PROYECTO DE GRADUACION
Trabajo Final de Grado
“El rock se viste a la moda”
Desde 1950 a la actualidad
Manuela Benitez Cuerpo B del PG 23 de febrero de 2009 Diseño de Indumentaria y Textil Facultad de Diseño y Comunicación
Universidad de Palermo
Indice
Introducción………3-6 Capítulo 1: Música – Moda
1.1: Relación entre la música y la moda en las décadas del ´50, ´60, ´70 y ´80. Iconos de la música nacional e internacional que impusieron
tendencia con sus vestuarios………7-15 1.2: Relación entre la música y la moda
nacional e internacional en la actualidad………15-18 1.3: Tribus urbanas que surgen por la
música: Rockabillys, Punks, Glam Rock, entre
otras………18-31 Capítulo 2: El vestuario artístico
2.1: Comienzos de la profesión………32-41 2.2: ¿Con qué artistas se vinculan?
Diferentes rubros………42-47 Capítulo 3: El vestuario artístico como medio de comunicación 3.1: Concepto de comunicación………48-53 3.2: Relación entre la imagen de un
músico y la comunicación………53-58 Capítulo 4: El vestuario artístico en el rubro musical
4.1: ¿Cómo y cuándo surge la idea de tener un vestuario especial para un show musical?
¿Quién fue el pionero? ………59-66 4.2: Vestuaristas de Argentina que se dedican a bandas de rock………66-74 Capítulo 5: La música presente en la indumentaria
5.1: Influencia de la música en los estilos de
distintas marcas de indumentaria nacionales………75-82 5.2: Marcas y tipologías elegidas por
rockeros fuera del escenario. Análisis de sus
diseños y colecciones………82-90 Capítulo 6: Análisis de vestuarios de grupos
de rock nacionales de la década del ´80 y de
la actualidad………91-92 6.1: Viudas e Hijas del Roque enroll………92-94 6.2: Federico Moura………94-95 6.3: Emmanuel Horvilleur………95-97 6.4: Babasónicos………97-100 Capítulo 7: Propuesta de diseño de vestuario
para una banda de rock………101-102 7.1: La Sorda Rock and Roll………102-104 7.2: Propuesta de diseño para La Sorda
Rock and roll………104-126 Conclusión………127 Referencias bibliográficas………128-133 Referencias bibliográficas de figuras………134-136 Bibliografía………137-140
Introducción
Actualmente, el mercado del vestuario artístico tanto nacional como internacional, sin dudas, no es el mismo que hace varios años.
Como dice Barone “Sería inimaginable un solista o una banda de pop o de rock sin su correspondiente look personal, ya que la moda habla del artista tanto o más que su propia música”. (2008, p.163). Es por eso que en este Proyecto de Grado se dará cuenta de las características particulares de los íconos sobresalientes de las décadas a tratar.
Cerca de los años 50 los artistas internacionales de bandas de rock comenzaban a mostrar una imagen diferente en cada uno de sus shows aunque siempre imitando a los grandes íconos de la época tanto en el cine como Marlon Brando, y en la música como Elvis Presley, entre otros.
Este fenómeno se explicará en el capítulo uno donde a través de un recorrido por la moda y los íconos musicales de las décadas de los 50, 60, 70 y 80 se dará cuenta de los comienzos de la idea de un vestuario específico para un show.
En los años en donde este “movimiento musical transformó la vida de los seres humanos”, según el periodista Eduardo Barone; los grandes artistas fueron los que marcaron un
estilo en todos sus aspectos, como en la indumentaria, influenciando a las bandas que les seguían, siendo los ídolos a imitar.
Si bien es difícil encontrar el estilo en una banda de rock, como pasó con los Beatles, se trata de pensar en un look que los represente, y generalmente se tiene en cuenta el estilo musical que tienen, como así también las influencias que son propias de sus países, aunque siempre se parta tomando ideas de aquella indumentaria utilizada por los grandes de la música.
Este es el trabajo minucioso de los vestuaristas, que como se profundizará en el capítulo dos, buscan entender el estilo de un músico o de una banda de rock para así poder mostrar la imagen que los represente logrando comunicarlo a sus fans. Este trabajo muchas veces se hace junto con el músico. Como se explica en el capítulo tres en dónde se da cuenta de la relación que existe entre el vestuario y la comunicación.
Ya desde los años 60, las bandas de rock y artistas como Eric Clapton, The Who y Jimi Hendrix entre otros, mezclaban la moda del momento en Europa, con tips o elementos de años anteriores.
Un estilo que contaba con la fuerza de elementos muy antiguos, expresa Barone:
Un asunto muy Luis XV, que incluía jabots en mangas y cuellos de camisa, zapatos de tacón con enormes hebillas y hasta medias de streech blancas con pantalones ceñidos debajo de la rodilla. El mismísimo Johan Sebastian Bach hubiera muerto de envidia ante tamaña vestimenta. (2008, p.164).
David Robert Jones, conocido como David Bowie va a ser el pionero en diseñar para el rock. Nunca se lo veía con la misma vestimenta en sus shows, ni siquiera con el mismo peinado. En el capítulo cuatro a través de un análisis del porqué surge la idea de vestirse para un show, se llegará a quién fue el primero en este rubro, observándolo a través de imágenes recopiladas de sus shows, portadas de discos y demás elementos.
Cada estilo musical tiene su propio estilo en cuanto a indumentaria el cual se vio y se ve reflejado en cada una de las décadas. Es así como la música glam se ve influenciada por la indumentaria de los 70 y 80; o viceversa, la indumentaria glamorosa de los años 80 se ve influenciada por el estilo musical que fue fuerte en esos años.
Esta tendencia a caer en lo retro sigue vigente en algunas bandas y artistas actuales, como así también en las marcas de indumentaria, en donde a través de la toma de elementos de años anteriores logran un look que los represente; como se explica en los capítulos cinco y seis a
través del análisis de marcas que se inspiran en el rock y de la indumentaria de un músico solista y una banda de rock local de los años 80 y de la actualidad.
Según Barone:
Como en la música de hoy, también en la moda parece haber un estancamiento. No hay nada nuevo bajo el sol, y la calidad parece querer suplirse (sin éxito, como ya es sabido) por una desbordante cantidad de propuestas que repiten más de lo mismo. (2008, p.167).
En el capítulo siete, se dará cuenta de que el Proyecto de Grado se ubica en la categoría de creación y expresión. A través de una propuesta estéticamente diferente para una banda de rock local se refutará lo anteriormente citado y se podrá saber entonces, si son los artistas musicales los que imponen el estilo de indumentaria, o es la indumentaria la que influencia a las bandas musicales.
Capítulo 1: Música y Moda
1.1 - Relación entre la música y la moda en las décadas del 50, 60, 70 y 80. Iconos de la música nacional e internacional que impusieron tendencia con sus vestuarios.
Es en los años 50 cuando se empieza a percibir una relación entre la música y la moda. Si bien la industria de la imagen no estaba tan desarrollada como la conocemos en la actualidad, esto se lograba imitando a dos o tres íconos de esos años, y así se componía al adolescente rebelde de la década. Tiempos de revolución en la moda. En las mujeres, las faldas comenzaron a acortarse y los hombres vestían con campera de cuero, gorra, jeans Levi’s y, para aquellos que podían tenerla, una moto Harley Davidson.
Allá, por los años 50, nacía este estilo musical conocido como Rock and Roll, de la mano de Elvis Presley y Buddy Holly. Un ritmo con aires del pop, dirigidos a aquellos adolescentes rebeldes dispuestos a no seguir el gusto de sus padres en la forma de vestir, ni de comportarse.
