UNIVERSIDAD NACIONAL DE EDUCACIÓN
Enrique Guzmán y Valle
Alma Máter del Magisterio Nacional
FACULTAD DE CIENCIAS SOCIALES Y HUMANIDADES Escuela Profesional de Educación Artística
MONOGRAFÍA
Materiales didácticos en la enseñanza musical
Examen de Suficiencia Profesional Res. N° 0961-2019-D-FCSYH
Presentada por:
Godoy Angeles, Juan Sebastian
Para optar al Título Profesional de Licenciado en Educación
Especialidad: A.P. Educación Artística – Música – A.S. Teatro – Artes
Plásticas
Lima, Perú
MONOGRAFÍA
Materiales didácticos en la enseñanza musical
Designación de Jurado Resolución N° 0961-2019-D-FCSYH
______________________________
Dra. Salas Andia María Fátima
Presidente
_____________________________
Mg. Bravo Ormea Marta Sara
Secretaria
_____________________________
Mg. Espinoza Navarro Isaac
Vocal
Con todo mi amor y cariño a mi padres,
quienes con esmero y humildad me enseñaron
el valor del esfuerzo, la perseverancia y la
bondad.
A mis maestros de esta casa de estudios,
quienes inculcaron en mí la pasión por
enseñar e impartir conocimientos de esta noble
Índice de contenidos
Hoja de firmas de jurados... ii
Dedicatoria ... iii
Índice de contenidos ... iv
Lista de tablas ... viii
Lista de figuras... ix
Introducción ... xi
Capítulo I. La enseñanza musical 1.1 Definición ... 13
1.2 Historia de la educación musical ... 14
1.2.1 La educación musical en el mundo clásico ... 15
1.2.2 La educación musical en la edad media ... 16
1.2.3 La educación musical del renacimiento al siglo XVII ... 18
1.2.4 La educación musical en el clasicismo - romanticismo ... 20
1.2.5 La educación musical en el siglo XXI: albores de una nueva era tecnológica ... 22
1.3 Los fines de la educación musical ... 25
1.4 Objetivos de la educación musical ... 27
1.4.1 Objetivo valorativo a través de la percepción estética ... 28
1.4.2 Objetivo formativo en el desarrollo de la musicalidad ... 29
1.4.4 Objetivo educativo en la musical conceptual ... 30
1.5 Los beneficios de la educación musical ... 32
1.5.1 Beneficios de la educación musical en la etapa infantil ... 32
1.5.2 Beneficios de la educación musical en la adolescencia ... 34
1.6. Métodos de enseñanza musical ... 35
1.6.1 El método Kodaly ... 37
1.6.2 El método Montessori ... 38
1.6.3 El método Dalcroze ... 39
1.6.4 El método Orff ... 40
1.6.5 El método Suzuki ... 41
Capítulo II. La enseñanza musical en el sistema educativo peruano 2.1 Historia de la enseñanza musical en el Perú... 43
2.2 Historia de la educación musical en el currículo escolar ... 46
2.3 La enseñanza artístico-musical en el contexto social de las últimas décadas ... 49
2.3.1 Arte y Cultura en el nuevo Currículo Nacional de la EBR ... 52
2.4 Revalorización de una educación musical de calidad ... 55
2.4.1 Educación musical escolar: una formación con miras profesionales ... 57
2.4.2 La educación del oyente y la apreciación musical ... 61
Capítulo III. Los materiales didácticos 3.1 Definición ... 64
3.3 Funciones de los materiales didácticos ... 67
3.4 Clasificación de los materiales didácticos ... 69
3.4.1 Clasificación general ... 70
3.4.2 Clasificación en relación del grupo al que se dirige ... 71
3.4.3 Clasificación en relación a las características y edad del estudiante ... 71
3.4.4 Clasificación en relación a los conocimientos previos ... 74
3.4.5 Clasificación en relación a la adquisición de destrezas y habilidades ... 76
3.4.6 Clasificación en relación al tipo de material elaborado ... 77
3.5 Tipos de materiales didácticos ... 78
3.5.1 Material tipo maqueta o modelo ... 79
3.5.2 Materiales impresos o escritos ... 81
3.5.3 Materiales Audiovisuales ... 82
3.6 Selección de los materiales didácticos ... 86
3.6.1 Criterios de selección ... 86
Capítulo IV. Los materiales didácticos en la enseñanza musical 4.1 Materiales y métodos en una enseñanza musical activa ... 88
4.2 Materiales didácticos en la enseñanza musical a través de los canales de percepción ... 90
4.2.1 Materiales didácticos a través de los canales visuales ... 92
4.2.2 Materiales didácticos a través de los canales auditivos ... 93
4.3 Materiales de reciclaje como recurso didáctico en la enseñanza musical ... 95
4.3.1 Materiales didácticos de reciclaje en el nivel pre-escolar ... 95
4.3.2 Materiales didácticos de reciclaje en el nivel primario ... 100
4.3.3 Materiales didácticos de reciclaje en el nivel secundario ... 104
4.4 Recursos tecnológicos digitales para una formación musical escolar ... 107
4.4.1 Softwares de edición musical ... 108
4.4.2 Recursos y materiales en línea ... 112
Aplicación didáctica ... 116
Síntesis ... 124
Conclusiones ... 125
Sugerencias ... 126
Referencias ... 127
Lista de tablas
Lista de figuras
Figura 1. Fines y objetivos de la educación musical --- 26
Figura 2. Componentes de la musicalidad --- 31
Figura 3. Evolución de la música en el Perú y Europa --- 45
Figura 4. Situación de la educación artística en el Perú durante los gobiernos de las últimas décadas --- 54
Figura 5. Maqueta del sistema óseo --- 80
Figura 6. Niños exponiendo con un proyector multimedia --- 84
Figura 7. Los materiales didácticos --- 85
Figura 8. Materiales didácticos a través de los canales visuales --- 92
Figura 9. Materiales didácticos a través de los canales auditivos --- 93
Figura 10. Materiales didácticos a través de los medios audiovisuales --- 94
Figura 11. Pandereta hecha de plato descartable --- 96
Figura 12. Maraca hecha con cuchara de plástico --- 97
Figura 13. Castañuelas hechas de cartón --- 97
Figura 14. Trompeta hecha de embudo y manguera --- 98
Figura 15. Banjo hecho de tapas y ligas --- 99
Figura 16. Materiales didácticos de reciclaje en el nivel primario --- 100
Figura 18. Flauta casera --- 105
Figura 19. Palo de lluvia casera y xilófono de botellas --- 106
Figura 20. Programa de notación musical en ejecución --- 109
Figura 21. Personas editando una secuencia musical --- 110
Figura 22. Programas de simulación musical --- 111
Figura 23. Material interactivo tipo rompecabezas --- 113
Figura 24. Componentes de una webquest --- 114
Introducción
En el presente estudio se realizó las indagaciones con respecto a los materiales didácticos en la enseñanza musical. Por lo que, es de consideración significativa abordar en primer lugar los conceptos de educación musical y dar un vistazo al rol que cumplió este en los diferentes contextos sociales a través de la historia de la humanidad.
En este escenario, se asume que la educación musical desde sus orígenes conllevó
intrínsecamente el propósito misionero de cultivar en el ser humano una virtud sensibilizadora ante lo bello y la naturaleza estética del arte, estando siempre vinculado al desarrollo
formativo, valorativo e impulsador sin duda de una formación integral en las personas. A través de la historia se reconoce al ser humano como poseedor consubstancial de un potencial creativo y transformador. De este modo, el aspecto musical infunde principios valorativos importantes en el desarrollo de una alta capacidad de reflexión, espíritu crítico, y sensibilidad ante la realidad que los rodea. En una época marcada por las múltiples
exclusiones sociales, culturales, económicas y raciales, se reconoce y consolida a la práctica pedagógica musical como una herramienta reparadora de intervención social.
