Capítulo II
DESARROLLO
15 CAPÍTULO II
DESARROLLO
1. BASES TEÓRICAS .
1.1. DISEÑO.
Se llama diseño al proceso de disponer, estructurar y conformar un objeto o conjunto de información para que cumpla un cometido conforme a los medios disponibles para cumplirlo. Fotonostra: fotografía y diseño digital.
Página web disponible en línea: http://www.fotonostra.com/ consulta: (2013, febrero 20).
Por otro lado se define como un proceso de creación visual con un propósito específico, práctico; es la expresión visual de la esencia de un mensaje o producto. Un buen diseño reúne la mejor forma para que ese mensaje o producto sea conformado, fabricado, distribuido, usado y relacionado con su ambiente, por lo que el diseño no es solo estético sino funcional. Lo que define al diseño (y a la comunicación misma) es:
(1) La existencia de un propósito; (2) El conocimiento de los datos primarios y de las técnicas para desarrollarlo; (3) La disponibilidad de los medio materiales requeridos; (4) El proceso temporal de planeación creación
y ejecución a través del cual el objetivo se concreta en una forma. El diseño no es el mensaje o producto en sí; no es su manifestación material sino el proceso que lleva a lograr ese producto o mensaje. (proenza, 2004, p.).
De acuerdo a lo planteado anteriormente, se define diseñar como un proceso que se lleva a cabo con un propósito específico, su esencia debe transmitir lo que se quiere comunicar, es conformar un conjunto de información e imágenes funcionales y con estética.
1.1.1 DISEÑO GRÁFICO.
Es determinado como una unidad destinada a ser puesta a la vista de un público al que debe transmitir un mensaje prefijado. El universo del diseño gráfico es el área de la comunicación mediante mensajes visuales; es el diseño de esos mensajes visuales lo que constituye el conjunto de comunicaciones funcionales, que comprende la institucional, la comercial, la publicitaria, la informativa, la didáctica, la señalética y la de identidad. El diseño gráfico se desarrolla fundamentalmente a través de la caligrafía, la tipografía, la ilustración y la fotografía, materializadas principalmente por medio de la impresión de dos dimensiones. (proenza, 2004, p.).
Por otra parte, el diseño gráfico está definido como disponer, estructurar y dar forma a un conjunto de objetos gráficos e informaciones para que el resultado cumpla un fin concreto. En este sentido, el diseño es una operación utilitaria, destinada a un fin. Fotonostra: fotografía y diseño
digital. Página web disponible en línea: http://www.fotonostra.com/ consulta:
(2012, marzo 20)
De esta forma se concluye que el diseño gráfico es comunicación visual, basada en criterios de diagramación para estructurar información y objetos grafico cuya finalidad es transmitir un mensaje de manera correcta.
1.1.2. DISEÑO AUDIOVISUAL.
Puede entenderse como la acción de concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones audiovisuales de carácter gráfico-sonoro y en movimiento, producidas en general por medios tecnológicos y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos determinados por algún medio de comunicación audiovisual.
Dentro de este concepto de diseño gráfico audiovisual como grafismo en movimiento o grafismo audiovisual, también se va a contemplar el diseño gráfico estático aplicado a las necesidades de los medios audiovisuales:
Diseño gráfico audiovisual: piezas de grafismo animado (diseño gráfico + movimiento + secuencialidad + sonido) autónomas o fragmentos de una obra mayor.
Esto nos lleva al Diseño gráfico aplicado a lo audiovisual: todos los grafismos estáticos que pueden acompañar a una obra audiovisual dada y que, por lo tanto, van a compartir características tales como: audiencias,
estilo, identidad icónica, etc. (http://diloengrafico.wikispaces.com/ teresa c.
Rodríguez (20/02/13))
1.2 ILUSTRACIÓN.
Se define como todo dibujo, pintura, diagrama o fotografía reproducidos en una publicación para explicar o complementar el texto.
Término usado para distinguir una imagen dibujada de una fotografiada.
(Bridgewater, 1992, p.)
También se puede comprender la ilustración como todo aquel término usado para describir una imagen dibujada, por oposición a una imagen fotografiada. (Swann, 1990, p.)
Se concluye que la ilustración es por interpretación la representación gráfica de objetos, mediante técnicas de dibujo, pintura o diagrama, complementan algún texto o funcionan para explicar alguna información.
1.3 IMAGEN.
Continuando con lo planteado, Costa define imagen como fragmentos de cosas visibles o visuales del entorno y de la imaginación, y su carácter fundamental es la representación.
Por otro lado, según moles la imagen es un soporte de la comunicación visual que materializa un fragmento del universo perceptivo
(entorno visual), susceptible de persistir a través de la duración y que constituye uno de los componentes principales de los más medias. Así mismo Valery de un modo más poético define las imágenes como representaciones que hacen presentes cosas ausentes, que están en otro lugar y en otro tiempo. (Costa, 1998, p.)
Además de esto también se encuentra como definición de imagen, todos aquellos contenidos visuales en general. Una ilustración o fotografía para reproducción. (Bridgewater, 1992, p.)
El sitio web www.slideshare.net exponen cuanto a la fotografía y la ilustración, que se utilizan para resaltar productos y hacerlos más llamativos.
Los espacios en blanco producen gran sensación de libertad y claridad.
Sirven también como espacios de reflexión y como formas para equilibrar la composición. (Nieto, 2010)
La fotografía y la ilustración pueden jugar un papel enorme en el estilo de una obra gráfica, ya que su individualidad y alcance pueden dominar el efecto visual de un diseño.
(Swann, 1981, p.)
Según estos planteamientos, se entiende que la imagen es un soporte de la comunicación visual que materializa fragmentos de cosas que son visibles en el entorno y que tiene como función servir de representación para algún fenómeno o cosa. Una imagen puede ser una ilustración o una fotografía y pueden ofrecer puntos de atracción, espacios de reflexión y equilibrio a una composición.
1.4. FOTOGRAFÍA.
Se describe que la fotografía repite mecánicamente lo que nunca más podrá repetirse existencialmente. En ella, el acontecimiento no se sobrepasa jamás para acceder a otra cosa: la fotografía remite siempre el corpus que necesito, al cuerpo que veo, es el particular absoluto, la contingencia soberana, material y elemental, el “tal” (tal foto y la no foto), en resumidas cuentas, la touché, la ocasión, el encue ntro, lo real en su expresión infatigable… una fotografía se encuentra siempre en el límite de este gesto.
“la fotografía dice esto, es esto, es tal cual…” (Rolandbarthes). (Gausa y otros, 2001, p.)
Por otra parte se argumenta que la fotografía imita a la realidad con el objeto de retener su fantasma bajo la idea de objetividad, literalidad descriptiva o hiperrealismo; o si trata de conservar un recuerdo de lo vivido.
(Costa, 1991, p.)
Se podría concluir de estos conceptos, que la fotografía es la representación de la realidad, y graba acontecimientos que nunca más podrán repetirse.
1.5. FOTOGRAMA.
Se entiende como aquella imagen fotográfica obtenida sin cámara ni objetivo, colocando una serie de objetos sobre una emulsión sensible y exponiéndolos a la luz para registrar sus sombras y contornos.
Fue una de las primeras técnicas fotográficas, usada por ThomasWedwood y Fox Talbot, que hicieron negativos de objetos naturales puestos en contacto directo con una base fotográfica (las hojas, flores, etc.
Se mantienen planas con un cristal).