Muchos de los elementos antes mencionados en cuanto a la indumentaria de la época, son los que luego se ven repetidos años después, como es el caso del músico Bob Dylan, quien adopta la gorra de los años 50, en los 70. También se imitaba
la indumentaria utilizada por actores reconocidos en films como Rebelde sin causa, en donde se veía la moda del momento.
La moda y la música son dos fenómenos que iban, van y seguramente seguirán yendo de la mano de alguna u otra forma, ya sea aplicando la moda como vestuario para algún artista, o bien “desestructurándola” a un nivel mas artístico teatral.
Como explica la periodista Victoria Lescano:
La escena del clip de Wind It Up, en la que la cantante Gwen Stefani ensaya una parodia autobiográfica de su faceta como diseñadora, al cambiar la guitarra de strass por una máquina de coser, ilustra uno de los muchos casos de otra faceta de la fusión moda y rock”.
(2007, p.127, ELLE Argentina).
Durante los años 50 el rock no tenía su estilo de vestimenta definido ya que, como se indicó, se copiaba aquello que utilizaban los grandes íconos.
Pero llegan los años 60 y con ellos la revolución del rock británico de la mano de Los Beatles quienes logran adoptar su propio look gracias a su manager Brian Epstein. El uniformó a la banda con trajes y corbatas oscuras en un principio, y luego chaquetas sin cuello, inspiradas por Pierre Cardin. Epstein es quien luego terminaría convirtiéndose en uno de los primeros diseñadores de la historia del pop.
Arte, diseño y música, tres rubros que explotan en estos años, y es ahí en donde se empieza a ver la toma de elementos de años anteriores para mezclarlo con la vestimenta de ese momento. Algo que se ve con frecuencia en marcas y diseñadores de la actualidad. La moda conocida como retro o vintage utilizada como partido de diseño.
En el libro Rock & Pop, La Historia Completa de Heatley se explica que, a mediados de los años 60 los jóvenes estudiantes de todo el mundo se interesaban más y más en la política, realizando manifestaciones. Comienzan a interesarse por las alteraciones de conciencia producida por las drogas.
Algo que lleva a que ciertos estilos de música popular mezclen actitud insolente, experimentación y conciencia social (2006). Esto formó momentos sociales que influyeron en la música, y por qué no en la moda también. Esta moda que se puede llamar psicodélica que aparece en estos años fue, sin dudas, provocada por el uso de drogas naturales y sintéticas.
Colores llamativos, ropas brillantes y demás accesorios, que luego Alice Cooper y David Bowie lo desplegarían en una teatralidad de aspecto musical. La innovadora psicodelia se transformó en el Glam rock de lentejuelas.
Llegan así, los años 70, en donde ocurre una separación entre el rock y el pop, con el último dirigiéndose a un público más joven. Es aquí donde surge el Glam rock, y con él aparecen los llamados chicos del glamour. Y con esto, junto
con otros estilos, nace lo que hoy conocemos como tribus urbanas. Estas son grupos que se forman a partir de la unión de adolescentes, y no tan adolescentes, que coinciden en sus ideologías, formas de vestir, y demás características que los hacen comunes entre si. Otro ejemplo de la fusión, música- moda, que se puede observar en cada una de las décadas tanto internacional como nacionalmente.
Un pionero de los 70, Marc Bolan, quien aparece mostrando su mezcla de ritmos, letras con contenido sexual abstracto, llamativas ropas brillantes, maquillaje, y su extraña belleza andrógina. Belleza que según explica Lipovetsky surge de “la deserción generalizada de los valores y finalidades sociales, provocada por el proceso de personalización” (Saulquin, 1997). Una nueva moda caracterizada por unificar lo femenino con lo masculino, no sólo en la indumentaria, sino también en los gestos, que tuvo su momento de máxima expresión gracias a un joven del sur de Londres llamado David Robert Jones.
David Jones, conocido un tiempo más tarde como David Bowie aparece en escena en la década del 70. Audaz, estudiante de danza y de arte, se transforma en una gran figura, generando un nuevo ícono del Glam rock. No solo va a serlo en la música, sino también en la moda, como el gran diseñador del rock de esa época.
En plena psicodelia David Bowie se convertía en un ícono de la moda reciclada, ya que contaba con un archivo de vestimentas, las cuales reutilizaba para sus shows, aunque siempre realizando distintas combinaciones. Un pionero en el vestuario artístico, ya que en ninguno de sus shows se lo veía igual vestido.
Diseñadores y marcas actuales toman a Bowie como punto de inspiración para crear sus colecciones, ya que como dice Tommy Hilfiger, este ícono de la década del 70 aporta música, elegancia, creatividad y sin dudas, un estilo muy particular(s.f.).
El look Glam consistía en usar toda clase de ropa y accesorios extraños y audaces, intentando mostrar, quienes lo usaban, originalidad. Botas con brillos, pantalones oxford, chaquetas lamé, cinturones anchos, peinados afro y maquillajes extracargados. Los colores del momento sin duda llamativos; azules, violetas, verdes y amarillos fluo son los que se veían sobre los escenarios. Como menciona Eduardo Barone “siempre con la ropa viene la música o viceversa”
(2008, p.164). Y esto es real.
Como se puede observar, la música y la moda van de la mano. Un músico o un grupo de rock imponen la moda frente a sus fans. El hecho de tener un vestuario específico para un show habla de la imagen de ese músico y esa banda; y muestra la moda del momento ya sea mas o menos exagerada. Estas
influencias que vienen de videoclips, recitales, portadas de discos y demás hacen que los seguidores de distintas bandas sean los primeros en vestir como ellos. Saulquin señala que
“Con su imagen el rockero vende un símbolo, convirtiéndose en el referente mas próximo” (1997, p.257).
La unión entre música y moda se viene dando desde los comienzos del rock, que si bien no se trataba de un vestuario artístico, los músicos rockeros de esa época vestían con elementos particulares de la moda urbana.
Así como en los 50 fue Elvis, en los 60 los Beatles, en los 70 David Bowie, aparece en los 80 el segundo gran ícono del pop y la moda de la mano de Madonna. Una influyente en la moda femenina que con su look, integrado por corsets, minifaldas, medias de red, camperas de jean, remerones con grandes estampas, pantalones elastizados, cinturones anchos por encima de las remeras, camperas inflables, guantes sin dedos, entre otros, logró generar un nuevo cambio en la manera de vestir de los fans. Se mantiene el brillo, impuesto por el Glam, junto con camperas de cuero, retomadas del punk, ajustadas con hombreras gigantes volviendo masculina la espalda femenina.
Por otro lado, la moda masculina incluía sobretodos largos, blazers sin cuellos (utilizados anteriormente por Los Beatles, en los años 60), pantalones pinzados con botamangas, zapatos abotinados de suelas anchas, que se veían en el
vestuario utilizado por Prince, otro músico que marcó un estilo con sus prendas.
Los años 80 fueron importantes e impactantes ya que es en ese momento cuando el rock se vuelve un espectáculo en su totalidad. Es por eso que Bowie es considerado el pionero en diseñar para este estilo musical. No sólo se trataba de vestir de manera extraña, sino que presentaba espectáculos teatrales con puestas en escena y vestuarios que acompañaban en su totalidad la música producida por él. Otro ejemplo es el del cantante de Genesis, Peter Gabriel que llevaba
“extraños vestidos a modo de extensión de la música” según se puede leer en Rock & Pop, La historia completa, (Heatley, 2006, p.396).
