5. La Generación del 27: características.
Autores y obras principales.
5.1. La Generación del 27: definición y
características generales.
En el año 1927, tercer centenario de la muerte del poeta Luis de Góngora, se creó en Sevilla un grupo de poetas que compartían unas características comunes y que se conocen como la Generación del 27. Hablamos de generación porque:
Todos ellos tenían edades similares trabaron amistad
eran liberales políticamente
tenían una gran cultura literaria y curiosidad intelectual.
Su origen familiar era acomodado,
participaron en acontecimientos culturales (tricentenario de Góngora),
colaboraron en revistas como La Gaceta Literaria,
Revista de Occidente.
Solían reunirse en la Residencia de Estudiantes (Lorca-Dalí-Buñuel), y a veces también en el Centro de Estudios
Históricos. Compartían el afán de modernizar la poesía, tomando como maestros a Juan Ramón Jiménez y a Ortega y crearon un lenguaje generacional compartiendo su admiración por lo clásico y lo moderno.
Son Alberti, García Lorca, Jorge Guillén, Dámaso Alonso, Gerardo Diego, Pedro Salinas, Aleixandre y Cernuda.
Los poetas de la Generación del 27 aportaron a la poesía nuevas imágenes y metáforas de tipo irracional, y
nuevos tipos de verso. Los poetas del 27 sienten
predilección por los movimientos estéticos de vanguardia, pero no niegan ni rechazan la literatura anterior. Por ese motivo, aúnan en sus obras la tradición de la literatura con el Vanguardismo.
Influencias
Tradición: líneas popular y culta
Heredan formas y motivos temáticos propios de la lírica popular (Cancionero y Romancero tradicional) y de la culta (Garcilaso de la Vega, San Juan de la Cruz, fray Luis de León, Jorge Manrique, Luis de Góngora, Lope de Vega…).
Del XIX, les llega la influencia de Bécquer, perceptible en todos ellos. (Alberti en Sobre los ángeles incluye un hermoso “Homenaje a Bécquer”. Y un verso de las Rimas sirve de título a un libro de Cernuda: Donde habite el olvido).
Renovación: línea vanguardista
Con la adopción de formas vanguardistas desaparecen las medidas, las pausas… el ritmo de las composiciones se logra mediante procedimientos como la repetición de ideas y de estructuras paralelísticas.
Se emplean formas métricas innovadoras como el verso libre, el versículo, el verso blanco, el caligrama, el collage… Los nuevos asuntos temáticos se relacionarán con el mundo moderno: la bombilla, el automóvil, el radiador, el cine, el deporte.
Estilo y afinidades estéticas
Se comprobará al estudiar las trayectorias personales de los autores una gran variedad de estilo, pero cabe observar en ellos gustos y estéticas comunes.
Es digna de admiración su tendencia al equilibrio es decir, a la originalísima síntesis entre ciertos polos entre
los que se había debatido la poesía española de los últimos lustros:
1) Entre lo intelectual y lo sentimental: Se les acusó de intelectualismo y lo cierto es que la emoción será
refrenada, y trascendida, estructurada por el intelecto. No son tan sentimentales como los románticos ni tan
conceptuales como las vanguardias.
2) Entre una concepción cuasi-mística de la poesía y una lucidez rigurosa en la elaboración del poema: En las poéticas de la Antología de G. Diego abunda la idea de la poesía como algo inexplicable, trascendente, demiúrgico (el creador es un Dios que crea poseído por la poesía). Pero también destaca igualmente la exigencia de creación lúcida, de rigor técnico y de trabajo bien hecho.
3) Entre la pureza estética y la autenticidad humana: Es cierto que estos poetas ponen la Belleza por encima de todo como Juan Ramón. La preocupación por la
autenticidad humana irá en aumento con los años, pero no se abandonará la exigencia estética.
4) Entre lo minoritario y la "inmensa compañía": El imperativo de selección de estos poetas hace que su obra confine con un arte de minorías, pero ninguno de ellos suscribiría el conocido lema de Juan Ramón cuyos poemas alternan hermetismo y claridad. Salinas pensaba que la faena del poeta es hacer comunicable a otros la
y convivencial. Si hay algo común a las trayectorias de todos ellos, sería el tránsito del "yo" al "nosotros".
5) Entre lo universal y lo español: El poeta y crítico Enrique Díez-Canedo afirmaba que la obra de los poetas jóvenes de España significa el ponerse a tono con la poesía universal.
