Requisitos

Many historians of art have maintained that Archaic art was superior even to that of  the Classical period. There is no doubt at any rate that in art as well as in literature,  philosophy, and science Archaic Greece experienced a burst of creative energy  unsurpassed in any comparable time period of the ancient world.  

Building on the achievements of the Late Geometric period, the craftsmen of the  seventh and sixth centuries attained new heights of excellence in all the forms of  visual art. With the development of the city‐state, differences in style between the  various poleis became more distinct. This is most evident in the pottery, which  continues in the Archaic period to be the most ample source for measuring artistic  evolution. The ʺorientalizingʺ tendencies of the eighth century reached a peak in the  seventh, with a variety of new motifs borrowed from the Near East‐‐floral designs  and friezes of real and fantastic animals‐replacing the earlier geometric patterns. The  Corinthians were the most receptive to these influences and produced a very 

distinctive type of pottery.  

Under the leadership of the tyrant Cypselus (c. 657‐627), Corinth emerged as the  leading commercial center of Greece and dominated the trade in finely painted  pottery. Corinthian potters specialized in exquisitely decorated perfume flasks, 2 to 3  inches high, which they filled with scented olive oil and exported in huge quantities  throughout the Greek world. They invented a new technique called ʺblack figure,ʺ  which permitted them to render minute details. The artist first painted a black  silhouette on the reddish clay, and then with a sharp point he cut in the anatomical  and decorative details, sometimes filling these in with red or white paint. Corinthian  black figure was enormously popular, but as often happens, success led to mass  production and inferior vases, on which their famous animal motifs were 

monotonously and carelessly repeated.  

‐109‐  

Soon Athenian potters mastered Corinthian techniques, and by 550 Athenian black‐

figure pottery, featuring a variety of new and larger vessels, had driven Corinthian  vases from the export market. Around 530 the Athenians in turn invented a new style  called ʺred figure,ʺ which reversed the black‐figure technique. Here, the artist first  drew outlines and then painted the backgound black, keeping the outline in the  reddish color of the clay itself. He then painted the details in black with a fine brush. 

This allowed a more subtle and refined rendering of detail than the incised black‐

figure technique.  

Seventh‐ and sixth‐century vase paintings most commonly depicted episodes from  mythology and the heroic sagas. In the later sixth century images from contemporary  life were added, most of which focused on the activities of young upper‐class males. 

Typically portrayed were athletics, horsemanship, and drinking parties (very 

rowdy), as well as school scenes, music lessons, and homosexual wooing. Women are  represented less often than men. They appear either as servants and flute girls or as  well‐dressed upper‐class women accompanied by their female slaves in a domestic  setting. The Archaic potters were proud of their work, frequently signing their vases  (ʺAristonothos made meʺ) and occasionally including a taunt to a rival potter.  

Vase painting gives us some idea of a major artistic genre, large‐scale representations  of mythological and patriotic subjects painted on temples and other  

Figure 3.3a. Two sides of an Athenian amphora (c. 525‐520 BC) decorated in  both the redfigure and the black‐figure technique.  

‐110‐  

Figure 3.3b. A symposion (ʺdrinking partyʺ) scene on an Athenian red‐figure calyx  krater (mixing bowl for wine and water), showing a man and a youth reclining on a 

couch, and a flute girl.  

public buildings. Though the paintings are almost entirely lost to us, the artists who  painted them were renowned beyond their poleis and their names were still 

remembered centuries later.  

The artistic genre for which the ancient Greeks were most famous was monumental  (life‐size or larger) marble and bronze sculpture. This was an innovation of the 

Archaic period. Large bronze statues were first produced in the sixth century but did  not became common until the fifth, after which they far outnumbered those made of  marble and other stone. The first large marble statues appear around 650. Egypt was  the source both of inspiration and technique.  

The Greek statues were of two types, a naked kouros (ʺyoung maleʺ) and a clothed  female (korē, ʺyoung maidenʺ). Throughout the Archaic period the figures retained  the original rigid Egyptian stance, arms pressed against the sides, one foot stepping  forward, but as time went on they became increasingly less blocklike. By about 500,  the kouroi (plural) had come to resemble real youths, with precisely defined 

anatomical details and accurate bodily proportions. The korai (plural) had also  become more natural looking. The body underneath the drapery was more clearly  indicated and the facial features more distinctly female. In both types of statues  Archaic elements were still notable, such as the blissful ʺarchaic smileʺ and the highly  conventionalized treatment of the hair, yet the statues clearly anticipate the Classical  ideal of the human form. The kouroi and korai were set up by wealthy families either  as grave monuments or as offerings to the sanctuary of a god or goddess. Because  they normally bore an inscription with the dedicatorʹs name, they were highly public  advertisements of the familyʹs status in the community.  

