpretar las imágenes.

Sin embargo, con el correr de las investigaciones esta solución dejó de ser apropiada. El marco recortado llevaba a una exaltación del muro arquitectónico y no resolvía la percepción espacial dado que se generaba nuevamente la lectura figura-fondo: el marco recortado se convertía en figura y la pared funcionaba como fondo. Los artistas concretos volvieron, entonces, al estudio de la relación figura-fondo sobre una superficie. Evidentemente, las expectativas de los jóvenes artistas vanguardistas y las posibilidades y limitaciones de pintura en tanto medium se encontraban en extrema tensión. Años más tarde, Alfredo Hlito, a quien Gilda retoma en sus reflexiones sobre la pintura, señalaba con lucidez: “El requisito planista no podía ser llevado más allá de ciertos límites sin colocar a la pintura en una situación sin salida”. El mismo pintor nos dejaba también otra reflexión sobre los límites de la pintura (que podría extenderse a la experiencia de la vida): “Es increíble la cantidad de energía que ha derrochado a lo largo de la vida en oponerse a lo que es.”

En la obra de Gilda estos problemas regresan como voces fantasmales; estos debates resurgen y se aparecen en sus pinturas. La lectura figura-fondo es el asunto central en las obras que Gilda presenta en esta exposición. Filosa, evasiva, oblicua nos enfrentan precisamente a este problema: ¿es la superficie negra la figura? ¿es el plano blanco el fondo? ¿o es al revés? Ni lo uno ni lo otro. Son formas en tensión, en lucha por no constituirse ni en fondo ni en figura, por mantenerse ambas “adelante”, afirmando la superficie y negándole la posibilidad de abrirse a la lectura tridimensional. Estas pinturas vuelven a situarse en este delicado punto de la composición pictórica para nuevamente desafiarlo y proponer su resolución particular. Formas feroces hacen del lienzo un objeto astillado; aquí no están las irregularidades de contorno de los marcos recortados, es la ductilidad de la tela la que parece volverse una superficie rígida y quebrada.

GILDA PICABEA

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Todo vuelve. Espíritus del pasado regresan a conversar con el presente. La artista, presta su cuerpo para la resurrección de estos debates. Su cuerpo funciona de médium, como el lugar que los espíritus encuentran para regresar y canalizar sus pendientes con la pintura. Una reverberación energética habita a nuestra artista y, a través de ella se reactualizan las investigaciones del plano en el acto de pintar. También nosotros, como público, estamos habitados emocionalmente por nuestros antecesores, por esos otros que miraron y prestaron su cuerpo a los diálogos de la pintura. Finalmente, entonces, frente al cuadro no estamos solos: nos convertimos en cuerpos magnéticos que miran a través de muchos ojos.

Marita García

Buenos Aires, octubre de 2019

UN PERFIL DIBUJADO EN EL ESPACIO HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2019 Text: Marita García

November 19, 2019 to February 2020

Gilda Picabea at the Crossroads of Painting

Certain questions never disappear in painting, but return time and again. Forms persist—at the end of the nineteenth century, Aby Warburg aptly sensed them lurking in the ties between ancient art and the Italian Renaissance—making their way time and again into the strokes of the brush. An endurance, reiteration, resurrection of motifs and problems that, in the case of Gilda Picabea’s exhibition Un perfil dibujado en el espacio, takes the shape of abstraction. Some of these revived forms go beyond art; they are humanity’s visual legacy. I am speaking of, for instance, grids, and simple geometric shapes like circles, squares, or crosses. In the specific case of painting, series are a way of organizing repetitions on the surface, of forming groups. In the constitution of the image itself, the tension between figure and background is what challenges, again and again, the flatness of the support and any possible spatial reading. That is the crux of our interrogation of this exhibition of work by Gilda Picabea.

We tend to read images by recognizing a figure on a background—figure meaning an element distinct from the general background. For a figure to stand out there must be a spatial relationship on the surface: we read a foreground and a background, something closer and something further back. Widely studied by the psychology of perception, distinguishing figure and background is one of the perceptive mechanisms activated unconsciously when we come before the images and reality surrounding us. Though it clearly exceeds the confines of art, this question was key to the debate and research of Argentine concrete artists.