Fotonostra (20/02/13)
1.6. COLOR.
Está definido como aquella c ualidad de la materia que permite reflejar o dejar pasar ciertos rayos de luz y absorber otros, produciendo en la retina una sensación cromática especifica // efecto combinatorio de tramas pixeladas // alegría y expresión. (Gausa y otros, 2001, p.)
De igual manera el color posee muchas cualidades, desde el simple efecto directo hasta el sutil simbolismo. La época y las cualidades establecidas pueden ser transmitidas mediante la elección juiciosa de colores simples o mezclados.
El uso de la impresión a todo color ofrece al diseñador unas posibilidades ilimitadas, especialmente desde que las modernas técnicas de impresión hacen posible cualquier matiz de estilo. Sin embargo, el uso restringido del color es a menudo más efectivo que una compleja disposición de varios colores. (Swann, 1981, p.)
Examínese con mucho cuidado el color que se elige porque constituirá, posiblemente, una influencia primordial en el modo de comunicar
una idea, y téngase presente que no todos los colores son apropiados para un determinado diseño o proyecto.
La tarea del diseñador es explotar dinámicamente, cuando es necesario, el poder de los colores para crear un estado de ánimo, sea mediante los colores mismos, o bien mediante su conjunción con imágenes.
(swann, 1990, p.)
En conclusión, el color es considerado entonces, una cualidad de la materia por la cual a través del paso y absorción de luces crea en la retina sensaciones cromáticas específicas. Funciona dentro del diseño como una herramienta que logra atraer tras diferentes contrastes o usos del mismo.
1.7. TIPOGRAFÍA.
Es conocido como el medio de transmisión de ideas por excelencia es la palabra escrita. La esencia del buen diseño gráfico consiste en comunicar ideas por medio de la palabra escrita, combinada a menudo con dibujos o con fotografías.
Además de su componente significativo, cada letra de una palabra es por sí misma un elemento gráfico, que aporta riqueza y belleza a la composición final. Es por esto, que el aspecto visual de cada una de las letras que forman los textos de una composición gráfica es muy importante.
De este planteamiento se deriva que el diseñador gráfico debe emplear las letras en una composición tanto para comunicar ideas como para configurar el aspecto visual de la misma, siendo necesario para ello conocer a fondo los diferentes tipos existentes y sus propiedades, conocimientos que se agrupan en la ciencia o arte de la tipografía.
El termino tipografía se emplea para designar al estudio, diseño y clasificación de los tipos (letras) y las fuentes (familias de letras con características comunes), así como al diseño de caracteres unificados por propiedades visuales uniformes.
http://diseno.ciberaula.com/articulo/tipografia_diseno_grafico/
1.8. CINE.
El cine se define como la técnica que consiste en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún video.La palabra «cine» designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas.
Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerado lasseis artes del mundo clásico, se le denomina séptimo arte.
Comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha que fue oficialmente inaugurado como espectáculoen París, los hermanos Lumière proyectaron
públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un barco saliendo del puerto.
Lo presentaron con temor, pues nunca tuvieron excesiva confianza en sus posibilidades artísticas ni menos económicas. Tras muchas negociaciones con diferentes locales, incluido el FoliesBergère, encontraron un sencillo local decorado al estilo oriental, el Salón Indio del Gran Café del Boulevard de los Capuchinos.
El éxito de este invento fue inmediato, no solo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte, donde Thomas Edison ya había grabado numerosas escenas que un espectador a la vez Podía ver a través de un kinetoscopio.
En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero fue George Méliès quien invento el espectáculo cinematográfico, en contraste con el tono documental de los Lumière, con historias y decorados fantásticos.
No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy.
Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones Artísticas, o cine arte (cine de arte).
Por otra parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística, es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay (conocido como
"Bollywood"; un vocabulario básico de términos relacionados con el cine de Asia).
1.8.1. LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO.
En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran tan solo simples telones pintados, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron diversas técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el travelling) o utilizarla en ángulo picado, contrapicado), pero que en esa época eran ideas revolucionarias.
También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los filmes históricos rodados en Italia en la década de los años diez.
1.8.2. GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS.
En la teoría cinematográfica, el género se refiere al método de dividir a las películas en grupos. Típicamente estos géneros están formados por películas que comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto en lo narrativo como en la p uesta en escena.
El primer cine era documental: escenas de obreros saliendo de las fábricas y cosas así. Pero el cine documental en cuanto tal, recién vino a nacer en 1922, con el filme Nanook el esquimal. Siendo así el cine documental, se basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad.
Generalmente se confunde documental con reportaje, siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo.
El cine histórico y bíblico, por su parte, caminarían de la mano, en la búsqueda de la espectacularidad. Desde antiguo se había rodado películas sobre la vida de Cristo.
Sin embargo, el cineasta que le dio verdadera carta de naturaleza al cine histórico o bíblico fue Cecil B. DeMille, con hitos como Los diez mandamientos (la versión original de 1923 y el remake de 1956), Rey de reyes (1927) o Cleopatra (1934). Otro clásico de época es Lo que el viento se llevó, estrenada tras varias peripecias en 1939.
Las películas históricas suelen basarse en relatos literarios y conceden gran importancia a la ambientación. Sus variantes es son el cine político y el cine de catástrofes.
1.8.2.1. CINE POLÍTICO.
Trata de temas, historias o personajes políticos desde una actitud comprometida, es decir, tomando partido sobre la ética o los valores ciudadanos afirmados o negados a través de los hechos narrados.
1.8.2.2. CINE DE CATÁSTROFES.
Aunque suele ubicarse dentro de la aventura, el cine catastrófico es un género híbrido entre el drama y la aventura espectacular. Predominan los casos en que el desastre tiene su origen en un fenómeno de la naturaleza de carácter excepcional (terremotos maremotos, avalanchas de nieve e inundaciones).
En la década de 1930 surgen también, estrechamente hermanados, el cine de gángsters y el cine negro. Hitos claves del cine gangsterilfueron el Scarface de 1932 o Hampa dorada. Su éxito se explica por la dosis de crítica social que dichos filmes envolvían, sobre la situación posterior a la Gran Depresión de 1929. Además, fueron campo de experimentos formales con la iluminación, con fuerte influencia de loscineastas europeos herederos del
Expresionismo, muchos de los cuales habían llegado a Hollywood huyendo del Tercer Reich, por ese entonces ascendente.
El cine fantástico y de ciencia ficción había también experimentado su propio desarrollo, paralelo a un elemento que le era indispensable: el desarrollo de los efectos especiales. La gran película del cine mudo de ciencia ficción fue Metrópolis, de Fritz Lang (1927), la cual marcó estéticamente a muchos cineastas posteriores.
A ficción científica, ficción especulativa o ciencia-ficción propone una versión fantasiosa de la realidad, relacionada con todas las probables o desorbitadas derivaciones de la ciencia. En esta línea hiperbólica, el género conjetura acerca de los tiempos venideros, aunque también sugiere la presencia activa de vida extraterrestre e incluso idea posibilidades científicas inexploradas en el tiempo contemporáneo.
Al referirnos al género musical, se alude a todas aq uellas producciones cinematográficas cuya temática gire en torno o se manifieste a través de expresiones musicales que incluyan canciones o temas bailables como parte fundamental de su desarrollo dramático.
En su totalidad, las variantes del cine musical tienen una raigambre teatral cuya característica genérica es una puesta en escena de coreografías que toma como sitios principales para desarrollarse el teatro, el cabaret, o la calle.