Temática
El amor: se concibe como una fuerza que da sentido a la vida, quebranta la soledad del ser humano y le permite elevarse sobre el mundo precario en que vive, pues cuando una persona ama alcanza la plenitud.
Inquietudes íntimas: el enfrentamiento entre los deseos del ser humano y la realidad que lo rodea provoca una serie de incógnitas sobre el destino, la condición humana, las frustraciones, la angustia de la existencia…
Etapas
ETAPA I (la juvenil)- hasta 1927-.
De un principio, se muestra la influencia de Bécquer, y Rubén Darío; más tarde la poesía de Juan Ramón Jiménez los orienta hacia una "poesía pura". La influencia de Ramón Gómez de la Serna y de las vanguardias
(creacionismo y ultraísmo) encauzaron algunas obras hacia una poesía deshumanizada.
Paralelamente, el anhelo de perfección formal desemboca en el fervor por Góngora.
ETAPA II –de 1928-1936- (la de la madurez). La influencia surrealista "rehumanizó" la lírica, expresando la angustia y la rebeldía del poeta.
Ha comenzado —dice Dámaso Alonso— una nueva época de poesía española: época de gritos, de vaticinio, o de alucinación, o de lúgubre ironía. Una época de poesía trascendente, humana y apasionada.»
Señalemos unas fechas significativas: en 1930, el novelista José Díaz Fernández publica un ensayo titulado El nuevo Romanticismo, en que, frente a una «pureza» caduca, propugna una vuelta a lo humano y «un arte para la vida».
ETAPA III (la final) (a partir de 1939).
Tras la guerra civil española, el grupo prácticamente se disolvió debido al exilio de algunos poetas (excepto
Aleixandre, Dámaso Alonso y Gerardo Diego) y al asesinato de otros, como Lorca.
5.2. Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego,
Vicente Aleixandre y Dámaso Alonso:
características y obras principales.
Pedro Salinas (1891-1951)
propio grupo del 27. Las obras más destacadas de su primera etapa son Presagios (1923) ySeguro azar (1929) Se aprecia en ellas la influencia de la poesía pura de Juan Ramón y el gusto por los temas futuristas, pero
impregnados por la sensibilidad del poeta, En la segunda etapa se sitúan sus mejores obras: La voz a ti debida (1933), Razón de amor (1936) El tema predominante en ellas es el amor, el poeta muestra este sentimiento como algo alegre y vital, inherente al ser humano, pero también como un sentimiento angustioso ante la pérdida o la separación de la amada.
Jorge Guillén (1893-1984)
Se le considera el poeta más puro e intelectual, el más fiel a la poesía desnuda de Juan Ramón. Su poesía parte de la realidad circundante para depurarla y estilizarla hasta la esencia misma del concepto.
Cántico (su principal obra, que recoge poemas escritos a lo largo de 30 años, 1928 y 1950), muestra de forma clara y desbordante la alegría del hecho de estar vivo.
Gerardo Diego (1896-1987)
Aunque es difícil clasificar su obra, por su eclecticismo y su variedad temática, se suelen distinguir dos etapas. La primera, denominada de poesía relativa, que agrupa la poesía tradicional, caracterizada por el empleo de formas clásicas como el soneto o el romance, y que incluye obras como Versos humanos (1925). La segunda etapa, de poesía de vanguardia, incluye poemarios de corte vanguardista
caracterizados por el verso libre, la ausencia de puntuación o recursos gráficos. Los poemarios más importantes son Imagen (1922) y Manual de espumas (1924).
Vicente Aleixandre (1898-1984)
Su visión del mundo se apoya en tres pilares: el amor, la naturaleza y la muerte. Suelen señalarse tres etapas en su trayectoria, relacionadas con sus influencias y sus
inquietudes. La primera incluye Pasión por la tierra (1929), su primera obra surrealista. Otros títulos
importantes son La destrucción o el amor, y sobre todo Sombra del paraíso, en la que la muerte y el amor se contraponen como aniquilación del ser humano
En su segunda etapa trata del ser humano y su mundo, especialmente el transcurrir de la existencia, por lo que adquiere importancia el tiempo y su circunstancia. Las principales obras son Historia del corazón (1954), En un vasto dominio (1962) y Retratos con nombre (1965). En su tercera etapa utiliza la poesía como meditación sobre su trayectoria vital y, en algunos poemas, se retoman procesos surrealistas utilizados en su primera etapa. A esta etapa pertenecen Poemas de la consumación (1968) y Diálogos del conocimiento (1971).