I will dwell, if only briefly, on this point to shed light on how Gilda’s proposal relates to Argentine abstraction and its debates. The avant-garde movements of the forties—specifically, the Asociación Arte Concreto-Inveción whose members included Edgar Bayley, Alfredo Hlito, Lidy Prati, and Tomás Maldonado—were concerned, whether in their theoretical works or in their paintings, with the self-referentiality of the painting as two-dimensional surface. Those artists understood that a non-representational visual structure required abolishing the figure-background reading and challenging the structure of the traditional support—hence, the exaltation of the two-dimensional plane. As device,

GILDA PICABEA

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That solution eventually, though, ceased to be effective. The cut-out frame led to the exaltation of the architectural wall and, hence, no longer solved the problem of spatial perception: a new figure-background reading was generated where the cut-out frame became the figure and the wall the background. So concrete artists resumed study of the figure-background relationship on a surface. The aspirations of the young avant-garde artists and the possibilities or limitations of painting as medium were, it seems, at a maximum point of tension. As, years later, Alfredo Hlito, whom Gilda looks to in her reflections on painting, put it: “The requirement of flatness couldn’t be taken beyond a certain point without leading painting up a dead end.” Another of that painter’s reflections on the limits of painting could easily be applied to life itself: “It’s amazing how much energy painting has wasted over the course of its life to oppose what there is.”

In Gilda’s art, these problems return like ghostly whispers; these debates resurface in her paintings. The figure- background reading is the central concern of the works in this exhibition. Sharp, evasive, oblique, they confront us with a precise problem: Is the black surface the figure? Is the white plane the background? Or is it the other way around?

Not one or the other. These are forms in tension, striving not to become background or figure, but for both to stay “up front,” affirming surface and negating any possible three-dimensional reading. These paintings once again alight on that delicate spot of pictorial composition to challenge it anew and to propose a specific solution. Fierce forms shatter the canvas as object. The irregular shapes of the cut-out frames are nowhere to be found here; the canvas, formerly malleable, is now, it seems, rigid and brittle surface.

Everything returns. The spirits of the past reappear to converse with the present. Gilda Picabea lends her body to these resurrected debates. It acts as a medium, as the place where the spirits gather to return and to work through their unfinished pictorial business. Our artist is possessed by an energetic reverberation. Through her, research into the plane

in the act of painting is reactivated. We too, as viewers, are emotionally possessed by our ancestors, by those others who looked and lent their bodies to the dialogues of painting. We are not, in the end, all alone before the painting: we become magnetic bodies that look through many eyes.

Marita García

Buenos Aires, October 2019

GILDA PICABEA

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GILDA PICABEA

Distant (4), 2019

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GILDA PICABEA

Distant (5), 2019

Óleo sobre tela | Oil on canvas 71 x 49 cm | 28 x 19.3 in Inventario | Inventory: GP120 Exhibida en | Exhibited in:

Distante, HACHE Galería, Buenos Aires, Argentina, 2019

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GILDA PICABEA

Distant (7), 2019

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GILDA PICABEA

Distant (8), 2019

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GILDA PICABEA

Distant (10), 2019

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GILDA PICABEA

Distant (11), 2019

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GILDA PICABEA

Distant (12), 2019

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GILDA PICABEA

Distant (15), 2019

Óleo sobre tela | Oil on canvas 61 x 48,5 cm | 24 x 19.1 in Inventario | Inventory: GP130 Exhibida en | Exhibited in:

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GILDA PICABEA

Distant (16), 2019

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GILDA PICABEA

Distant (18), 2019

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GILDA PICABEA

Distant (19), 2019

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GILDA PICABEA

Distant (20), 2019

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DISTANTE

HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2019 Texto: Leticia Obeid

19 de noviembre 2019 a febrero 2020

La pintura es un cuerpo que acompaña

Obras pequeñas nos miran desde estas paredes, como una hilera de ojos. A diferencia de otros conjuntos en la obra de Gilda Picabea, que no suele trabajar en series, esta es una serie que explora un tema, un grupo unido por vínculos muy específicos.