En virtud de ello, podemos notar que los diferentes modelos curriculares a nivel
internacional, denotan un evidente interés en la implementación de programas de estudio en la enseñanza musical, todo esto con el fin de forjar un espíritu participativo en el desarrollo de sus localidades a través de una formación holística en el ser humano.
El presente trabajo monográfico tiene como objetivo informar y documentar el uso de los diferentes materiales y dispositivos didácticos en el marco de una enseñanza musical, su clasificación, objetivos y beneficios que conlleva la misma.
Para satisfacer el alcance de los objetivos propuestos, la monografía consta de cuatro capítulos el cual detallamos:
El primer capítulo abarca los diferentes conceptos vinculados a la práctica pedagógica musical, su desarrollo a través de la historia, los inherentes beneficios en su proceso de enseñanza y el planteamiento de sus principales fines y objetivos.
En el segundo capítulo se comprende el contexto en el que se encuentra nuestro sistema educativo peruano, su desarrollo pedagógico musical, los tópicos de una formación musical profesional y los posibles caminos hacia una educación musical revalorizada.
En el tercer capítulo se describe el concepto de material didáctico, sus diferentes
funcionalidades, los principios que la presiden, así como la selección, elaboración y aplicación en la práctica pedagógica.
En el cuarto capítulo se explica el uso de los materiales didácticos aplicados en la
enseñanza musical, así como la diversificación de los materiales didácticos en una educación musical globalizada.
En la secuencia final del proyecto monográfico anotamos y presentamos las conclusiones y sugerencias que derivan de la investigación extendida.
Capítulo I
La enseñanza musical
1.1 Definición
La enseñanza musical comprende una serie de procesos de enseñanza y aprendizaje con respecto al ámbito musical. Este proceso constituye un valor incuestionable en la formación del ser humano. Según Maravilla (2015) “la educación musical conduce a las personas a encontrar su forma personal de expresión y apreciación, además de su connatural asociación con el mundo y las cosas que existe en él” (p.13). Este proceso se puede valer de recursos propios (el ritmo, el movimiento corporal, el lenguaje y la compresión de diferentes códigos y signos) o ajenos para el logro de los aprendizajes deseados.
cual puede acercarse y experimentar con diferentes sonidos y ruidos, así como el desarrollo de su libre exploración y práctica de la expresión rítmica, instrumental, vocal o corporal.
Como bien cultural y medio de comunicación no verbal, la práctica pedagógica musical se vuelve en un poderoso medio para potenciar los valores y las habilidades para la convivencia en las personas. Esta estimula la sensibilidad, afectividad, sensorialidad y valoración cultural propia como las de otros.
En el libro de Moreno Docencia de la música, se puede apreciar una cita elaborada por del filósofo griego Platón, en el que pretende ilustrar el significado de la educación musical. “…La música es parte principal y esencial de la educación, desde el primer momento que esta se plasma en el alma del niño, la familiariza con la belleza y la virtud” (Moreno, 1988, p.8).
El concepto de educación musical expresa en sí mismo dos actitudes pedagógicas, las cuales se interrelacionan y complementan entre sí. Por un lado, nos referimos a la educación por medio de la música y por otro la educación de o en la música. La polifuncionalidad del arte musical la convierte en un potente instrumento para la educación de personas capaces de sentir, crear, razonar, amar profundamente y ser perseverantes en su autodesarrollo personal. Se trata de la formación de una persona y el desarrollo de todas sus posibilidades físicas, afectivas, psíquicas, motoras, etc., la cual cultiva la sensibilidad y la belleza interior, desarrollando la capacidad creativa, y haciendo que estos conocimientos musicales que se les imparten no queden en el intelecto como una acumulación de datos incomprensibles, sino el de hacer música viva (Moreno, 1988, p.7).
1.2 Historia de la educación musical
actualidad, indican que la música siempre estuvo vinculada con los fenómenos sociológicos y educativos de los países. Desde los albores de la cultura griega hasta la moderna enseñanza del siglo XXI con sus múltiples métodos, la música en la práctica pedagógica, se sigue empleando como medio y fin en el desarrollo holístico del ser humano.
1.2.1 La educación musical en el mundo clásico.
En los escritos musicales que prevalecen en el acervo documentario histórico, en el contexto del auge de las corrientes filosóficas en la antigua Grecia, resalta a la educación musical como un papel integral en la vida de sus habitantes al igual que las demás ciencias, buscando cultivar y forjar un espíritu humano sensible. Con respecto a esto, Platón expresa la siguiente pregunta retórica “¿Acaso no descansa en la música lo más sobresaliente de la educación, desde el momento que el ritmo y la melodía se introducen en el alma y se imprimen en ella?”.
En la Grecia antigua los aedos y sacerdotes eran auténticos conservadores musicales, formaban familias con distintas funciones sociales hereditarias, guardando la educación musical como un secreto profesional en determinados senos familiares. También se pueden apreciar en las epopeyas homéricas los efectos de la música en determinados momentos.
necesarias para modelar el espíritu. Destacó la consideración que se le confiere a la música, la danza y la poesía como un poderoso medio para educar el carácter y la sensibilidad, formando mejores y virtuosos hombres. Fubini (1997) indica “Platón en sus libros Las Leyes I y II,
resaltala gran importancia de la música en la educación del hombre, pues declara que no podrá ser considerado como educado quien no sea capaz de danzar y cantar bien” (p.35).
El imperio romano conserva y estima la importancia de la música heredada por los griegos, Tal es así, que la existencia de profesores de geómetras, matemáticas y músicos eran
confirmados en testimonios del siglo I al IV. Baudot (1973) expresa lo siguiente “No obstante de las indignaciones pasajeras, la clase noble romana hacía aprender danza y música a sus hijos, tanto en Roma como en Grecia, la educación musical estuvo integrada en el currículum
usual de los estudios” (p.94).
1.2.2 La educación musical en la Edad Media.
Uno de los hechos más resaltantes durante este periodo es la conversión de Carlomagno en instructor de la educación escolar romana, a través de su capitular en el año 778, en el que multiplicó las escuelas Catedráticas y Monásticas. Dichas escuelas poseían ciertos
En el trascurso del Románico al Gótico, las escuelas son suplantadas reiteradas veces por las capillas musicales de las catedrales. El desarrollo y avance de la música conlleva a la introducción de la polifonía en el sistema musical tradicional junto con la intervención de instrumentos musicales. Las universidades medievales eran agrupaciones recogidas por la iglesia católica en el que las ceremonias religiosas y académicas-litúrgicas poseían amplios contenidos musicales. Consecuentemente se añaden actividades artísticas musicales como: los coros en el servicio religioso, interpretaciones musicales, festivales, actos académicos, etc. Las características comunes en las universidades medievales se basan en el análisis y estudio de las artes liberales, relacionados a la adquisición de conocimientos, considerando la práctica musical en una asignatura regular.
La universidad de Alcalá, fundada por el Cardenal Cisneros en 1499, empieza sus
actividades académicas en 1510, la cual incluye entre sus materias la enseñanza musical. En Europa sucede un fenómeno similar: en las universidades de Cambridge y Oxford, los alumnos luego de cursar el grado de bachiller deberían llevar durante su primer año las materias de matemáticas y música ineludiblemente.
No obstante, la música en el periodo de la baja edad media, constituyó un carácter
especulativo y científico más que perentorio y artístico, en tal sentido, se llega a determinar que en las universidades se realizarán la escisión entre oficio y ciencia (Fernández 1988, p.338).