‐111‐  

Figure 3.4 Statue of an Egyptian nobleman (early seventh century).  

Figure 3.5 Colossal marble kouros from Attica (c. 600 BC). The statue imitates the  stylized stance of Egyptian sculpture.  

Another type of Archaic sculpture was reliefs depicting mythological scenes, carved  on the triangular pediments and along the entablatures of late‐sixth‐century temples. 

Relief sculpture was increasingly successful at showing figures in movement and  action. By contrast, the stylized free‐standing kouroi and korai must have appeared  rather old‐fashioned by the end of the century.  

‐112‐  

In architecture, the temple continued to be the main focus. The small, modest  prototypes of the early eighth century, as we have seen, had achieved monumental  dimensions by its end. But the big step occurred around the middle of the seventh,  when limestone and marble replaced mud brick and wood. Again, the Greek 

builders learned from the Egyptians the skills of quarrying, transporting, positioning,  and dressing huge stone blocks. The temple plan, however, was a continuation of the  Greek Geometric model, and most of the architectural features such as the low‐

pitched roof covered with terrra‐cotta tiles (replacing the  

Figure 3.6. This marble kouros (c. 510‐500 BC), was set atop the grave of  Aristodikos in Attica; it shows the growth of naturalism in sculpture.  

Figure 3.7. Late Archaic korē from the acropolis of Athens (c. 490), dedicated by  Euthydikos.  

‐113‐  

Figure 3.8. Relief sculpture from the Siphnian Treasury at Delphi (c. 530‐525)  depicting the Battle of the Gods and the Giants. Apollo and Artemis are striding into 

battle (left) against the Giants (equipped as contemporary hoplites).  

old thatched roof) were purely Greek. By the early sixth century the two main types  or ʺordersʺ of columns, the Doric and the Ionic, were well established. Greek temples  looked much as they would for the next five hundred years‐‐but the extant structures  are somewhat deceptive. Portions of the Greek temples and their sculptured reliefs,  as well as standing marble statues, were actually painted in strong bright colors,  presenting an impression quite unlike that given by the bare, gleaming stone we  observe today.  

During the sixth century other carefully built permanent structures appeared in the  main cities. Most of these were built in and around the agora, ʺthe gathering place,ʺ a  large open space at or near the center of the city. The Dark Age agora had been only  the place where the assembly met; in the Archaic period it became the marketplace  and public space of the city and therefore of the whole city‐state. Everyone gathered  there to barter, exchange news and gossip, or conduct official business. By about 500  BC the agora contained one or more open collonaded passageways called stoas,  which provided shade and shelter and space  

‐114‐  

for market stalls. Enhancing its dignity and importance were official buildings such  as the council house and offices. Sanctuaries, fountain houses, and public 

monuments also graced the agora. In addition to the agora, Archaic poleis contained  open spaces, with specified functions: the gymnasion, where men exercised, and the  palaistra, a wrestling ground.  

The agora and other public spaces would not receive numerous or splendid public  buildings until the fifth and fourth centuries. Nevertheless, by about 550 all the  capital poleis (except Sparta) merited the title of true urban centers. An aerial view of  Corinth or Athens or any other major center would have revealed  

Figure 3.9 Plan of the Athenian agora as it looked at the end of the Archaic period  (c. 500 BC), showing the earliest public buildings (after J. Travlos 1974).  

‐115‐  

dense concentration of buildings, most of them private houses, connected in blocks  along narrow streets, broken up by patches of garden plots. The houses were larger  than those of the Dark Age‐‐three or four rooms rather than one or two‐‐but still  quite modest. Even the homes and furnishings of the elites, including the tyrants,  remained unpretentious throughout the Archaic and most of the Classical period.  

The modesty of private homes and the relative modesty even of secular civic 

buildings underscores the basic fact that efforts toward architectural and sculptural  distinction in ancient Greece were directed primarily toward sanctuaries: the gods  received the lionʹs share of a city‐stateʹs surplus wealth, both at home and in the  panhellenic sanctuaries.