El principio fue jugar con las relaciones entre figura y fondo, buscando que el efecto de percepción de lo que está adelante o atrás se lograra con lo mínimo. Con lo mínimo, Picabea hace un mundo. Para entender esto mejor, conviene recrear el momento en que nos encontramos frente a un pedazo de papel en blanco, o la pantalla de la computadora, o del teléfono. Frente a nosotros, la tarea de escribir, dibujar, o decir algo. Esta tarea, que también puede hacerse sin pensar demasiado, en verdad se compone de una larga línea de decisiones. La obra de Gilda le deja espacio a cada una de estas decisiones. Contra el aturdimiento, la conciencia. Contra el apuro, la lentitud.

La tela: lienzo imprimado, con poca textura, luego dos manos de óleo, y a partir de ahí varias capas de color, con lijados entre ellas. El color está hecho de una suma que no se ve a primera vista pero vibra en las superposiciones.

Líneas rectas, a pulso: ¡hay que verlas de cerca! Gilda se vale de la sola ayuda de una guía de madera, como las que usan los arquitectos, o usaban, para dibujar en el tablero -la famosa regla T- en grande, contra la pared. Luego un set de pinceles, del más fino al más ancho, todos primorosamente cuidados, sus cabelleras pulcras esperando en ramilletes sobre una mesita, en su taller, que es como deben haber sido algunos estudios que hemos visto en fotos, de los artistas modernos, en lo profundo de la modernidad en el arte, cuando el refinamiento máximo no había conocido aún la espectacularidad ni el consumismo. Por ejemplo, algunas artistas que Gilda mira y admira: Carmen Herrera, Loló Soldevilla, Zilia Sánchez, Lía Bermúdez, Alicia Penalba. O la literatura de Carson McCullers que, según dice, le mostró que la soledad permite ver mejor los detalles.

Sin duda esta es una pintura que nos pide paciencia, y un elegante vaivén entre distancia y cercanía. Mirarla de lejos, en conjunto, producirá seguramente una serie de sensaciones muy diferentes a verla de cerca y comprobar que cada plano está hecho de líneas y pinceladas que dejan un rastro de su propia factura casi invisible. Será una cosa ver estas obras en medio del gentío de la inauguración y otra en la soledad de un día cualquiera, en silencio, sin más compañía que estas imágenes que son eso, imágenes y no objetos, porque así lo ha querido la artista que las creó, en un diálogo intenso y sostenido con su propio hacer. Veremos entonces que funcionan como espejos, perfectamente bruñidos, pero también como lupas que hacen que todo sea más nítido. Al pasar un rato con ellas nos sentiremos acompañados y también, es muy probable, nuestra percepción saldrá de acá más limpia, más fina, más atenta. En este presente de sobreinformación, saturación de imágenes estridentes y estímulos exagerados, las obras con esa cualidad son un antídoto y estas prácticas artísticas pueden enseñarnos una forma de vida que necesitamos desesperadamente.

Leticia Obeid, Buenos Aires, octubre de 2019

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DISTANTE

HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2019

Painting is an Abiding Body

Small works, like a row of eyes, look out at us from these walls. Unlike most of Gilda Picabea’s works, which cannot be grouped into series, these do constitute a series, a group bound together by very specific ties as it explores a theme.

The starting point was engaging the relationships between figure and form, using the bare minimum to incite perception of what is upfront or behind. With that bare minimum, Picabea makes a world. To grasp this, it is useful to re-create the moment when we find ourselves before a piece of blank paper or the screen of a computer or telephone. Before us lies the task of writing, drawing, or saying something. That task, which can be performed without thinking too much, actually takes shape in a long string of decisions. Gilda’s art leaves room for each one of those decisions. Against bewilderment, awareness. Against haste, slowness.

Canvas: smooth primed fabric then two coats of oil paint followed by layers of color with sanding in between. The color comes from a whole that is not seen at first, but vibrates in the layers.

Free-hand straight lines: Look carefully, up close! Gilda uses only a wooden guide of the sort architects use—or used—to draw on their boards, the famous T square, but larger, against the wall. Then a set of brushes, from the fine to the wide, all of them meticulously tended, their immaculate bristles waiting in bunches on a table in her studio, undoubtedly just like the studios of modern artists we have seen in photographs, artists in the depths of modernism, before maximum refinement came to know spectacle or consumerism. Carmen Herrera, Loló Soldevilla, Zilia Sánchez, Lía Bermúdez, and Alicia Penalba are some of the artists Gilda looks at and looks to. And Carson McCullers’s writing which, she says, showed her that loneliness brings details into focus.

