Análisis parcial del album "Slash" como fundamento en la producción y mezcla de canciones inéditas

ASAB

ANÁLISIS DE MEZCLA Y PRODUCCIÓN MUSICAL

JAIME RODOLFO ALFONSO GUZMÁN

MODALIDAD: DESCRIPTIVO-PROPOSITIVO-CORRELACIONAL LINEA DE INVESTIGACIÓN: ARTE Y TECNOLOGÍA

ASAB

ANÁLISIS PARCIAL DEL ÁLBUM ”SLASH” COMO FUNDAMENTO EN LA

PRODUCCIÓN Y MEZCLA DE CANCIONES INÉDITAS

POR

JAIME RODOLFO ALFONSO GUZMÁN

COD: 200622098030

DIRECTOR DE TRABAJO DE GRADO

RAFAEL VALLEJO VELÁSQUEZ

ENFASIS: ANÁLISIS

MODALIDAD: DESCRIPTIVO-PROPOSITIVO-CORRELACIONAL LINEA DE INVESTIGACIÓN: ARTE Y TECNOLOGÍA

BOGOTÁ D.C.

Agradecimientos

No ha sido un proceso fácil. Muchas personas han estado involucradas en este camino que me ha llevado a convertirme en músico profesional. Podría hacer una lista interminable de ellos. Les agradezco a todos por sus infinitos saberes y por compartirlos conmigo.

Dedicatoria

“Tenemos el trabajo más difícil del mundo…hacer arte con la tecnología”

2. Planteamiento Preliminar ... 3

2.1 Antecedentes ... 3

2.2 Justificación ... 3

3. Objetivos ... 4

3.1 Objetivo General ... 4

3.2 Objetivos Específicos ... 4

4. Pregunta de investigación ... 4

5. Marco Referencial Preliminar ... 5

6. Metodología ... 5

7. Referentes Conceptuales ... 6

7.1 ¿Que Se Considera Música Comercial? ... 6

7.2 Un Breve Análisis a la Industria Discográfica ... 7

7.3 Concepción del Disco “Slash” ... 8

7.3.1 Cantantes ... 8

7.3.2 Bajistas ... 9

7.3.3 Bateristas y percusionistas ... 9

7.3.4 Otros ... 9

7.3.5 Ventas ... 10

7.4 Producción Musical ... 10

7.5 Historia de la Producción Musical ... 10

7.6 El Productor Musical ... 12

7.6.1 Conocer muy bien la canción ... 12

7.6.2 Colaborar con los artistas ... 12

7.6.3 Hacer las veces de arreglista ... 13

7.6.4 Definir cuál será el sonido de la producción ... 13

7.6.5 Planificar todo el proceso ... 13

8. Nociones básicas para el análisis... 13

8.1 Preproducción ... 14

8.2 Grabación Análoga ... 14

8.3 Grabación Digital ... 15

8.4 Interfaz de Audio ... 16

8.8 Acercamiento a la Mezcla de Audio ... 20

8.9 Punto de partida para la mezcla ... 23

9. Empecemos a mezclar ... 26

9.1 Establecer Niveles ... 26

9.2 Ubicación Estéreo (Panoramización) ... 27

9.3 Ecualización ... 29

9.3.1 Sub Graves ... 29

9.3.2 Graves ... 29

9.3.3 Medios Graves ... 30

9.3.4 Medios ... 30

9.3.5 Medios Agudos ... 30

9.3.6 Agudos ... 30

9.3.7 Agudos Superiores... 30

9.3.8 Tipos de Ecualizadores ... 31

9.4 Dinámica ... 32

9.4.1 Compresor ... 32

9.4.2 Limitador ... 33

9.4.3 Compuerta o Gate ... 34

9.5 Efectos ... 34

9.5.1 Punto de Inserción (Insert Effects) ... 35

9.5.2 Envío y Retorno (Send Return Effects) ... 35

9.5.3 Envío a Pista de Sub Grupo ... 35

9.5.4 Efectos de Modulación ... 35

9.5.5 Reverberación ... 36

9.5.6 Usos de la Reverb ... 37

9.5.7 Retardo y Repeticiones (Delay) ... 38

9.5.8 Automatización ... 39

10. Descripción de la mezcla de audio de las canciones “I Hold On” y “Promise” del disco “Slash” ... 40

10.1 Justificación del tipo de análisis ... 40

10.2 Representación visual de la imagen estéreo ... 42

11.1 Grabación y Mezcla “Cada Vez” ... 53

11.1.1 Grabación ... 54

Guitarras ... 54

Bajo ... 54

Guitarra Electroacústica ... 54

Strings ... 55

Batería ... 55

Loop ... 55

Solo ... 55

Voces ... 56

11.1.2 Mezcla ... 56

Plano Horizontal ... 56

Profundidad ... 56

Plano Vertical ... 57

Bombo ... 57

Redoblante ... 57

Toms ... 57

Hi-Hat ... 57

Platillos ... 57

Bajo ... 58

Guitarras ... 58

Strings ... 58

Voces ... 58

Efectos ... 59

11.2 Grabación y Mezcla “Soberbia y Lujuria” ... 60

11.2.1 Grabación ... 60

Loop ... 60

Batería ... 60

Bajo ... 61

Guitarras ... 61

Sintetizadores ... 62

Profundidad ... 62

Plano Vertical ... 63

Bombo ... 63

Redoblante ... 63

Toms ... 63

Hi-Hat ... 63

Platillos ... 63

Bajo ... 63

Guitarras ... 63

Sintetizadores ... 64

Voces ... 64

Efectos ... 64

Créditos ... 66

12. Conclusiones... 66

13. Referencias Bibliográficas ... 67

14. Anexos ... 68

14.1 Audios ... 68

14.2 Secretos del Ingeniero de Mezcla: Eric Valentine ... 68

Recording Slash ... 68

Tabla de Figuras

Ilustración 2 Paneo ... 22

Ilustración 3 Frecuencia ... 22

Ilustración 4 Profundidad ... 23

Ilustración 5 Organización Área de Trabajo Parte 1 ... 25

Ilustración 6 Organización Área de Trabajo Parte 2 ... 25

Ilustración 7 Ecualizador Semi-paramétrico ... 31

Ilustración 8 Ecualizador Paramétrico ... 31

Ilustración 9 Ecualizador Grafico ... 32

Ilustración 10 Compresor ... 33

Ilustración 11 Limitador ... 33

Ilustración 12 Gate ... 34

Ilustración 16 Imagen de Mezcla “I Hold On” ... 48

Ilustración 17 Imagen de Mezcla "Promise" ... 52

Ilustración 18 Imagen de Mezcla “Cada Vez” ... 60

1.

Introducción

Saul “Slash” Hudson sin lugar a dudas es uno de los guitarristas más admirados en el mundo del rock, es uno de esos guitarristas con una identidad musical muy bien definida, gracias a esa habilidad para crear solos que se pueden cantar, fáciles de recordar y con toda la fuerza que necesita el rock.

Slash, ex guitarrista de Velvet Revolver y antiguo guitarrista de Guns N' Roses a lo largo de toda su carrera ha tocado en colaboración con músicos como Bob Dylan, Michael Jackson, Iggy Pop, Alice Cooper, Lenny Kravitz (amigo de su infancia), Jeff Beck Steven Tyler, Joe Perry, Sebastian Bach, Zack Wylde, Cypress Hill (con Matt Sorum y Duff McKagan), Elton John entre otros.

Siempre he admirado este guitarrista como intérprete de su instrumento no solo por su calidad musical, sino también por su puesta en escena, algo que se volvió tan característico como su música. Ahora mi admiración no está solamente ligada a su interpretación, también a su calidad como compositor, gracias a ese maravilloso álbum en solitario “Slash” que salió a la venta en el año 2010.

