La cultura musical santandereana ha ido creciendo con el paso de los años gracias a las intenciones y esfuerzos de diversos actores de la comunidad artística en las últimas décadas. Como parte de la formación integral del egresado de música de la UNAB, es necesario no solo tocar correctamente el instrumento, sino también conceptualizar cada una de las piezas interpretadas en un recital determinado. Mozart estudió contrapunto con el padre Martini, uno de los teóricos musicales más importantes de la época.
MARCO HISTÓRICO Periodo Clásico
Para Mozart, su conocimiento de Lorenzo da Ponte fue de gran importancia, ya que tuvo una gran influencia en su desarrollo como compositor dramático.
ANALISIS BÁSICO Generalidades
El Andante comienza con acordes en clave mayor interpretados por el piano que dan paso a la exposición del tema en la flauta con una melodía bastante tranquila. A medida que avanza la obra, encontramos dramatismo en la línea melódica de la flauta con intervalos acortados de séptima o segunda menor que aportan gran tensión. La obra finaliza con una coda de 6 compases, en la que reaparece el tema principal con varias variaciones.
RONDÓ EN D MAYOR K.Anh. 184
ANALISIS PROFUNDO
RONDÓ
ASPECTOS DE INTERPRETACIÓN
Lo anterior requiere que el instrumentista tenga un buen dominio de las escalas requeridas en la obra, pues un alto porcentaje de las mismas se basa en el uso de este elemento. La ornamentación es otro elemento importante no sólo en el compositor, sino en el período mismo. Debido a la gran carga articulatoria presente en la pieza, el intérprete debe dominar la técnica del doble staccato.
- MARCO HISTÓRICO Periodo Romántico Tardío
- ANALISIS PROFUNDO Generalidades
- ASPECTOS DE INTERPRETACIÓN
El crecimiento de la educación musical sirvió para crear una audiencia más amplia para la escucha formal. Cabe destacar la creación de la Sociedad Nacional de Música Francesa, entidad de vital importancia para los compositores, ya que les permitía disponer de músicos para interpretar sus obras. Para la música romántica, la fantasía proporcionó los medios para la expansión formal sin las limitaciones de la forma sonata.
Fantasía para flauta y piano Opus 79 fue creada en 1898 por el destacado flautista, pedagogo, compositor y director de orquesta francés Claude Paul Tafannel, quien es considerado el fundador de la escuela de flauta francesa y quien también dominó la composición e interpretación de este instrumento durante el siglo XIX. siglo. segunda mitad del siglo XIX. El piano comienza como un romance y en el segundo compás la flauta comienza con la nota si de la segunda octava más una escala descendente que le da al motivo de apertura un carácter nostálgico y también ayuda a definir la tonalidad menor. Sección B: Comienza con el piano solo en un crescendo suave, dinámico y gradual, mostrando el carácter alegre y enérgico que preparará la entrada de la flauta.
Coda: Al final de la obra encontramos una serie de arpegios en la flauta que confirman la tonalidad y permiten al intérprete mostrar sus habilidades técnicas. La obra finaliza con una serie de quintas que se alejan de la tonalidad y le confieren un carácter tenso, vivo reflejo de las nuevas tendencias utilizadas en la época. El control adecuado de la respiración es otro factor a considerar, ya que esto permitirá al flautista frasear correctamente y realizar cambios de color en los pasajes que así lo requieran.
Un amplio dominio de la tesitura del instrumento, la firmeza de los dedos y una articulación precisa permitirán un buen liderazgo de cada frase.
IMAGE OP. 38 PARA FLAUTA SOLA .1 COMPOSITOR
- MARCO HISTORICO Neoclasicismo y Modernismo
- ANALISIS BASICO Generalidades
El origen de esta música modernista fue gracias al gran avance tecnológico y a la máquina, que hizo que los nuevos compositores vivieran la música como algo más que formalismos y muchos incluían, además de la tradicional escala de 7 notas, 12 notas que marcaban nuevas líneas melódicas y Progresan nuevos armónicos. El sonido de la época no era familiar para todos, pero fueron los propios intérpretes y compositores los encargados de ir incorporando esta nueva música poco a poco, sin abandonar sus raíces y técnicas. Las líneas melódicas en las obras escritas en este período revelan la presencia de la música romántica, pues finalmente la expresión debe estar siempre en las composiciones.
Imagen es una obra para flauta solista creada por Eugéne Bozza en 1939 y, junto con Syrinx de Claude Debussy, son las dos obras más representativas de la música impresionista para flauta sola. La partitura no tiene líneas de compás, pero la claridad con la que está escrita cada una de las frases permite al instrumentista crear el sentimiento de cada frase con relativa facilidad. La sección A debe interpretarse con un carácter alegre y juguetón, gracias a la rápida figuración y los acentos.