1.2.3 La educación musical del Renacimiento al Siglo XVII.
Durante este periodo la música fue objeto de diferentes estudios científicos, en el afán de querer intelectualizarla. La universidad de Salamanca continúa siendo uno de los centros más importante de enseñanza, la cual es reconocida por su espíritu tolerante, progresista y
humanista. El 14 de octubre de 1537, los Catedráticos de plantilla redactan los estatutos de la universidad, dando por sentado en el Título XVII los deberes y responsabilidades del profesor de música. Paulatinamente en las diferentes universidades de Europa se empieza afianzar la enseñanza musical. La universidad de Oxford establece el tratado De especulatione musicale,
uno de los más importantes que aborda la obra de Walter Odington en la combinación de la música especulativa y la práctica. En el siglo XV la institución King’s Collage y la
universidad de Oxford empiezan a expedir sus primeros grados en música.
La universidad de Paris junto con la escuela de la Catedral de Notre Dame, a través de los músicos y matemáticos Jean Muris y Vitry impulsan la nueva polifonía. Las Universidades Italianas desarrollan la música como sciencia y como ars cultivando la formación en estudios humanísticos. En la universidad de Padua el matemático y astrónomo Galileo Galilei (1592-1608), colecciona una serie de obras musicales, señalando los errores de Pitágoras y Boecio.
En paralelo al acontecimiento de la música en las universidades europeas, la música en la iglesia se profesionaliza, organizándose en las capillas compuesto por el maestro, los
instrumentistas y los cantores. Las capillas de las iglesias se constituyen como centro de aprendizaje, formando compositores que iniciaban sus vidas en un trayecto musical como escolanos. “El arte de la composición solo era permitido a quienes se les consideraba como personajes dotados con la capacidad de cantar y ejecutar más de dos o tres instrumentos” (Robertson & Stevens, 1991, p.185).
Martin González (1991) asevera “El maestro de capilla, a quien se le denominaba
kapellmeister, tenía entre sus obligaciones impartir lecciones de canto llano, contrapunto, canto de órgano y composición de los seises, a quien también se les llamaba mozos de coro o
infantes” (p.30). Los maestros de capillas tenían que cuidar la alimentación y forma de vestir de los próximos integrantes musicales, así como su comportamiento y educación en la sociedad incluyendo su enseñanza de la lectura y la caligrafía. Además de organizar las diligencias pertinentes para la selección sus nuevos integrantes.
1.2.4 La educación musical en el Clasicismo-Romanticismo.
Durante este periodo la música deja de centrarse en su estilo palaciego y eclesiástico, y toma una connotación más sencilla y comprensible, tratando de buscar un equilibrio y simetría en sus obras. Se puede apreciar que el sistema musical adopta las tonalidades mayores y menores, siendo la melodía el eje principal de casi todas las piezas musicales.
El convertirse en un músico durante este periodo era dedicarse a vivir exclusivamente para la música: composiciones, clases, conciertos y entre otras actividades, solo era realizada por un grupo de personas más o menos acomodadas que sobrevivían ante este oficio. Por un lado, las personas con antecedente musicales solían educar a sus hijos y continuar en esta línea, y por otro, las personas con bajos recursos económicos con un desmesurado esfuerzo lograban estudiar esta disciplina. Todo esto demostraba a su vez la continua expansión y proliferación de la enseñanza musical en los diferentes estratos sociales existentes. Los personajes que lograron sobresalir recibían gran admiración por parte del público, ya que las personas
disfrutaban en su mayoría escuchar música en los conciertos, la cual se convirtió en uno de los medios de diversión más frecuentados de aquel entonces. El conocimiento de las obras
musicales era considerado como un bien cultural y social.
Los compositores por medio de encargos componían muchas veces piezas sencillas y asequibles para poder ser interpretadas por músicos aficionados. Los músicos más expertos solían disponer de un sueldo similar al del médico personal del príncipe, no obstante, los músicos principiantes no ganaban más que un funcionario común.
Durante el clasicismo y el posterior romanticismo, el interés hacia la educación musical creció exponencialmente, los padres trataban de asegurarse que sus hijos y familiares fueran instruidos en la enseñanza musical desde una temprana edad. El tener una base apropiada en la práctica musical los podía encaminar hacia un estudio serio posterior. Por un lado, había personas que buscaban la enseñanza musical por razones sociales, por otra parte, había personas que solo deseaban poseer un sentido de autodisciplina en sus vidas, lo que fuere, la música contuvo muchos propósitos en la vida de quien se dedicaría fervientemente a ello.
Durante el clasicismo se fundan los primeros conservatorios públicos de educación musical e instrumental en Paris, Estocolmo, Bruselas, Viena, entre otros.
Jean-Jaques Rousseau, además de ser un importante músico instrumentista, desarrolló un sistema de educación musical, el cual se basa en el remplazo de las notas musicales por números. Considerado como uno de los precursores más importantes de la nueva pedagogía musical por sus reconocidos métodos y su inquietante espíritu educador en esta disciplina.
En este periodo los músicos adquieren una mayor libertad para realizar sus composiciones al dejar de depender de los mecenas. Pero sus obras aún tenían que ser del agrado de la alta burguesía para su estabilización. Gracias a la invención de la imprenta en el Siglo XVI, la cultura musical se volvió más accesible a más cantidad de personas en una continua expansión.
1980 titulado New Curwen Method, en la que se emplea el recurso de fononimia (expresión de las notas musicales por medio de signos manuales muy difundida por Zoltàn Kodaly).
En Francia Bocquillon en su publicación Manuel Musical hecho en el año 1836, tuvo un gran impacto en todo el país. La cual consiste en el trabajo del Do fijo, utilizando
gradualmente ejercicios de dificultad con canciones. Desde ese momento los sistemas del Do fijo tendrían gran aceptación en toda Francia.
En España durante el siglo XIX, desaparece por un tiempo la música en las universidades, a causa decreto emitido por Catalina en el año 1868. Esta causó graves daños a la enseñanza musical al quitarle su rango universitario, argumentando que la educación artística se aleja de la organización universitaria alejando la imaginación, la creación y discurso de la razón serena. Este precepto continuaría hasta más de un siglo. Paralelamente a este alejamiento, se logra crear el primer conservatorio de música en España, dando paso a construcciones de conservatorios musicales durante el siglo XIX. El gran interés por parte de la burguesía de continuar accediendo a grandes espectáculos musicales, así como la contribución en la enseñanza musical, influyeron en la propagación de la enseñanza musical y que se fueran considerando esta como una profesión, además de la continua construcción de conservatorios durante los siglos XIX y XX.
1.2.5 La educación musical en el siglo XXI: albores de una nueva era tecnológica. Durante los siglos pasados, el argumento más importante para la inclusión de la música y otras actividades artísticas en la práctica pedagógica, fue la de invocar una virtud de
“Por la función polifacética que cumple la música, y, por su indiscutible influencia en la conducta humana, a partir de los años ochenta esta pasa ser en esencia una experiencia
multidimensional”(Elliot, 1994, p. 20). Desde esta perspectiva hemos tenido la oportunidad de emplear la educación musical como trabajo y medida terapéutica, y en el siglo XX considerado como una carrera o especialidad académica.
A fines de los noventa en pleno apogeo del neoliberalismo, emerge un creativo periodo en la enseñanza musical, la cual toma protagonismo en la fascinación por las modas y los diferentes modelos educativos que abarcaron desde los 80’s, proliferándose en las distintas sociedades.
En presente siglo XXI al tratarse de un contexto donde las exclusiones culturales, raciales y sociales marcan nuestro entorno, la música toma protagonismo como una herramienta
privilegiada de intervención social. Vemos como la educación musical llega a diferentes grupos a través de proyectos de inclusión social, creaciones de coros, bandas y orquestas infantiles en ámbitos cadenciados, la creación de programas de actividades artísticos-musicales en las cárceles y centros de rehabilitaciones, entre otras importantes actividades.