Un álbum dotado de una riqueza musical inmejorable, con una variedad que va desde una buena balada como “I Hold On” (escrita en colaboración con Kid Rock) hasta un rock muy potente como lo es “Promise” (escrita en colaboración con Chris Cornell). Generando un resultado que superó las expectativas de muchos de los seguidores de “Guns And Roses” y traspaso fronteras de géneros de la música rock y pop para atraer más adeptos a la nueva propuesta musical del guitarrista Slash.

"La idea era muy simple al principio", dijo Slash. "Estos son todos los artistas con los que queria trabajar y pensé que sería increíble hacer algo creativo y de colaboración, yo estaba tan impresionado con lo que cada uno trajo a la mesa, Todos estaban tan comprometidos a hacer un buen trabajo y... hemos tenido un montón de diversión el hacer de estas canciones. " (http://www.musicradar.com/news/guitars/slash-solo-album-interview-the-track-by-track-guide-238767). Slash entró en tercera posición en la clasificación estadounidense de mejores ventas con 61'000 de ejemplares vendidos durante la primera semana. El álbum debutó en la primera posición en Canada, Austria, Suecia y Nueva Zelanda. Además entró en el Top 20 en Francia, Alemania, Australia, Suiza, Finlandia, Polonia y Noruega.

El single "By The Sword" (con Andrew Stockdale de cantante) sale el 28 de marzo 2010 y abre asi la puerta a una de las maravillas de la música de la última década.

La experiencia de la primera escucha de este álbum fue muy agradable porque no dejaba de sorprenderme cada vez que aparecía una nueva canción, después del tercer Track (o canción) no sabía que más podía esperar y cuando sonaba la siguiente canción, resultaba ser una muy grata sorpresa. Inmediatamente estaba inmerso en el disco y empecé a escucharlo con bastante regularidad, lo cual hizo que me preguntara ¿Cuál es la razón por la que disfruto tanto este álbum?

Este cuestionamiento hizo que empezara a pensar más allá de lo meramente musical (con esto me refiero a la composición e interpretación de las canciones) y me sumergí en lo que respecta a la producción del álbum. Claro, lo referente a la composición e interpretación hacen parte de la producción de un álbum, pero este es un elemento que aparece a la vista de los ojos de un músico en primera instancia, y ya había pasado por un análisis (no muy detallado) de esta parte de la producción. Entonces empecé a indagar un poco sobre el proceso de grabación y mezcla de este álbum.

Después de hacer algunos experimentos grabando y mezclando mis propias canciones y no tener resultados por lo menos cercanos a los logrados en el álbum de Slash, mis cuestionamientos se hicieron cada vez más agudos a la vez que surgían más preguntas: ¿Por qué la transparencia del sonido?, ¿por qué la calidez del sonido?, ¿por qué es un sonido con tanta presencia?

Después de lograr mezclar de manera decente algunas de mis canciones, seguía sin lograr ese sonido tan maravillosamente expuesto en el Álbum de Slash. Leyendo y pensando descubrí que no era solamente cuestiones de Grabación y mezcla, la masterización también juega un papel importante en el resultado de un producto musical.

En esta investigación nos remitiremos a algunos comentarios realizados por Eric Valentine (productor del álbum), así como a las cuestiones técnicas de los procesos de Mezcla de una canción.

Trabajaremos en el análisis de dos canciones del álbum. Recogeremos estos elementos y los aplicaremos a la grabación de dos canciones inéditas para que todos podamos analizar los resultados.

2.

Planteamiento Preliminar

2.1

Antecedentes

En este país la música más acogida es la que se desenvuelve en los géneros urbanos; salsa, merengue, vallenato, rock, pop. En algunos de estos géneros como el Vallenato o la salsa, el país tiene muchos artistas representativos no solo a nivel nacional, sino también a nivel internacional, pero en géneros como el Rock, el jazz, la música tradicional colombiana, entre diversos géneros, la capacidad de apoyo económico no es la misma. Claro que hay representantes destacados en estos “otros” géneros de la música en este país, pero en general no se tienen las facilidades para producir música, como si las tienen los artistas públicamente conocidos. Se pueden encontrar varias razones por las que esto sucede, como por ejemplo: Mal manejo de nuestros artistas, falta de apoyo económico (consecuencia que influye en las siguientes causas), falta de conocimiento de un proceso de producción, altos costos para trabajar con un productor destacado, etc.

En estos últimos dos puntos siempre hay un gran problema desde el proceso posterior a la composición, no tiene que ver con el nivel compositivo, nos referimos a que no se conocen los procesos de producción de un producto sonoro, en el que se depura una composición musical hasta convertirla en un producto de audio de alta calidad, otro problema son los altos costos para poder solventar el trabajo de un productor destacado. Y todo queda en el romanticismo del compositor, esto no significa que le reste calidad a la composición, pero si puede restarle calidad al producto sonoro y disminuir las posibilidades de comercializarlo dentro de una masa más grande de público.

Todo este planteamiento surge a raíz de un trabajo individual en los procesos de grabación caseros, que luego conduce a un trabajo profundo y profesional, trabajando con composiciones de otros artistas. Siempre encontrando el mismo problema en casi todos los artistas con los que se ha tenido la oportunidad de trabajar, la falta de conocimiento de procesos de producción musical.

En la universidad Distrital Francisco José de Caldas no existen documentos referentes a la producción musical y ninguno de sus temas relacionados, grabación, mezcla y masterización de audio. Además el rol del productor musical no es muy bien conocido por los estudiantes que se educan en artes musicales en esta universidad, evidentemente por falta de documentación sobre el tema.

2.2

Justificación

Falta de conocimiento de los procesos que en la producción musical abarcan, la grabación, la mezcla y la masterización, y el des-aprovechamiento de las herramientas tecnológicas, que nos permitiría acceder más fácilmente a la realización de nuestras producciones musicales, además de realizar un aporte audiográfico más extenso y solido en cuanto a nuestras capacidades creativas.

más corto y económico, para que el artista a partir de este conocimiento y sus herramientas de trabajo logre producir sus propias canciones.

Esta es una situación que se evidencia en la mayoría de casos de músicos de los diversos géneros en la ciudad de Bogotá. Se ha tenido la oportunidad de trabajar con varios de los artistas musicales Bogotanos y siempre hay incertidumbre por el proceso de producción de una canción.

Evidentemente siempre van a haber distintas percepciones a la hora de decidir que se le debe hacer a una canción para hacer que adquiera una óptima calidad sonora, precisamente lo que se busca con este trabajo es brindar herramientas técnicas y artísticas (desde el punto de vista del productor) para alcanzar estos objetivos.

Hay que aclarar que no se busca destruir los conceptos artísticos del artista, al contrario se busca es aportar un nuevo valor a estos conceptos, para que haga parte como una herramienta más de sus posibilidades a la hora de la creación.

El objetivo es lograr tener el control del proceso creativo de sus discos y lograr mantener un equilibrio entre lo que es la amplia difusión y calidad de producto. Es por eso que se trabajara con el álbum “Slash” de Slash, porque se logra ese objetivo en este trabajo.

3.

Objetivos

3.1

Objetivo General

Analizar la mezcla de audio de dos canciones del disco “Slash” de Slash, para la posterior creación, grabación y producción, con base en estaciones de trabajo digitales, de dos canciones inéditas.

3.2

Objetivos Específicos

 Una aproximación al funcionamiento de la industria discográfica.  Relacionarse con el disco “Slash”.

 Saber que es producción musical y entender el rol del productor musical.  Analizar la forma y formato de las canciones.

 Introducción en procesos de grabación, Software de edición y mezcla de sonido.  Analizar la mezcla de las canciones, panorama, ecualización, profundidad.

 Grabación y mezcla de dos canciones originales con los parámetros obtenidos en los análisis de las canciones del álbum “Slash”.

4.

Pregunta de investigación

5.

