Pensamiento propio a través de la pintura El Sonido del Resorte en el Vacío
Reproducido en bucle
Texto para optar al título de Maestro en Artes Visuales Pontificia Universidad Javeriana
Facultad de Artes Visuales Asesor de trabajo de grado:
Camilo Antonio Calderón Sánchez Bogotá, 2019
4
“El arte es algo que sale desde el interior de uno hacia el plano físico. Y al mismo tiempo es solo una representación de tu interior, en una forma diferente. Por eso para mi el arte es solo una manera de pensar. Solo hay que dejarse llevar por el viento, para la dirección que él quiera, y las cosas cobran sentido después.”
Kiki Smith
Indice:
7-19 Mi mirada
20-23 La pintura como forma de pensar 24-31 Proceso 2018
32-45 Atmósfera 46-59 Proceso 2019 57 Conclusiones 58 Bibliografía
6
Introducción
Hay una relación muy intrincada entre mi hacer y como transito mi cotidianidad, donde la pintura es un lenguaje ideal para explorar las relaciones sensibles que se producen en mi vida y así comunicar ideas a través del arte.
Con este texto busco tener un reconocimiento de mi obra, reflexionando sobre mi propia práctica, a partir de una mirada retrospectiva, que conecto con la creación de dos nuevas propuestas pictóricas.
El proceso en mi obra se ha vuelto importante, gestándose desde el hacer, de una manera muy orgánica, mediante una serie de decisiones y relaciones, consientes e inconscientes, que generan nuevas formas de sentido y finalmente constituyen lo que es la obra.
Mi mirada
8
Recuerdo que encontrar este objeto, abandonado en algún lugar de mi casa, me emocionó. El interés que me produjo fue debido a sus colores y forma, al observarlo, visualicé la imagen de la figura
inmersa en la oscuridad. Teniendo clara la imagen, inicié la pintura. Primero, armé la escenificación en un cuarto oscuro, luego le tomé varias fotografías en muchas posiciones y bajo diferentes condiciones de luz, todo buscando la imagen que más se acercara a la que tenia en mi mente.
Esta, al ser una de mis primeras pinturas, fue díficil de hacer, tanto así, que dentro de mi falta de
conocimiento técnico y mi intención por empezar a explorar las posibilidades del óleo, tomé decisiones que consideraba favorables, sin tener en cuenta, como estas tienen la capacidad de comunicar.
Esta imagen es importante, porque a través de ella empecé a tener una forma de operar que he mantenido en mi práctica, al mismo tiempo empecé a conocer las posibilidades del óleo desde una relación práctica.
Tren, 2015, Óleo sobre madera
10
Tirada en medio de la calle, con el cuello quebrado, la cabeza colgando y sus ojos rotos, incluso untada de barro. Allí encontré a esa muñeca, la cual me inquietó, evocándome algún tipo de relato. Al recogerla la lleve a mi casa, donde la limpié y opté por pintarla de blanco como si fuera una especie de
purificación. Es interesante como coexistiendo con otras cosas ha empezado a producir diferentes tipos de relaciones, por ejemplo, ha entablado un diálogo fuerte con una silla de mi casa que está pintada de uno de los tantos verdes que me recuerda a mi abuela. Este tipo de asociaciones sensitivas van
creciendo con el tiempo.
Aunque mi interés inicial es volver imagen lo que veo y me preocupa cuando no tengo algo que pintar, busco que tanto mi tránsito en la vida como en el arte fluya de forma natural. Hay cosas que en
principio no tienen cualidades para ser pintadas, pero con las cuales decido convivir... Puedo observar esta cabeza de bebé varias veces durante el día, tengo que concederle su propio tiempo, dibujarla, examinarla, puedo tardar el tiempo que sea necesario. Tal vez nunca la pintaré, lo importante es encontrar un punto de intersección ideal, donde las relaciones entre cosas sean casi inseparables.
Mi trabajo está en constante transformación, y durante el proceso la pintura siempre está presente.
Registros fotográficos, Cabeza de bebé 2017-2018
De nuevo me cruzo con otro cadáver en la calle, debo fotografiarlo... Pienso lo efímera que es la vida.Tengo que encontrarle un sentido, hacer algo útil con ella.
Mi archivo de animales muertos está empezando a crecer, algo saldrá de aquí…
14
Al extraer el detalle de un foto y verlo como fragmento separado, este cobró un nuevo sentido, la imagen se cargo de valores en términos de color y luz, intensificando mi deseo por pintarla.