Observamos como la música entraña un efecto formativo, vinculada tradicionalmente a su valor estético, que hoy en primera instancia se le adjudica como influencia de la formación integral de la persona humana, abarcando no solo los aspectos cognitivos y sensoriales sino en el desarrollo afectivo y social en general.
otras, mientras que en los Estado Unidos, los preceptos del psicólogo y filósofo John Dewey se establecen como base de una pedagogía activa, centrada en la experiencia.
En Europa y en los Estados Unidos, la práctica pedagógica musical se consolida en los principios de la enseñanza activa. Siendo el suizo-alemán Emile Jaques Dalcroze una de las figuras pioneras en introducir el movimiento corporal en la clase de música. Una serie de aportes por parte de grandes metodólogos musicales que se dieron desde el siglo pasado (Kodaly, Orff, Maartenot, Suzuki, etc.) emergen significativamente en la enseñanza musical del presente siglo en diferentes partes del mundo incluyendo América latina. Cada método constituye un aporte específico que complementa y coincide en estimular la participación activa del estudiante a través del canto, el movimiento, la ejecución de instrumentos, el trabajo en equipo y la creatividad. Desarrollando la musicalización en sus diferentes niveles.
A partir de los nuevos paradigmas de la educación en la actualidad, con los diferentes modelos pedagógicos, la tecnología, la modernidad musical, el multiculturalismo, la ecología sonora, entre otras, causan un estado de confusión en la práctica pedagógica musical, por un lado, incrementan los recursos y materiales didácticos para la enseñanza musical, y por otro, escasea las oportunidades de actualización y especialización pedagógica a los docentes que desempeñan en los diferentes niveles educativos. A su vez, El aislamiento y la precariedad de la reflexión sobre la práctica educativa en las áreas curriculares, especialmente en el campo de las artes, se acelera y profundiza en la actualidad. Sin embargo, paralelamente se afianza a su vez un reflote constructivista los niveles primarios y secundarios de las escuelas, el
1.3 Los fines de la educación musical
Se tiene por entendido que la educación musical tiene como finalidad desarrollar a la persona desde sus primeros años, entendiendo como proceso de adquisición las riquezas de la cultura musical que son creadas por el mismo hombre, en donde la modernidad y la tradición se complementan en búsqueda del desarrollo humano. Así pues, se puede inferir también que el fin de la educación musical es colocar a las personas desde sus primeras etapas de vida, en una interacción constante con el arte musical, logrando su relación particular e individual con este arte, la cual permite conocer y comprender el mundo a través de él.
El camino de la educación musical se encuentra dirigida a:
Introducir al ser humano en las riquezas de la herencia cultural musical, conducirle hacia los valores humanos, y buscar la transformación a través de las vivencias individuales subjetivas por medio de las actividades musicales.
Tener en cuenta las condiciones apropiadas para la formación y desarrollo de las capacidades de observación, percepción, conocimiento, comprensión y valoración del mundo, del arte musical y de sí mismo.
Desarrollar el potencial musical creativo de la persona, a través de la enseñanza estructurada en la actividad musical productiva, el respeto a sus intereses y el reconocimiento de sí mismo como un ser creativo de su propio desarrollo artístico-musical.
Figura 1. Fines y objetivos de la educación musical.
Fuente: Universidad Complutense de Madrid - Educación musical en el niño, Amelia Ivanova, 2009.
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C onc ept ua l P ers ona l D e a ct ua ci ó nEducación musical
FinalidadEl desarrollo integral de las personas: valores, habilidades de
convivencia y la formación de personas altamente sensibles ante su realidad. Así mismo, la construcción
de competencias y capacidades musicales, como la apreciación y
comunicación por medio del lenguaje musical.
Objetivos principales
I. Educación hacia un trato estético con su entorno y con el arte musical.
II.Formación y desarrollo de una cualidad musical.
IV. Desarrollo de una actitud musical activa.
Se puede entender como una persona “educada musicalmente” aquella que reúne las siguientes características:
Un conjunto de competencias y capacidades que conlleva la compresión, apreciación y creación del arte musical.
Una cierta cuantía de conocimientos acerca del ámbito musical, un lenguaje específico y una percepción sensorial que implica el arte musical.
Una actitud valorativa hacia lo estético-musical, que implique la creación de material artístico-musical.
A lo mencionado en las líneas anteriores podemos inferir que, los fines de la educación musical se basan en el desarrollo integral musical de las personas como la obtención de capacidades valorativas, comunicativas y creativas.
A la vez el lenguaje musical como medio de expresión y creación, logra consolidar la identidad y autoestima del ser humano.
1
.4 Objetivos de la educación musical
La gran variedad de aspectos que comprende la educación musical y las que intervienen en su desarrollo, nos hace comprender la complejidad que requiere el seleccionar y evaluar adecuadamente sus objetivos. Así también, como la selección idónea de herramientas y medios pedagógicos dirigidos a la creación de condiciones apropiadas para dicho fin.
artística, buscando la constante interacción entre el hombre y la música para extender sus capacidades desde sus primeras etapas de vida.
Se puede tomar ciertos parámetros de la educación musical en el sistema de finalidades para comprender los objetivos de la educación musical en sus diferentes niveles. Tomando en cuenta cuatro direccionalidades en los objetivos con respecto a sus niveles conceptuales, personales y valorativos.
1.4.1 Objetivo valorativo a través de la percepción estética.
Comprende la formación de competencias y capacidades que valora la percepción de la estética a través del arte musical, creando desde un sistema en la necesidad de poner en relación a las personas con el arte musical, hasta la formación y desarrollo de una percepción estética-valorativa del mundo a través de la música.
El hombre puede reflejar su mundo interior por medio de la percepción de arte. Los psicólogos opinan que se puede concretar la percepción del mundo, de los demás y de uno mismo, a través de la percepción del arte. La percepción estética abre las posibilidades para que el hombre pueda conocer, entender, y gracias a ello, poder vivir en armonía con el mundo.
Todo esto puede comprender la importancia de los objetivos de la enseñanza musical, en relación y dirigidos a la formación de competencias valorativas y capacidades de evaluación en las personas.
1.4.2 Objetivo formativo en el desarrollo de la musicalidad.
Introduce los objetivos vinculado con el desarrollo y formación de la musicalidad de las personas, en la que se comprende como un complejo de competencias y capacidades musicales especiales y generales.
En un estudio realizado en la Universidad de Blagoevgrad en Bulgaria por (Atanasova, 1988) se concluye que “las capacidades musicales especiales como componentes básicos de nuestra estructura musical, se agrupan en: 1) capacidades musicales auditivas encargadas de la percepción y la asimilación musical; y 2) capacidades musicales interpretativas que
consolidan la actividad musical” (p.27).
Las capacidades musicales también se articulan en capacidades encargadas de la
percepción y asimilación de toda la información musical; y capacidades musicales valorativas, asegurando la vivencia de la obra musical y su identificación personal desde una propia percepción valorativa artístico-musical.
Los intereses, las necesidades y la percepción, van constantemente marcando las inclinaciones de las personas. Siendo sus actitudes y capacidades como componentes inseparables, hallando no solo estrecha relación sino también una continua transformación.
1.4.3 Desarrollo de una actitud musical activa.
operativo de la actividad musical en cada una de sus formas y b) los descubrimientos del potencial artístico-creativo del ser humano desde sus primero años vida.
Según la psicología moderna, las actividades musicales habituales que al parecer son automatizadas, señalan un grado de desarrollo en la práctica musical. Una capacidad musical se puede desarrollar sobre una base de costumbres y hábitos musicales cotidianos el cual corresponde ya a una actitud musical que empieza a consolidarse ante nuevos retos en diferentes y variados ejercicios musicales (Teplov, 1961, p. 23).