Marco Referencial Preliminar

En el proceso de producción de una canción, intervienen muchos factores, entre los cuales están el proceso de grabación y mezcla. En este trabajo nos enfocamos en estos dos momentos específicos de la producción musical.

El objetivo es basar el trabajo en estaciones de trabajo de audio digital DAW (Digital Audio Workstation). Esta involucra herramientas de software y hardware que permiten la interacción con el sonido digital.

Según lo expuesto por Antonio (Apuntes Sobre Sonido Digital, 2004 www.antoniosacco.com.ar) los requerimientos mínimos de hardware son: una computadora con una interfaz de audio (tarjeta de sonido), esta tarjeta de sonido es la encargada de convertir información digital en una señal eléctrica que luego será enviada a los parlantes para convertirla en vibraciones, esto será el sonido que escuchamos. La interfaz de audio también será la encargada de hacer la conversión inversa, es decir, convertir las vibraciones en señales eléctricas y codificarlas en archivos digitales.

En cuanto al software existen dos tipos de programas, los editores de audio y los secuenciadores de audio. Los editores de audio son programas que nos permiten trabajar con audio digital, los bytes de información son representados en la pantalla de la computadora como ondas de sonido y podemos manipularlos a nuestro gusto. Estos programas cuentan con herramientas que nos permiten hacer cualquier tipo de edición a un archivo de audio. Entre los programas más conocidos encontramos Protools de la compañía AVID, Cubase de la compañía Steinberg, Nuendo también de la compañía Steinberg, Sonar de la compañía CakeWalk entre otros.

Los programas secuenciadores nos permiten programar y reproducir eventos musicales de forma secuencial, a través de la plataforma universal MIDI (Musical Instrument Digital Interface), conectada a un instrumento físico llamado controlador MIDI. Entre los programas más usados encontramos Ableton, Reason de la compañía Propellerhead, Fruityloops, entre otros.

El ingeniero Friedemann Tieschmayer quien dirige los tutoriales en DVD de Steinberg “Internal Mixing” hace una descripción total del trabajo con estaciones de trabajo digitales. A su vez en el libro “Producción Musical Profesional” el ingeniero Héctor Facundo Arena, hace un desarrollo de todo el proceso de producción de música, siempre apoyado en estaciones de trabajo digitales.

Resulta obvio entender la facilidad que ofrece al proceso de grabación y mezcla de audio trabajar con las DAW. Entendiendo que con un computador, una interfaz de audio y unos altavoces, mezclados con los conocimientos necesarios, es posible empezar a grabar música.

6.

Metodología

análisis y síntesis de procesos, grabación y mezcla de canciones con base en estaciones de trabajo de audio digital.

Se procederá a hacer una introducción al significado de las estaciones de trabajo digitales, procesos de edición y mezcla de sonido. En seguida se harán los análisis pertinentes de las canciones, para entender mejor estos procesos.

Lo siguiente que se hará es hacer el análisis de las dos canciones del álbum “Slash” con los valores determinados previamente en el capítulo “Nociones Básicas Para el Análisis” para generar una visión global de los parámetros que intervienen en la mezcla de audio.

Después se grabaran dos canciones inéditas tratando de seguir los lineamientos expuestos en los análisis, esta grabación y mezcla será lo más fiel posible en la medida de las posibilidades en cuanto a indumentaria de trabajo se refiere.

Todo esto se expondrá en una bitácora de trabajo cuando inicie el proceso de la investigación, para al final mostrar las conclusiones del trabajo.

7.

Referentes Conceptuales

7.1

¿Que Se Considera Música Comercial?

Entre los artistas musicales siempre ha existido una discusión con respecto a ¿qué es mejor, hacer música intelectual, muy elaborada, pero de poco consumo o música comercial, masiva, de mucho consumo y muchas ganancias? No significando esto que cualquier tipo de música no esté elaborada y con mucho trabajo desde el punto de vista intelectual.

Hay que entender que cualquier artista que aparece en los medios quiere vender discos, ser escuchado y que para sus recitales se vendan todas las entradas. No necesariamente querer vender discos le quita valor artístico al artista. Y si encontramos la manera de hacer que esto sea más sencillo y a mayor escala ¿por qué no hacerlo?

Esta es una discusión que trasciende más desde el punto de vista de gustos musicales, que el del valor artístico del artista. Sin embargo no hay mucho conocimiento de cómo hacer que nuestras creaciones logren esos estándares de calidad que queremos, para poder vender más y mejor sin tener que destruir su valor artístico.

Muchas bandas venden discos y no son tildados de comerciales. Tomemos por ejemplo a Los Beatles. Una banda de las que más discos vendieron, si es que no fue la banda que más discos vendió. Sus canciones podrían ser consideradas comerciales y sin embargo son consideradas éxitos, excelentes canciones y todo esto a pesar de la simpleza de su música y a veces sus letras no muy profundas.

Entonces debemos decir que ¿una banda es comercial porque la escucha mucha gente o porque queremos que la escuche mucha gente? Sin dudas que no.

El gran problema viene cuando el artista deja todo el proceso creativo en manos de un productor, un escritor y un arreglista, personas que obviamente poseen una visión distinta a la del músico, centrados única y exclusivamente en cuantos singles tendrá el disco, que tan pegajoso es el coro y que otro artista con éxito ha hecho algo parecido.

Distinto es conseguir un buen productor para que actué como catalizador creativo y tercer oído en el proceso de grabación de un álbum, su tarea es muy distinta a los productores de la música comercial, pues a este le toca entender, manejar, asesorar y delimitar que es lo que quiere el músico con el trabajo que ha compuesto, esta relación la vemos con claridad en Metallica (que vaina con Metallica), en la época que el productor de los discos era Flemmnig Rasmussen la banda saco al mercado trabajos que definieron el sonido de la banda de forma definitiva, duros, potentes, Master of Puppets, And Justice for all, la banda tenía el control del trabajo musical mientras Rasmusssen les afinaba los aspectos técnicos, muy distinto a la labor de la banda con Bob Rock, quien venía de producir a bandas glammy cambiándole el sonido a la agrupación y convirtiéndose prácticamente en el quinto miembro de la agrupación.

Precisamente lo importante no es si se hace o no música para comercializar, de hecho creemos que cualquier cosa puede ser comercializada, lo importante es conseguir el mejor sonido posible en nuestras producciones. Y encontrar estas posibilidades con el mínimo de recursos posible.

7.2

Un Breve Análisis a la Industria Discográfica

La producción de un disco es sin duda un proceso bastante complejo, que involucra muchos profesionales de distintas ramas, obviamente objetivamente direccionados hacia un mismo punto; hacer que el disco (producto) llegue a manos del oyente (consumidor). Entre estos profesionales encontramos: Compositores, el Artista o Interprete (en muchos casos son los mismos compositores), el Productor Musical, Ingeniero de grabación, Ingeniero de mezcla (en muchos casos el productor es el mismo ingeniero de grabación y de mezcla), ingeniero de Masterización, Manager, medios de comunicación y promoción, Distribuidores, etcétera. Todo esto inmerso en algo más grande que se llama: Industria Discográfica.

Desde sus inicios, la industria discográfica ha tenido que amoldarse al cambiante mundo tecnológico producido en materia de grabación y reproducción de audio. Los medios de comunicación en especial la internet, han influido de manera sustancial en el negocio de la música, modificando sus formas de comercialización y distribución.

A nivel mundial existen cinco grandes Discográficas Multinacionales: Universal Music Group, Sony Music, EMI, BMG y Warner Music. Son multinacionales que poseen toda la infraestructura para la creación y grabación de música, duplicación de discos y redes de distribución.