Si bien en cada década surge un nuevo estilo, sigue firme el hecho de retomar elementos anteriores para lograr un look que logre sorprender. Pero siempre se adapta al momento.
Un artista que en los 80 vestía como la moda de ese año, hoy en día no lo hace, aunque tome accesorios o tipologías de la época que prefiera. Esto viene junto con las tendencias de cada año que hacen que un músico o una banda se adapten a ella; aunque siempre manteniendo su estilo.
En el marco nacional también hubo íconos musicales que siguieron la tendencia internacional. Federico Moura, integrante del grupo de rock Virus fue uno de ellos, quien fue el primero en crear y diseñar su propia marca de ropa, y
al ser homosexual, su estética acompañaba este concepto de androginia mencionado con anterioridad. Su marca incluía pantalones con pliegues que bajaban casi rectos dejando que se vea la punta de los zapatos, también camisas largas y anchas, estampados y accesorios.
Federico y Jacoby se ocuparon del vestuario y de la puesta en escena de los shows que realizaron durante la Guerra de Malvinas. Al comenzar, un ciego sintonizaba una radio a galena que colgaba de su cuello y de fondo se escuchaba “Entra en movimiento”.
(Virus, s.f, en www.rock.com.ar /artistas/virus.shtml).
En los 70 aparecen Las Viudas e Hijas del roque enroll, quienes fueron las pioneras en incorporar una vestuarista.
Esta fue la artista plástica Viviana Santamarina que consiguió unir la propuesta musical y la imagen del grupo diseñando a partir de los demos que ellas mismas le pasaban logrando generar la imagen total de la banda. Las Viudas e Hijas del roque enroll fueron las dueñas de un estilo muy particular, siendo la primera banda integrada en su mayoría por mujeres, luego de la separación de Rouge.
Siguiendo el recorrido de los íconos nacionales de los años 70 aparece Daniel Melero, pionero en otro rubro que fue la estética del rock electrónico y la incorporación del vintage. Fue compositor de canciones de Soda Stereo,
productor; un interesado en las vestimentas tanto para el escenario como para el uso cotidiano.
Fue así como surgieron desde los años 50 hasta los 80 inclusive, aquellas personas que impusieron, marcaron, de una u otra forma su particular estilo, el cuál sigue vigente hoy en día.
1.2 - Relación entre la música y la moda nacional e internacional en la actualidad.
Con el paso de los años la asociación música-moda que comenzó viéndose en los años 50 fue creciendo, ya que cada vez son más los músicos que quieren estar a la moda y adoptar un look propio que concuerde con su música, puesta en escena, portadas de discos y demás. Es por eso que este fenómeno continua creciendo y generando nuevos caminos dentro del vestuario artístico, que en un principio fue realizado para puestas teatrales, cine, y no como herramienta para un músico o una banda de rock.
La moda y la música están estrechamente relacionadas.
Artistas y géneros son responsables de crear tendencias que luego influenciarán a muchos. MTV ejemplifica perfectamente esto. Este canal, tan popular entre la juventud, establece las imágenes, estilos y formas, que servirán de molde o patrón a millones de televidentes
con sed de estar a la última, quienes andan en constante búsqueda de elementos con qué identificarse.
(Actitud, moda y música en MTV, Redacción de Urbesónica, s.f, en http://www.mannonnetwork.com/urbesonica/story_
3903.php).
Lo anterior da cuenta de la importancia que tiene el vestuario de un músico ya que al componer la imagen del mismo, influye directamente en la mente de los seguidores, logrando ver copias exactas de ellos.
En el marco internacional, Madonna desde los 80 sigue hoy relacionada a la moda, mostrando un look propio y manteniendo siempre su estilo. Es posible observar su evolución desde el vestuario siguiendo las portadas de sus discos ya que es una artista que sobrevivió a muchas décadas.
Muchos son los músicos que siguen a la moda, o la moda los sigue a ellos, tal es el caso de Gustavo Cerati que según la periodista Victoria Lescano:
Exalta la categoría seguidores de la moda, ya desde sus experimentos de new wave en la Puna, el estilo deportivo de su faceta vinculada con la electrónica (Pri fue la diseñadora de varias de sus chaquetas y buzos en technofabrics) a los actuales diseños de Sofía Medrano.
Su flirt con la alta costura remite a la portada del disco Episodios Sinfónicos; lleva un trench de jean con interiores de satén rojo hecho a medida por Ramírez. Y,
en su regreso rockero, hubo una chaqueta de cuero diseñada por Tramando, por pedido de la vestuarista.
(2007, p.128, ELLE Argentina).
Gustavo Cerati sin dudas es un exponente de la relación existente entre la música y la moda. Tanto en sus recitales, como en eventos, se lo puede ver siempre vestido con un estilo muy particular, el cuál lo caracteriza y distingue.
Emmanuel Horvilleur es otro de los casos en dónde se puede ver con claridad la fusión antes mencionada ya que posee un estilo en donde toma elementos y prendas inspiradas en los años 80, lo cuál pudo observarse en su presentación en el Gran Rex, como así también prendas retro de otras décadas.
Emmanuel muestra perfectamente como su música concuerda con su imagen, ya que su vestuario se relaciona con cada uno de sus discos.
La característica de pensar en una imagen diferente para cada disco, y para cada recital es frecuente en los grupos y músicos, ya que como el estilo musical puede variar de un disco a otro, esto también sucede con la imagen, y ahí está la importancia que tiene la concordancia de ambos.
Adrián Dárgelos, cantante de Babasónicos es otro de los interesados en la moda. En sus vestuarios se ve claramente las influencias del estilo surgido en los años 70 con David Bowie, el Glam rock, que incluía plumas, lentejuelas y brillo, acompañado de colores extremadamente llamativos. En
los comienzos de esta banda estos elementos se veían con mayor frecuencia; hoy en día, y con el paso de los años, mas de diez, su imagen se fue fortaleciendo hasta llegar a un look propio y característico de ellos.
Como Babasónicos, muchos son los grupos y músicos que se interesan por su imagen, ya que ésta habla del artista, casi al mismo nivel que su música. Pensar en la indumentaria en el momento de realizar un show, así como también en la puesta en escena, entre otros elementos, lleva a que una banda cierre en su totalidad, debido a que no es sólo la música lo que importa. A pesar de que el vestuario haya surgido en los comienzos del rock, hace algunos años, con la aparición de vestuaristas y asesores de imagen especializados en músicos, la demanda creció, también debido a muchas marcas, entre ellas A.Y. NOT Dead, quienes comenzaron a diseñar inspirados en el movimiento musical, y actualmente poseen proyectos paralelos de vestir a artistas de rock.
1.3 - Tribus urbanas que surgen por la música:
Rockabillys, Punks, Glam rock, entre otros.
Las tribus urbanas son aquellas agrupaciones de jóvenes que surgen por compartir la forma de vestir, ideologías, hábitos de consumo, lugares frecuentados, entre otras características. En la mayoría de los casos se da por las
preferencias musicales que estas personas tienen. Buscan encontrar en el otro su misma manera de pensar y actuar, formando así lo que se denomina tribus urbanas.
Nacen en la década del 50 con aquellos seguidores del rock de Elvis Presley, pero se hacen más conocidos en los años 60 cuando los jóvenes se rebelaban contra “la sociedad de consumo” manifestando sus inquietudes en protestas que proclamaban la posibilidad de “construir un mundo mejor a través de la paz y el amor” como expresa Saulquin (1997, p.256), era la época de los hippies.