Dámaso Alonso (1898-1990)
entero el enorme contenido mitológico y estético de la obra del cordobés.
Su obra se divide en dos etapas. La primera muestra la influencia de Juan Ramón Jiménez y de Antonio Machado en obras como Poemillas de la ciudad (1921) o El viento y el verso (1925).
Con Hijos de la ira (1944) comienza la segunda etapa. Esta obra es un grito de rebeldía contra la situación del hombre y del mundo. En dilatados versículos, con un lenguaje abrupto y violento, que incluso da cabida a lo vulgar a veces, protesta por el espectáculo del mundo en el que los hombres no son más que muertos en vida entre los que resulta imposible la comunicación.
5.3. Rafael Alberti, Luis Cernuda y Federico
García Lorca: características y obras principales.
Rafael Alberti (1902-1999)
Su poética giro en torno al tema del paraíso soñado representado en el mar y el amor, aunque también tienen cabida el dolor, el conflicto espiritual o el destierro. Su primera obra obtuvo el Premio Nacional de Poesía: Marinero en tierra (1924).
Cal y canto (1929) manifiesta la influencia vanguardista, especialmente futurista en poemas como “Madrigal al billete de tranvía”. Se aprecia además el lenguaje culto y barroco de influencia gongorina. Su obra cumbre, Sobre los ángeles (1929) revela el conflicto espiritual del poeta
en torno a temas como el amor, la ira, el fracaso o el desconcierto. El poeta en la calle (1936) y De un momento a otro (1938) pertenecen a la poesía social en la que el autor se revela como poeta revolucionario, línea que mantiene en Entre el clavel y la espada (1941), aunque en un tono más nostálgico del pasado vivido.
En su estilo destaca la variedad, es capaz de combinar lo culto, lo tradicional y popular, lo vanguardista… Abundan las anáforas, las figuras de significado con matices
cromáticos, las imágenes surrealistas y el verso libre.
Luis Cernuda (1902-1963)
Su obra está marcada por su carácter hipersensible y por su homosexualidad, que explica su aislamiento y rebeldía, debido a la incomprensión de la sociedad de la época. La realidad que le tocaba vivir chocaba con sus deseos y sus sueños, y de ese conflicto nacen los temas de su poesía: soledad, frustración, infancia eterna, ansia de belleza, paso del tiempo y muerte, y sobre todo el amor como
autor se enfrenta al mundo con la elección de un amor prohibido y no aceptado. Con un estilo más sereno y personal escribe, entre 1932 y 1935, Donde habite el olvido, sobre el amor como experiencia dolorosa. En 1936 publica La realidad y el deseo, obra que incluye algunos de los libros anteriores y algunos más. Su última etapa, la del exilio, se caracteriza por la angustia vital del poeta, así como por la desilusión y la nostalgia debido a su situación personal. Como quien espera el alba (1944) o Con las horas contadas (1950-1956) son obras representativas de esta etapa.
En cuanto a su estilo, evita las rimas marcadas, prefiere el verso libre, combinado con estrofas tradicionales. Su poética está plagada de símbolos e imágenes de muy variada índole.
Federico García Lorca
Nació en Fuente Vaqueros (Granada) en 1898. Estudió en Madrid y vivió en la Residencia de Estudiantes, donde conoció y se relacionó con personajes de las artes
españolas como Juan Ramón Jiménez, Dalí, Buñuel, Falla, además de otros poetas de su generación. En 1929 viajó a Nueva York como becario, hecho que le marcó
profundamente. Se dedicó al teatro y a la literatura hasta su fusilamiento al comienzo de la Guerra Civil. Aquí nos centraremos en su obra poética.
Lorca comenzó a escribir tanto en prosa como en verso desde muy joven. Hay, en su producción juvenil, mucho de
tópico literario próximo a las sensibilidades romántica y modernista, es igualmente evidente la deuda, en las formas, con esas tradiciones literarias. Pero apuntan ya también preocupaciones particulares del propio Lorca: acérrimo adversario del nacionalismo patrio, del dios judeocristiano y de la Iglesia como institución.