Por otra parte también existen compañías discográficas que son propiedad de las macro-empresas y ejercen las mismas funciones de las grandes discográficas, pero no poseen redes de distribución propias, y terminan dejando este trabajo a las multinacionales de la industria discográfica.

proceso de producción del disco por sus propios medios; esto no significa que lo haga solo, simplemente significa que no está respaldado por ningún tipo de sello discográfico.

Podemos decir que las multinacionales ejercen un monopolio en la industria discográfica con respecto a la gran cantidad de artistas que no logran comercializar su producto por no tener el respaldo de las grandes empresas, esto se debe a que estas grandes compañías son dueñas de los principales canales de marketing y distribución permitiéndoles tener la mayor parte de los beneficios, que llegan hasta un 90% de las ganancias del valor total del disco. Por esta razón es muy difícil para los nuevos artistas competir en el mercado.

Sin embargo hoy en día gracias a los avances tecnológicos, especialmente la aparición de la internet, los artistas pueden grabar y editar su propia música a través de un ordenador (computador) en la comodidad de su casa y distribuir el producto por medio de la red. Existen páginas Web que nos permiten descargar música con algún costo y funcionan como tiendas de discos virtuales, por ejemplo, Amazon o Magnatune, o desde plataformas de descarga de música de pago, que dedican parte de sus ingresos a liquidar derechos de autor. También existen software de descarga denominados “redes P2P” desde donde se realizan la mayor parte de las descargas porque es de manera gratuita, sin contribuir ninguna clase de pago por derechos de autor, por lo que se mantiene un gran debate sobre la legalidad de estos intercambios entre la industria de la música y los cibernautas.

Aunque esto no signifique poder competir económicamente con las grandes compañías de la industria, por lo menos si nos permite poner en la vitrina nuevos productos artísticos capaces de competir en diseño y calidad musical.

7.3

Concepción del Disco “Slash”

En la auto biografía de Slash, publicada en el año 2007, el guitarrista habla sobre su intención de sacar al mercado un álbum en solitario, con la colaboración de diversos artistas del mundo de la música. En principio la idea de Slash era que el álbum se llamara Slash and friends (Slash y sus amigos), pero finalmente termino llamándose simplemente “Slash”.

Durante el proceso de grabación se conto con la participación de una gran cantidad de músicos, entre los que se encuentran:

7.3.1

 Adam Levine en "Gotten"

 Alice Cooper en "Baby Can't Drive"  Andrew Stockdale en "By The Sword"  Beth Hart en "Mother Maria"

 Chris Cornell en "Promise"

 Cypress Hill , Fergie en "Paradise City"

 Fergie en "Beautiful Dangerous" y "Paradise City"  Iggy Pop en "We're All Gonna Die"

 Kōshi Inaba en "Sahara"  Kid Rock en "I Hold On"

 Lemmy Kilmister en "Doctor Alibi"

 M. Shadows en "Nothing to Say"  Nick Oliveri en "Chains And Shackles"  Nicole Scherzinger en "Baby Can't Drive"  Ozzy Osbourne en "Crucify The Dead"  Rocco DeLuca en "Saint is a Sinner Too"  Taylor Hawkins, coros en "Crucify The Dead"

7.3.2

 Chris Chaney (bajo en la mayoría de canciones)  Lemmy Kilmister en "Doctor Alibi"

 Duff McKagan en "Watch This"  Flea en "Baby Can't Drive"

 Nick Oliveri en "Chains And Shackles"

7.3.3

 Dave Grohl en "Watch This"

 Josh Freese (batería en la mayoría de canciones)  Lenny Castro (percusiones)

 Steven Adler en "Baby Can't Drive"  Travis Barker en "Starlight"

7.3.4

 Izzy Stradlin, guitarrista en "Ghost"

 Judgement Day, violín y violoncelo en "Gotten"  Teddy Andreadis (teclista)

Sin embargo Slash no revelo los nombres de todos los participantes en la grabación del álbum, quizá por requerimiento de los mismos.

El disco fue producido por Eric Valentine quien también es productor de la banda “Queens of the Stone Age”, Eric Valentine fue el ingeniero de grabación y de mezcla con la asistencia de Slash. El álbum fue masterizado por el ingeniero George Marino.

El 3 de noviembre 2009, Roadrunner Records anunció un acuerdo con Slash para la distribución europea del disco.En Estados Unidos, el disco fue distribuido por EMI.

El álbum fue lanzado a la venta en los Estados Unidos el 6 de abril de 2010, el 7 de abril de 2010 fue lanzado en Reino Unido saliendo en una edición especial de la revista “Classic Rock”, cuya edición fue dedicada a la carrea artística del guitarrista.

rítmica. Este mismo dia ESPN Radio, colgó en su página web las canciones “Starlight” que cuenta con la participación de Myles Kennedy como cantante y “I Hold On” con la participación de Kid Rock en la voz.

En el disco se grabaron canciones en varios géneros del Pop-Rock, los cuales son: Rock, Hard Rock y Blues Rock. Una muestra de que Slash no abandono su esencia artística, pero si le dio todos los atributos que van a la vanguardia musical de esta época

7.3.5

Con 61000 copias del álbum vendidas en la primera semana, “Slash” se acomodó en la tercera posición de la clasificación Estadounidense por ventas de discos, por otra parte la producción debuto en el primer lugar en Canadá, Nueva Zelanda, Austria y Suecia. Además estuvo posicionado en el Top 20 en Polonia, Alemania, Finlandia, Australia, Francia, Suiza, y Noruega.

7.4

Producción Musical

Cuando compramos un disco compacto casi siempre lo hacemos porque nos gusta la música del artista, tal vez porque siempre suena bien y es un placer para los oídos sentir las vibraciones sonoras densas y sugerentes que éste contiene, sin embargo, pocas veces caemos en cuenta, que la responsabilidad de que este disco suene bien no necesariamente y casi nunca recae sobre los hombros de los músicos. Es en realidad una persona que en el medio discográfico se llama productor musical, aquella que se encarga de dar ese toque profesional a la música de los artistas cuando graban en el estudio de producción musical.

Para entender que es producción musical hay que tener en cuenta varias etapas que se siguen a la hora de crear un disco o una grabación musical. En primer lugar hay que componer las canciones y la presencia del productor musical en esta etapa, si bien no es indispensable, sí es bueno que, una vez creadas por el o los artistas, éstas sean escuchadas detenidamente por él. Muy seguramente el productor encontrará virtudes y defectos a cada canción y buscará adecuar o arreglar los temas a fin de que tengan mejores posibilidades comerciales y de éxito radial, igualmente tendrá en cuenta la identidad del artista y el modo de potenciarla mejor a

través del sonido.

Lo siguiente será la producción como tal en el estudio de grabación, cómo grabar cada instrumento y ubicar su lugar en el espectro audible. Por ejemplo si se trata de un álbum de rock seguramente tendrá en cuenta la presencia en la producción musical de la guitarra eléctrica ya que este instrumento es el que da el carácter y potencia a ese tipo de música.

7.5

Historia de la Producción Musical

En la primera mitad del siglo XX, el rol del productor discográfico era comparable al de un productor cinematográfico, debido a que el productor discográfico organizaba y supervisaba las sesiones de grabación, pagaba a los técnicos, músicos y arreglistas y algunas veces escogía material para el artista.

discográficos, y varias grabaciones se hacían en estudios controlados y operados por los mismos, como los famosos estudios Abbey Road en Londres, controlados por EMI.

En la mitad de la década de los 50 emergió una nueva categoría: la de los productores independientes. Entre los primeros productores independientes se encuentran Leiber & Stoller, el creador de Wall of Sound Phil Spector y el pionero de estudio británico Joe Meek.

Este cambio fue facilitado por la introducción de la tecnología de grabación de cinta magnética de alta fidelidad, que alteró considerablemente los procesos y la economía de la grabación de música. La cinta magnética permitió el establecimiento de estudios de grabación independientes en grandes centros de grabación como Los Ángeles, Londres y Nueva York. A diferencia de los antiguos estudios, que eran parecidos a una "tienda cerrada", estos nuevos estudios podían ser usados por cualquier artista no asociado a las grandes casas discográficas.