Por otro lado surgía la contra protesta de la mano de los punks donde como marca Saulquin los jóvenes perdían la esperanza frente al sistema establecido (1997).
Cabe mencionar también, la tribu de los Glam rock, quienes nacen de aquella música realizada por el ídolo del pop, David Bowie, la cuál impuso una moda que hoy en día se ve en grupos como Miranda! y Babasónicos, entre otros.
Desde ese entonces todos estos grupos antes mencionados se distinguían por su forma de vestir, la música que escuchaban y sus propios ideales.
Los rockabillys se identifican con el rock de los años 50, el rock de Elvis Presley. Es un estilo que mezclaba el rock y la música country, entre otros. La estética que caracteriza a esta tribu urbana fue impuesta por Elvis Presley, quien influenció a muchos adolescentes de la época.
Este caso de unión de tribu urbana y música es importante, ya que fusiona justamente uno de los estilos que más marco en cuanto a vestimenta.
Como se mencionó anteriormente la moda y el rock se encuentran relacionados desde el comienzo mismo de este estilo musical. La estética particular de los rockeros generó la aparición de los rockabillys, en el estilo de vestir de los jóvenes tanto en Estados Unidos, como en Europa, en los años 50, repetido en los 80 y sin duda, en la actualidad.
“La vestimenta y el rock han ido desde entonces de la mano, dado que los adolescentes cansados de vestirse como sus padres, descubrieron entonces la furia del rock y se identificaron rápidamente con sus grandes estrellas.”
(Vestimenta Rockabilly, s.f, en http://www.vestimenta- rock.com/Vestimenta-rockabilly.aspx).
El rockabilly es también considerado un género musical, que mezcla música blanca, country, música negra y ritmo &
blues. Hasta ese entonces el rock and roll no había aparecido. Esto surge cuando la música country le aporta melodía al rock, provocando un cambio en este estilo musical, como así también en la moda. Se trataba de un estilo novedoso que hizo surgir un público nuevo, adolescente consumidores de rock y moda. Ya a mediados de los años 50 esta imitación fiel a las estrellas de rock se veía con frecuencia.
Las prendas características eran los sacos con hombreras y de colores, los clásicos pantalones de jean, como así también los pantalones más elegantes de vestir, camperas de cuero, entre otras. En cuanto a los peinados, jopos muy altos, al estilo Elvis, patillas y gel. Esta utilización de ropa dentro de todo ajustada permitía a los rockeros moverse con sensualidad en el escenario. Esto claramente se ve repetido en los años 80.
Las mujeres por su parte, usaban polleras súper amplias, con mucho volumen, acompañadas de camisas ajustadas, remeras con cuello bote o sacos de hilo. En cuanto a los peinados de ellas, el pelo recogido con accesorios, o suelto con vinchas.
En los años 80 el rockabilly tomó mayor fuerza tanto en lo musical como en la vestimenta. Un ejemplo, los Stray Cats, una banda de Estados Unidos que influenció en muchas de las bandas rockabillys de la actualidad. Esta banda seguía la moda de los años 50, pantalones de jean o de vestir a los tobillos, acompañados de sacos con hombreras, camperas de cuero, entre otras prendas. Muy similar a como vestían aquellos músicos de los 50 pero con una novedad: el animal print, las musculosas blancas y las remeras con estampas de grupos.
Así como Elvis Presley marcó su estilo frente a los jóvenes que lo seguían, Poison Ivy, la guitarrista de The Cramps, un grupo de Nueva York, marcó tendencia en las
mujeres rockabillys. Con un estilo diferente al de las mujeres de los años 50, se presenta con una estética más oscura de chica mala del rock, dándole a la vestimenta rockera un toque de punk.
La falda evaseé de los 50 se cambia por la falda tubo a la rodilla con un tajo en la parte trasera, destacando la figura femenina. El pelo ya no sería recogido, sino ondulado y largo, teñido de diferentes colores.
Las mujeres rockabillys de los años 80 usaban prendas ajustadas para realzar su figura, y es la moda que se ve en la actualidad. Materiales como gabardinas estampadas, jeans oscuros, cuero, de colores como el negro, el rojo, el azul, entre otros.
La década del 60 fue el momento en el que la vestimenta y el rock quedaron unidos, ya que fue en esos años que el rock se desarrolla como fenómeno de masas.
Hacia el año 1957 aparecen en escena John Lennon, Paul Mc Cartney, George Harrison y Ringo Star, lo que produjo una revolución musical, cambiando el estilo de la música popular y creando una nueva moda ligada al rock.
Su imagen como grupo en cuanto a la estética se ve dividida en dos períodos, aquel denominado como Beatlemanía, y el otro un poco más hippie. Su clara estética que los representaba como grupo, se instaló en la mente de los adolescentes fanáticos de ellos.
Así como lo fue Elvis Presley en los 50, en los 60 fueron ellos quienes influenciaron una vez más a los varones.
Las denominadas prendas beatles se caracterizaban por pantalones angostos sin bolsillos exteriores y variedades de sacos, con y sin solapa.
La encargada de la moda femenina de estos años fue Mary Quant, quien supo captar los cambios producidos por el rock, entre otras cosas, logró imponer la minifalda, permitiendo lucir las piernas de las mujeres que por tantos años estuvieron cubiertas.
Los hippies por su parte, también tenían su estilo particular en su forma de vestir, y actualmente esto se identifica con el hippie chic, el cuál fusiona la ropa y la música de los 60 y 70, dándole un toque de modernidad.
La tribu hippie se vio influenciada en un principio por los Beatles quienes iniciaron su segundo período musical a fines de los 60. En esa época la moda era una forma de representar los conflictos que ocurrían como la guerra fría, lo que provocó daños ambientales y muchas muertes, logrando finalizar con esta idea pacifista de los hippies.
Es en ese momento que el rock y la moda se transforman en el medio capaz de manifestar esta disconformidad por parte de los jóvenes. La ropa utilizada por los hippies rockeros fue la que expresaba el rechazo a la violencia y el
consumismo, es por eso que su imagen era más bien desprolija y despojada.
En el año 1967 el grupo británico llamado Los Beatles edita un disco que cambiaría la historia musical. Sgt.
Pepper’s Lonely Hearts Club Band fue el disco que provocó un cambio tanto en la música como en la vestimenta. La misma comienza a tener un aspecto más teatral. Este grupo musical fue el principal influyente en los jóvenes de los años 60, quienes querían conseguir la paz mundial a través de canciones como Imagine.
En el año 69 se realiza un festival llamado Woodstock el cuál fue clave para todos aquellos hippies que luchaban por la paz. La vestimenta, el rock, el arte, la liberación sexual, entre otras, fueron representadas en el mismo. Janis Joplin, Santana, Hendrix, entre otros músicos fueron algunos de los que se presentaron en esos tres días de festival donde los jóvenes ya copiaban la vestimenta de ellos.
La moda de la época se caracterizó principalmente por mezclar prendas de distintas culturas, ya sea de la India, África y América Latina. Las mujeres, por ejemplo, usaban polleras largas de bambula, sandalias y prendas artesanales principalmente. “El estilo simple y natural fue en sí mismo un modo de protesta por un mundo multicultural, igualitario y pacífico”. (Vestimenta y Rock Hippies, s.f, en
http://www.vestimenta-rock.com/Vestimenta-y-rock- hippies.aspx).
Otra prenda clave de esos años fue el pantalón oxford, pintados, rotos, con parches, y remeras teñidas. Los hombres, también utilizaban jeans oxford, camisas ajustadas y coloridas. Mientras que la mujer se liberaba de la ropa ajustada de los 50, el hombre, por el contrario comenzaba a usarla.