Este apremio forma parte intrínseca de la trama, de tal modo que la música y los bailes avanzan en conjunto con la intriga. Los musicales versan
alrededor de cualquier moda bailable cuya adaptación al cine contribuye a popularizar entre el público todas esas fórmulas escenográficas.
La llegada del sonido permitió también el desarrollo de la comedia musical, género harto más amable, incluso de evasión, en donde primaba el peso de los números musicales y canciones por sobre la historia, y que fue el vehículo de lucimiento para diversos bailarines.
El cine de Comedia busca la carcajada en el espectador mediante episodios de humor elemental, grotesco o absurdo, carente de matices o profundidad psicológica.
Película de corte humorístico o satírico, relativo a cualquier tema real o ficticio. Junto al documental, el cine de comedia es el género más antiguo de toda la historia del cinematógrafo. Dado que el cine surgió a fines del siglo XIX en las barracas de feria, su primera intención fue sorprender al público con una oferta jocosa, festiva y atrayente.
El modelo más conveniente para lograr ese fin era el teatro de variedades, y por ello la pantalla de aquel primer cine acogió los mismos estereotipos que ya funcionaban sobre el escenario, insistiendo en el carácter visual de aquellas humoradas propias del vodevil.
El cine infantil que por su temática va dirigido a los niños, con fines didácticos o de entretenimiento, basados en situaciones de la vida real o ficciones, por lo general presentadas en dibujos animados, filmaciones reales o mezcla de ambos, de animación, más que una categoría infantil se define como una técnica que sustituye la filmación de actores y escenarios por el
uso de ilustraciones, muñecos articulados o planos infográficos o computarizados, animados, fotograma por fotograma, hasta lograr la sensación de movimiento.
Es decir, no existe movimiento real que filmar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos yotras múltiples técnicas), de forma que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento.
El concepto de cine de autor fue acuñado por los críticos de los Cahiers du Cinéma para referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde toda la puesta en escena obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guion propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. Sin embargo, grandes directores de la industria, como Alfred Hitchcock, también pueden ser considerados
«autores» de sus películas.
Se define de acuerdo con su ámbito de aplicación y recepción, ya que no suele tratarse de un cine ligado a la industria, y no se dirige a un público amplio sino específico, y comparte a priori un interés por productos que se hallan fuera de los cánones clásicos. Un subgénero importante podría ser el cine abstracto.
Los géneros cinematográficos se clasifican según los elementos comunes de las películas que abarquen, originalmente según sus aspectos formales (ritmo, estilo o tono y, sobre todo, el sentimiento que busquen provocar en el espectador, ajuste). Alternativamente, los gé neros cinematográficos se definen por su ambientación o por su formato.
Actualmente no existe un consenso en cuanto a géneros cinematográficos se refiere y se da una compleja serie de clasificaciones.
1.8.3. POR SU ESTILO O TONO.
Drama Comedia Acción Aventura Terror
Cine de ciencia ficción Cine romántico
Cine musical Melodrama Cine catástrofe Fantasía
1.8.4. POR SU AMBIENTACIÓN O TEMA.
Histórico Policíaco Bélico
Ciencia ficción Fantasía Deportivo Cine de espías
Cine de artes marciales Cine de zombis
1.8.5. POR SU FORMATO O PRODUCCIÓN .
Animación — películas compuestas de fotogramas dibujados a mano que, pasados rápidamente, producen ilusión de movimiento. También se incluyen aquí las películas generadas íntegramente mediante la informática.
Imagen real, o LiveAction Cine mudo
Cine sonoro Cine 3D Cine arte Cine de serie B
Cine independiente Blockbuster
Mockbuster
1.8.6. POR SU TIPO DE AUDIENCIA.
Infantil Juvenil Adulta
1.8.7. REALIZACIÓN CINEMATOGRÁFICA.
La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, pre-producción, rodaje, post-producción y distribución.
La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).
1.8.8. EQUIPO TÉCNICO.
Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película, se
podría decir que es el responsable de convertir la idea en película. Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor".También forman parte del área el director de producción, el productor ejecutivo, el jefe de locaciones y el asistente de producción.
Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular, supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.También forman parte del área el asistente de dirección y el denominado script o continuista. Por otro lado, trabaja en conjunto con el director de actores.
Guion: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guion, ya sea una historia original, una adaptación de un guion precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guion cinematográfico se distinguen el guion literario o cinematográfico, que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y escenas. Es necesario distinguir el guion literario del guion técnico, que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño de plano,
movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor y que, a diferencia del guion literario, suele elaborarlo el director, no el guionista.
El papel del guionista es muy importante, pues su trabajo es la base de todo el proyecto, si el guion es bueno el director puede hacer una película excelente, pero si éste es deficiente aunque el director tenga muchos recursos, la película quedará vacía.
Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de sonido y los microfonistas. En la post-producción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original. El sonido es parte fundamental del cine ya que la percepción del sonido en el cine incluye: vibraciones interpretada por el cerebro a través del sistema auditivo (procedencia, intensidad, tonalidad, materiales, espacio etc.), cualidades del sonido estéticas como texturas y frecuencias, y cualidades del sonido psicológicas (sugerentes, agradables, inquietantes o molestas).
El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película,es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película.
El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblajes de las sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en escoger, ordenar y unir una selección de los planos registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guion, la idea del director y el aporte del montador, el montador sincroniza la imagen con el sonido.
La preparación de esta toma diaria se desarrolla cada día a lo largo del rodaje de la película. La post-producción es el momento en que el montador ha reunido todo el material necesario para completar un primer montaje de la película.
Después de que el director y el productor aprueban el montaje final, un montador de sonido especializado corrige los posibles problemas con éste. Si fuera necesario, el montador de sonido regraba los diálogos en un estudio de grabación, mientras los actores ven en proyección la imagen correspondiente. Este proceso se conoce como doblaje.
La teoría del cine se basa en el principio de secuencias de fotografías continuas, es decir el cine trata de representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones.
El cine clásico tiene un estilo que enfatiza la continuidad y comprensibilidad de la película. Normalmente tiene caracteres fuertes, constantes durante toda la película y un argumento con un final feliz.
El cine moderno no enfatiza estas características, al contrario, rechaza el cine clásico y su estilo; e intenta romper todo ese estilo y todas las convenciones de éste. Directores diferentes utilizan montos variantes del estilo 'moderno'.
1.8.9. DESARROLLO DEL CINE A COLOR.
Los experimentos con película de color había n comenzado ya en 1906, pero sólo se había usado como curiosidad. Los sistemas ensayados, como el Technicolor de dos colores, fueron decepcionantes y fracasaban en el intento de entusiasmar al público. No obstante, hacia 1933 el Technicolorse había perfeccionado, con un sistema de tres colores comercializable, empleado por vez primera en la película La feria de la vanidad (1935), de RoubenMamoulian.
En la década de 1950 el uso del color se generalizó tanto que prácticamente el blanco y negro quedó relegado para películas de bajo presupuesto que buscaban un realismo sereno. A partir de los años sesenta, el blanco y negro quedó para crear efectos especiales en películas.
1.8.10. CINE LATINOAMERICANO.
La aparición del cine sonoro es un suceso contundente para el cine y tuvo consecuencias notables en la producción latinoamericana, ya que la
infraestructura técnica era bastante compleja y sofisticada y los precios no eran muy fáciles de costear por muchos pueblos latinos. Los países latinoamericanos fueron recibiendo al Cinematógrafo al igual que en el resto del mundo, a finales del siglo XIX.