Los estudios más grandes eran típicamente establecidos y operados por los más importantes ingenieros de grabación. Estos se construían cuidadosamente para crear condiciones óptimas de grabación, y estaban equipados con lo último en equipamiento de grabación y micrófonos de alta calidad, así como amplificadores electrónicos e instrumentos musicales.

Importantes estudios como los estudios Olympic en Londres o United Western Recorders en Los Ángeles se convirtieron rápidamente en los lugares de grabación más solicitados en el mundo. Estas "fábricas de éxito" producirían varias de las grabaciones de pop más exitosas del resto del siglo.

Los primero inventos sonoros de la historia fueron:  Fonógrafo Edison (1877)

 Gramófono Emilie Berliner (1887) aquí la grabación y la reproducción era eléctrica.  Magnetófono Telefunken (1935)

 Disco de Vinilo 1948 (Varias discográficas)  Sistema de grabación Estéreo 1957  Años 60 Casete y Dolby

 Años 80 CD y la grabación digital

Desde ese mismo momento en el que la grabación se convierte en Digital, el ordenador se convierte en un instrumento más. La mayoría de música que hoy en día escuchamos está producida íntegramente por ordenadores, sin notar la diferencia con una banda de músicos.

Los conciertos en directo es lo único que queda para los melómanos y aun así no todos los conciertos son 100% en directo. Los primeros programas que aparecen en la escena musical son los editores de partituras los cuales agilizan muchísimo la composición.

7.6

El Productor Musical

La figura o concepto de la producción musical ha generado algunas confusiones durante el último período de tiempo ya que el rol o la tarea del productor musical se han venido desintegrando gracias al avance tecnológico. En principio el trabajo era simple; en el estudio de grabación estaban el músico ejecutante, un ingeniero de mezcla, el técnico del estudio quien ayudaba a facilitar las conexiones de cables y micrófonos, y el productor quien coordinaba el proceso de grabación. En este tiempo, si bien estos papeles se mantienen, la perspectiva de estos roles cambia un poco, porque la aparición de las computadoras como herramienta en el flujo de trabajo, permiten controlar cada una de estas tareas del proceso de producción por una sola persona, si esta persona tiene los conocimientos necesarios en cada una de estas áreas, por supuesto podrá producir música.

La producción musical puede ser encarada desde varios puntos de vista, algunos de ellos podrían ser desde la organización, la creación, el tratamiento sonoro, etc.

Desde la organización podría verse como la persona que toma un proyecto y lo organiza; planea ensayos, contrata músicos, agenda horas en el estudio de grabación, contratar personal técnico, paga los gastos etc. Este proceso también permite que la música se produzca.

Desde la creación se puede pensar, quien se encarga de la composición musical, ya sea componiendo obras orquestadas o canciones con un par de acordes en un instrumento, esta persona no necesariamente tiene que saber cómo se controla una consola de mezcla con las técnicas de microfoneria necesarias para grabar. Sólo necesita su creatividad.

Desde el tratamiento cabe quien es capaz de desarrollar la música, sabe hacer arreglos musicales, conoce técnicas de composición y arreglos, para así poder explotar al máximo una composición sencilla. Es necesario que esta persona tenga una mente bien abierta para poder desarrollar cualquier proyecto que se le confíe.

Debemos tener claro que muchos artistas necesitamos el apoyo de un productor musical, para poder desarrollar nuestro producto y poder explotar todas nuestras ideas, hasta lograr el mejor producto posible con ellas. Para lograr esto, el productor musical tendrá que desarrollar bastantes cosas, entre las cuales podremos encontrar:

7.6.1

En este caso es muy importante que el productor conozca muy bien cuál fue el proceso de composición, entender las emociones del artista al crear la canción, cual fue el motivo de inspiración, en que instrumento fue creada, hablar con el artista para definir un camino para el desarrollo del tema, técnicas, como desarrollar el trabajo para conseguir el objetivo deseado.

7.6.2

7.6.3

Por ejemplo, sugerencias rítmicas, modificar ciertas progresiones armónicas, incluir una nueva instrumentación etcetera.

7.6.4

En este aspecto tendrá en cuenta, técnicas de microfoneo, mezcla y edición.

7.6.5

De esta manera tendrá en cuenta cuales son los recursos que se tienen a la mano y planeara los objetivos a lograr, tendrá en cuenta los tiempos que se tienen a disposición, para distribuir de la mejor manera los recursos, así estará al frente de todo el proceso y se encargara de hacer cumplir todos los objetivos.

Estos puntos son un acercamiento a algunas de las tareas de un productor, de ninguna manera es una regla general, muchas situaciones resultan por el camino y sería casi imposible definir las tareas específicas a las que estaría sujeto el productor.

Organizar todo el proceso es en definitiva el trabajo más importante, el cual demanda dedicación, empeño, compromiso y mucho esfuerzo. Un proyecto bien planificado, organizado y ejecutado, siempre llegara a tiempo y con los mejores resultados. Al contrario, un proyecto desorganizado, podría arrojar resultados defectuosos al finalizar el proceso.

8.

Nociones básicas para el análisis

La manera en la que la industria tecnológica ha venido desarrollando nuevos sistemas de edición de audio digital, ha permitido el fácil acceso al trabajo de grabación y edición de audio, consiguiendo que cualquier músico, profesional o aficionado, mediante inversiones pequeñas (construcción de estudios de grabación profesional o semi-profesional) logre tener a su disposición equipo básicos de captura. Constaría de: computador, monitores de audio y tarjeta de edición de audio, ubicados en su hogar, y de esta manera desarrollar su propia música y de manera independiente.

El problema real al que nos enfrentamos quienes asumimos la tarea de grabar y mezclar audio de manera autodidacta, consta en la importancia superlativa que le damos a los aspectos técnicos de la mezcla, lo cual distorsiona la importancia fundamental en cuanto al concepto musical.

Con este referente, se plantea una duda importante, ¿Cómo lograr grabar y mezclar una canción profesional con un mínimo de recursos? (adicional a los recurso técnicos y herramientas de software y hardware descritos anteriormente sumaos el intelecto y las competencias de cada persona)

En la internet existe una riqueza de tutoriales que facilitan la manipulación de equipos y aprendizaje en la ejecución de mezcla y masterización de audio, libros de grabación, , foros, explicaciones de momentos específicos de una mezcla, etc. Sin embargo es difícil encontrar alguno de estos elementos explicando cómo mantener el concepto de la canción en la mezcla, o ¿por qué se mezcló de tal manera? ¿Qué se quería lograr con ese tipo de mezcla? Esto obedece al abuso en conceptos técnicos y no al componente artístico.

La mezcla de audio es un arte, es un arte que se conjuga con el de componer música, con realizar arreglos musicales y con el mismo arte de interpretar un instrumento musical, para que con todos estos elementos se pueda lograr una obra maestra.

De igual manera es de vital importancia que los aspectos técnicos básicos estén claros para desarrollar una buena mezcla, ¿por qué básicos? Porque la profundidad se logra con la experiencia, hace falta haber entrenado lo suficiente para poder correr una maratón completa y hace falta haber entrenado aún más para ganar la maratón.

8.1

Preproducción

El primer elemento clave para la grabación de audio más allá de las técnicas de grabación es la planeación, este es el proceso previo a la grabación real. Cuando mejor se trata este elemento, serán más eficientes las sesiones de grabación posteriormente.

Entendemos que la preproducción es el proceso previo a la producción propiamente dicha de una canción o pieza musical. En general este será el momento en el que realmente se fragua el producto, porque las decisiones que aquí se toman, determinan todo el proceso.