This is, unquestionably, painting that—in its elegant back and forth between distance and proximity—requires patience.

Looking at all the works together, from afar, will undoubtedly produce a different set of sensations from looking at them from up close, seeing that each plane is made of lines and strokes, the traces of their making almost invisible. Seeing these works at the crowded opening will be quite different from seeing them in the solitude and silence of just any day of the week, alone with these images that are just that—images and not objects—because that is how the artist who made them wanted it, images in an intense and sustained dialogue with their making. We will see, on that lonely weekday, how these images are like perfectly polished mirrors, but also like magnifying glasses that make everything clearer. After spending a while with them, we will feel less alone and, most likely, we will find, when we leave, that our perception has been honed and sharpened. In a present marked by over information, by so many strident images and excess stimulation, works like these are an antidote. Picabea’s artistic practice can show us a way of life we are desperately in need of.

Leticia Obeid, Buenos Aires, October 2019 Text: Leticia Obeid

November 19, 2019 to February 2020

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GILDA PICABEA

Persuasión (blanco y negro), 2019 Óleo sobre tela | Oil on canvas 120 x 140 cm | 47.2 x 55 in Inventario | Inventory: GP112

USD 4.200

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GILDA PICABEA

Duo, 2018

Lo que queda, HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2020 USD 3.500

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GILDA PICABEA

Una línea negra, 2018 Ó́leo sobre tela | Oil on canvas

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GILDA PICABEA

Una línea roja, 2018

Ó́leo sobre tela | Oil on canvas 130 x 70 cm | 51 x 27.5 in Inventario | Inventory: GP108

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GILDA PICABEA

Sugestión, 2018

Óleo sobre tela | Oil on canvas 120 x 140 cm | 47.2 x 55 in Inventario | Inventory: GP110

USD 4.200

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GILDA PICABEA

Zig Zag, 2018

Óleo sobre tela | Oil on canvas 140 x 140 cm | 55 x 55 in Inventario | Inventory: GP109

USD 4.500

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GILDA PICABEA

Saw, 2018

USD 2.800

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GILDA PICABEA

Intrusa, 2018

Óleo sobre lino | Oil on linen 82 x 122,5 cm | 32.3 x 48.2 in Inventario | Inventory: GP105

USD 3.400

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GILDA PICABEA

Be Still, 2018

USD 4.000

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GILDA PICABEA

Apariencia personal, 2017 Óleo sobre tela | Oil on canvas 123 x 123 cm | 48.4 x 48.4 in Inventario | Inventory: GP85

USD 3.800

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GILDA PICABEA

Mis temblores (Nr 2), 2017 Óleo sobre tela | Oil on canvas 95 x 66 cm | 37.4 x 25.9 in Inventario | Inventory: GP95

USD 2.500

(57)

GILDA PICABEA

Bronce, 2017

USD 2.500

(58)

GILDA PICABEA

Verte, 2017

USD 2.500

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GILDA PICABEA

Sin título, 2017 | Untitled, 2017 Óleo sobre tela | Oil on canvas 82,5 x 135,5 cm | 32.4 x 53.3 in Inventario | Inventory: GP91

USD 3.500

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GILDA PICABEA

Vistas exhibición Seré Feliz, curaduría Juan José Cambre, HACHE

Exhibition view Seré Feliz, curated by Juan José Cambre, HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2016

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GILDA PICABEA

Vistas exhibición Seré Feliz, curaduría Juan José Cambre, HACHE

Exhibition view Seré Feliz, curated by Juan José Cambre, HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2016

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GILDA PICABEA

SI, 2016

Óleo sobre tela | Oil on canvas

81 x 162 cm (díptico) | 31.8 x 63.7 in (diptych) Inventario | Inventory: GP79

Seré Feliz, Hache Galería, curaduría Juan José Cambre, Buenos Aires, Argentina 2016