Al hacer la pintura, esta se transformó totalmente. Puedo ver una gran diferencia entre mi pintura y la fotografía que tomé de referencia.
Para mi, el uso de la fotografía es importante, ya que es un recurso mediante el cual puedo tener una relación mas íntima con las cosas que me interesan y que posteriormente decido pintar. Hay instantes muy fugaces, momentos únicos en el tiempo o que pasan desapercibidos, que resultarían imposibles de pintar desde el natural.
Garra de rata, 2016, Óleo sobre madera
16
En uno de mis recorridos por la ciudad, encontré el depósito de un refrigerante de un carro. Es curioso como incluso en un automóvil puedo ver cosas interesantes.
La realización de la pintura se dio desde una serie de decisiones intuitivas que fueron apareciendo durante la marcha, desde la selección de la superficie la cual familiaricé con el motivo, como la
composición, en la que apareció un plano de color azul, y que posteriormente me llevó a utilizar nuevas herramientas como la espátula.
La Ficción, 2017 óleo sobre papel
18
Revisando un libro de patologías médicas, encontré la imagen de un niño con la enfermedad de displacía ectodérmica, la cual se caracteriza por una serie de anomalías faciales. Otro día, navegando en internet, vi la imagen de una niña con el cuello roto, hipertelorismo y una deformidad en la nariz.
El encuentro con estas dos imágenes me produjo una especie de empatía la cual no puedo describir con claridad y que sucede particularmente con las personas que decido retratar.
De nuevo, al igual que en la realización de la pintura la ficción, el proceso se fue dando a medida que pintaba, aparecieron así, nuevos colores e incluso otros elementos como las márgenes y el uso de nuevas herramientas como la cinta. Algo muy significativo en estas imágenes, que son más recientes que las anteriores, es como empecé a utilizar el óleo, superponiendo capas y generando más carga y textura, algo que me resultó muy interesante.
Niña Yogurt, 2018 óleo sobre madera Spring 2018 óleo sobre papel
20
“Hablar sobre la pintura no es sólo difícil. Sólo es posible expresar con palabras lo que las palabras pueden expresar, lo que el lenguaje es capaz de comunicar. Y la pintura no tiene nada que ver con eso. Eso incluye la típica pregunta: ¿En qué estabas pensando? No puedes pensar en nada: la pintura es otra forma de pensamiento. Lo que me interesa en general, y esto también se aplica a la pintura es aquello que no entiendo. Ocurre eso con cada pintura: no me gustan las que puedo entender.”
Gerard Richter
La pintura como forma de pensar
22
Me gusta pensar, que cada una de mis pinturas hacen parte de una misma imagen que estoy
desarrollando con el tiempo, sin embargo, aunque todas estan relacionadas, también tienen diferencias que se vuelven significativas, por esta razón tuve que seleccionar un conjunto de imágenes que tuvieran mayor cantidad de rasgos afines. Desde ahí logré identificar tres instancias en mi obra: primero,
tengo una forma de operar que inicia desde mi habitar cotidiano, donde me encuentro con cosas, por lo general objetos los cuales luego fotografío para tenerlos como referencia al hacer una pintura. Este escenario inicial del proceso lo comparo con lo que Deleuze en “Pintura, el concepto de diagrama”
llama momento pre -pictórico, el cual sucede antes de pintar, trasciende el cuadro pero necesita de él para suceder. Esto además es algo muy significativo ya que representa la conexión entre mi vida y el hecho de pintar. Segundo, al tratar de describir mis propias pinturas, me di cuenta de lo difícil que me resulta suscribirlas a algún concepto o tema específico, ya que surgen a partir de encuentros vivenciales e improvistos, entonces, los conceptos en gran medida se vuelven abstractos, relativos para poderlos concretarlos y terminan cayendo en un terreno interpretativo. Por ende, atribuirles algún tipo de discurso pareciera ser ilustrativo o un argumento justificatorio. Tercero, hay una importancia en el acto de pintar, ya que es un espacio que me abre la puerta para entablar una serie de
relaciones de todo tipo, tanto así que el hecho de pintar se puede decir que se vuelve el tema.