Las circunstancias sociales, económicas y políticas marcaron con los años su progreso cinematográfico, en el que tanto tuvieron que ver los promotores españoles, franceses e italianos como la presencia de las películas estadounidenses en sus pantallas.
Esto hizo que el cine pueblerino prácticamente desapareciera, para concentrarse exclusivamente en las capitales. Buena parte de los países pequeños vieron frustradas sus posibilidades de tener algún día una industria cinematográfica.
El fracaso del cine hispano y la instauración de los subtítulos como forma más viable y aceptada de traducción, creo un terreno propicio que aprovecharon las grandes industrias del continente: Argentina, México y Brasil, para desarrollar importantes industrias fílmicas que, en un nivel más modesto, intentaron adaptar a la realidad latinoamericana los sistemas hollywoodenses, lanzando sus propios géneros y estrellas.
El cine latinoamericano se genera con una dependencia económica y cultural que como problema viene a suponer para la industria y que le impedirá su surgimiento y producción nacional. “Con mayor claridad que en otro cine, el desarrollo de la industria y el arte cinematográfico se marca paralelo al desarrollo capitalista.
1.9. CORTOMETRAJES.
Se categoriza cortometraje, como una producción audiovisual o cinematográfica que dura sustancialmente menos que el tiempo medios establecidos de una película de producción normal, es decir, menos de 30 minutos. Si bien no existe una normal extrita, una posible clasificación por tiempo podría identificarse de este modo:
La duración de los cortometrajes va desde menos de un minuto hasta los treinta minutos. Las películas de entre treinta y sesenta minutos llamados mediometrajes. A partir de una hora de duración se las considera largometrajes.
Los géneros de los cortometrajes abarcan los mismos que los de las producciones de mayor duración, pero debido a su coste menor se suelen usar para tratar temas menos comerciales o en los que el autor tiene una total libertad creativa.
Aunque los cortometrajes surge primariamente de la necesidad de trabajar con poco presupuesto y recursos limitados, no se debe asumir que éstos no puedan alcanzar la calidad y relevancia de las grandes producciones, ya que los mejores cineastas de este género consiguen sintetizar las historias y obtener escenas de gran impacto y contenido, apelando a la sorpresa, a lo absurdo, a una escena violenta, al humor o a lo inexplicable.
Cada vez son más los jóvenes a nivel mundial quienes hoy en día, impulsados por el avance vanguardista de las tecnologías y la necesidad del hombre por la comunicación, usan la producción de cortometrajes para dar sus primeros pasos en la industria cinematográfica. De hecho, muchos directores famosos de cine comenzaron sus carreras realizando cortometrajes.
En la actualidad, el abaratamiento de las nuevas tecnologías digitales y su acercamiento a la producción amateur, ha supuesto una revolución en el mundo del cortometraje, en el que los jóvenes realizadores pueden comenzar eludiendo los grandes gastos que hasta ahora suponía la realización de estas obras.
La realización de cortometrajes prolifera de forma eminentemente autodidacta puesto que no es un género definido en el que existan cánones establecidos.
Por este motivo, el denominado "corto" es una plataforma de impulso de los nuevos estilos narrativos y visuales. La transgresión de las normas clásicas de la cinematografía tiene cabida en estas obras.
Las características del corto a menudo no son tan diferentes de las del largo pero simplifica las cosas y tiene una libertad que no está permitida en el formato largo.
Simplicidad: viene dada por el número de personajes que aparecen y por la, generalmente, única trama. Hay cierta economía de estilo. No hay tiempo para las pausas.
La idea tiene que surgir exactamente igual en un corto que en un largo solo que en el corto esta idea suele tratarse de algo comprimido:
Una anécdota
Un incidente sorprendente Una sorpresa
Una reflexión
Una noticia del periódico Un chiste
Una expresión hecha
Un cuento popular (anónimo)
1.10. ANIMACIÓN.
La definición correcta de la palabra animación proviene del latín, lexema «anima», que significa «alma». Por tanto, la acción de animar se debería traducir como «dotar de alma», refiriéndose a todo aquello que no la tuviera.
Según el animador norteamericano Gene Deitch, «“animación cinemática” es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona.»
1.10.1. EL CINE DE ANIMACIÓN.
La animación es la técnica que da sensación de movimiento a imágenes, dibujos, figuras, recortes, objetos, personas, imágenes computarizadas o cualquier otra cosa que la creatividad pueda imaginar, fotografiando o utilizando minúsculos cambios de posición para que, por un fenómeno de persistencia de la visión, el ojo humano capte el proceso como un movimiento real.
Mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real (24 imágenes por segundo), en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad (desde 24 hasta 8 imágenes por seg undo).
Con la invención del paso de manivela, Chomón estableció los principios fundamentales de la animación. Más tarde Cohl los aplicó al campo gráfico, y estableció las bases de lo que con los años se convertiría en la poderosa industria de los dibujos animados. McCay dio al dibujo animado la técnica básica con la que se ha mantenido hasta el presente, pues los principios de la animación en papel, en acetato o por ordenador, la forma técnicamente más avanzada del género, son exactamente los mismos; sólo cambian las apariencias.
En el caso del ordenador, el truco del paso de manivela es llevado al extremo: la unidad elemental manejada, el píxel, es mucho más pequeña que
el fotograma, el resultado es que el animador tiene el control total tanto del espacio -el objeto filmado- como del tiempo -el movimiento de las imágenes.
En el futuro, el abaratamiento de costes permitirá una aplicación generalizada en investigaciones científicas, en la generación de gráficos y recursos para la educación, en simulaciones de todo tipo, y en campos en los que, como suele suceder, las aplicaciones aún están por llegar.
1.10.2. DIVERSOS TIPOS DE ANIMACIÓN.
Existen numerosas formas de animación, estas pueden depender de la creatividad de los animadores y de la técnica o de los objetos que se utilicen.
1.10.2.1. DIBUJO ANIMADO.
Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910. Usaron láminas transparentes sobre las que animaron a sus personajes sobre el fondo. Más tarde, a la técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en computador, pues existen programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios.
1.10.2.2. STOP MOTION
Cuando la animación no entra en la categoría anterior, del dibujo animado, se llama Stop motion, en la que se le da vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a escala, muñecos, sean articulados o de plastilina, tomadas de la realidad mediante fotografía o filmación. Para ello se utiliza la grabación «fotograma a fotograma» o «cuadro a cuadro», cuyo iniciador fue segundo de Chomón con su llamado «paso de manivela». Cuando lo que se animan son recortes, cartón, papel o fotografías, se llama Animación de recortes (Cut-OutAnimation).
En la animación con plastilina o con otros materiales moldeables, las figuras se van transformando o moviéndose en el progreso de la animación pasó a pasó. Es un proceso muy laborioso que requiere fidelidad a los tiempos determinados y a la credibilidad de los movimientos, en ocasiones ojos y boca de muñecos, para cuando sea proyectada a veinticuatro imágenes por segundo. Cualquier materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para ser animada: arena, agua, agujas, etc. Actualmente, los ordenadores facilitan la tarea.