Por otra parte, el calzado tuvo su lugar también. Las sandalias de cuero eran clave para continuar con la idea de liberación corporal; también las botas, al estilo beatle, para otras ocasiones. En este momento la ropa hippie, como se mencionó anteriormente buscaba ser una fuente de protesta y manifestación, esto se logró en un principio. Luego, muchos diseñadores adoptaron este estilo al cuál le quitaron el fin político, pasando a ser una nueva forma de vestir con elegancia.
La tribu urbana conformada por los hippies no es aquella que viste, como se menciono antes, con prendas de marcas que toman elementos de esos años; sino que, quienes la conforman son aquellos jóvenes que siguen esos mismos ideales de los comienzos del hippismo.
Este look es visto en la actualidad en muchas marcas, como Rapsodia por ejemplo. “Un estilo que en un principio tuvo un sentido revolucionario y comprometido pasó a ser solo
una cuestión de moda, en la que ya no quedan rastros de la vestimenta y el rock de los sesenta y setenta”.
(Vestimenta y Rock Hippies, s.f, en http://www.vestimenta- rock.com/Vestimenta-y-rock-hippies.aspx).
En el caso del punk, un movimiento que surge a finales de los años 70 como forma de protesta social y en contra de la autoridad, estaba integrado por un grupo de jóvenes con actitud agresiva, musicalmente rockero que se caracterizó principalmente por su estética, la cual fue fuerte sobretodo en los peinados que utilizaban tanto las mujeres como los hombres, el pelo rapado con una cresta, o en otros casos, largo y descuidado. En cuanto a la indumentaria eran prendas en las que predominaba el color negro combinado con otros colores como el rojo o el azul, tachas, chalecos con parches, entre otros. Estos jóvenes definidos como “los jóvenes más viejos que conoció la historia” según Kreimer (Saulquin, 1997, p.259), estuvieron relacionados desde un principio con la moda debido a que Vivienne Westwood fue una de las principales diseñadoras para este movimiento, logrando así construir la imagen que los representaría. Esta tribu urbana manifiesta constantemente su desagrado con la sociedad y responden con actitudes que molestan al resto. Otra de sus características, principalmente en los punks del comienzo del movimiento, es el uso de ropa usada, rota, vieja, con parches de bandas, como así también el uso de botas o borceguíes, la
moda del hazlo tu mismo. Actualmente esto se ve modificado por las prendas oscuras, frecuentes en esta tribu.
El estilo Punk, como se menciono antes, surge como una forma de manifestación del sistema establecido, lo cuál se veía reflejado en la música energética y simple que realizaban, como así también en su estética dura, causando escándalo en la gente que los veía. Un ejemplo es el de la banda New York Dolls, los cuáles estaban vestidos con toques femeninos, un look creado por su propio manager y diseñador McLaren.
Otro claro ejemplo de esta fusión, moda y punk rock es el de la banda Sex Pistols cuya diseñadora Vivienne Westwood fue la encargada de lograr su look tan particular, el cuál fue copiado por muchos seguidores de este movimiento.
Estos dos diseñadores fueron los responsables de unir estos dos fenómenos originando la moda punk. Incluían en sus prendas alfileres de gancho, tachas, parches, entre otros.
Las mujeres vestían con minifaldas de cuero, escocesas, faldas y vestidos tubo, y accesorios como cintos y pulseras.
Las mujeres punks buscaban ser sexys pero a la vez con toques masculinos, justamente para romper con lo que la sociedad imponía. El símbolo de la anarquía es un clásico de la moda punk.
Como sucedió con el estilo hippie, el cuál fue tomado por diseñadores, lo mismo ocurrió con los punks, el cuál
ingresó al mundo de la alta moda de la mano del diseñador Jean Paul Gaultier, convirtiéndose así en una nueva manera de vestir.
“Así, la vestimenta y el rock han pasado a formar parte del gran negocio de la música y la moda, volviéndose productos en serie muy consumidos en el mundo entero”.
(Vestimenta del Punk Rock, Moda del Punk Rock, s.f, en http://www.vestimenta-rock.com/Vestimenta-y-punk-rock.aspx).
Y por último, cabe mencionar una tribu urbana, la cual tuvo gran importancia en cuanto a su estética. Es la tribu Glam rock que nace con aquella música pop de Marc Bolan, y luego David Bowie.
El Glam, abreviación de glamour nace dentro del estilo de música rock, que luego se transforma en el pop-rock, fusionando elementos de este último.
Tyrannosaurus Rex fue una de las bandas que se vistió de rosa y se paró en un escenario, dirigidos por el músico antes mencionado, Marc Bolan.
“Nadie como Bolan consiguió desafiar la postura clásica del rockero macho, esa que consistía en mostrarse como un patán enfundado en vaqueros, chaquetas de cuero y una actitud francamente fanfarrona” (Romero, M.C, 2008, septiembre, 24.
Marc Bolan: rey del Glam rock, rey del gay rock en:
http://anodis.com/nota/12727.asp)
Así, como se menciona en lo citado anteriormente, fue Marc Bolan quien se animó a desplegar este estilo femenino en un show, el cual luego fue imitado por muchos. Es con Tyrannosaurus Rex que el escenario se va a iluminar de brillo, porque es considerado el grupo que hizo que naciera el glam.
Como movimiento musical, el Glam rock, también llamado Glitter, fue popular a comienzos de los años 70. Este estilo se inspiraba en el rock and roll y la música pegadiza, y a su vez acompañaban a este ritmo divertido, los músicos vestidos con ropas extrañas y andróginas.
Esta imagen que tenían era sin dudas creativa ya que no se trataba solo de un traje que llamase la atención, sino que en su conjunto, acompañaba la música y los movimientos. En el caso de Bolan, utilizaba prendas con estampados animal prints, accesorios como las boas de pluma, calzadas con plataforma, lo cual demostraba que su estilo y su look estaban influenciados por la estética de los travestis de Nueva York de esos años. Y es ahí en donde aparece la idea de este estilo como un medio de provocación.
Y es que en más de un sentido Marc Bolan ha fungido como un divertido ejemplo para todos los rockeros que han trascendido las barreras del género y las vestimentas impuestas por una comunidad artística a la que o le daba miedo jugar con los roles sexuales o culturales y todo
lo que ahí se deriva (atuendo, actitud, ideologías, etc.). (Romero, M.C, 2008, septiembre, 24. Marc Bolan:
rey del Glam rock, rey del gay rock en:
http://anodis.com/nota/12727.asp).
Esta cita demuestra lo dicho anteriormente ya que este músico, a pesar de su estética relacionada con una imagen femenina, no es sólo seguido por ellos, sino que muchos músicos rockeros actuales toman elementos de ese estilo impuesto por él, logrando una imagen original y diferenciada.
Bolan fue un ícono tanto en lo musical, como en lo estético, y como tal, hoy es tomado como punto de partida tanto en la música, como en el diseño.
Esta tribu urbana que como ya se mencionó, nació en los años 70, se caracteriza por el uso de prendas llamativas con la intención de provocar, desde la ambigüedad sexual, como así también desde su caracterización con los maquillajes.
En los comienzos se puede observar, que tanto los hombres como las mujeres utilizaban pantalones ajustados en la cintura y anchos en las piernas, acompañados de camisas ajustadas al cuerpo. En cuanto a los colores, llamativos, fluo, como así también el uso de materiales brillantes. Otro de los elementos que apoyaba la búsqueda de aclamar la atención eran los estampados psicodélicos utilizados en los tejidos, con los que luego se confeccionaban las prendas.