La actividad musical ante todo se convierte en una actividad emocional y al mismo tiempo cognitiva, ya que intervienen la percepción, asimilación y la transformación en la actividad musical. La actitud musical activa también es contar con una actitud investigadora, el cual conlleva al aprendizaje individual de saberes musicales, satisfaciendo las necesidades de las personas en la interpretación y creación artística.
1.4.4 Objetivo educativo en la música conceptual.
Dirige los objetivos hacia la educación musical actual, tomando en cuenta los saberes previos musicales. Entre estas incluye las siguientes cualidades:
a) Adquisición, asimilación y dominio de los recursos del lenguaje musical, para emitir ideas, percepción y pensamientos por medio de la expresión musical, transformando las nociones en realidades sonoras;
b) Apropiación y percepción, aprehensión estructurada de conocimientos sobre el ámbito artístico-musical.
Figura 2. Componentes de la musicalidad. Fuente: Autoría propia.
C
omponentes de la
musicalidad
Capacidades musicales especiales Capacidades musicales generales
1.5 Los beneficios de la educación musical
Estar en contacto con la música y más aún el adentrar en su estudio, aporta múltiples beneficios en el desarrollo de las personas. Según estudios realizados en la Universidad de Toronto en Canadá, se comprobó que la participación de actividades musicales ayuda en las áreas esenciales del aprendizaje como las habilidades sociales y el trabajo en equipo, las matemáticas y el lenguaje, el razonamiento, el pensamiento lateral y memorial, la resolución de problemas, la administración del tiempo y la elocuencia.
En las últimas décadas la neurociencia está logrando importantes avances en el
entendimiento de la funcionalidad del cerebro humano. Siendo el ámbito musical unos de los campos más explorados por esta ciencia. Se ha logrado reconocer por medio de monitoreos con Scanner y Resonancia magnética funcionales que las personas que realizan actividades musicales como el tocar un instrumento, cantar o la lectura musical, lograban activar las áreas cerebrales encargadas de la lectura y la resolución de problemas matemáticos. Se comprobó además que la música impulsa la función de los genes relacionados con el aprendizaje, la memoria y el funcionamiento cerebral en general, contando a su vez con un receptor singular que regula el estrés, los comportamientos adictivos y la depresión.
1.5.1 Beneficios de la educación musical en la etapa infantil.
Santiago Pérez, músico y educador español declara lo siguiente con respecto a los
beneficios de la educación musical en la etapa infantil “La Educación musical en la formación general coadyuva al desarrollo del infante a nivel físico (F), afectivo (A), social (S) e
intelectual (I)” (Perez-Aldeguer, 2013, p.8).
integrarse en la sociedad, dado que, la música impulsa el desarrollo de su autonomía y el desenvolvimiento de sus actividades cotidianas. De igual modo el niño empieza asumir su propio cuidado y el de su entorno, y, ampliar el círculo de sus relaciones.
La música tiene el poder acercar a las personas, y el niño que empieza a familiarizarse con esta disciplina artística, puede desarrollar mejor sus habilidades de convivencia con otros, estableciendo una comunicación oportuna y más armoniosa.
A continuación, se presenta el siguiente cuadro donde se ilustra los niveles de la persona con relación a su desarrollo infantil en el concepto de Pérez Aldeguer.
Tabla 1.
El desarrollo de la educación musical en la etapa infantil.
F A S I
1- Las psicomotricidades fina y gruesa x x x x
2- Proceso psicológico básicos: percepción, atención, motivación y memoria x x
3- La transdisciplinariedad y la creatividad x x x x
4- Las competencias lingüísticas (escuchar y producir). x x
múltiples y diferentes formas. Una de ellas por ejemplo es la asociación de las palabras con motivos musicales, la estructura gramatical y la ampliación del vocabulario. Este proceso se dará mediante dos acciones que confluyen hacia un mismo punto: el escuchar y reproducir.
1.5.2 Beneficios de la educación musical en la adolescencia.
La adolescencia es un periodo de transición que se da entre la niñez y la adultez, esta incluye cambios significativos tanto en el cuerpo como en la mente. Por lo que,
comprendiendo a la música como un poderoso medio de influencia a nivel social y
psicológico, esta repercute directamente en los cambios y procesos que se pueden dar en el adolescente. Por lo tanto, la educación musical cumple un importante rol en la consolidación y búsqueda de la personalidad e identidad en esta etapa. Por lo que, por medio de la práctica musical se pretende regular en el adolescente su seguridad, autoestima y confianza en sí mismo. Orientándolo hacia la reflexión y la sensibilización durante este proceso, en donde la toma responsable de decisiones es crucial.
Víctor Hugo, un importante músico expresa lo siguiente “El arte musical expresa todo aquello no puede decirse con palabras y no puede quedar en el silencio”. Pues, es en esta etapa el adolescente empieza a explorar su identidad y puede expresarle al mundo su forma de pensar y su cambiante ideología. Pues como indica Amparo Moderno (2006), en la
adolescencia ocurren importantes modificaciones en los pensamientos y en la identidad, la cual pueden definir y consolidar al individuo.
vulnerables, redescubriendo su potencial creativo y transformador, tratando así de cambiar su futuro, encaminándolos hacia mejores ideas y la formación de valores y actitudes para una convivencia más armoniosa.
Un adolescente promedio de educación secundaria puede recibir influencias provenientes de dos fuentes: las personas en su entorno habitual (amigos, familiares, profesores…) y los medios de comunicación (televisión, radio, internet…). La primera más marcada que la otra, por contraer factores sociales de edad, raza y sexo. La segunda cuenta con un carácter unificador o globalizador, ya que transmite una serie universos musicales, probablemente estos muy lejanos en el tiempo o el espacio, pero que, pueden llegar a tener un contacto directo con los rasgos sociales del receptor. Este hecho puede ser de mucha importancia en la consolidación de su identidad cultural, comprendiendo su realidad musical y, a su vez valorar y respetar la música en otros contextos diferentes al suyo.
De ese modo, la educación musical de la mano con el docente aplicador, deben de
adaptarse al temperamento individual o grupal de los alumnos, con la finalidad de enriquecer su experiencia artístico-musical estableciendo una formación sólida y amplia que permitan el desarrollo personal (intelectual y sensible) en el marco de una formación social-colectiva.
1.6 Métodos de enseñanza musical
Un método es el procedimiento ordenado y racional en el que se obtiene ciertos resultados definidos. Moliner (1981) indica lo siguiente respeto a su definición “Un método viene a ser la aplicación a un conjunto de ejercicios, lecciones y reglas, para un proceso de enseñanza o aprendizaje” (p. 465).
música unos de las más experimentales materias. La doctora Montessori (1987) logra resaltar la importancia de la enseñanza musical como factor formativo.
En el siglo XX una fila de precursores en la enseñanza musical inicia una renovación pedagógica, rompiendo paradigmas sujetos a la habitual práctica musical teórica y sofisticada, iniciando una educación musical centrada en el “sentir”.
A continuación, una lista de los métodos más importantes surgidos en el siglo XX: Método Kodaly, elaborado por Zoltan Kodaly en Hungría
Método Montessori, elaborado por María Montessori en Italia Método Dalcroze, elaborado por Jacques Dalcroze en Suiza Método Orff, elaborado por Carl Orff en Austria
Método Suzuki, elaborado por Shinichi Suzuki en Japón.
En la segunda mitad del siglo XX aparece George Self, Murray Shafer, Brian Dennis y Jhon Paynter, en su lucha contra una sociedad violenta suscitada en los Estados Unidos, con un sistema pedagógico musical centrado en el desarrollo de la sensibilidad, la creatividad y la transmisión de un lenguaje musical moderno. También destacan los métodos realizados por el navarro Luis Elizalde y la catalana M. Rosa Font y el navarro Luis Elizalde.