1.10.2.3. RECAMBIO DE PIEZAS.
La técnica de «recambio de piezas», «ReplacementA nimation»
(animación por reemplazamiento, o por sustitución). El sistema de captura es
básicamente el mismo que el del Stopmotion convencional, pero los muñecos empleados aquí, normalmente tallados en madera, no poseen partes móviles, sino piezas intercambiables. Consiste en crear tantas piezas como movimientos o expresiones vaya a necesitar el personaje.
Un ejemplo es diseñar diferentes cabezas –con una sonrisa, triste, enfadada…- e ir colocando la cabeza que corresponda en el momento adecuado del plano. Las piezas se elaboran previamente siguiendo la animación esbozada en papel, y luego en vez de mover los miembros de los muñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esa forma un sencillo movimiento podría requerir una gran cantidad de piezas, en torno a las 20.
1.10.2.4. PUPPERTOONS.
El termino Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y su socio DaveBader, se compone de los términos puppet –marioneta - y cartoons – dibujos animados-. Ya que se trataba de animar las marionetas siguiendo la técnica clásica de animación de los dibujos, o sea, una figura del personaje diferente para cada fotograma.
1.10.2.5. FILM DIRECTO.
Se denomina así al que directamente se dibuja, raya, se pinta o se compone sobre el mismo celuloide. LenLye, neozelandés, fue un pionero. En
ocasiones, como en el caso de Norman Mclaren, dibujaba también la banda sonora.
1.10.2.6. PIXILACIÓN.
Se denomina Pixilación a una variante del Stopmotion, en la que se animan personas u objetos cotidianos. Para ello se fotografía repetidas veces desplazando ligeramente el objeto. En el caso de personas se suprimen secciones de una filmación con el fin de crear una sensación diferente.
Norman McLaren fue pionero de esta técnica (utilizada con anterioridad por Emile Cohl), empleada en su corto animado A Chairy Tale, en el que da movimiento una silla o su cortometraje Vecinos, Neighbours (1952), en el que dos personas realizan movimientos muy complicados.
Norman McLaren también experimentó con el dibujo directamente sobre el celuloide, tanto de las imágenes como la realización de la misma banda sonora.
1.10.2.7. ROTOSCOPÍA.
Disney animó a Blancanieves en momentos de cierta complicación, bajada de escaleras, bailes, y a otros personajes sobre la filmación de personas reales. El equivalente en infografía es la técnica llamada motion capture.
1.10.2.8. ANIMACIÓN LIMITADA.
Es un proceso de creación de dibujos animados que disminuye la cantidad de cuadros por segundos.
En vez de realizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchos de esos cuadros son duplicados, se usa arte abstracto, simbolismo, repetición de fondos y de movimientos para crear el mismo efecto por lo que el dibujo se hace más imperfecto, pero abarata mucho los costes. Un ejemplo característico son los Picapiedras.
1.10.2.9. ANIMACIÓN FLASH.
Flash es un programa de edición multimedia con varias finalidades crear animaciones, contenido multimedia, juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de hecho muchas productoras están en la actualidad realizando trabajos de animación en 2D con este sistema para páginas web y sitios web multimedia.
1.10.2.10. ANIMACIÓN EN 2D.
La Animación 2D tradicional es la animación pionera y se caracteriza por ser ilustrada a mano (con la ayuda de la tecnología en nuestros días).
Los personajes y escenarios poseen solo 2 dimensiones X y Y, la sensación
de profundidad se logra a partir del manejo de la perspectiva, el color, etc. La animación 2D se dibuja fotograma por fotograma.
1.10.2.11. FOTO-REALIDAD.
Consiste en trasladar al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real. Una película realizada con esta técnica fue Final Fantasy, en 2002, de HironobuSakaguchi que, aunque fracasó comercialmente, quedará como una herramienta con la que investigar en el futuro.
1.10.2.12. ANIMACIÓN MOTION CAPTURE Y PERFORMANCE CAPTURE.
La «Performance Capture» es un avance reciente de las técnicas de captura de imagen por ordenador. Se podría traducir como captura de la interpretación, cuando la «Motion Capture», El sistema anterior, en el que se basa, era la captura de algunos movimientos del cuerpo mediante sensores que son interpretados por un ordenador.
1.10.3. LA PREHISTORIA DE LA ANIMACIÓN. LA ANIMACIÓN ANTES DEL CINE.
En las manifestaciones artísticas, desde que se conocen, la especie humana ha intentado representar la ilusión del movimiento, en las pinturas
rupestres, o en el arte egipcio y griego, o las sombras chinescas. Sin embargo, fue AnthanasiusKircher el que en 1640 inventó la Linterna mágica, con la que proyectaba diversas fases de un movimiento mediante grabados en cristales, que cambiaba de forma mecánica.
En 1824, Peter Mark Roget descubrió el «Principio de Persistencia de la Visión», fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que se conocen hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo y el Dr. John Ayrton Paris puso a la venta en Londres el taumatropo. Primer juguete óptico que explota la persistencia de la imagen sobre la retina, compuesto de un disco y de hilos vinculados a las extremidades de su diámetro. Sobre cada cara hay un dibujo; al hacer girar sobre un eje el disco, se ven simultáneamente los 2 dibujos.
En 1828, Joseph Plateau (Bélgica, 1801-1883) estableció que una impresión luminosa recibida sobre la retina persiste 1 de segundo después de la desaparición de la imagen; concluye que imágenes que se suceden a más de 10 por segundo dan la ilusión del movimiento (el descubrimiento del principio de persistencia de las impresiones retinianas se remonta al siglo II.).
Dos personas, no se sabe quién lo hizo antes que el otro, inventaron las primeras ruedas de este tipo en 1832. SimonRitter von Stamfer, de Viena, en Austria, que le llamó Estroboscopio, y el mismo Joseph Plateau, que le llamó
Phenakistoscopio. Estos fueron los primeros instrumentos capaces de crear la impresión de una imagen que se movía realmente.
Mientras tanto, nació la fotografía, sin la cual no existiría el cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas. A medida que la velocidad de las emulsiones fotográficas aumentó, fue posible fotografiar un movimiento real en vez de poses fijas de ese movimiento.
En 1877, el francés ÉmileReynaud, logró mayor flexibilidad en el movimiento aparente de las figuras con el Praxinoscopio, un tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en la pared interior del tambor que al girar parecían cobrar vida. Lo aplicó al
«teatro praxinoscopico» en el a través de una combinación de espejos se movían tenues figuras luminosas. Permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público, y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892, tres años antes de la primera sesión pública de cine, hasta finales del siglo XIX.
Las representaciones se hacían en el Museo Grévin de París con películas que duraban tan solo unos 10 min. Ya en este entonces se empleaban las bases de la moderna animación, dibujando los personajes sobre papeles transparentes para evitar de esta manera la repetición de fondos.
1.10.4. ANIMACIÓN PARA TELEVISIÓN .
Aunque la animación para televisión la ocupa prácticamente la japonesa, anime, hay que desatacar dos productos occidentales que han ocupado una gran parte del mercado.
Los Simpsons, realizados por Gracie Films para Twentieth Century Fox y Fox Network, cuyo creador es MattGroening, que comenzaron como un breve espacio de 2' en el programa televisivo "TheTraceyUllman Show" en 1987. Se consolidó como serie autónoma en diciembre de 1989 aunque las transmisiones regulares no empezaron hasta enero de 1990. Es una imagen irreverente da la familia norteamericana, muy peculiar. A partir de ella se hace una crítica de toda la cultura occidental y sus valores.