Actualmente esta moda impuesta por el estilo musical Glam-rock se ve en los vestuarios de bandas como Miranda!, Babasónicos, y otras no tan reconocidas como Los Peyotes; y en aquellos seguidores de dichas bandas que son la copia exacta de ellos.
Los integrantes de esta tribu se diferencian de las otras por el uso de accesorios como mochilas con peluche e imágenes de kitty, elementos aniñados, y prendas decoradas con stras y lentejuelas.
Como se nombró al comienzo, los rockabillys, los punks, los hippies y los Glam rockers son las tribus urbanas más antiguas, que surgieron en los comienzos del rock. Y entre ellas se encuentra una característica principal y un punto en común y es que las cuatro nacen de un mismo estilo musical.
Lo que permite afirmar que muchos jóvenes se agruparan según gustos musicales, preferencias, ideales y demás, logrando originar lo que hoy conocemos como tribus urbanas.
Capítulo 2: El vestuario artístico
2.1 - Comienzos de la profesión.
Si se quiere hablar de los comienzos del diseño de vestuario como una profesión, la cual se diferencia de la del diseñador de modas, es necesario mencionar y hacer un breve recorrido por aquellos años en donde surge la historia del vestido, sus comienzos, y demás características que marcaron la misma.
Como se explica en Vestuario, forma y contenido, extraído del libro Breve historia del traje y la moda, la historia del vestido se inicia en los tiempos más antiguos de la historia del hombre. Dentro de ésta no se encuentran grandes cambios en lo que fue la evolución del vestuario, pero sí en la indumentaria, en donde estos cambios son notables según los años y debe ser estudiado globalmente, y no teniendo en cuenta en como cambio un traje, por ejemplo, del siglo XV al día de hoy. Este trabajo es realizado por antropólogos en donde lo importante se centra en la evolución del traje, como la evolución del ser humano (s.f.).
El fenómeno de la moda es aquel que se relaciona con la industria y el diseño. Pero, sin embargo, es la historia del traje, o la historia del vestido lo que más se acerca a lo que hoy se conoce como el vestuario artístico, ya que no es
la moda lo que importa precisamente en el momento de crearlo, aunque siempre dependiendo del rubro del que se esté hablando.
Como se expone en los textos Historia del vestido y Breve historia del traje y la moda, citados en Vestuario, forma y contenido, la historia del traje comienza antes de que aparezcan las civilizaciones egipcias y mesopotámicas.
Esto pudo verse gracias a estudios realizados por geólogos, los cuáles permitieron conocer el clima, entre otras cosas. Y es ahí, en donde surge la necesidad de cubrirse el cuerpo del frío. Luego el hombre al darse cuenta de que la piel del animal podía cubrirlos, los mataba con dicho fin. Realizaban trabajos a esas pieles para lograr que sean más flexibles y cómodas.
Luego se siguió con el descubrimiento del tinte, en dónde nacieron muchas de las técnicas existentes hasta el día de hoy.
Por otro lado, aquellas personas que vivían en climas más templados y no tan fríos, comenzaron a utilizar las fibras animales y vegetales, lo que permitía también, aprovechar la corteza de los árboles. Es así como fueron surgiendo algunos de los materiales, técnicas y demás, que son conocidos hoy en día, y que da cuenta que el nacimiento del vestido surgió como una necesidad.
A esta historia, conocida como la historia del vestido, se le suma la historia del vestuario, como una forma de expresión, y caparazón de un actor.
Según el diccionario de la Real Academia Española el vestuario es el “Conjunto de trajes necesarios para una representación escénica”. (2001, en www.rae.es). De ahí que este trabajo comienza con el análisis de todo aquello que puede influenciar y aportar al diseño del vestuario en cuestión. Dentro de esto se incluye el contexto histórico y temporal, lo emocional y afectivo, el seguimiento de los acontecimientos que surgen durante un texto, ya sea el de una obra de teatro, una canción o mismo el guión de una película, los personajes en sí, incluyendo sus aspectos psicológicos.
Analizar todos estos elementos es esencial para el desarrollo del vestuario ya que esto ayuda a situar en un espacio y tiempo aquello que se quiere contar, y enfocar la perspectiva en la cual el vestuarista se va a basar para realizar la puesta en escena. “(…) Se hace necesario establecer todas las relaciones y motivaciones posibles que construyen nuestra historia. Narrar con la imagen, la forma, las texturas, el color. El vestuario constituye un apoyo fundamental en la descripción de nuestros personajes.”
(Vestuario, Forma y contenido, s.f, en
http://www.escenografia.cl/vest.htm)
Es decir que afirmando lo citado anteriormente, el vestuario es aquello que comunica en primera medida el aspecto del personaje. Es lo primero que se ve ante el público y es por eso que es importante que refleje el carácter del mismo.
Para analizar los inicios de la historia del vestuario es necesario hacer un recorrido por aquellas tipologías que marcaron la historia del vestido. El corsé es un claro ejemplo de esto. Prenda femenina pero que no permitía la expresión de la mujer. Es por eso que hasta los primeros años del siglo XX la mujer se vestía como una manera de decorar su cuerpo. Otro ejemplo eran aquellos vestidos, con enormes enaguas que dificultaban la movilidad de ellas.
Tiempo después, nace una nueva silueta en la mujer femenina, la silueta s, la cuál consistió en ajustar las faldas al cuerpo, para resaltar la figura. Surge una nueva imagen de mujer que ya no se vestía como una forma de decoración, es por eso que las confecciones de los vestidos comenzaron a ser mucho más simples, logrando también, comodidad. Nace el traje sastre, dividido en dos piezas, saco y falda.
Llega el año 1910, y la moda se encuentra influenciada por el vestuario de los ballets rusos, colores llamativos y estilo oriental que dejaron atrás los tonos pasteles hasta entonces utilizados. Isadora Duncan, una bailarina
estadounidense fue uno de los íconos seguidos por muchas personas.
Ya desde los comienzos de la historia del vestuario se puede observar esta relación existente entre una estrella y su seguidor, el cuál copia exactamente el estilo de su ídolo.
Esto se ve en los distintos rubros como pueden ser el cine, el teatro, la danza y la música.
Luego llegan los años 30, en dónde surgen dos actrices las cuales fueron los íconos a seguir en esos tiempos. Ellas eran Greta Garbo y Marlene Dietrich. Esta aparición de diferentes íconos en cada una de las décadas es una de las características claves del vestuario, ya que representan la indumentaria del momento, y muestra la influencia de ellos en los espectadores.
“Los años 30 comenzaron como una época de glamour y sofisticación enaltecida por las divas del cine que
representaban toda la majestuosidad de la belleza”
(
Historiadel vestido, Los años 30, s.f, en
http://www.teatro.meti2.com.ar/tecnica/vestuario/historiafoto grafica/historiateoria/historiateoria.htm).
Con esta cita se puede demostrar que los comienzos del vestuario surgieron en el cine ya que fue éste fenómeno el que provocó la aparición de aquellos ídolos populares que eran imitados en su forma de vestir. Muchas actrices reconocidas como Marilyn Monroe, Brigitte Bardot, actores
como Marlon Brando, Elvis Presley, además ídolo musical, sirvieron de modelo a los jóvenes de la época, generando imitaciones no sólo en su forma de vestir, sino también en sus gestos. Es decir, que ya desde el comienzo del cine, el vestuario de los músicos fue importante como forma de exhibirse e identificarse frente a sus seguidores.