Todas estas metodologías creadas, influyeron sin duda en las programaciones de las
actividades musicales en los diferentes centros educativos, cambiando el trabajo convencional en la enseñanza musical.
1.6.1 El método Kodaly.
Creado por el pedagogo húngaro, compositor y folclorista Zoltan Kodaly, este método se basa en la práctica primigenia de la música campesina tradicional, con la finalidad de empezar a familiarizar al niño con su ambiente local.
Se entiende el método Kodaly por la idea principal en el que la música no es una identidad abstracta, sino más bien esta se encuentra vinculada y enfocada en los elementos que la producen (instrumentos y voces). Siendo la práctica instrumental y la ejecución colectiva sus principales puntos.
El método se podría resumir en los siguientes principios: a) La música es tan o igual de necesaria como el aire.
b) La autenticidad de lo artístico es lo más valioso para el niño.
c) La música folclórica nacional es la base fundamental para el surgimiento de la expresión musical en todos los niveles.
Identificar los elementos de la musicalidad a través de la práctica instrumental y vocal. Lograr una enseñanza musical para todos, considerando la práctica musical igual de importante que las demás materias del currículo.
Este método, desde el punto de vista pedagógico, tiene como principal ejercicio la
fonomimia, el solfeo relativo y la lecto-escritura en sílabas rítmicas. Con este último proceso, Kodaly pretende relacionar el valor de cada figura musical con diferentes sílabas, en el que obtiene cierta sensación fonética. Agilizando el desarrollo de los diferentes ejercicios rítmicos.
Cuando se empieza aplicar el método Kodaly en la práctica pedagógica con los niños, esta proporciona una experiencia grata y positiva, creando un fuerte vínculo entre la música y el niño, lo cual incentiva a explorar diferentes formas de expresión musical, ya sea de forma instrumental o vocal.
1.6.2 El método Montessori.
El método Montessori es un modelo educativo elaborado a principios del siglo XX por la italiana María Montessori. En un inicio la educadora comenzó a trabajar con niños de bajos recursos económicos y discapacitados del barrio de Roma. Aplicó su pedagogía sobre niños marginados, observando un progreso en sus desarrollos personales, la libertad con límites, la independencia, el desarrollo físico y social, por lo que dedujo que la práctica podía ser aplicada de igual forma para todos los niños.
El propósito principal de este método es desentrañar el potencial de cada persona para su auto-desarrollo en un ambiente adecuado y estructurado.
El método de María Montessori nace de la idea de querer ayudar al niño en su desarrollo integral, por eso trabaja sobre bases científicas en relación con la formación psíquica y física del niño.
María Montessori basa su método en la colaboración del adulto hacia el niño, convirtiendo la escuela no solo en un lugar donde se imparte conocimientos, sino el sitio donde la parte psíquica y cognitiva del niño de desarrolla a través un trabajo libre con diversos y múltiples materiales didácticos.
1.6.3 El método Dalcroze.
percepción del ritmo a través del cuerpo. La metodología de Dalcroze denota un importante interés en la educación infantil, la cual sirvió como punto de partida para el desarrollo de otras teorías como la de Willems u Orff.
En su método, Dalcroze se opone a la práctica mecánica del aprendizaje musical, por lo que idea una serie de ejercicios para el desarrollo de la percepción y educación del oído. Trabaja simultáneamente la rapidez, la sensibilidad, la atención, la inteligencia y el movimiento por medio de ejercicios melódicos.
Entre sus características principales, el método Dalcroze busca desarrollar los sentidos musicales a través del movimiento corporal, destacando el ritmo como base del solfeo recurriendo al esfuerzo.
La rítmica de Dalcroze cuenta entre sus bases con la improvisación. En este ejercicio por ejemplo, el alumno puede caminar libremente hasta escuchar una base musical adaptándose en forma de marcha al compás de la canción, en las cuales se puede introducir los valores de las figuras musicales para una acción diferente: las negras serán para marchar, las corcheas para correr, y la semicorchea y la negra con puntillo para saltar. Para el desarrollo de la orientación espacial, el alumno marcha en círculos de derecha a izquierda, y para percibir los matices cada uno deberá andar en puntillas con canciones de intensidad suave y marcar fuerte con
canciones de intensidad alta. También se realiza movimientos expresivos para el carácter e interpretación de obras musicales.
1.6.4 El método Orff.
Este método fue creado por el pedagogo y músico alemán Karl Orff, en el que introduce múltiples ideas a los educadores a través de distintas propuestas pedagógicas, pretendiendo estimular el desarrollo musical de los niños.
La base principal de su método esta consignada en el trinomio “palabra, música y movimiento”, en el que es llevado al aula de forma real y consiente, considerando que la teoría solo es consecuencia de la experiencia práctica y sensorial.
Karl Orff consideraba que la rítmica es el inicio de la educación musical, ocurriendo de forma natural en el lenguaje, los movimientos y la percusión que propone.
Unos de los objetivos principales es el masificar la enseñanza musical.
El método propone sensibilizar a los niños a elementos más simples del ritmo, el pulso y el acento a través de la ramificación de palabras, conduciendo al niño a graficar de manera más fácil la práctica rítmica. Este tiene como punto de partida las canciones y rimas infantiles por medio de improvisaciones y juegos musicales de acuerdo al desarrollo del niño.
Características:
Al igual que en el método Kodaly, el niño trabajará con canciones populares, ya que son elementos musicales más sencillos y asequibles, dando a su vez consecuentemente la comprensión lectora.
Uno de los aspectos que desarrolla el método Orff es el movimiento corporal básico, partiendo desde el caminar, trotar o saltar al ritmo de una canción.
Orff basó su sistema en el ritmo del lenguaje, cuyas palabras contienen una amplia fuente de elementos dinámicos, rítmicos y expresivos, que junto con el cuerpo desarrollan la conjunción del ritmo (palabra, cuerpo, movimiento) y la experiencia del mismo.
Dalcroze en su método considera como base y punto de partida la rítmica del cuerpo, mientras que Orff fundamenta su base en el ritmo del lenguaje.
1.6.5 El Método Suzuki.
El método Suzuki fue elaborado por el educador, violinista y filósofo japonés Shinichi Suzuki. El enfoque de su método influyó de manera profunda en la educación de su país y de otros lugares del mundo.
Suzuki considera que la destreza musical no es una habilidad innata en la persona, sino una acción que se puede y debe desarrollar al igual que el lenguaje.
Su método para aprender a tocar un instrumento musical actualmente está recogido para enseñar múltiples instrumentos musicales, la cual se encuentra orientado en su mayoría hacia una enseñanza musical infantil, siendo utilizada también por adultos noveles.
La enseñanza se enfoca en la educación auditiva, por medio de la escucha y la
memorización, haciendo innecesario un previo conocimiento teórico, facilitando así el acceso y manejo directo de un instrumento musical. Los niños desde una temprana edad pueden aprender sus primeras palabras después de haberlas escuchado y repetido muchas veces. De igual forma escuchar piezas musicales repetidas veces, puede inducir al conocimiento y reconocimientos de estas canciones.
Los padres en este método juegan un rol muy importante para el aprendizaje significativo del niño. Al igual que la intervención de la enseñanza del lenguaje materno del niño, sin necesidad de conocimientos musicales algunos, los padres pueden acompañar en la práctica musical del niño cada día o semana. Cada progreso sea pequeño o grande deberá ir
acompañado de una actitud animosa y afectuosa felicitación y admiración.
Este aprendizaje contiene un carácter lúdico para un resultado atrayente en el niño. Aunque el tocar ciertos instrumentos no es un juego, a través de un ambiente ameno y divertido el niño aprenderá jugando.
