Índice Introducción……….. 2 Desarrollo……….. 3 Conclusión………. 6 Anexo………. 8 Bibliografía………. 9
Introducción
En el siguiente trabajo práctico se tomará como obra de análisis “Heyl Aprodite - an exquisite beauty” creada en el 200 a.C en la Antigua Grecia, en contraposición la obra de arte contemporáneo “Untitled #216” de Cindy Sherman de 1989.
Este breve ensayo intenta continuar la visión del trabajo práctico anteriormente expuesto “La otra Mitad”, donde se habló de la “ausencia” de mujeres artistas a lo largo de la historia, o en otras palabras, la falta de estudio de las mismas y también, la falta de una historia contada desde el punto de vista de las mujeres.
Inspirado en “Ways of Seeing” Episode 2 de Jonh Berger se analiza cómo a lo largo de la historia, el arte se encuentra en función a los hombres, sobretodo a la hora de hablar de obras donde quien se encuentra retratada o esculpida, es una mujer.
Desarrollo
El arte de la Antigua Grecia, y sobretodo la escultura, se destaca por la
representación realista de la figura humana y por los ideales de belleza que tenían de esta.
Se distinguen tres períodos: arcaico (hasta el siglo V a.C), clásico (siglos V y IV a.C) y helenístico (a partir de finales del siglo IV a.C).
El Helenismo (período donde se ubica la obra de análisis) comienza con un nuevo mundo político, organizado por Alejandro Magno. En este, los ideales de armonía y medida de la Grecia clásica se abandonan, y son sustituidos por nuevos valores. En escultura se inicia una era de realismo donde se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas, el dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos y la fealdad de monstruos o seres amenazadores a la belleza clásica (ej. el grupo de Laocoonte). Sin embargo en el período helenístico
encontramos alguna vez cierta nostalgia de los tiempos clásicos y se combina el arte de Fidias y Praxíteles, La Venus de Milo, que se encuentra en el Museo del Louvre, es el máximo ejemplo de esto. La obra The Heyl Aphrodite podría encontrarse dentro de este tipo de obras.
Esta Afrodita se presenta vestida, con una especie de bata, la cual parece haberse caído por su seno derecho, el material parece delgado y un tanto apretado, dejando notar los contornos de su cuerpo. La diosa está con la cabeza en ¾ perfil, opuesta a la dirección de sus manos y su cabello se encuentra recogido y coronado con una tiara.
En contraposición nos encontramos con Cindy Sherman y su obra. Ella es fotógrafa y directora de cine, nacida en 1954. Es una de las mayores representantes de la fotografía de posguerra, exhibió más de tres décadas en el MoMA de Nueva York. Sherman se utiliza a sí misma para representar los temas del mundo
misma quien aparece en sus fotografías, pero sin considerarlas autorretratos. En 2020 fue galardonada con el premio de La Fundación Wolf de las Artes.
La artista desarrolla apropiaciones de personajes, lo cual se convirtió en su marca de autora, creando escenas basadas en estereotipos femeninos tomados del cine, revistas, publicidad y artes. Le da una nueva mirada y cuenta la historia de mujeres en nuestras sociedades. Utiliza su cuerpo como escenografía, maquillajes y prótesis para crear a estos personajes, los cuales registra a través de la fotografía.
La obra elegida, pertenece a la serie “History Portraits/Old Masters” (1988-1990). Serie inspirada en imágenes históricas que la artista encontraba en diversos libros de arte. En su mayoría las fotografías fueron tomadas en Roma, en el transcurso de dos meses, en una entrevista Sherman dijo “Quise dar la impresión de que los personajes habían estado sentados frente a un pintor por días o semanas. Quería que tuvieran un cierto halo de aburrimiento”.
Estos retratos toman distintos períodos de la historia del arte, como el
Renacimiento, Barroco, Neoclásico y aluden a “los Antiguos Maestros” como Rafael, Caravaggio, etc. Sherman no remite a estilos o épocas específicas.
“Untitled #216” muestra una figura que recuerda a las madonas renacentistas, una representación tradicional en la historia del arte de María y el niño Jesús. La mujer lleva puesto un vestido dorado y tiene un pecho descubierto, el cual es evidente que es una prótesis. Sostiene un muñeco envuelto en una tela blanca que también se ve falso. El maquillaje exagerado y la prótesis visible resaltan esta especie de “sátira”.
La artista en la misma entrevista habló especialmente de esta obra y dijo: “Soy bastante más ignorante sobre pintura antigua e historia del arte que la mayor parte de las personas que participan del mundo del arte; así que realmente no lo tomo demasiado en serio. Como el seno en Untitled #216, que se ve como un pomelo cortado a la mitad incrustado en el pecho de una persona, y el bebé, que se ve artificial porque efectivamente es de plástico. Pero el caso es que en las pinturas de los Antiguos Maestros muchos de los senos no parecen reales o los niños son muy
comentando sobre por qué creemos que estas cosas son obras maestras. ¿Por qué pensamos que son tan geniales?”.
A través de su obra, Sherman cuestiona el estatus de la pintura histórica como modo de representación. También se puede interpretar una crítica de cómo a lo largo de la historia del arte, las representaciones de mujeres son retratos falsos, sujetos a convicciones culturales y sociedades.