Lo primero que se deberá tener en cuenta es la idea inicial, lo importante será planear como en el producto final esta idea se mantiene, sin destruir esa intuición artística del compositor. La idea será analizar esto de la manera más objetiva posible, para poder diseccionar el núcleo de la canción.

Algunas cosas podrían cambiar en esta etapa del proceso, por ejemplo, el tempo de la canción, la tonalidad, la estructura, el formato, etcétera. Siempre teniendo en cuenta que la idea principal se mantenga.

En definitiva la preproducción es una etapa crucial en el proceso de una producción musical, es allí donde nos encontramos con la canción en su estado más primitivo y es donde la amoldamos a nuestro gusto, siendo objetivos y claros.

Después de pasar por este proceso seguimos con el proceso de grabación técnicamente hablando.

En la grabación de audio analógica tradicional, las ondas sonoras se registran como cambios en los campos magnéticos de una cinta. Es decir, una corriente de aire hace vibrar la membrana de un micrófono, a su vez este produce unas diferencias eléctricas conformes a las vibraciones de la membrana del micrófono, y estas se registran en una cinta de cassette. Si aumenta la presión de aire, aumenta la amplitud de la oscilación.

La magnitud de los valores correspondientes a la tensión o voltaje eléctrico, constituyen variables continuas, sus valores cambian continuamente tomando la forma de una onda sinusoidal, que se desplaza de manera ininterrumpida a lo largo del tiempo de grabación.

 El micrófono convierte la variación de la presión de aire ejercida sobre su membrana en una señal de voltaje variable en el tiempo.

 La variación de este voltaje se puede grabar analógicamente utilizando diferentes tecnologías, sobre una cinta magnética o en los surcos de un disco de vinilo.

 En el caso del disco de vinilo, por ejemplo, los surcos dibujan, sobre la espiral del disco, trayectorias que reproducen las formas (son una analogía) de la señal original.

 Cuando deseamos reproducir el sonido, la señal eléctrica generada por el cabezal de la pletina o la aguja del tocadiscos se amplifica y envía a los altavoces, donde un nuevo transductor la convierte en un campo magnético capaz de desplazar y de hacer que oscilen (con las frecuencias originales) los conos de papel de los altavoces.

8.3

Grabación Digital

La grabación digital emplea la tecnología análoga al principio del proceso, para capturar los sonidos que queremos grabar. También al finalizar el proceso, para reproducir y hacer audibles los sonidos grabados.

Para realizar una grabación digital, se captura el sonido mediante un proceso analógico, es decir, una presión de aire hace vibrar la membrana de un micrófono y estas se transforman en variaciones eléctricas. Para la digitalización del sonido capturado, es necesario proceder a convertir esta señal en un sistema binario de unos (1) y ceros (0). Esto permitirá crear archivos de sonido digital, con su correspondiente capacidad en Bytes.

primero que hace este dispositivo es realizar un muestreo (Sampling) a lo largo de toda la señal analógica, tomando miles de muestras por segundo. Luego estas muestras se cuantifican (Quantization) y por último se codifican en el sistema binario, Unos (1) y ceros (0), que se almacenaran en archivos con su correspondiente capacidad en Bytes.

 El principio fundamental del audio digital consiste en discretizar las señales sonoras continuas (como las captadas por un micrófono) para convertirlas en secuencias de números.

 La discretización de estas señales se lleva a cabo en dos escalas diferentes, la temporal y la de la amplitud.

Como ya dijimos, una grabación digital no es audible si no convertimos estos códigos binarios, en las variaciones de tensión que tenía la señal análoga original. Para este proceso se emplea un dispositivo o microchip llamado DAC (Digital Analog Converter - Convertidor Digital Analógico) que rápidamente convierte los códigos binarios en la variaciones de tensión o voltaje correspondientes a la señal analógica. De este modo la señal se construye para que pueda ser audible.

8.4

Interfaz de Audio

La interfaz de audio, es un dispositivo para la expansión de capacidades de nuestro ordenador, sirve para la entrada y salida de audio entre nuestro equipo o computadora y el exterior.

Su función principal es convertir el sonido análogo de entrada a sonido digital, para que sea interpretado por el software de reproducción, grabación y edición de audio. Y convertir el sonido digital de salida a sonido análogo, para que pueda ser reproducido y escuchado a través de nuestros altavoces. Este proceso lo realiza mediante sus dispositivos o microchips ADC (Analog to Digital Converter – Convertidor Analógico Digital) y DAC (Digital Analog Converter - Convertidor Digital Analógico). La calidad de estos componentes, dependerá del fabricante.

Las interfaces de audio en la mayoría de los casos son de uso externo, se conectan a nuestro ordenador a través de los puestos USB o Firewire. Según sus características, pueden permitir o no la grabación de múltiples señales a la vez. Manejan la tecnología MIDI y podemos grabar conectando nuestro instrumento o micrófono, directamente a la interfaz.

Es de vital importancia contar con una interfaz de audio, cuando nos referimos al mundo de la grabación digital, ya que este dispositivo es el puerto de conexión entre el audio análogo y el audio digital y viceversa.

8.5

Midi

La tecnología Midi, sigla del inglés Musical Instrument Digital Interface (Interfaz Digital de Instrumentos Musicales) es la tecnología musical con más relevancia de los últimos tiempos, ya que derivo en nuevos sonidos y desemboco en nuevos estilos musicales. Fue desarrollada con la intención de poder comunicar múltiples instrumentos musicales electrónicos, de una manera sencilla.

En principio, esta tecnología aparece en los grandes estudios de grabación, les permitía simular orquestas de gran formato, de manera virtual, conectando un par de sintetizadores con un cable. Así, al presionar una tecla de uno de los sintetizadores, esa nota se reproducía por todos los instrumentos que estuvieran conectados en la cadena. El resultado era un sistema de control que permitía generar sonidos complejos, proviniendo de los diferentes equipos conectados, recibiendo la orden y ejecutándola.

Luego llegaron las computadoras y con ellas los Secuenciadores, son programas que permiten guardar sonidos, ejecutados desde un controlador Midi y reproducirlos en otro momento a través de la tecnología Midi.

A principios de los años 80, con la combinación de la computadora, un programa secuenciador y un sintetizador (que funciona como controlador Midi, conectado con un cable a la computadora), permitida gracias a la tecnología Midi, aparecieron los Home Studios (Estudios Hogareños). A mediados de esta década, los puertos de conexión Midi, ya existían en casi todos los sintetizadores del mercado.

Como productores, debemos estar al tanto de esta tecnología, porque se trata de un estándar de la industria. Las posibilidades sonoras de este sistema, son casi infinitas y nos permitirán visibilizar un horizonte más amplio para nuestro producto musical.

8.6

Grabación en DAW

¿Por Qué Grabación y Mezcla Basado En Estaciones De Trabajo Digitales (DAW)?

A través del proceso de creación de canciones o simplemente grabaciones de audio de cualquier tipo, en muchos de los casos, estudiantes de Música, Músicos autodidactas, personas aficionadas a la música, Actores, Bailarines, Cineastas, Publicistas, entre otros. Se topan con diversos problemas de orden técnico y económico.

Uno de los inconvenientes para producir registros de audio, son los altos costos que se generan teniendo en cuenta: Sala de grabación, ingenieros, músicos compositores e intérpretes, ensayos, tiempo y demás cosas que involucran poder hacer una grabación con óptimas condiciones.

Lo que se propone en este trabajo es poder lograr resultados de buena calidad con un mínimo de recursos.