USD 3.900

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GILDA PICABEA

NO, 2016

USD 3.900

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GILDA PICABEA

Painting, 2016

Óleo sobre tela | Oil on canvas 150 x 150 cm | 59 x 59 in Inventario | Inventory: GP69

Colección | Collection MACBA - Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires Exhibida en | Exhibited in:

NO DISPONIBLE | NOT AVAILABLE

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GILDA PICABEA

Still alive, 2016

USD 1.700

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GILDA PICABEA

S#3, 2016

USD 1.300

(67)

GILDA PICABEA

S#2, 2016

USD 1.300

(68)

GILDA PICABEA

S#1, 2016

USD 1.300

(69)

GILDA PICABEA

Seré feliz, 2015

USD 1.500

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GILDA PICABEA

Él y yo, 2016

Óleo sobre tela | Oil on canvas

10 x 20 cm cada una (díptico) | 3.9 x 7.8 in each one (diptych) Inventario | Inventory: GP78

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GILDA PICABEA

Sin título #2, 2016 | Untitled #2, 2016 Óleo sobre tela | Oil on canvas

110 x 90 cm | 43.3 x 35.4 in Inventario | Inventory: GP77

USD 3.000

(72)

GILDA PICABEA

USD 3.000

(73)

GILDA PICABEA

USD 3.000

(74)

GILDA PICABEA

USD 3.000

(75)

GILDA PICABEA

No, 2015

USD 3.900

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GILDA PICABEA

Exilio Interior, 2015

Has llorado, en silencio, Hache Galería, curaduría Carlos Herrera, Buenos Aires, Argentina 2016

USD 3.400

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GILDA PICABEA

Vistas exhibición Has llorado, en silencio, curaduría Carlos Herrera, HACHE | Exhibition view Has llorado, en silencio, curated by Carlos Herrera, HACHE, Buenos Aires, Argentina, 2016

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GILDA PICABEA

Como un fuego en la noche, 2014 Óleo sobre tela | Oil on canvas 78 x 128 cm | 30.7 x 50.3 in Inventario | Inventory: GP39

USD 3.200

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GILDA PICABEA

USD 4.000

(80)

GILDA PICABEA

Como el aire en la tarde, 2015 Óleo sobre tela | Oil on canvas 98 x 137 cm | 38.5 x 53.9 in Inventario | Inventory: GP52

USD 3.700

(81)

GILDA PICABEA

USD 3.300

(82)

GILDA PICABEA

Has llorado, en silencio, Hache Galería, curaduría Carlos Herrera, Buenos Aires, Argentina 2016

USD 2.300

(83)

GILDA PICABEA

Verme, 2014

USD 1.700

(84)

GILDA PICABEA

Sin título, 2015 | Untitled, 2015 Óleo sobre tela | Oil on canvas 17,5 x 24 cm | 6.8 x 9.4 in Inventario | Inventory: GP97

USD 700

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GILDA PICABEA

Deseo, 2015

USD 2.700

(86)

GILDA PICABEA

En fin, 2015

USD 1.500

(87)

GILDA PICABEA

Desplazamiento blanco sobre azul, 2014 Óleo sobre tela | Oil on canvas

38 x 92,5 cm (díptico) | 14.9 x 36.4 in (diptych) Inventario | Inventory: GP40

USD 2.000

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GILDA PICABEA

¿Es cierto que voy a morir?, 2014 Óleo sobre tela | Oil on canvas 91 x 67 cm | 35.8 x 26.3 in Inventario | Inventory: GP41

Inconclusa, Hache Galería, Buenos Aires, Argentina 2014

(89)

GILDA PICABEA

Fin, 2014

Inconclusa, Hache Galería, Buenos Aires, Argentina 2014

USD 1.900

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INCONCLUSA

Detalles de frontera

La historia la relata Augusto Monterroso hacia mediados de siglo XX. Mientras ordenaba unos papeles en la Iglesia de La Merced en Guatemala, un viejo organista encontró los dos últimos movimientos de la Sinfonía Inconclusa de Schubert. La euforia del protagonista, sin embargo, se disipa en el cuento en una sola oración: nadie quiere ese final aunque sea auténtico, todos prefieren la gracia de lo inacabado.