Capítulo II
La enseñanza musical en el sistema educativo peruano
2.1 Historia de la enseñanza musical en el Perú
Para las culturas precolombinas en el Antiguo Perú, la música ocupaba gran parte de su entorno social. Las danzas, los cantos y la música instrumental acompañaban en todo momento las actividades agrícolas, las fiestas ceremoniales, entre otras actividades. Los Nazcas y los Mochicas fueron los más destacados en este ámbito por su formidable avance. Lograron crear su propio sistema musical de 13 tonos, además de la elaboración de una amplia variedad de instrumentos musicales de viento y percusión. El imperio incaico continuó esta misma línea al conquistar las diferentes culturas aledañas, considerando también la práctica musical un regalo obsequiado por los dioses. Por lo que, solían consagrar cada instrumento musical que era elaborado de diversos materiales. Tal es así, que podemos contar una gran variedad de instrumentos musicales autóctonos que prevalecen en nuestro acervo histórico, como flautas hechas con huesos de aves, chas-chas elaborados con pezuñas de animales, etc.
personas que sepan cantar y tocar el órgano para el servicio de la iglesia en Cusco. Se puede considerar este escenario como punto de partida de la educación musical en el Perú.
El reclutar niños cantores para los coros no fue una tarea difícil para los españoles, con el avance de la enseñanza musical, se logró crear instrumentistas para los servicios litúrgicos y palaciegos. Los compositores, organistas y maestros que vinieron de la Península, pronto tendrían alumnos y sucesores locales.
El compositor José de Orejón y Aparicio proveniente de Huacho, fue considerado como una de las figuras más importantes en la música virreinal del siglo XVIII, al ocupar el cargo de su maestro el italiano Roque Ceruti. José se desempeñó como organista mayor en la capilla de la catedral de Lima, quien luego tuvo como discípulo a otro importante músico peruano, Toribio José del Campo y Pando. En las parroquias y capillas se ofrecía enseñanza musical y lecciones de catecismo.
En la época republicana del Perú, José Bernardo Alcedo se registra como uno de los músicos más importantes de la independencia, a quien se le adjudica la composición de las sagradas notas de nuestro himno nacional. Realizó sus estudios de música en el convento de San Agustín con fray Cipriano y Santo Domingo con fray Pascual.
José Bernardo Alcedo, en su viaje a Chile observa la existencia de un conservatorio de música ya existente desde el año 1849, por lo que, al volver al Perú en diferentes
2.2 Historia de la educación musical en el currículo escolar
Los primeros vestigios de una enseñanza musical escolar dentro de un plan de estudio en el sistema educativo peruano se observan a partir del año 1842, allí se incluye la enseñanza musical dentro de la asignatura de educación física. El vicerrector del colegio Guadalupe Ramón Zarate, aquel entonces incluye en su discurso a vísperas de los exámenes públicos del mismo año, el siguiente enunciado “La música, es rama principal de la educación física cuyos efectos en la parte moral de la persona son de vital importancia”.
En 1905 se dispone la enseñanza de cantos escolares y patrióticos, los juegos y ejercicios de flexibilidad dentro del área de educación física en el nivel primario, mientras que, en nivel secundario, la música y el dibujo se consideran cursos independientes. Siendo esta última una medida estipulada en la controvertida ley de reforma de la educación secundaria promovida por el pedagogo y filósofo Alejandro Deustúa. Pero a pesar de ello, el curso solo se podía dictar si la institución contaba con las posibilidades de contratar los docentes necesarios.
En los nuevos programas creados en el año 1910, aparece el curso de música contando con una hora semanal en los tres primeros años del nivel secundaria. Dos años más tarde se
establece que: “La educación estética se tratarán en los cursos de caligrafía ornamental, declamación, dibujo natural y lineal, canto y música instrumental” de forma obligatoria. Se dispone que, en cuanto sea posible se formen las primeras orquestas de alumnos y se obtengan los necesarios instrumentos musicales.
siendo la versión musicalizada de ellos. Aparecen por primera en el repertorio musical las composiciones del monseñor Pablo Chávez Aguilar. En los próximos nuevos programas para educación primaria en el año 1942 se indican las medidas exactas acerca de la educación musical en la etapa escolar. En el nivel secundario, se propone como meta la formación de grupos corales y la recomendación de audiciones musicales. En aquel entonces era común contar con profesores de provincias que tocaban algún instrumento musical, los cuales se encargaban de las clases de canto escolar en las aulas.
En el año 1947 se pretende separar el curso de música de las otras materias teóricas para centrarse únicamente en la práctica coral, el entrenamiento auditivo y la información histórica. En el que se intenta lograr el desarrollo de la apreciación musical del alumno, dando a conocer su evolución y sus principales escuelas.
Se pretendía hacer sentir la belleza que emana de la combinación de los sonidos, tanto de la voz humana como el de un instrumento musical, el afinar sus sentimientos para poder apreciar las grandes y pequeñas composiciones, inculcándoles el significado que conlleva la música en su desarrollo cultural (Málaga, 2000, p. 4).
Este se convertiría en un importante paso en el progreso de la enseñanza musical en el país, sin embargo, no se contaba con el suficiente número de docentes capacitados para una
adecuada enseñanza en el sistema escolar, por lo que se solía recurrir a personas con someros o casi ningún tipo de formación y conocimiento en la enseñanza musical. Por ese motivo alumnos del conservatorio de música intentaron incursionar en la práctica docente y la dirección de coros en algunas escuelas. A fines del año 1940, se pudo apreciar un
formando agrupaciones musicales mixtas a distintas voces. En aquellos años se organizaron los primeros concursos de coros escolares respaldados por el Ministerio de Educación del país, con numerosas participaciones de diferentes colegios nacionales y particulares. Se puede apreciar muchas de las canciones peruanas adaptadas a versiones corales, las cuales hoy en día forman parte del repertorio escrito por algunos de los directores más jóvenes de aquel
entonces como Enrique Iturriaga y Rosa Alarco.
Desafortunadamente este impulso e ímpetu por una formación musical no se pudo
mantener, y las prácticas corales empezaron a desaparecer casi por completo en los diferentes colegios estatales. Con la Reforma de la Educación establecida en el año 1960, la actividad musical paso a formar parte del curso de educación artística.
En las normas educativas correspondientes al año 1994, en referencia a la organización y desarrollo educativo, se contempla en los contenidos tanto de nivel primario y secundario que, en el curso de educación artística, se dedicarían a la práctica única de elaboración de dibujos y pinturas. En la programación curricular experimental del primer grado de primaria se
consideran cinco áreas del desarrollo lógico-matemáticas, personal social, científica-ecología, comunicación integral y educación religiosa, además de contener catorce líneas de acción educativa. En ninguno de los casos aparece la estética. Solo quedaba depositar la confianza en el criterio e iniciativa de cada institución, para continuar impartiendo conocimientos acerca de la cultura artística y la adecuada enseñanza musical entre sus contenidos.
Se deben considerar los más importantes métodos desarrollados en el anterior siglo por los revolucionarios y visionarios de la educación musical, algunos ejemplos representativos son las propuestas dadas por el pedagogo Dalcroze en el desarrollo de una formación rítmica; el origen de la improvisación en el método de Karl Orff; la formación del niño por medio de canciones folclóricas nacionales elaborado por Kodaly o los planteamientos del desarrollo sensorial propuestos por Shinichi Suzuki. Todas buscando el enriquecimiento de la
pedagógica musical, desarrollando una amplia conciencia sonora en el niño.
En la actualidad, lograr una pertinente formación musical en el niño, se puede considerar el continuar la práctica musical de una manera profesional, para ello se requiere de profesores competentes y la selección de adecuados métodos de aprendizajes, considerando la lecto-escritura, la teoría musical especializada y las salidas a conciertos sinfónicos dentro de los contenidos de enseñanza musical que muchas veces son obviadas en el sistema educativo escolar.