Un diseñador de vestuario trabaja desde la investigación del personaje que tiene que componer. Generalmente el vestuario de época es aquel que se destaca en una película o una obra de teatro, pero justamente es en el vestuario más sencillo en dónde está el mayor trabajo de un diseñador, ya que el trabajo más sutil requiere una búsqueda mayor, aunque muchas veces pase desapercibido. Esto es lo que sucede en los vestuarios cinematográficos ya que en general no se trata de grandes trajes como suele ser en el teatro, o actualmente en la música. Cuenta James Acheson, diseñador de vestuario, que cuando la acción transcurre en el presente los espectadores piensan que la ropa utilizada por los actores es de su propiedad.
En el caso de la televisión, el vestuario se construye con prendas que se obtienen a partir del canje con distintas casas de ropa. Esto muchas veces confunde el trabajo del diseñador de vestuario de cine o teatro en donde lo que se hace es diseñar un personaje en su totalidad, y no solo elegir por ejemplo un vestido.
En esta creación del personaje en sí, influyen diferentes códigos que son propios del diseño, así por ejemplo si se quiere demostrar que un personaje es frágil se utilizaran materiales livianos, con caída y probablemente que sean transparentes; así como también se deberá pensar en la utilización correcta del color ya que estos, justamente, connotan diferentes emociones, estados de ánimo, entre otras características.
Los espectadores, generalmente quedan impresionados al mirar a un personaje sólo por su aspecto exterior, y sin tener en cuenta el detrás de ese diseño, pero para el director y para el vestuarista en sí, diseñarlo no es sólo eso.
En lo que se refiere al teatro y al cine, los trajes a parte de dar la forma, el color y la textura, forman parte de los rasgos y la caracterización del personaje, lo que acompaña al clima de la obra, como a la puesta en escena, que son elementos que hacen que el espectador se sitúe en tiempo y espacio.
El cuerpo es otro de lo elementos a tener en cuenta, ya que es aquel que acompañado por el rostro, la mirada, los gestos, la postura y el movimiento, junto con la indumentaria, forman el lenguaje visual.
El vestuario se relaciona por un lado con la moda y el contexto sociocultural, y por otro, con los signos que
aparecen e interfieren en la puesta en escena, tales como el cuerpo, el espacio, la luz, la música, entre otros. Es por eso que son muchos los puntos a tener en cuenta en el momento de diseñarlo.
“El vestuario como objeto teatral es un signo, y por lo tanto, una escritura con toda su ambigüedad y su polisemia”
según afirma Espector (s.f., p.3).
Por otro lado el diseño de un vestuario también se conforma por una serie de aspectos semánticos, los cuáles son el color, la amplitud, entre otros. Estos aspectos condicionan el vestuario, y la estética en general de la obra en sí. Como explica Alejandra Espector, la amplitud de un traje, por ejemplo, puede representar cosas diferentes, ya sea tratándose de una tragedia, o de una comedia musical.
Esto se relaciona con el lenguaje visual, ya que un mismo traje puede sugerir ideas diferentes, según el contexto en el que se lo sitúe. El uso de los colores también debe ser tenido en cuenta ya que cada color tiene un significado, y una asociación con los distintos estados de ánimo.
Señala Espector que el hecho de que un vestuario vaya cambiando a medida que transcurren los actos, o las escenas, sobre todo si se trata de los protagonistas, hace que el espectador vaya sintiendo lo que va a suceder. Así, por ejemplo, si el protagonista aparece en un acto, en donde va a estar presente la venganza, vestido de color negro, el
público se dará cuenta de que lo que va a suceder va a ser algo oscuro, trágico; como así también se dará cuenta de que la obra está por finalizar si se ve al protagonista vestido con un traje muy expresivo, y de mayor importancia que el resto del vestuario de la obra (s.f.).
Otro factor que influye en la creación del vestuario para un personaje, es la caracterización, la cuál forma parte del mismo. Más allá de que éste trabajo sea realizado generalmente por un maquillador, es el vestuarista el que debe indicar el maquillaje a realizar, ya que es él quien conoce en profundidad al personaje. Tanto el maquillaje como el peinado y los accesorios, son piezas fundamentales para que la creación de un vestuario concuerde en su totalidad.
Los vestuaristas, como ya se menciono, son aquellas personas que se encargan de estudiar el personaje, sus aspectos psicológicos, físicos, entre otros, para luego diseñar el personaje en sí. Y es en este aspecto que se diferencian de los diseñadores de indumentaria, ya que estos si bien estudian a su cliente, su target, entre otras características, no tienen el trabajo de representar a través de sus diseños, una clase social, ni contar una historia.
Como señala la diseñadora de vestuario Alejandra Espector:
El vestuarista trabaja sobre el personaje en sí mismo. El diseñador, tal como hace el actor, trabaja directamente sobre cada personaje a través del conocimiento e
identificación con el mismo, ya que la función del vestuario en el teatro actual es develar el carácter básico del personaje e integrarlo al desarrollo y a la transformación profunda de las situaciones, remitiéndose a los tipos diferentes de cambios, ya sean cronológicos, psicológicos, o afectivos de la acción dramática. (s.f., p.0, 1).
En lo que se refiere al cine y al teatro, la actividad del diseñador de vestuario nace como una forma de representar lo más real posible aquello que el director quería contar en un film, o en una obra de teatro. El vestuario que lleva un actor conforma la imagen del mismo, y es ésta la cual recibe el espectador en primera medida antes que la historia en sí.
Es por eso que esta actividad surge como una necesidad de poder representar, en todos sus aspectos, lo más real posible ya sea una época, en el caso de los films de época, o mostrar la actualidad, en la moda por ejemplo y, fundamentalmente con una función de tipo narrativa.
Como se puede observar, muchos son los elementos a tener en cuenta en el momento de diseñar el vestuario ya sea para una película, una obra de teatro o un recital de un grupo de rock, ya que cada uno de esos elementos va a influir en el resultado final. Con el paso de los años el vestuario fue adquiriendo mayor importancia en cualquiera de los rubros antes mencionado.
2.2 - ¿Con qué artistas se vinculan? Diferentes rubros.
El diseño de vestuario se realiza en diferentes ámbitos, los cuáles pueden ser el teatro, el cine y la música, dónde en este adquirió mayor fuerza en los últimos años, pero en estos rubros se encuentran diferencias que hacen que exista un modo de trabajar diferente para cada uno de ellos.
En el caso del teatro lo que ocurre es que el punto de vista al ser uno sólo, es decir que el espectador se encuentra a una distancia previamente establecida, se pueden utilizar materiales que no sean los reales. A diferencia del cine que el espectador tiene diferentes puntos de vista ya que puede observar desde planos generales a primeros planos, ya que la visión esta en manos del lente de la cámara.
En un principio el vestuario comenzó cumpliendo una función narrativa en la cuál ayudaba a contar una historia, pero con el tiempo a esto se sumo el hecho de poder copiar, por parte de los espectadores, el look de sus ídolos. La gente se acercaba al cine a ver a las estrellas para luego imitarlas en su totalidad. Estas estrellas muchas veces se trataban de músicos de la época, es por eso que ya desde los comienzos del vestuario se encuentran relacionados estos dos fenómenos.
“La función del vestuario ha cambiado mucho desde la época de oro del cine. Hubo un tiempo en que el glamour era
todo, la gente no iba al cine a ver una película sino a las estrellas lucir maravillosas” como explica el diseñador de vestuario Acheson (1993, Bertotto, p.70, en Los cuerpos dóciles hacia un tratado sobre la moda). Esto da cuenta de que los espectadores estuvieron influenciados por todo aquello que se veía en pantalla, en el caso del cine, y en el escenario, en el caso del teatro y la música.