Deleuze en su libro ¿Qué es la filosofía?, propone que el concepto no tiene nada que ver con el arte, ya
que es un objeto filosófico, y dice que su equivalente en el arte es lo que el llama perceptos y afectos, que es una estructura distinta. Esto quiere decir que la pintura como arte tiene la capacidad de reflexionar sobre sí misma. Desde este principio, me identifico como alguien que a través de esta práctica y hábito, se relaciona con el mundo de una cierta manera, a través de la pintura se crean puentes que hacen que establesca ciertas relaciones con las cosas y las comprenda de una cierta manera, qué las hace totalmente particulares. Lo que sucede cuando pinto, no son cosas que pueda catalogar diferenciar y definir de una manera completamente objetiva, pero es donde la imagen sufre la principal transformación, esto debido a una cantidad de variables, como lo son la selección del soporte, los colores que elijo, las manchas, los trazos, las herramientas que uso y como las uso, entre muchas cosas más. En este sentido, más allá de un motivo, el cómo lo pinto, esta comunicando mucho, a través de elementos esencialmente pictóricos. Sin embargo, el motivo sigue estando presente y es importante, por lo tanto, lo he identificado como un elemento que actúa como detonante para la creación de la pintura y se convierte por así decirlo en un depositario de lo que sucede al pintar, transformándose en lo que seria la obra.
Al aclarar una forma de operar, he identificar la importancia del hacer y la figura en mi proceso, empecé la realización de nuevas pinturas.
24
Proceso - 2018
Teniendo en cuenta que mis imágenes se van transformando durante el proceso, decidí preparar una tela (lona costeña), sin bastidor y de una medida de 1m x 1.50 m, para así tener una exploración desde el formato.
Mi primer encuentro se dio con la bandera de Colombia, la cual estaba tirada en el piso, enrollada y cubierta de polvo, al lado de una colchoneta azul. Todo este conjunto de objetos me interesaron, sin embargo, no como acontecimiento para ser pintado. Semanas después, estos objetos reaparecieron dispuestos de otra manera, la bandera estaba desplegada sobre la colchoneta en otro lugar donde la luz natural irradiaba con fuerza, generando sombras, volúmenes y relaciones de color, cualidades que vi interesantes para explorarlas a traves de una pintura. Al ver esto, empecé a mover la bandera con cuidado, generando nuevas formas y pliegues tratando de mantener su forma espontána, mientras la fotografiaba.
Después de seleccionar la imagen, comencé a pintarla. El desarrollo surgió de nuevo, a modo de dialogo, fui pintándola mediante superposición de capas, y mientras avanzaba, esta, me sugirió abordarla con mayor carga de material, un rasgo que quedó principalmente en las zonas de luz y sombra. Por esta razón, si antes estaba utilizando un medio, ahora pasé a poner el pigmento tal cual sale del tubo. Este aspecto incidió en el tiempo de la elaboración ya que el uso del oleo puro, se tarda más en secar.
26
Bandera, 2018, óleo sobre tela 37 x 40cm
Mientras caminaba por el barrio, me crucé con el cadáver de un pájaro, el cual recogí y lleve a mi casa.
Teniendo como referencia el lugar en el que encontré la bandera y lo que este me aportaba, lo situé allí mismo, sin embargo, el impacto de la luz no llegó a ser similar, entre otras cosas, en ese mismo lugar había una manta de un color azul que me recuerdó a mi mamá, este fue el momento específico para utilizarla, así que coloqué el pájaro sobre esta y le tomé alrededor de 160 fotografías, las suficientes como para asegurarme de conseguir la imagen que quería, además tuve que tener en cuenta que no podía tener al ave mucho tiempo ya que estaba en descomposición.
Esta nueva pintura, se sumó a la que ya había empezado, así que se puede decir que las realice casi de manera simultánea, tanto así, que entre ellas, se fueron comunicando. El aprendizaje y la experiencia que tuve con una imagen fueron reflejados también en la otra.
Continuando con el proceso, en las dos pinturas el color se apoderó del espacio, eliminando las
sombras, arrugas y pliegues de la colchoneta y la manta, al mismo tiempo estas zonas se enriquecieron de matices. El volumen, el contraste, la luz y la sombra fueron configurando las imágenes, tambíen la suma de huellas dejadas por el pincel, que le atribuyeron una textura que las hizo más visible y táctiles.
Además, retomando el tema de la superficie, al retirar las cintas que delimitaban las imágenes, y recortar la tela, está, se sumó a la composición quedando con márgenes en la parte superior de 4cm, laterales de 1cm y un espacio inferior de 11.5cm.
28
Pajaro, 2018, óleo sobre tela, 34 x 35cm
Estas dos pinturas adquirieron unas características por así decirlo objetuales.
Un día, cuando mi hermano pasaba por mi lado y vio la pintura de la bandera, me comento como una zona le parecía similar a la textura del cemento, esto fue muy grato para mi, ya que este tipo de
asociaciones me parecen muy interesantes y denotan la capacidad que tiene el material de comunicar y conectar con imaginarios y sensaciones propios.