South Park es una serie distribuida por Warner Bros. Y transmitida porComedy Central desde el año 1997 en Estados Unidos. Trata sobre las aventuras de cuatro niños que viven en el pequeño pueblo llamado South Park, Colorado. Es una crítica de muchos aspectos de la cultura estadounidense y de sus firmes creencias, con un lenguaje desenfadado.
1.10.5 EL CINE DE ANIMACIÓN TRAS LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL .
Tras la segunda Guerra Mundial se dio el gran desarrollo del cine de animación, que consolidó totalmente con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros.
1.10.5.1. ESTADOS UNIDOS.
Walt Disney. Finalizada la guerra mundial Disney se dedicó a todo tipo de cine. Aparte de los dibujos animados que siguió creando, realizó documentales y películas de aventuras con actores reales. En momentos de dificultades Disney decidió economizar e iniciar la producción de dos películas mucho menos ambiciosas. La primera de ellas, TheReluctantDragon (1941), combinaba la acción real con tres cortos de dibujos animados. La segunda fue Dumbo (1941).
Con los materiales recopilados durante una gira por América del Sur, Disney hizo dos largometrajes: Saludos, amigos (1943) y Los tres caballeros (1945), Canción del Sur (1946), en la que se mezclaban los personajes de carne y hueso con los dibujos animados. La Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955), que fue el primer Disney en cinemascope marcaron nuevos tiempos para Disney. En la primera intentó recrear antiguos esplendores. Las restantes están llenas de momentos inolvidables.
La bella durmiente (1959) marcó el final de otra era de los estudios Disney, pues fue la última película dibujada totalmente a mano, un proceso enormemente costoso que se vio sustituido en 101 dálmatas (1961) por otro más barato, aunque menos creativo, el llamado Xeroxed. Posteriormente la compañía abordó la producción de películas de muy diverso contenido.
Merlín el encantador (1963), Mary Poppins (1964), en el que se intercalaban
y convivían personales reales con los animados y El libro de la selva (1967), con las que el estudio conoció triunfos como los de épocas pasadas.
UnitedProductions of America (UPA).Walt Disney soportó en 1941 una huelga de animadores que supuso la huida de varios de sus mejores dibujantes, entre ellos Stephen Bosustow, uno de los creadores de la UPA, que funcionó desde 1943, y John Hubley, en desacuerdo con el estilo ultrarealista de Disney. Influenciado por la obra de Chuck Jones, comenzaron a promover la idea de que la animación debía seguir con mayor libertad en la búsqueda de nuevas formas de expresión artística. Bosustow prefiere un tipo de dibujo esquemático, muy caricaturesco, expresivo y muy alejado de los parámetros realistas tan apreciados por Disney y quienes le siguen siendo fieles.
Durante la II Guerra Mundial, la UPA hizo cortometrajes de propaganda pero, acabada la guerra, su futuro era incierto. Ya no había demanda de propaganda, y algunos de sus socios abandonaron la compañía. La Columbia Pictures contrató a la UPA como estudio de animación y se comenzaron a realizar cartoons para el público general. Su personaje de lanzamiento fue Mr. Magoo, un anciano al que su miopía le hace pasar por las peripecias más complicadas.
Los miembros de la UPA deseaban diferenciarse del resto de los estudios, sobre todo de Disney, la Warner y MGM, por lo que en 1951 hicieron más libre y personal su estilo gráfico, buscando relatos más modernos y menos convencionales. Comenzaron con Gerald McBoing-Boing,
de Robert Cannon, en 1953 realizaron Unicorn in the Garden, de Bill Hurtz, nominado al Oscar, y al año siguiente es premiado WhenMagooFlew. En el mismo año hicieron TheTell-Tale Heart, una adaptación de Edgar Allan Poe que utilizaba técnicas y estilos nuevos de dibujo para profundizar en los estados psicológicos de los personajes.
La UPA fue vendiendo paulatinamente sus estudios a la TV, hasta 1959 en que Paul Terry vendió los Terrytoons a la CBS. El primer y último largometraje fue 1001 ArabianKnights, que cerró ese año las puertas.
Chuck Jones y Friz Freleng fueron animadores, caricaturistas, guionistas, productores y directores, y sus trabajos más importantes los cortometrajes de Looney Tunes y MerrieMelodies del estudio de animación de Warner Brothers. Chuck Jones obtuvo un Oscar por su cortometraje TheDot and the Line, El punto y la línea (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica.
Fue uno de los primeros en incorporar la técnica de animación limitada, rompiendo así con la influencia de una animación más detallada y trabajada por parte del estudio de Disney, adoptando un estilo que sería posteriormente conocido como «estilo UPA», que abarataba los costes aunque hacía mucho más imperfecto el dibujo. Sus creaciones más populares son Pepé Le Pew y El Coyote y el Correcaminos (Road Runner).
En 1953, utilizó la técnica de las 3D en Lumber Jack Rabbit, el único cortometraje animado de Warner Bros que ha incorporado dicho efecto. Es considerado por muchos como un maestro en la caracterización y la
coordinación de las imágenes. Friz Freleng introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como PorkyPig, Piolín, El Gato Silvestre, Sam Bigotes, Speedy Gonzales y La Pante ra Rosa. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Fue encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La Pantera Rosa.
El personaje se volvió tan popular que en 1964, con un cortometraje para UnitedArtists, obtuvo un premio Oscar. En 1957, Chuck Jones y Fritz Freleng realizaron What´s Opera Doc?, de la que algunos historiadores afirman que es una obra maestra. Es un resumen de seis minutos de El anillo de los nibelungos en un cartoon que parodia la Fantasía de Disney. En 1963, Fritz Freleng dio vida a La Pantera Rosa para los créditos de un filme de Blake Edwards; luego se convertiría en una serie de animados que estaría en pleno auge diez años después.
Tex Avery, en 1948, en la MGM, trabajando junto a Hanna y Barbera, creó personajes tan famosos de los años cuarenta y cincuenta como Chilly- Willy ThePenguin y DroopyTheDog. Cuando cerró Cierra el departamento de animación de la MGM, William Hanna y Joseph Barbera fundaron la Hanna - Barbera Productions, que trabajó con muchísimo éxito para la TV. En 1955 fueron nominados al Oscar por los cortos GoodWilltoMen (1955) y OneDroopyKnight (1957).
En 1959 crearon la serie de los HuckleberryHound, con la que ocupan los principales espacios televisivos al poco tiempo, viéndose en todo el
mundo. Influenciados por la UPA, siguieron la técnica de animación limitada, de figuras un tanto envaradas y fondos muy sencillos. Realizaron más de 100 películas, y sus personajes, TheFlintstones, Yogi Bear, HuckleberryHound, Pixie y Dixie, Top Cat, y muchos otros, se hicieron famosos en todo el mundo.
Charles M. Schulz. En 1950 nace la serie de los Peanuts, que logró veinte años de éxito mundial para el animador, quien en 1969 comenzó la secuela Charlie Brown y sus amigos. Bill Meléndez continuó la serie en TV y realizó varias secuelas para cine: Charlie Brown Christmas (1965), Charlie Brown Thanksgiving (1973), entre otras.
James Whitney, en 1955, siguiendo los pasos de su hermano John, realizó Yantra. El término Yantra proviene del sánscrito, del prefijo yan, que significa concebir y por antonomasia, concepción mental. En un complicado sistema de formas ópticas se planteaba evocar el ascenso espiritual. Además de Yantra, otras obras como; Catalog (1961) de John Whitney o Lapis (1963- 66) de James Whitney, son pioneras en la aplicación del ordenador elaborando las imágenes fotograma a fotograma.