Las estaciones de trabajo de audio digital (DAW) ofrecen una solución a este inconveniente, gracias a que es posible generar buenos productos sonoros con solo tener un buen computador, algún software de edición de audio y tiempo e ingenio para desarrollar ideas. También es importante tener en cuenta la adecuación acústica del recinto donde se está mezclando, ya que cuando hay muchas superficies planas se producen muchas ondas reflejadas. Para reducir esto, se suele colocar sobre las paredes y techo material absorbente que evita ecos y valores altos en el tiempo de reverberación. Hay que procurar que el sonido se distribuya de manera uniforme y que la intensidad del sonido sea suficiente en todo el recinto.

antiguamente. Además, el costo del arriendo de equipos era tan alto que los "gastos de gestión" en que incurría el sello eran pequeños respecto al costo total.

Una de las grandes diferencias con lo que pasaba 20 años atrás, es que hoy en día cualquiera que quiera grabar un producto pueden elegir (si está bien informado sobre los avances tecnológicos que existen para este fin), entre un estudio de grabación de audio “Profesional” cuyo costo puede pasar los cientos de millones de pesos, un estudio de grabación de audio “Semi-Profesional” que puede costar entre 10 y 30 millones de pesos aproximadamente, o, un estudio casero que base su trabajo en procesos de grabación y edición de audio digitales, que entre otras cosas solo cuesta de 2 y 5 millones de pesos.

Una Estación de trabajo de audio digital o DAW por sus siglas en inglés (Digital Audio Workstation) es un sistema electrónico dedicado a la grabación y edición de audio digital por medio de un software de edición de audio, y del hardware compuesto por un computador y una interfaz de audio digital, encargada de realizar la conversión analógica-digital y digital-análogo dentro de la estación.

Hace ya un par de años, estábamos acostumbrados a ver estudios de grabación con equipos que cubrían paredes completas con la cantidad de cables que para eso se requería.

Las EAD (DAW) son utilizadas actualmente en casi toda la Producción discográfica a nivel mundial y para la posproducción de sonido para cine, televisión y videojuegos. Debido a su relativa facilidad de adquisición, están presentes tanto a nivel profesional como a nivel no profesional, dando origen a los famosos Home Studios o estudios caseros de sonido.

Para simplificar este espacioso y costoso equipamiento, a fines de los años 70s se crearon las primeras estaciones de trabajo, eran sintetizadores, que con rudimentarios computadores (para nuestra época) intentaban reproducir sonidos de instrumentos musicales, naciendo así los conocidos Synclavier1 y Fairlight2.

Con el pasar del tiempo y los avances de la computadora se comenzó a estudiar la función y comportamiento de cada equipo analógico con el fin emularlos en un ordenador dando como resultado una nueva modalidad de trabajo bajo un sistema digital.

Rápidamente con el progreso de la tecnología informática y los primeros ordenadores personales para uso masivo, como fue el Atari ST3, nuevos procesos fueron apareciendo, hasta llegar a lo que conocemos hoy en día como estudio virtual, combinando lo que es un completo multipista de audio y proceso midi, todo en solo una máquina capaz de transformar una señal analógica a digital, almacenarla, manipularla, guardarla y reproducirla.

Día a día esta herramienta se ha vuelto más poderosa según como la tecnología la ha acompañado, ya que por cada proceso que se incorpora, requiere más memoria de disco, RAM, velocidad de CPU por mencionar algunas, pero trae consigo procesos mucho más reales a los que digitalmente emula, siendo una alternativa además mucho más económica, que ha cambiado drásticamente no solo la forma de escuchar música, sino también la producción musical a nivel mundial, ejemplos claros de estos es el sistema Cubase o Protools que no solo integran tecnología almacenada en un ordenador (software) sino también sistemas que se

1

http://ecomolib.com/arte-y-entretenimiento/musica/the-music-machine-electrial-handcrafted-la-synclavier.php

2

http://www.hispasonic.com/productos/fairlight-instruments-fairlight-cmi/19970

conectan directamente con estos desde un equipos físicos aumentando aún más el rendimiento de cada ordenador.

Por otro lado el término DAW es utilizado para referirse al género de software utilizado dentro de la estación de trabajo. Así, en vez de clasificar los programas como editores de audio, se los clasifica como DAW o estaciones de trabajo, incurriendo en un error dado que el software hace parte de la estación y no es la estación de trabajo completa.

Muchos son los factores que se conjuran en el tratamiento y procesamiento de Audio Digital en una PC.

Desde ya, es importante tener en cuenta que el audio digital consume gran cantidad de recursos de la computadora:

Cada canal de audio tiene un mínimo requerimiento, que es de aproximadamente 5.2 Mbytes por minuto de grabación de espacio en el disco rígido (con una frecuencia de muestreo de 44.1 KHz y una resolución de 16 bits). En una grabación multicanal esta información se multiplicará por la cantidad de canales que se quieren grabar.

Al insertar plug ins4 de procesadores y efectos se hace un uso intensivo de la CPU, particularmente del microprocesador y la memoria RAM. Esto reduce muchas veces la cantidad de canales que se pueden reproducir simultáneamente o la cantidad de procesadores que se pueden utilizar en tiempo real, sin producir problemas de reproducción.

Obviamente un procesador más rápido, gran cantidad de memoria RAM y un disco rígido de gran capacidad y velocidad, minimizarán estos problemas. Pero no debe olvidarse que una computadora es un sistema complejo, donde todos sus componentes influyen en el rendimiento final (marca y modelo de placa madre, tipo de memoria RAM, hardware de audio, placa de video, etc.)

Si bien es imposible olvidar éstos aspectos, es importante tener en cuenta que una computadora modesta pero bien configurada rendirá más que una con mayor potencia, pero mala configuración y que ésta última trabajará mejor si se la configura bien.

El proceso de grabación es un mundo diferente al de la mezcla, aunque una excelente mezcla depende en gran medida de una buena captura (grabación) son momentos diferentes en el proceso de producción de una canción. Este trabajo se enfoca hacia el proceso de mezcla, sin embargo, haremos un acercamiento a las diferencias entre los dos sistemas de grabación conocidos, para entender este proceso.

La grabación de audio, básicamente se divide en dos grandes canales: Análogo y Digital. Actualmente predominan las técnicas de grabación digital, por las facilidades que ofrecen gracias al uso de un computador.

8.7

Estudio de Grabación

4

Un estudio de grabación es un recinto insonorizado y acondicionado acústicamente, destinado al registro de sonido.

Un estudio común está formado por dos salas o cámaras aisladas acústicamente entre sí:  Sala de captación (o simplemente estudio), destinada a la toma de sonido, equipada

con la microfonería y líneas de envío a la sala de control.

 Sala de control, en la que se encuentran los dispositivos destinados a la grabación (mesa de mezclas, multipistas, ordenadores, racks de proceso, equipo de monitores, etcétera).

Una de las condiciones más importantes en su diseño es la insonorización, de forma que el sonido interior no se propague hacia el exterior ni que el sonido exterior penetre e interfiera en las grabaciones. Esto se consigue mediante la aplicación de diversos materiales especiales (absorbentes y aislantes) y el uso de cámaras de aire. Por otro lado, dichos materiales se emplean también para conseguir ciertas condiciones acústicas específicas en el interior, como tiempos de reverberación determinados, optimización de la difusión del campo sonoro, prevención de formación de ondas estacionarias, etcétera.

Sin embargo, en la actualidad, no siempre se usa un espacio insonorizado para ejecutar la grabación, bien sea por experimentación o por falta de recursos. Los estudios caseros (Home Studios) representan una alternativa para el trabajo de grabación actual.

Los requerimientos mínimos para este tipo de estudios son: Un computador, una interfaz de audio y sistema de monitoreo (Altavoces).

El trabajo que hemos venido exponiendo, está basado en este tipo de estudios, las grabaciones y mezclas se hicieron en un lugar como el mencionado.

8.8

Acercamiento a la Mezcla de Audio

El proceso de mezcla consiste en tomar las pistas de audio grabadas para una canción y combinarlas de la mejor manera posible para crear una sola pista estéreo que contenga la suma de todas estas pistas.