Es fascinante ver en una pintura similitud con la textura de la comida, o cosas como compuestos orgánicos y químicos.
Varias semanas después, en mi casa, en una tarde encontré fascinante lo que iba a comer, se trataba de un plato algo inusual.
Con base a las experiencias adquiridas en las dos pinturas anteriores respecto a los materiales y unas intenciones referidas al modo en que estaba pintado, aborde esta nueva imagen.
Establecí que si bien, la tela haría parte de la composición, no seria algo planificado y el mismo avance de la pintura lo comunicaría. Empecé a cargar la imagen con materia desde el principio, sumando la utilización de nuevas herramientas como pinceles endurecidos, espátulas y trapos.
Esto, me permitió articular estos primeros gestos con nuevos que vendrían en las capas superiores. Por otra parte, para la preparación de la superficie, opte por un color rosa referido por el vaso.
30
Luego continúe poniendo el color a modo de veladura y a medida que avanzaba le aplicaba más carga de pigmento. La imagen fue configurándose a través del vinculo entre gestos abstractos con formas figurativas. Por otra parte mi preferencia por brochas grandes, respondía a una búsqueda de síntesis del color y una solidez de las figuras. El color se fue hacia un rojo apagado que se divididó en áreas con cambios leves de matices y apoderándose del espacio eliminó la figura del borde de la mesa y su color, el color de fondo inicial, reapareció como un gesto, al no ser totalmente cubierto en todas las zonas de la imagen.
La cena, 2018, Óleo sobre tela, 35 x 44cm
32
“El pintor debería pintar no solo lo que se encuentra frente a él, sino también lo que se ve en su interior. Si no logra ver nada, debería dejar de pintar lo que se encuentra frente a él.”
Caspar David Friedrich
Atmósfera
34
Las tres pinturas anteriores, al ser desarrolladas en un mismo periodo de tiempo y bajo una mismo proceso, que como dije anteriormente, siguiendo a Deleuze, pertenece al cuadro, fueron pintadas de un mismo modo, donde el motivo se transformó desde aspectos propiamente pictóricos y esta
transformación no significó una transgresión de la representación sino el reflejo de una subjetividad.
Las tres imágenes entraron en diálogo como conjunto y me permitieron reconocer unas características comunes. Las figuras están re contextualizadas en un primer plano, a través del color están suspendidas en el tiempo en un lugar que no es muy concreto, por tanto se podría decir que hay una atemporalidad, por otra parte, tienen cierto grado de ambigüedad, pues no hay una narración o acción clara referida, y hay un estatismo en las tres figuras.
Desde aquí he reflexionado sobre una intención que tengo y que une todas estas características, la cual consiste en dejar la imagen lo suficientemente abierta. Esto lo comprendo desde dos instancias, como espectador y como creador, como espectador, cuando veo una propuesta artística que toca mi
sensibilidad, lo último que hago es buscarle un significado y menos si se entiende como legítimo o demasiado literal, en cambio, busco observarla atentamente y vivirla desde mis imaginarios propios.
Lo mismo sucede como creador, lo que busco con mis pinturas es sugerir, interesado en que la experiencia del espectador sea abierta, dándole rienda suelta a su propia subjetividad. De este modo, de lo que se trata es de una transacción de ida y vuelta entre la manifestación de una subjetividad en mí como autor, con una que sucede en el espectador, cuando este se relaciona con mis imágenes que he configurado de determinada manera.
Quien observa mis imágenes completa la obra, sin él, yo no hubiera pintado y entrado a un inconsciente colectivo, tampoco reflexionando sobre mi vida y mi entorno.
Pienso en el romanticismo, el cual dejó como herencia la búsqueda de la identidad individual, la libertad creativa, la disolución del yo y la modificación de la vida en vistas a un mundo mejor.
Desde estas intenciones, sumadas a las características de las pinturas: pájaro, bandera y la cena, me he empezado a interesar por términos como: silencio, vacío y tiempo, entendiéndolos como atmosferas.
A partir de todo lo anterior he encontrado algunos artistas afines: Edward Hopper, David Lynch, Luc tuymaans, Michael Borremans, Vija Celmins, , Andrew Wyet, Hammershoi, entre otros.