En 1961, JordanBelson, representante de la Visual music, establece la animación vanguardista a partir de la manipulación de luces y la toma continua. Realiza Allures (1961), Samadhi (1967), Light (1973), Fountain of Dreams (1984) y Epilogue (2005) que representan abstracciones orgánicas en perpetuo movimiento, entre otras, muy en la línea de Lye, McLaren y los hermanos Whitney.
1.10.5.2. CANADÁ.
El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden.
Destaca el trabajo de uno de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips.
1.10.5.3. FRANCIA.
En 1947, el cortometraje PetitSoldat, de Paul Grimault, consagra internacionalmente a la animación francesa, al alcanzar el premio máximo en Venecia, compartido con un corto de Disney. En 1949 se produjo mucho para la TV, sobre todo Jean Image, ilustrador de cuentos infantiles, que hizo varios largometrajes: Jeannotl’intrepide (1949), Las fabulosas aventuras del barón Fantástico (1979), Aladino y la lámpara maravillosa (1985), y famosas series como Joëchez les abeilles (1960).
El más interesante largometraje animado lo produjo en 1950 Paul Grimault, La pastora y el deshollinador, que transformó y amplió en 1979 en Le roi et l’oiseau. En 1963 el ruso Alexandre Alexeieff hace en Francia Le nez, inspirada en Gogol. En 1964, el polaco WalerianBorowczyk realiza en Francia Les Jeux de anges.
1.10.5.4. CHECOSLOVAQUIA.
En los países del bloque soviético, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo. JiriTrnka, (ver recuadro) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo, sobre todo en la animación con marionetas. Consagró, con más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, lo que se denominó «estilo checo» de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas.
La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por la cantidad y calidad de sus films y su gran influencia en una infinidad de animadores posteriore s fue denominado el Walt Disney de la Europa del Este.
En 1950, Bretislav Pojar hizo La cabaña de mazapán, y en 1953, Un vaso de más, animación de títeres contra el abuso del alcohol. KarelZeman, realizó Inspiración (1947), El rey Lavra (1951), El tesoro de la isla de los pájaros (1953), Viaje a la prehistoria (1955), etc. y en 1958, combinando actores reales y animaciones, hizo La invención diabólica, inspirada en Julio Verne.
En 1959, BaronMunchausen, imitaba el estilo de los grabados de Doré, en 1977, Historia de una locura y Aprendiz de brujo, en 1977. Un
animador de marionetas, JanSvankmajer hizo La última broma (1964), Jardín (1968), Dimensiones del diálogo (1982) y Diario de Leonardo (1988).
1.10.5.5. RUSIA.
Iván Ivanov-Vanó, llamado el Walt Disney soviético, hizo en 1946, tras tres años de trabajo, el primer largometraje animado soviético, El caballito jorobadito, una de las obras maestras de la animación. Los negativos del filme se extraviaron y, en 1975, Ivanov-Vanó realizó una nueva versión.
Adaptó algunos cuentos rusos: Snegurochka (1952), La liebre valiente (1955), La aventura de Burattino (1959) y muchos otros.
En más de 50 años de dirección de cine animado, realizó interesantes películas como The Snow Maiden, 1953, basada en la obra de Ostrovsky, y Once Upon a Time (1963), Theseasons, 1964, basada en la música de Tchaikovsky, es una interpretación imaginativa y colorista de los paisajes de Rusia. Pero la más poderosa y mejor diseñada de sus películas es TheBattleofKerzhenets (SechapriKerzhentse), 1971, basada en la leyenda de la ciudad invisible de Kitezh de Rimsky-Korsakov.
La película es una fusión de los antiguos iconos rusos, transparentes, brillantes y de elegante diseño, y el ritmo de la música, haciendo un excelente uso del tiempo y el espacio y los aspectos dinámicos. Lev Atamanov realizó La Bella y La Bestia (1952) y La Reina de las Nieves
(1957), en una línea que pudiera llamarse neoclásica y que influiría notablemente a Miyasaki.
1.10.5.6. YUGOSLAVIA.
La escuela de Zagreb. «La característica esencial de la Escuela de Zagreb es que no se intenta imitar a los demás. Nuestro poder está en nuestra imaginación y en la habilidad de expresarla dibujando»
(DusanVukotic). En 1956, con El Robot Juguetón, de DusanVukotic, se inicia la producción del Estudio de Zagreb, en Yugoslavia, que a la vuelta de unos años ganaría prestigio mundial por su prioridad a los principios de la plástica contemporánea y su estrategia de animación reducida.
En 1961 realizó Surogat, que logró el Óscar al Mejor Cortometraje de Animación en 1961, primer no estadounidense en conseguirlo. En la Escuela de Zagreb donde también estuvieron VladoKristl, Aleksandar Marks, NikolaKostelac y Boris Kolar.
1.10.5.7. POLONIA.
Antes de JanLenica y de WalerianBorowczyk el cine de animación era un género poco valioso en Polonia considerado únicamente como diversión para niños y desprovisto de aspiraciones artísticas, ideológicas y filosóficas.
En 1957, ambos dieron consistencia, contenido y arte al cine de animación
en Érase una vez, mediante una novedosa técnica de collage y de empleo de sonido de modo asincrónico y con fines satíricos. Combinan el dibujo y el collage (C ut-OutS top-Motion) con imágenes reales, introducen el humor negro, gags surrealistas y una técnica nueva basada en la repartición del guion en escenas.
En 1958 realizaron la obra surrealista La Casa (1958), en el que utilizan una gran variedad de estilos, materiales y técnicas, collages, deformación de movimientos y animación de objetos. Laberinto y Los rinocerontes son dos de las películas de JanLenica, que trabajó durante tres años para realizar Adán II. Borowczyk aportó el pertubadorTheatre de M.
MmeKabal (1967) sobre la deshumanización del mundo moderno. Ambos salieron del país, uno, Lenica, para afincarse en Alemania y el otro, Borowczyk, en Francia.
WitoldGiersz es una de las grandes figuras del cine animado polaco, sobre todo de miniaturas e incluso de pintura al óleo, con El Secreto del Viejo Castillo (1956); Epigrama de Neón (1959); El Pequeño Oeste (1960); La Espera (1962), premiado en Cannes, Moscú y Edimburgo. Daniel Szczechuraes la revelación desde el estudio Se-Ma-For y con el taller de la Academia de Bellas Artes de Varsovia. Dirigió Conflicto (1961), Primero, segundo y tercero (1964), En La Calle (1966), Castillo en El Bosque (1971), Arena (1973), El Problema (1977), Fatamorgana I y II (1981-1983), Historia de Una Mala Época (1997).
1.10.5.8. ITALIA.
Francesco Guido, de seudónimo Giba, creó el primer corto de animación italiano de la postguerra (L’ultimosciuscia). Después, alternaría su trabajo como animador con la labor de historietista: Menenio e i petrolieri (1961), Le Papillon (1962), Il RaccontoDellaGiungla (1973), Il nano e la strega (1974), Scandalosa Gilda (1984), Kim (1994), etc. 1960. Se estrena I paladini di Francia, de Giulio Gianini y EmanueleLuzzati, los principales animadores de títeres y marionetas en Italia. Ambos directores serían nominados al Oscar por La GazzaLadra (1964) y Pulcinella (1973).