El primer libro de versos lo publica en 1921: Libro de poemas. Se confirma en él la crisis juvenil por la que parece haber pasado el poeta: en sus versos son
característicos el desencanto y la desilusión, además de los temas centrales de su producción posterior: la frustración, el amor, la muerte, la rebeldía). Estilísticamente, se
advierten en él tanto la estética modernista (versos alejandrinos, motivos diversos...) como la neopopularista (romances, canciones, estructuras paralelísiticas...). No faltan rasgos de las vanguardias, muy en línea con el posmodernismo que por entonces quería moderar los excesos retóricos de los seguidores de Rubén Darío. Entre 1921 y 1924, García Lorca compuso varios libros publicados más tarde: Poema del cante jondo (1931), Primeras Canciones (1936) y Canciones (1927). Sus títulos revelan claramente su relación con la música. Y es que la presencia de la música, como inspiración, como motivo o como recurso estructural, es constante en la obra
frecuente la convivencia de lo popular con lo vanguardista. Así sucede en esos tres libros compuestos a principios de los años veinte. El Poema del cante jondo presenta los temas del amor y de la muerte, en el ambiente de una Andalucía trágica y legendaria, se expresan en versos cortos, asonantados o sin rima, en los que el ritmo popular no sirven, como en Alberti, de soporte a la gracia y a la ligereza, sino a la gravedad y a la densidad dramática. Las Canciones, bajo la apariencia del puro juego, esconden un sabio manejo técnico del ritmo popular, la introducción de ciertas innovaciones vanguardistas y el habitual universo lorquiano.
Entre 1924 y 1927 escribe su Romancero gitano, libro con el que alcanzará enorme fama. Más allá, sin embargo, de la popularidad alcanzada es una obra cumbre de la poesía lorquiana. Se dan cita en él la tradición más culta, la audacia vanguardista y, por supuesto, los ritmos y técnicas poéticas más populares. El gitanismo, el andalucismo y un supuesto folclorismo fácil esconden, en realidad, una visión del mundo y de la vida de los hombres en clave mítica, toda ella marcada por un destino trágico del mejor sabor clásico. Contra él se estrellan unos seres que llevan una frustración de siglos y que sólo esperan una muerte inevitable.
Y aunque, desde luego, el hecho de sumergirse en la sustancia de tiempos inmemoriales tiene una directa tiene una directa relación con la atracción por mundos
primitivos tan característica del Romanticismo y del Modernismo, no existe en Lorca deseo alguno de evasión
ni añoranza de paraísos perdidos, sino angustia ante una realidad que parece haber sido hostil, desde siempre a las fuerzas de la vida. Hay en todo ello, por tanto, un directo reflejo de las obsesiones personales que alcanzan
trascendencia universal a través de unos personajes, los gitanos, históricamente marginados. Historia y mito se funden.
En este mundo mítico lorquiano logra especial fuerza el uso de diversos símbolos, reiterados a lo largo de toda su obra: la luna, la sangre, el agua, el caballo, los metales, las hierbas y las flores. Estos símbolos proporcionan un halo de misterio y un poder de sugerencia que dan a su poesía esa dimensión de trascendencia en la que siempre nos queda algo por conocer.
Los poemas que compuso Lorca en Estados Unidos (1929-1930) no se publicaron en vida del poeta. Los editó José Bergamín en México, en 1940, con el título de Poeta en Nueva York. Son fruto de una aguda crisis personal y de una sensibilidad social que da lugar a una crítica acerada a la deshumanización, la pobreza y la insolidaridad
otro con el que identificarse. La influencia del movimiento surreralista se advierte en la libertad expresiva, en la desinhibición erótica, en la utilización de imágenes
visionarias y metáforas audaces y alucinantes. No se trata de escritura automática. El sentido general no se pierde nunca y la composición del poema está siempre regida por un armazón lógico.
El Llanto por Ignacio Sánchez Mejías (1935) es una elegía que combina la tradición popular y la culta tanto en metros como en los demás recursos técnicos para plasmar con acierto la desolación del poeta por la muerte del torero amigo.
La última obra poética importante de Lorca son los
Sonetos del amor oscuro (1935-1936), en los que combina un tema tabú con las formas clásicas.
Su estilo se manifiesta en un dominio de la técnica creativa que mezcla diversas tendencias en una estética muy
personal. Hay una simbología presente en toda su obra: la luna, la sangre, los caballos, los colores (sobre todo el verde)… tienen unos significados connotativos asociados a la vida, la muerte, el erotismo, la fertilidad, etc. Las