36
Vija Celmins, también pinta a partir de fotografías, incluso es catalogada como foto realista. Lo que me interesa de su trabajo, es como algunas de sus pinturas, que representan episodios de la guerra, algo presente en su vida, son re contextualizados a través de la gama restringida en que utiliza el color. Por medio de tonalidades altas, crea una dicotomía visual, proponiendo una actitud de paz y meditación respecto al tema. Así, la pintura es un medio de reflexión fuerte para ella.
Su trabajo me transmite una atmósfera de silencio y sus espacios parecen atemporales por lo cual, se puede decir que la imagen visualmente permite evocar un relato abierto.
TV, 1964, Vija Celmins, 2015, Óleo sobre lienzo
38
Luc Tuymans, tiene una estrategia de trabajo muy clara. Pinta cada imagen en una sola sesión, utiliza fotografías ya existentes y las reinterpreta. Él ha estado involucrado con el cine, por lo cual trabaja con planos cinematográficos.
Al igual que Vija Celmins, trabaja con una escala de tonos altas, sus pinturas son pálidas y con bajo contraste, generando cierto grado de sugestión. Por otra parte, sus obras refieren temas políticos y sociales. Inicialmente se puede decir que son pinturas ambiguas, sin embargo, cuando expone presenta grupos de pinturas que están enlazadas de una manera no tan comprensible temáticamente, donde el contexto es importante y el espectador a medida que observa va identificando conexiones entre elementos y tejiendo significados.
Bedroom, Luc Tuymans, 2014, Óleo sobre lienzo
40
Nighthawks, Edward Hopper,1942, óleo sobre lienzo
Me parece muy interesante como Edward Hopper, por medio de sus cuadros, crea una atmósfera de soledad, vacío y tiempo detenido. En el cuadro Nigthawks o Halcones de la noche, presenta una escena muy intimista, con varios personajes juntos, reflejando la condición humana, las crisis de su época al estar inmerso en el vacío de la existencia. Algo muy importante en su trabajo es la influencia mutua que tiene con el cine.
42
Rabbits, David Lynch 2002
Algo muy interesante de David Lynch es como el proceso de su trabajo se hace importante a partir ideas que van creciendo durante el camino sin una búsqueda de certezas, abriendo espacio a múltiples posibilidades. Al igual que muchos otros directores ha sido influenciado por Edward Hopper, entre otras cosas por su paleta de color. Me resulta muy atrayentes sus películas, en las cuales cada fotograma parece cobrar un significado propio y es comparable a una pintura individual.
44
Michael Borremans crea escenarios similares a los planos cinematográficos, con atmósferas cargadas de suspenso, donde sus personajes se encuentran en una actitud de aparente emancipación, realizando acciones triviales de la cotidianidad contemporánea, aunque otras mas escenificadas, que parecen no tener mucho sentido y generan ambiguedad, lo cual permite que quien las observe se
relacione desde imaginarios propios.
The Devil´s Dress, Michaël Borremans, 2011
46
“Dar a lo corriente un sentido sublime, a lo cotidiano una apariencia misteriosa, a lo conocido la dignidad de lo desconocido, a lo finito un semblante infinito”.
Novalis
Proceso 2019
48
Continuando con mi proceso que se da desde el hacer, de forma vivencial y a partir de una secuencia de pasos importantes, y aclarando unas intenciones, desde unos resultados de exploración con el material como puente de sensaciones, empecé una nueva propuesta pictórica.
Esta vez, tuve un encuentro con una fotografía de mi álbum familiar en la cual estoy con mi hermano mayor celebrando mi primer cumpleaños. De nuevo, esta imagen actuó como detonante y trajo a mi mente una escena específica, la figura del pastel inmersa en un espacio oscuro, una nueva imagen que ahondó mi mente por varias semanas. Finalmente, inicié a partir de un boceto de 27.5 cm x 14 cm. Este fue muy importante ya que me comunicó varias desiciones técnicas e ideas.
Inicialmente las figuras que quería quitar, reaparecieron a través de manchas abstractas, sin embargo, al observar la imagen durante varios días pude definir que finalmente no estarían en la pintura que haría.
Pintar se tornó como una situación mas íntima de lo habitual y tuve una sensación de que el cuadro se expandiría. Estos dos aspectos me hicieron ver la oportunidad para optar por un formato grande y hacer dos imágenes más. Respecto al formato grande, Rothko dijo “Pinto imágenes muy grandes porque quiero crear un estado de gran intimidad”. Pienso que realmente el formato grande abre esa posibilidad de generar una situación más envolvente y dramatizada que propicia que el espectador pueda vivir los cuadros de una forma mas corpórea y realista. Por otro lado, respecto a las tres pinturas pensé en los retablos del renacimiento y en algunas pinturas que tengo presentes en mi mente: El jardín de las delicias del Bosco, Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión de Francis Bacon, Guernica de Picasso o el primer tríptico de las pinturas negras de Rohtko.