Hoy en día, la estética en lo que se refiere al diseño de vestuario tiene más que ver con la creación de una imagen.
En el caso del cine, que ayude a contar la historia misma, y en el caso de la música, se trata de la creación de esa imagen que represente a un grupo como tal, de acuerdo a su música, a sus influencias y a su estilo particular que lo diferencia del resto. A su vez, se trata de generar la imagen con la que luego sus fans se van a identificar.
El vestuario puede ser de época o actual. En el caso del vestuario de época, frecuentemente se tiene en cuenta la iconografía de ese momento, ya que va a ser una pieza importante a tener en cuenta en el momento de diseñar; por otro lado en el caso del vestuario actual, es un tanto mas complicado ya que para demostrar la clase social de un personaje, por ejemplo, el estudio debe ser mas profundo para que éste pueda transmitir al espectador la idea planteada en un principio, entre otras características, que generalmente hacen a la personalidad de personaje.
Cuando se trata de vestuario de época, el trabajo parte de la documentación del período que se abarcará, y esto permite que se tenga una base de aquellas tipologías que se van a utilizar, accesorios y demás, lo que ayudará a la nueva interpretación del diseño.
Otro punto a tener en cuenta en el momento de diseñar un vestuario cinematográfico es pensar en aquello que se quiere mostrar a los espectadores, y que el vestuario mismo no los distraiga del tema central. Es decir, hay elementos en el vestuario que producen asociaciones en la memoria visual de los espectadores, es por eso que muchas veces, estos elementos deben ser eliminados del vestuario, y lograr que éste sea más neutro para no confundir al espectador. Un ejemplo es el que cuenta el diseñador de vestuario James Acheson con el film La noche de los lápices, en donde el vestuario es de la época de los años 60, y aquellos chicos que iban a participar de la película se rieron al ver la moda de esos años. Esto fue un punto a tener en cuenta por parte del diseñador ya que así como a los mismos actores les pareció graciosa y ridícula la indumentaria de la época, esto podía llegar a suceder con los espectadores del film. Es por eso que en ese momento se decidió realizar el vestuario lo más neutro posible, para que así no distraiga al espectador.
Esto tiene que ver con aquello que el director quiere
comunicar, y como lo logrará, y en este caso el vestuario no era necesario que llame la atención.
En cuanto al vestuario de músicos, el trabajo también difiere del teatro o el cine. Aquí, el diseño del vestuario puede estar influenciado tanto por el estilo mismo del músico, por una temática específica que caracterice un disco, o por el estilo de la música en sí.
Si se tiene en cuenta el estilo del músico en su forma de vestir, el trabajo del vestuarista va a ser el asesoramiento de la imagen a la que se quiera llegar. Muchas veces el artista tiene una idea de cómo quiere mostrarse en su show, y a partir de eso se manda a diseñar la indumentaria.
Otra opción es la de diseñar a partir de la música que realiza el grupo, es decir, si se trata de rock electrónico por ejemplo, no se van a utilizar los mismos elementos que se utilizarían en otro estilo musical como puede ser el Glam rock, en donde seguramente el aspecto sería más teatral y llamativo, y es esto lo que hace que se diferencien entre sí.
Lo que puede verse en músicos como Gustavo Cerati en dónde su estética acompaña la música que hace, como así también en el grupo Babasónicos, que claramente se ve la influencia de los años 70 tanto en sus prendas, como en su música. Estos dos fenómenos funcionan conjuntamente, y es el trabajo del vestuarista lograr que esta fusión sea la correcta.
Otras veces también, se parte de una temática. Un ejemplo de esto es el grupo Turf, quienes en una ocasión se vistieron de jugadores de polo, y con esa imagen promocionaron su disco, y lo utilizaron para los shows. Esto la mayoría de las veces depende del grupo, si se presta o no para la realización del vestuario. La idea de pensar en una temática tiene que ver con el disco en sí, ya que a partir de eso se va a crear la imagen del grupo, y es por eso también que ésta varía constantemente en la mayoría de las bandas, ya que hay casos en los que el músico no se sale de su look personal.
Retomando la idea de variar la estética de un músico o de una banda según el disco que se vaya a presentar, o el show que se vaya a realizar, hace que sea más dinámica la creación por parte del vestuarista, ya que no se lo va a ver siempre igual vestido, lo que va a captar la atención del público también.
Como se puede observar en lo mencionado en este capítulo, el trabajo del diseñador de vestuario depende de muchos factores, ya sea el rubro del que se trate, como así también de características particulares de cada uno de ellos.
Lo que hace interesante este trabajo es la capacidad de poder unir todos estos elementos para llegar a un buen resultado final, como ser los trajes en una obra de teatro, la ropa en un film, y el vestuario en un recital.
Cuando todas estas características funcionan correctamente se logra crear una imagen que va a ser aquella que comunique lo que en un principio fue planteado. Tanto en el teatro, como en el cine, y en la música, el fin es el mismo, lograr la comunicación de aquella idea principal y captar la atención del espectador; y es el diseñador de vestuario el encargado de que esto suceda.
Capítulo 3: El vestuario artístico como medio de comunicación
3.1 - Concepto de comunicación
Según Zorín “Comunicación es todo proceso de interacción social por medio de símbolos y sistemas de mensajes. Incluye todo proceso en el cual la conducta de un ser humano actúa como estímulo de la conducta de otro ser humano”.
(
Psicología de la personalidad, s.f, enhttp://www.letra.org/spip/article.php?id_article=1953).
Los hombres a través de la comunicación expresan sus necesidades, aspiraciones, criterios y emociones.
Los seres humanos utilizamos la indumentaria para comunicarnos, esto puede verse a lo largo de la historia de la moda. Un claro ejemplo es el de Coco Chanel, quien implemento el uso de los pantalones en las mujeres. Esto se debía a que, al estar en guerra, las mujeres necesitaban realizar las tareas de los hombres, imposibles de hacerlas con polleras o vestidos por lo cual comenzó a utilizarse esta prenda que era exclusiva de los hombres. Lo mismo sucedió con los colores de la época, los cuales eran oscuros, opacos y desaturados manifestando el estado de la gente.
La indumentaria no solo sirve para comunicar nuestros estados de ánimo, sino también nos une grupalmente.
Como es sabido cada uno se viste de una manera en particular para pertenecer. Esto se ve reflejado en los grupos de adolescentes pertenecientes a diferentes tribus urbanas como por ejemplo los punks o los darks que se visten todos con un mismo código comunicando así su pertenencia, agrado o preferencia por algún estilo musical o ideología.
En lo que respecta a las artes del espectáculo, el cine y el teatro son los sistemas de comunicación más complejos, ya que en ellos intervienen toda una serie de sistemas de significación tales como la escenografía, el vestuario y la iluminación, los cuáles a su vez poseen sus propios signos.
Dentro del concepto de comunicación se encuentran los elementos verbales y no verbales, como se menciona en lo citado anteriormente. El lenguaje verbal se compone por palabras, las cuales pueden ser escritas u orales, y el lenguaje no verbal se compone de otros signos como imágenes y sonidos los cuales se conectan entre sí, pero a su vez funcionan independientemente el uno del otro.
En el ámbito del lenguaje no verbal, el aspecto es aquello que influye en la percepción del individuo, ya sea en general o particular. Es lo primero que ve el público. De ahí la importancia que tiene el vestuario de un personaje y los elementos que lo acompañan, como ser en este caso la puesta en escena, y en el caso del vestuario de un músico, la música misma.