En 1949, en el Festival de Venecia se presentaron los dos primeros largometrajes italianos de animación: I fratelli Dinamite (de Nino Pagot) y La rosa di Bagdad, de Antón Domeneghini.
(Información de Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)
1.10.5.9. JAPÓN.
En 1947, KonIchikawa realizó la adaptación de la pieza de teatro kabuki Una muchacha en el templo de Dojo, con títeres.
En 1959, OsamuTezuka trabajó en el largometraje Diario del oeste, modernizó el manga y consiguió convertirlo en un fenómeno de masas, fue el pionero de la animación televisiva, para la cual realizó la primera serie de dibujos animados vista en Japón. Además de Astro Boy (presentado en
1961) fue el creador, en los años sesenta y setenta, de Kimba, el león blanco, JungleTaitei, Blackjack, Memory, Broken Down Film, Cyborg 009, El pájaro de fuego y muchas otras.
En 1963, se impuso la animación surrealista y experimental del japonés Yoji Kuri: Locus, Face, Amor, Discovery of Zero, TheChair, son cortos de este año, seguidos por Samurai (1965), TheEggs (1966), Flower (1967), Imagination (1969) y Midnight Parasite (1977). Información de Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)
1.10.5.10. ESPAÑA.
En 1945, se hizo Garbancito de la Mancha, dirigida por Arturo Moreno, el primer largometraje de animación netamente español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria y escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo un acontecimiento para los niños de todo el país. Garbancito, de trasfondo quijotesco, lucha contra las fuerzas del mal encarnadas en la Tía Pelocha y el gigante Caramanca, para salvar a su cabrita Peregrina y a sus amigos Quiriqui y Chirili.
Las aventuras continuaron en 1948 con Alegres Vacaciones, realizada por Arturo Moreno y dirigida por José María Blay. En la animación española nació La familia Telerín, de Juan Luis Moro, quien realizaría en el 72 La calabaza Ruperta, del programa televisivo 1, 2, 3.
1.10.6. NORMAN MCLAREN Y EL NATIONAL FILM BOARD OF CANADA.
Norman McLaren (1914-1987) fue un animador escocés y director de cine muy reconocido por sus trabajos en el National Film Board of Canada.
Fue un gran admirador del cine de Eisenstein. Pronto se dio cuenta de la importancia del séptimo arte como medio de expresión y comenzó a innovar en el mismo.
Su trabajo como camarógrafo en 1936 durante la guerra civil española fue tan duro que, en los momentos anteriores a la Segunda Guerra Mundial, emigró a los Estados Unidos y en 1941 a Canadá, donde se incorporó al National Film Board, para abrir un estudio de animación y enseñar a animadores canadienses.
Es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora, o raspando el celuloide para provocar nuevos sonidos ópticos, explorando aspectos que posteriormente fueron de suma importancia para la industria cinematográfica.
Muchos trucos, efectos y estilos de animación que hoy se está habituado a ver, tanto en el cine como en la televisión, fueron el resultado de los experimentos que realizó a lo largo de toda su vida: pintar sobre celuloide, la pixilación, animación con foto fija de seres humanos, la slowmotion, el filme estereoscópico, etc. Muchas de ellas, dedicadas a mostrar las metamorfosis de una figura en el tiempo.
En 1933, dio forma a las primeras animaciones vanguardistas dentro de la unidad de dibujos animados formada por Grierson, en Londres: Hand.
PaintedAbstraction (1933), Camera MakesWhoopee (1935), ColourCocktail (1936). En 1939 realizó el abstracto LoveontheWing, anuncio para el correo aéreo, y en 1939, Allegro.
Los técnicos del Film Board of Canada le construyeron un sistema especial de cámara y proyector para que él pudiera experimentar sin limitaciones. Dollar Dance y Hen Hop (1943). En 1951, realizó los primeros films tridimensionales: Around is around (1952) y Now is the time (1952).
Animaba todo lo que le era posible, una silla en A chairy tale (1958) y a seres humanos animados, en su célebre técnica que llamó Pixillation, en Neighbours (ganadora del Oscar en animación en 1953) y en Canon, 1965, así como realizo películas completas raspando y pintando sobre el celuloide como BlinkityBlank (1955) y Caprice en couleurs.
Investigó sobre los movimientos de la danza y dejó obras maestras con la participación de destacados bailarines, Adagio (1972), Pas de deux (1968) y Narciso (1983), su última película, en las que manipuló el tiempo dando como resultado imágenes de increíble belleza y una dimensión desconocida del ballet.
En 1969, CarolineLeaf, norteamericana, asentada en se asentó en el National Film Board se convirtió en maestra de la animación en arena con Sand- Or Peter and the Wolf.
1.10.7. LA INDUSTRIA DE LA ANIMACIÓN EN LATINOAMÉRICA.
Según el portal de comunicación latina adlatina.com, el negocio de producción de animación para cine, TV y videojuegos movió en 2009 alrededor de 140 mil millones de dólares en el mundo. En lo que a Latinoamérica respecta, Argentina tiene una participación del 0,41% del mercado global, seguido por México (0,40%) y Brasil (0,39%).
“La inversión está comenzando a crecer. Por ejemplo, por primera vez películas de animación en Argentina y México pudieron contar con presupuestos de más de 2 millones de dólares, que aunque parezcan pequeños, para la región es una importante novedad” Se están produciendo largometrajes con mayor calidad y continuidad.
Argentina estrenó 14 largos de animación en los últimos 8 años, una proporción nunca antes vista en nuestra historia. Análisis recientes afirmaron que el mercado audiovisual que se concentra en la ciudad de Buenos Aires,
“cuenta con más de 50 mil empleados en más de 400 empresas, de las cuales 175 son productoras de animación, videojuegos y servicios digitales”, explicó Manfredi. La directora de Encuadre agregó que proliferan los apoyos gubernamentales, lo cual muestra una confianza en el sector.
En Colombia, por nombrar otro ejemplo, hay más de 100 empresas dedicadas al desarrollo de la animación digital, los videojuegos y las aplicaciones móviles, según se destacó en un estudio de Proexport, realizado por Digital Vector.
A la hora de analizar aquellos indicadores que de algún modo reflejan el crecimiento de la industria en la región, desde Hook Up Animation aseguran que probablemente haya que buscarlos en “la aparición de nuevos contenidos animados, productoras, estudios y animadores independientes. El desarrollo de nuevos espacios para la animación y el interés creciente que está generando la actividad en muchos sectores, culturales y económicos”.
“Otro aspecto es la trascendencia y repercusión del cine animado a nivel internacional como es el caso de Boogie, el aceitoso, que fue seleccionado para la competencia oficial en los Festivales más importantes de Animación como Annecy, Animafest, Animamundi, Cinanima, Expotoons, La Habana, Warsav, XXXI Mostra de Valencia, entre otros.
Además será estrenado en salas de cine en varias partes del mundo y continúa vendiéndose en el mercado internacional. Tanto Boogie como Gaturro son producciones 3D estereoscópicas y de las 20 películas de estas características (es decir, para ver en salas 3D) producidas en el mundo, 18 son producciones americanas y 2 de Illusion en Argentina”.
1.10.8. TALENTO Y CREATIVIDAD .
Puestos a definir las facilidades que presenta la región para la industria de la animación, desde Hook Up aseguran que no son muchas.
Pero todos coinciden en que si algo no falta es talento.