Esta obra fue específicamente elegida para ilustrar y ejemplificar al autor John Berger en “Modos de ver - episodio 2”. Berger habla que en la cultura de los europeos privilegiados la mujer se presenta ante todo como un espectáculo y la categoría más recurrente en el arte son los desnudos femeninos, categoría en la que podemos ver las convenciones sociales por las cuales las mujeres fueron juzgadas. “Un desnudo tiene que ser visto como objeto para estar desnudo, en la pintura al óleo europea la desnudez no se da por sentado, ya que en el arte arcaico la desnudez es un espectáculo para los que están vestidos.” La desnudez de la mujer se presenta como un signo de sumisión, la mirada con una expresión de “encanto calculado” para el hombre que ella sabe que la está mirando. A la mitad del episodio Berger se muestra reunido con cinco mujeres, con las cuales habla de cómo es vista la mujer en el arte y cómo se la representa, estas mujeres presentan el mismo descontento en común, la mujer en la pintura es una idealización,
Conclusión
La relación entre las obras si bien no es directa, junto con “Formas de ver” exponen a la perfección lo mencionado en el trabajo práctico anterior.
Desde ese trabajo, se intenta analizar la manera en la que vemos y contamos la historia, proponiendo tal vez, una mirada distinta sobre el arte de la Antigua Grecia y el arte en toda la historia. Cuestionando el rol de las mujeres y el patriarcado,
intentando alejarse de la historia hegemónica reproducida por siglos.
Luego de ver y analizar el episodio de Berger, es necesario repensar la historia del arte que hemos aprendido a lo largo de los años. Tomando obras desde la Antigua Grecia hasta el mismo Siglo XX. Repensar principalmente aquellas grandes obras, hecha por “maestros” y elogiados por una sociedad, donde quien está representada de una forma sumisa e idealizada es la mujer. Mujeres pintadas por hombres, para consumo y espectáculo de otros hombres. Berger explica que rara vez a las mujeres en el arte se las muestra bailando, y esto es debido a que se las debe mostrar con un mínimo de energía y que están allí para alimentar el apetito de no tener nada propio. Ser objeto de adorno y uso masculino.
El episodio de Berger ejemplifica a la perfección el concepto presentado
anteriormente de “la belleza como causante de todos los males que atormentan a la mujer” ya que es esta, quien convierte a la mujer en objeto y culpable de desgracias. En la conversación que Berger tiene con un grupo de cinco mujeres, una de ellas presenta esta misma idea. El desnudo femenino a lo largo de la historia es belleza, la mujer es un símbolo de belleza. “El cuerpo de la mujer es hermoso, soy un objeto hermoso si no, tengo que hacer algo al respecto. Y por lo tanto la parte dolorosa de lo narcisista creo que es el sentimiento de insuficiencia”.
Otra de las mujeres reflexiona acerca de cuánto tenemos realmente de esa imagen que presenta el arte europeo en la pintura, según ella le es imposible tomar estas imágenes en serio ya que no puede identificarse con las mismas, le resulta una exageración e irreal. Estos desnudos que simbolizan cierta “libertad” o “pasión” no logran transmitirle a la mujer observadora este sentimiento, ya que una no reconoce a la mujer retratada como un ser humano real.
Esto se relaciona directamente con la obra de Sherman, ya que la artista a través del humor, parodia y recrea lo irreal de una pintura de Fouquet, exagerando un seno perfectamente redondo y una piel que parece marfil. A su vez, en entrevistas la artista ha criticado justamente este tipo de arte, que estudiamos y admiramos hasta el día de hoy. Por qué seguimos pensando que son magníficas obras de arte y teniendo a estos “maestros” en un pedestal, cuando no hacen más que construir y perpetuar una idea de mujer-objeto y belleza irreal.
Sin dudas al arte y a la historia, le falta la otra mitad. Una mitad contada por mujeres.
Anexo
Pintura la cual la artista Cindy Sherman recrea:
Bibliografía
BBC. (1972). John Berger / “Ways of Seeing , Episode 2” [Archivo de vídeo]. En YouTube. Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=m1GI8mNU5Sg Fernández, A., Barnechea, E., Haro, J. R., & González, A. (2008). “Artis - Historia del Arte” (1.a ed.). Barcelona, España: Vicens Vives.
The “Heyl Aphrodite,” an exquisite beauty - Unknown. (s. f.). Recuperado de
https://artsandculture.google.com/asset/the-%E2%80%9Cheyl-aphrodite-%E2%80% 9D-an-exquisite-beauty-unknown/vwHyLqVKkQjS7g
“Aphrodite Heyl”. (2020, 21 abril). Recuperado de https://en.wikipedia.org/wiki/Aphrodite_Heyl
MALBA. (s. f.). “Los retratos históricos de Cindy Sherman Malba”. Recuperado de https://www.malba.org.ar/los-retratos-historicos-de-cindy-sherman/
Michalska, M. (2017). “Cindy Sherman vs Viejos Maestros”. Recuperado de https://www.dailyartmagazine.com/cindy-sherman-old-masters/