La analogía literaria no es inocente, la lectura que propongo de la obra de Gilda Picabea entiende sus pinturas como una reflexión que, al tiempo en que se interesa por el límite de la obra, la asume como inconclusa. Esta afirmación -en el linde con el oxímoron-necesita una aclaración previa: no trataré de hablar de lo inasible o lo irrepresentable sino de plantear una mirada sobre aspectos pictóricos específicos que, a su vez, le provean al espectador herramientas para ver su obra.

Hace unos años Picabea se preguntaba sobre lo que descubriríamos si nos acercásemos lo más posible a la pintura

¿continuaría dentro de sí misma? ¿hasta dónde? ¿cuál sería su límite? La respuesta la presenta en su muestra Inconclusa al proponer una mirada de proximidad sobre aquellas pinturas de su obra pasada donde las líneas apenas podían contenerse en el límite impuesto por el bastidor. Acercarse al detalle, sin embargo, transforma también nuestra forma de ver.

En esta ocasión, las capas transparentes de color se han convertido en el protagonista de sus obras. En la particularidad de la transparencia, cubrir no significa ocultar sino una forma de construir la profundidad del cuadro. No por casualidad la disposición en el espacio y nuestro recorrido nos llevan hacia el monocromo Verme, el primer cuadro que encuentra nuestra mirada y el último al que se acercan nuestros pies. Allí se alcanza el detalle más extremo –aquel donde ya no se distingue ninguna línea- y la superficie más profunda, en el cubrirse/descubrirse de los azules cobalto y ultramar.

Nada queda de aquellos monocromos que la historia de la abstracción planteaba como grado último de la pintura, Verme es sólo el escalón donde la artista ha detenido su paso.

Nuevamente estamos describiendo un movimiento de vectores contrarios: intensificar la mirada implica al mismo tiempo amplificarla. Por eso su uso de los colores –cada vez más preponderantes en el plano- se complementa con el estudio de su historia y sus cualidades: conocer desde la transparencia fluorescente que desprende el blanco de zinc, hasta cómo Apeles, en la corte de Alejandro, habría conseguido un negro elephantinum por calentamiento de marfil.

En ese mismo desplegarse, las pinturas llevan por primera vez títulos con referencias que se desprenden de los textos de Orozco o Saer o del cine de Godard.

Pero las pinturas son objetos con bordes y ahí también ha llevado su interés Picabea. Los perfiles redondeados han sido sustituidos por pestañas rectas: “beneficia visualmente –comenta la artista- la idea del recorte, hace presente el límite del bastidor, la diferencia entre el espacio de la pintura y el otro”. Un borde que no nació como forma de distinguir, sino para permitir un mejor vínculo entre dos bastidores que conformaban una sola pieza. Del mismo modo, ese perfil hace a una relación más sutil en sus cuadros actuales, que nunca están ni fatalmente solos ni completamente acompañados.

No se trata de romper las fronteras –ni una gota de óleo cae por fuera del bastidor- sino de observarlas, detener la mirada sobre ellas. Pero desde el interés sobre el límite externo del objeto hasta la mirada intensa que aspira al final interno del cuadro, la búsqueda de la artista queda finalmente inacabada. Al igual que aquellos que rechazaban los últimos movimientos de Schubert, nosotros también preferimos la belleza de lo inconcluso.

Agustín Diez Fischer

GILDA PICABEA

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INCONCLUSA [Inconclusive]

Frontier details

The story is told by Augusto Monterroso towards the middle of the 20th century. While ordering some papers at La Merced Church in Guatemala, an old organist found the last two movements of Schubert’s Unfinished Symphony. The euphoria of the protagonist, nevertheless, dissipates in the story in a single sentence: nobody wants that end even if it is authentic, all prefer the grace of the inconclusive.

The literary analogy is not innocent, the reading that I propose of the work of Gilda Picabea understands her paintings as a reflection that, at the time when she is interested in the limit of the work, she assumes it as inconclusive. This statement on the border with the oxymoron-needs a prior clarification: I will not try to talk about the ungraspable or the unrepresentable, but to pose a look at specific pictorial aspects that, in turn, provide the viewer with tools to see her work.