En la sección B hay un tema contrastante, dado principalmente por cambios en el tempo, el compás y la interpretación. La cadenza es característica de este tipo de obras, pues permite al intérprete mostrar su virtuosismo acelerando el pulso con figuras rápidas. Para completar esta sección, el compositor incluye un efecto más utilizado en la música del siglo XX, como es el frullato6.
También se destaca la presencia de una escala cromática al final para darle fuerza y buen cierre a la pieza.
SONATINA PARA FLAUTA Y PIANO
- COMPOSITOR Pierre Sancan
- MARCO HISTORICO
- ANALISIS PROFUNDO Generalidades
- ASPECTOS DE INTERPRETACIÒN
El principal valor de la sonatina radica en que en una pieza breve se encuentran varios movimientos y una gran actividad musical. La obra tiene una introducción en la que el piano crea una atmósfera a base de arpegios que preparan la frase principal de la flauta. La sección B está en clave de re mayor y comienza con un ritmo sencillo de negras y corcheas en movimiento ascendente, que contrasta claramente con los ritmos un poco más activos de la sección anterior.
Posteriormente, la fuente de la politonalidad se presenta como se ve en el compás 58, en el que el piano toca el acorde de sol y la flauta desarrolla frases en fa#. Posteriormente el piano crea una cadencia que sigue a la segunda parte de la Sonatina, que se caracteriza por la ausencia de compases. Comienza con una introducción, interpretada por el piano, que retoma lo hecho por el flautista al final de la cadenza.
En la sección A está la melodía en flauta, que comienza con una grabación de un triplete de corcheas. En la sección C hay un tema más lírico que se prolonga durante unos compases para luego volver a la figuración principal de la obra. El piano comienza a tocar en el registro grave en la sección D, 3 compases después la flauta toma protagonismo con la interpretación de tresillos ascendentes, para cerrar la frase con notas largas.
Esta parte de la obra cuenta con material del Tema A por su virtuosismo y del Tema B por su lirismo. En la sección Mi, hay una reformulación del tema La del primer movimiento, pero ahora el compositor utiliza la fuente de la reformulación con una extensión. Al final de esta obra, el compositor propone una coda en la que deja la línea melódica de flauta sin acompañamiento durante 7 compases, reafirmando los materiales utilizados en el tercer movimiento.
TRIPTICO PARA FLAUTA Y BANDA .1 COMPOSITOR
- MARCO HISTÓRICO
- ANALISIS SUPERFICIAL DE LOS TRES MOVIMIENTOS Generalidades
Actualmente es profesor de la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Bucaramanga en las áreas de taller de composición, trabajo de grado, solfeo y director de banda de música. Este trabajo está inspirado en los cada vez más altos niveles de desempeño en la interpretación de la flauta en Colombia, así como en su elevado número de instrumentistas. En este 1er movimiento se promueve un "encuentro" entre un instrumento de la tradición clásica con humores folclóricos colombianos que no le son propios, como el fandango y la cumbia.
Asimismo, estos ritmos "encuentran" lenguajes que no son comunes en sus contextos tradicionales, como el uso de escalas sintéticas, modulaciones abruptas, politonalidad, polimodalidad y poliacordes, mezclados con elementos de la práctica cotidiana, especialmente a nivel rítmico. Bares después, algunos instrumentos entran muy discretamente hasta llegar al tutti de la reexposición del tema principal, donde toda la banda toca con dinámica fuerte como forma de confirmar el material temático utilizado hasta ese momento. Después de estas dos canciones principales, se presenta la Sección I, que es interpretada principalmente por la banda con alguna participación de preguntas y respuestas en el medio.
Mientras tanto, la trompeta y el oboe son el tema principal que presenta la flauta en la sección B. En la última parte de la obra está la coda, que recicla material del tema A, y la flauta termina con la misma frase inicial en la octava más baja. Para el compositor: "Este último movimiento pretende completar el concepto general de la pieza y es proponer un tratamiento adecuado del repertorio solista colombiano, donde, partiendo de nuestra gran riqueza rítmica, se utiliza el uso de importantes referentes de la literatura universal del instrumento, junto con algunos lenguajes considerados en su momento “de vanguardia”.
Esta nueva sección presenta un contraste con toda la obra con la apariencia de un aire no colombiano (bolero), pero gracias al compás irregular la ubica directamente en un contexto ajeno a la práctica popular. El último tramo o coda, nos referimos al 1er movimiento, donde el fandango, la escala sintética basada en la nota Sol, los diversos gestos de habilidad técnica de la flauta y las respuestas disonantes de la orquesta generaron todo el discurso. Es aquí donde las exigencias diarias de la carrera de música de la UNAB cobran fuerza y valor, donde el profesionalismo y seriedad de todo el equipo docente se hace visible en el trabajo de los estudiantes que han pasado por sus aulas y que han aprendido el valor de esta profesión. .