2.3 La enseñanza artístico-musical en el contexto social de las últimas
décadas
Durante algún tiempo en las últimas décadas se escuchó decir en los centros educativos que las artes eran consideradas cursos “libres” u opcionales, conduciendo esto a pensar en los estudiantes que el curso de arte fuese una actividad recreativa y de ocio, siendo una especie de atenuante divertido ante el rigor de los verdaderos cursos obligatorios. Tampoco, era raro observar que los estudiantes exploraran su identidad personal y social por medio de collages
regiones, se daba únicamente en el curso de historia, enfocado desde una perspectiva social, política y económica, en donde no se aprecia en absoluto su valor artístico-cultural y estético. Para completar el escenario, las expresiones culturales y artísticas solo se daban en los días de alguna actividad programada por el festejo de alguna conmemoración o en los días feriados, en la que se lleva a cabo pequeñas actuaciones, concursos escolares y celebraciones
familiares. Todo esto evidenciando el existente divorcio que hay entre los que sucede en la comunidad, el aula, la cultura y el arte.
Haciendo un recuento a través de las últimas décadas, vemos como la educación artística se encontró fuertemente influida por las diferentes políticas educativas de cada gobierno.
En 1972 a través de la Reforma Educativa presidida por el gobierno de Juan Velasco Alvarado, se busca revolucionar la educación peruana a través de un enfoque de formación creativa, crítica y solidaria en las personas. Esta reforma educativa se desarrolló juntamente con la reforma cultural que buscaba la concientización de las personas por su cultura y sus localidades (Decreto de Ley n°19326, 1992).
Para lograr las metas planteadas, la reforma educativa incluyó el aprendizaje del idioma quechua en la educación con el fin valorizar las culturas de los pueblos indígenas formando seres creativos capaces de salir de la pobreza a través de una “educación revolucionaria”. Aunque se puede decir que se pudo lograr importantes avances, las presiones de un complejo gobierno militar centralista, no ayudaron a completar los ambiciosos propósitos.
(1980-1985) y Alan García (1986-1990) la educación centró sus contenidos en una práctica memorística y repetitiva.
Más adelante a inicios de los 70, surgen algunas escuelas alternativas, en donde se imparte la enseñanza artística basadas en modelos y paradigmas expresionistas y reconstructivitas, con una visión enfocada en el desarrollo potencial creativo del alumno por medio de las artes.
En el gobierno de Alberto Fujimori (1900-2000), se propone un modelo educativo con un enfoque socio-constructivista, cuyo propósito es el de brindar a las personas una formación integral, la contribución de la sociabilización con las nuevas generaciones, capacitándolas para poder crear y transformar su cultura, así como el asumir sus roles y responsabilidades como buenos ciudadanos.
En el 2001 durante el gobierno de Alejandro Toledo se crea el Consejo Nacional para la formulación de un acuerdo Nacional en el desarrollo educativo. Es en este gobierno donde toma vigencia el DCN del 2005. Se puede observar que el área de educación artística se mantiene dentro del curso de comunicación integral como una sub-área con el nombre de educación por el arte. No obstante, el área de educación artística continúa desempeñándose como un medio para lograr el desarrollo de la percepción y apreciación de manifestaciones artísticas en el alumno, así como la expresión espontánea de sus ideas y sentimientos. Esto indica que el objetivo del área de educación artística se mantuvo con la misma idea desde hace cuarenta años, en donde se concebía al niño como un artista preparado para crear y expresar. Teniendo en cuenta además que la nueva sub-área comprende solo el nivel pre-escolar indicando que solo este fuera el único nivel que requeriría de las artes.
actualizado DCN se prioriza la articulación entre niveles, definiendo la competencia de “apreciación y expresión a través de las artes, desarrollo de la creatividad, innovación,
humanidades y ciencias” (DCN, 2007, p. 32). En el que se le asigna dos horas semanales a las actividades de comunicación a través de la apreciación y expresión estética.
En el año 2010 nace la Red Arte Educación Perú, iniciativa creado por docentes y
educadores artísticos vinculados al desarrollo de la educación artística en el Perú. En el 2012 se envía una carta al Ministerio de Educación presidido por el gobierno de Ollanta Humala, en el que se solicita el reconocimiento de la educación artística como tal, teniendo en cuenta las propuestas innovadoras y tendencias vigentes que ofrece el mundo actual. La Red Arte observa que en el DCN “se hace hincapié en una educación artística centrada en la técnica y manipulación de materiales. Propuesta ya existente en un contexto internacional, que nació a inicios del siglo XX, cuestionada y abandonada en los años 80” (Nemes, 2012, p. 10).
Los diseños curriculares de aquellas épocas no favorecieron por ningún lado el crecimiento de la educación artístico-musical en el país. Siendo solo esta una materia mermada por los diferentes gobiernos de turno.
2.3.1 Arte y cultura en el nuevo Currículo Nacional de la EBR.
En el año 2017 se implementa el nuevo Currículo Nacional de la Educación Básica, que abarca en todos sus niveles educativos. El área curricular de Educación Artística ahora se denomina Arte y Cultura en el que se amplía a tres sus horas pedagógicas semanales,
curricular busca remediar los campos del aprendizaje que estuvieron relegados por muchos años en nuestro sistema educativo.
En este nuevo Currículo Nacional se toma en cuenta la densidad del anterior DCN, y la convierten en un documento orientador menos extenso y fácil de comprender, acompañado de herramientas y recursos de información y comunicación. En ese aspecto, se refuerza las competencias y capacidades en el área de Arte y Cultura, donde se pretende estimular en el estudiante la percepción y apreciación de las manifestaciones artísticos-culturales y la creación de proyectos artísticos a través de los lenguajes del arte (C.N., 2017, p. 129). El nuevo enfoque tiene una perspectiva multicultural e interdisciplinaria, en el que cualquier manifestación artística o cultural, incluyendo las generadas en un espacio virtual o popular, son materia de estudio en el aula, valorándolas como herramientas de identidad territorial y personal.
A su vez, se promueve la construcción de una comunicación individual o colectiva a través de los diferentes lenguajes artísticos, como el teatro, la danza, la poesía, las artes plásticas y la música.
Los diferentes lenguajes nos conducen hacia un aprendizaje basado en la integración de los diferentes lenguajes artísticos, puesto que, propone un proceso de exploración y creación en el que es necesario muchas veces el adecuado manejo de dos o más lenguajes en forma
2.4 Revalorización de una educación musical de calidad
Se tiene bien entendido como lo descrito en las líneas anteriores, que el gran desinterés del desarrollo artístico-musical del niño por parte de los diferentes actores encargados de
establecer las políticas educativas, han venido afectando la enseñanza musical en la actualidad. Los niños y adolecentes crecen sin saber y experimentar de manera básica el fascinante mundo al que conlleva el desarrollo de las diferentes disciplinas artísticas.
Aptitudes y talentos perdidos de alguna manera, por la incapacidad o quizás inestabilidad en quienes se poza la confianza para el desarrollo educativo de nuestro país.
El menoscabo que perduró por mucho tiempo hacia la formación de una oportuna enseñanza musical, condujo al habitual pensamiento que conocemos hoy, “el escoger una carrera artística musical como profesión es un riesgo al que pocos están dispuestos a
someterse”. Siendo la propia familia los primeros en oponerse al desarrollo profesional de esta disciplina del estudiante en formación.
Ciertos paradigmas fueron cambiando con el tiempo, la globalización y los medios informáticos, se encargaron de promover el conocimiento y entendimiento en las personas sobre el alto valor que conlleva la práctica musical, iniciándose una revolución en cuanto a la enseñanza musical en todas partes del mundo en las últimas décadas.