A few years ago Picabea wondered what we would discover if we approached painting as much as possible. Would it continue inside itself? until where? What would be your limit? The answer is presented in her exhibition Unfinished by proposing a look of proximity on past paintings of her previous work where the lines could hardly be contained in the limit imposed by the frame. Approaching the detail, however, also transforms our way of seeing.

On this occasion, transparent layers of color have become the protagonist of her works. In the particularity of transparency, covering does not mean hiding but a way of building the depth of the picture. Not by chance the disposition of the space and our route take us towards the monochrome Verme, the first painting that meets our gaze and the last one our feet approach. There, one reaches the most extreme detail -that where no line is distinguished- and the deepest surface, in covering / discovering the cobalt and overseas blues.

Nothing remains of those monochromes that the history of abstraction posed as the ultimate degree of painting, Verme is only the step where the artist has stopped her step.

Again we are describing a movement of contrary vectors: intensifying the look implies at the same time amplifying it.

That is why her use of colors - increasingly prevailing on the plane - is complemented by the study of her history and her qualities: to know from the fluorescent transparency that comes out of the white zinc, to how Apelles, in the court of Alexander, I would have got a black elephantinum by heating up ivory. In that same display, the paintings carry for the first time titles with references that are derived from the texts of Orozco or Saer or the Godard cinema.

But the paintings are objects with borders and Picabea has also taken interest there. The rounded profiles have been replaced by straight eyelashes: “it visually benefits -the artist comments- the idea of the cut, makes present the limit of the frame, the difference between the space of the painting and the other.” An edge that was not born as a form to distinguish, but to allow a better link between two frames that made a single piece. Similarly, that profile makes a subtler relationship in her current paintings, which are neither fatally alone nor completely accompanied.

It is not a question of breaking the borders - not a drop of oil falls on the outside of the frame - but of observing them, stopping looking at them. But from the interest on the external limit of the object to the intense look that aspires to the inner end of the painting, the artist’s search is finally unfinished. Like those who rejected the last movements of Schubert, we also prefer the beauty of the inconclusive.

Agustín Diez Fischer

GILDA PICABEA

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GILDA PICABEA BIOGRAFÍA

En las pinturas de Gilda Picabea (n. 1974, Buenos Aires) las investigaciones sobre el borde del plano constituyen el conflicto inicial en el desarrollo de su imagen, amplios planos de formas geométricas simples o la repetición de una figura, a veces de manera regular y constante, se van dibujando sobre toda la superficie, desafiando así el límite del espacio plástico; en ocasiones, algunas de esas formas derivan en representaciones conceptuales, como ser el número uno o las palabras si y no, que al tiempo que las transforma en lenguaje pictórico las acerca a sus inquietudes en torno al plano y la siempre presente dualidad figura-fondo.

Estas indagaciones acerca de hasta dónde continúa la pintura, hacia dónde se despliega, llevan también a la artista a preguntarse por esa dimensión en la que de una ausencia nace una forma.

Picabea estudió en Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires. Asistió a los talleres de las artistas Susana Schnell (1993- 2005), Karina Peisajovich (2010) and Cynthia Kampelmacher (2006- 2012). En 2011, obtuvo la beca otorgada por la Ley de Mecenazgo para estudiar con Tulio de Sagastizabal en Fundación Cromos hasta el año 2012.

Expuso de forma individual en: 0.21 en la fase de un nuevo comienzo. intervención Banco Ciudad/ arteba 2021, Arenas Studios, Buenos Aires (2021); Un perfil dibujado en el espacio & Distante, HACHE, Buenos Aires, Argentina (2019- 2020); Seré feliz, curador J.J. Cambre, HACHE, Buenos Aires, Argentina (2016); INCONCLUSA, HACHE, Buenos Aires, Argentina (2014); Ocultamiento / Distancia / Continuidad, Central de Proyectos, Buenos Aires, Argentina (2011), entre otras.