50
Boceto - pintura central, Pastel
Al tener la primera pintura clara, las otras dos imágenes vinieron después. Revisando de nuevo mi álbum familiar, encontré otra fotografía similar, también de una celebración de cumpleaños, esta entró en relación directa con la primera. De nuevo sacaría a los personajes haciendo foco en el ponqué y sus rebanadas, creando una atmósfera que se uniría a la primera imagen, formando juntas una
escenificación, con los rasgos e intenciones que he tenido en terminos de atmósfera.
Un tercer encuentro vino después a través de los árboles que reflejados en las paredes de mi casa, me sugirieron formas similares a las moscas, con las cuales ya había trabajado anteriormente en otros proyectos. Así me puse en la tarea de conseguir muchos de estos insectos y fotografiarlos, tomando alrededor de 500 fotografías. Por alguna razón esta imagen conectaba con las otras dos, creo que en relación a la cantidad de figuras, donde el primer cuadro solo tiene una y las imágenes laterales presentarían varias.
Luego de hacer relaciones y pruebas de escala, definí que mis cuadros tendrían unas medidas de 159 x 90cm para la pintura del medio y 148 x 97cm para las dos laterales.
52
Registros fotográficos del proceso . Celebración
Estas pinturas se han tornado como un proceso largo, con las que he entablado un diálogo constante y aun siguen en desarrollo. Enfrentarme al gran formato me obligó a ser más estratégico, tener una metodología y mayor control con el pigmento.
El proceso inició desde una elvoración más consiente, que luego me llevó a preparar tablas cromáticas, para ver el comportamiento entre unos colores que me interesaron y preparar cantidades especificas.
He estado realizando las tres pinturas simultáneamente. Al comenzar a pintar, fui colocando capas de color, buscando darle carga de material a la superficie desde un principio, también concibiendo los colores como una parte fisiológica del cuadro.
Estos colores aunque se han ido cubriendo han empezado a reaparecer a través de márgenes en los bordes, todo está afectando la imagen constantemente... Mis imágenes mentales, lo que observo cuando habito mi espacio, la fotografía como objeto, absolutamente todo se hace información visual para el cuadro.
54
Actualmente las pinturas se han ido cargando de materia en zonas específicas.
Ahora estoy investigando sobre algunos pintores figurativos que entablan una relación plástica más directa con el material: Lucain Freud, Francis Bacon, Jenny Saville, Nicola Samori, Nicolas de Stael, Frank Auerbach, entre otros.
Las tres pinturas, están empezando a hablar desde sus características visuales.
Proceso y detalle - Celebración
56 Detalle, fotografías de referencia
Conclusiones
Este proyecto se gestó de una manera muy orgánica e intuitiva, así mismo se fue dictando la marcha. El desarrollo de una imagen me llevó a crear otra, formando una cadena de relaciones.
La propuesta visual que será expuesta, es el resultado de una serie de elementos que proponen una obra que da cuenta de mi mirada particular, presentando los resultados obtenidos en los procesos 2018 (Bandera, Pájaro, La cena) y 2019 (Celebración).
La pintura al ser un lenguaje anacrónico, conecta con toda una historia, además, involucra una gran cantidad de elementos que permiten infinitas posibilidades, creo que aquí radica mi interés, se trata de un aprendizaje constante, un aprender y desaprender. El arte tiene la capacidad de transformar. A través de la pintura he podido reflexionar sobre mi vida y comunicarme de una manera tal vez más acertada con el mundo que me rodea.
Este es un camino que empiezo a recorrer y con el cual me siento cada vez mas comprometido y contento.
58
Bibliografía
Guattari, Gilles Deleuze y Felix. ¿Qué es la filosofia? . Anagrama.
Deleuze, Gilles. PINTURA El concepto de diagrama. 1° Edición . Equipo Cactus.
Godfrey, Tony. La pintura hoy . Phaidon Press.
Wolf, Norbert. Romanticismo . Edited by Taschen. España.
Edwar Hopper, El pintor del silencio . Directed by Circa RQ. 2014.
Rodley, Chris, ed. David Lynch por David Lynch. Alba Editorial, S.L.
A Knife in the Eye. Directed by Guido De Bruyn. 2009.
Proceso, pintura de las moscas