El proceso de mezclar los sonidos grabados es un arte en sí mismo. La determinación del nivel artístico, depende del criterio que cada uno tenga en cuanto a su estética personal. Tardará tiempo analizar todas las maneras en que una obra puede ser redefinida.

Para mezclar hay que tener inspiraciones, influencias, ideas, ganas de trabajar, pasión, un camino y un objetivo. Todas estas características se transforman de persona a persona. Por ejemplo: En el caso que entregáramos una canción sin mezclar a dos ingenieros de mezcla distintos, seguramente nos sorprenderán los resultados, debido a que probablemente escucharemos dos canciones distintas.

tener el primer resultado ya se podrá discutir sobre las sugerencias de los músicos que estén involucrados. En caso que se trate de trabajo individual, es decir, quien compone y ejecuta los instrumentos es el mismo ingeniero de mezcla, tener claro el objetivo de la la mezcla. Esto se forja porque mientras ocurre el proceso de mezcla es indispensable contar con silencio absoluto y concentración, para poder escuchar en detalle todo lo que sucede en detalle en la grabación.

Lo que se busca es lograr que la mezcla tenga el mejor sonido posible, y con este nos referimos a que el buen sonido está ligado al mensaje que se quiere transmitir, al estilo de la canción y al ambiente que se quiere crear con la mezcla, todo esto hace parte del concepto de canción.

Si no tenemos idea del punto de partida para lograr un buen sonido y sabemos que nuestro producto es muy bueno, lo mejor será buscar grabaciones de canciones similares que nos sirvan de referente para intentar asemejar ese sonido y de esta manera entender cómo podemos lograr un sonido propio, lo cual hará parte de nuestro propio sentido estético.

Una manera en la cual podemos perfeccionar nuestra técnica, es escuchar muchos tipos o géneros de música, con la atención, la intención y la postura que requiere un ingeniero de grabación y de mezcla, analizando cada uno de los componentes de mezcla.

El objetivo fundamental de una mezcla es plasmar un sonido claro, cálido, profundo e impactante, en el que juegan todos los eventos musicales claramente identificables. El secreto de una excelente mezcla radica en una distribución correcta de todos los eventos sonoros presentes en las tres dimensiones espaciales: Horizontal, Vertical y Profundidad.

Lograr un buen manejo sistemático de estas tres dimensiones es el camino correcto para lograr una buena mezcla. Estas tres dimensiones forman la base de la mezcla:

En la dimensión horizontal se gestiona el panorama, muchas veces se suele subestimar este aspecto ya que resulta evidente en el tratamiento de la mezcla, por lo cual en muchos casos no se le suele prestar mucha atención aunque no deje de ser de vital importancia ya que un gran porcentaje del objetivo final depende de un buen diseño panorámico.

Ilustración 2 Paneo

La dimensión vertical se define desde la distribución de frecuencias, los aspectos principales son la ecualización y el nivel del volumen de cada instrumento presente, como un sub aspecto tenemos la comprensión que mediante la edición de la dinámica tiene una influencia indirecta sobre la distribución de la frecuencia, lo que significa que influye indirectamente en la distribución de frecuencias.

Ilustración 3 Frecuencia

del reverb y el delay así como otros posibles parámetros de influencia pertenecen a los sub aspectos de esta dimensión.

Ilustración 4 Profundidad

8.9

Punto de partida para la mezcla

Entendemos que el punto de partida para iniciar una mezcla, se establece cuando hemos terminado el proceso de grabación y tenemos dispuesta la pista de grabación de cada uno de los instrumentos que intervienen en el formato musical a tratar para proceder a mezclar.

El orden de las pistas instrumentales dispuestas en nuestro software de edición de Audio depende de la comodidad que requiera el ingeniero de mezcla, así como el orden en el que el ingeniero aborda la mezcla. En el caso de mezclar un formato de banda rock o pop se sugiere ordenar de arriba debajo de la siguiente manera:

 Bateria:  Bombo  Redoblante  Tom 1  Tom 2  Hi-Hat

 Over head L (micrófono de la izquierda)  Over head R (micrófono de la derecha)  Microfono Room L

Nota: en algunas sesiones de mezcla no se tienen las pistas de los micrófonos room (en español Habitación) porque no se usaron en la grabación de la batería, esto se podría solucionar con un buen uso de la reverberación.

Bajo:

 Bajo línea (entra al software directamente por la tarjeta de sonido)

 Bajo amp (se dispone de un micrófono adecuado para capturar el sonido del amplificador

Nota: Cuando se usa un efecto para el bajo se suele aplicar en el sonido del amplificador, de igual forma grabar el bajo por línea sirve para que el ingeniero de mezcla añada efectos a su gusto desde el software de edición, lo que podría evitar usar efectos en el amplificador y así capturar el sonido limpio del amplificador.

Guitarras Acústicas o clean:  Guitarra clean 1  Guitarra clean 2

Guitarras Eléctricas:  Guitarra eléctrica 1  Guitarra eléctrica 2

Teclados o sintetizadores:  Teclado 1

 Teclado 2 Voces:

 Voz 1  Voz 2

Ilustración 5 Organización Área de Trabajo Parte 1

Es muy útil usar un orden de pistas por áreas temáticas, como, batería, percusión, voces, etc. Lo que se hace usualmente es hacer carpetas para cada uno de estos grupos, sin embargo esto queda sujeto a la comodidad del ingeniero de mezcla.

Ilustración 6 Organización Área de Trabajo Parte 2

En estas imágenes se usó un loop antes de grabar la batería por lo que en el orden de trabajo aparece el loop en las primeras pistas instrumentales.

También cabe anotar que las pistas de la batería, los teclados y el bajo, se hicieron a través de instrumentos MIDI, que posteriormente fueron convertidos a archivos de audio e insertados en el programa de edición de audio, que para este caso fue NUENDO.

ahorrar recursos del procesador. Aunque es posible mezclarlos sin convertirlos en audio, hacer esto nos obligará a tener encendidos los instrumentos 1-MIDI y esto abarcará más recursos de la computadora, procesador y memoria RAM, y podría convertirse en un problema a la hora de la mezcla.

Hacer esto es muy sencillo, simplemente deberá exportarse pista por pista como pista de audio, igual como si exportáramos una canción lista, pero para este caso exportaremos solo el instrumento que deseamos convertir en audio, luego de esto el archivo resultante deberá ser incluido en nuestra sesión de mezcla.

Para el caso de Nuendo, que es el software que usamos para este trabajo, en el cuadro de dialogo de exportación de audio, hay una opción que si esta seleccionada, nos permitirá automáticamente crear una pista nueva dentro de la sesión con el archivo de audio que exportamos, también nos permite dejar la pista archivada en la carpeta donde están quedando todos los archivos de audio de la grabación.

9.

Empecemos a mezclar

9.1

Establecer Niveles

Lo primero que deberá hacerse es dar la intensidad o volumen necesario a cada instrumento o pista de audio, esto hace parte de la dimensión Vertical. Para esto deberá haber una estrategia previa para definir el valor de cada pista dentro de la canción y así asignarle el nivel correcto en la dimensión Vertical. Más adelante se insertaran automatizaciones en las pistas que sean necesario, en caso que en algunos pasajes de la canción se quiera más o menos intensidad de un instrumento determinado.

La melodía principal siempre está en primer plano, porque es el tema de una canción, y es lo que más nos interesa destacar, para el caso de una canción, generalmente la melodía principal la lleva la voz líder o voz principal, por lo que la voz principal siempre es la pista más importante de la mezcla y estará ubicada en el primer plano.

Durante una canción no siempre estará la voz llevando la melodía principal, es normal que en algún pasaje de la canción se suela cambiar este rol a otro instrumento para dar un poco de variedad, lo cual nos indica que en ese momento en primer plano deberá estar el instrumento que lleve la melodía.