Su obra ha participado de numerosos exposiciones grupales y premios entre los que se destacan: XXV Premio Klemm a las Artes Visuales, Buenos Aires (2021); 109 Salón Nacional de Artes Visuales, Casa Nacional del Bicentenario;

Buenos Aires (2021); Lo que queda, Hache galería, Buenos Aires (2020-2021); Vértigo, MACBA - Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, curaduría Lucía Savloff, Buenos Aires (2019); XXIII Premio F. J. Klemm a las Artes Visuales, Buenos Aires (2019); Zig Zag, Curador J.J. Cambre, Colección Oxenford, Buenos Aires (2018); Latinoamérica:

Volver al Futuro, Curador Federico Baeza, MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (2018); La vida de los humanos, Curador Carlos Herrera, Patio Bullrich, Buenos Aires (2018); 7ma Bienal Nacional de Pintura, Premio Ciudad de Rafaela , Museo de Bellas Artes, Santa Fé (2017-2018); Pensar en abstracto, MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (2017); Lo firme en el centro encuentra correspondencia, Hache galería, Buenos Aires (2017); Has llorado, en silencio, Hache galería, Buenos Aires (2016); V Salón Nacional de Pintura Vicentín, Museo de Bellas Artes, Reconquista, Santa Fé (2016), entre otras.

Entre sus reconocimientos cuenta con el Segundo Premio en V Salón Nacional de Pintura Vicentín, Reconquista, Santa Fe, Argentina (2016).

Su obra es parte de la colección permanente del MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.

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GILDA PICABEA

In Gilda Picabea’s paintings, the investigations on the limits of the plane constitute the initial conflict in the development of the image itself. Large planes of simple geometric shapes or the repetition of a figure, sometimes in a regular and constant way, are drawn on all the surface of the canvas, thus challenging the limit of the painting space. Sometimes those forms are conceptual representations of, for instance, the number ONE or the words YES and NO, while transforming them into pictorial language, brings them closer to their concerns about the plane and the always present figure-background duality.

These inquiries about how far the painting continues, towards where it unfolds, also lead the artist to inquire into that dimension where form is born from absence.

Gilda Picabea was born in Buenos Aires, Argentina in 1974, where she lives and works. She studied at the the Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires (1997-2000). She attended workshop by artist Susana Schnell (1993- 2005), Karina Peisajovich (2010) and Cynthia Kampelmacher (2006- 2012).

She was a recipient of Ley de Mecenazgo Grant to study with Tulio de Sagastizabal in Fundación Cromos, Buenos Aires, Argentina.

In 2016, she was awarded the Second Prize at Salón Nacional de Pintura Vicentín, Reconquista, Santa Fe (2016).

She has presented the following solo exhibitions: 0.21 en la fase de un nuevo comienzo. intervención Banco Ciudad/

arteba 2021, Arenas Studios, Buenos Aires (2021); Un perfil dibujado en el espacio & Distante, HACHE, Buenos Aires, Argentina (2019-2020); Seré feliz, curador J.J. Cambre, HACHE, Buenos Aires, Argentina (2016); INCONCLUSA, HACHE, Buenos Aires, Argentina (2014); Ocultamiento / Distancia / Continuidad, Central de Proyectos, Buenos Aires, Argentina (2011), among others.

Her work has been included in many group shows (selection): XXV Premio Klemm a las Artes Visuales, Buenos Aires (2021); 109 Salón Nacional de Artes Visuales, Casa Nacional del Bicentenario; Buenos Aires (2021); Lo que queda, Hache galería, Buenos Aires (2020-2021); Vértigo, MACBA - Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, curaduría Lucía Savloff, Buenos Aires (2019); XXIII Premio F. J. Klemm a las Artes Visuales, Buenos Aires (2019); Zig Zag, Curador J.J. Cambre, Colección Oxenford, Buenos Aires (2018); Latinoamérica: Volver al Futuro, Curador Federico Baeza, MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (2018); La vida de los humanos, Curador Carlos Herrera, Patio Bullrich, Buenos Aires (2018); 7ma Bienal Nacional de Pintura, Premio Ciudad de Rafaela , Museo de Bellas Artes, Santa Fé (2017-2018); Pensar en abstracto, MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (2017); Lo firme en el centro encuentra correspondencia, Hache galería, Buenos Aires (2017); Has llorado, en silencio, Hache galería, Buenos Aires (2016); V Salón Nacional de Pintura Vicentín, Museo de Bellas Artes, Reconquista, Santa Fé (2016).

Picabea´s work is part of the permanent collection of MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.