LA CONSERVACIÓN DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: MATERIA VS. CONCEPTO

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LA CONSERVACIÓN DEL ARTE

CONTEMPORÁNEO:

MATERIA VS. CONCEPTO

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En este texto se hace una breve revisión sobre los problemas y conflictos que genera la conservación del Arte Contemporáneo, haciendo hincapié en que es un debate abierto en el que, aunque se establezcan criterios a seguir, éstos aún no se han asimilado en muchos ámbitos y siguen generando polémica.

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Para empezar, es necesario establecer cuáles son los límites del Arte Contemporáneo. A menudo, la línea entre Arte Moderno y Contemporáneo se diluye y por ello debemos diferenciarlos claramente.

El Arte Moderno es un término referido a la mayor parte de la producción artística desde finales del siglo XIX hasta mediados de los años 60 aproximadamente. Desde el punto de vista de la restauración la mayor novedad es la aparición de los primeros colorantes y pigmentos sintéticos lo que dio lugar a una nueva era en el arte en la que el origen de los materiales utilizados por el artista ha ido haciéndose cada vez menos importante.

Por su parte, el concepto de Arte Contemporáneo surge a mediados del siglo XX. El arte pasa de ser representativo a ser funcional, y con tal de conseguir sus fines expresivos los artistas comenzaron a utilizar, no sólo nuevos materiales sino procesos de lo más dispares sin pensar en su adecuación, compatibilidad, o perdurabilidad1.

El rápido y anticipado deterioro de muchas de estas nuevas creaciones plásticas, provocó la alarma en torno a su conservación, y debido a ello los restauradores de Arte Contemporáneo han de prepararse de modo aún más especializado recurriendo a planteamientos, no sólo individualizados sino frecuentemente de carácter experimental. El Arte Contemporáneo puede ser tanto una obra de signo tradicional, experimental, o consistir en un “hecho artístico” por lo que su Conservación-Restauración se desarrollará tanto sobre la materia que las configura como sobre sus “mensajes”2.

El Arte Contemporáneo exige a la restauración una renovación completa de su metodología, lenguaje y forma de entender la obra de arte. Por ejemplo, en el arte pictórico lo que antes era el soporte ahora se denomina material base, ya que no se corresponde con lo que entendemos como soporte tradicional; lo que se podría llamar imprimación ahora se llama fondo ya que puede estar compuesto por todo tipo de

1

MONTORSI, Paolo (1992): Conservare Il Arte Contemporaneo. Nardini, p. 19. Muchos artistas se han manifestado afirmando que atender a esas cuestiones coarta su libertad de expresión o su creatividad. 2

FERNÁNDEZ, Pilar Bustinduy (2004): “La técnica al servicio del arte: la difícil tarea de la Conservación de los nuevos materiales en el Arte Cantemporáneo”, Fabrikart: arte, tecnología, industria, sociedad, nº 4, p. 115.

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materiales; y lo que eran las capas pictóricas se denominan capas de color para poder abarcar también la amplia gama de materiales que las pueden componer3.

Aunque el panorama artístico actual es muy amplio y con discursos muy diferentes, gran parte de sus obras pueden catalogarse como conceptuales. En ellas la idea y la intención creadora del artista priman sobre la materialidad de la creación. Por ello, en numerosas ocasiones, el artista es el “padre conceptual” de la pieza pero no su creador material, ya que deja su ejecución en manos de profesionales especializados como es el caso del polémico Damien Hirst4.

La realidad es que la mayoría de restauradores, historiadores, etc., coinciden en que el “concepto” es lo más importante a la hora de conservar el Arte Contemporáneo: “La restauración no se debe limitar a resolver detalles técnicos: debe devolver la lectura de la obra en relación a su manifestación artística”5.

Como dice Salvador Muñoz Viñas: “El valor simbólico, que es convencional y por ende subjetivo, debe ser tenido en cuenta a la hora de decidir cómo se restaura. La eficacia del objeto como símbolo es uno de los objetivos de la restauración, que la diferencia de otras actividades similares como la reparación, el repintado o el remendado”6.

En palabras de Ana Calvo: “La restauración tiene como finalidad mantener las propiedades, tanto físicas como culturales, de los objetos para que pervivan en el tiempo con todos sus valores. Tan importante es considerar el soporte o elementos materiales como el mensaje que encierra la obra”7.

Heinz Althöfer destaca la importancia del conocimiento del universo intelectual del artista: “Ahora el conocimiento de los materiales y el dominio de la técnica de la restauración no bastan para ejecutar un buen trabajo dentro de las reglas del arte. Desde

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LLAMAS, Rosario (2013): De lo material a lo esencial en la conservación del arte contemporáneo, o

cómo conservar los valores del bien simbólico. Valencia, Low cost books, pp.37-65.

4

http://www.tate.org.uk/art/artworks/hirst-mother-and-child-divided-t12751 10/07/15. 5

LLAMAS, Rosario (2013): Op cit, p.149. 6

MUÑOZ VIÑAS, Salvador (2003): Teoría contemporánea de la restauración. Madrid, Síntesis, p. 175. 7

GÓMEZ PINTADO, Ainhoa (2014): El oro en el arte: materia y espítu. Contribución a la restauración en el arte contemporáneo. País Vasco, Servicio Editorial de la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitateko Argitalpen Zerbitzua, p.314.

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ahora es necesario penetrar profundamente en el universo intelectual, en la filosofía del artista pues, si no, el mismo punto de partida de la restauración puede ser falso”8

.

Aunque se considere el “concepto” como lo más importante, no podemos olvidar los factores discrepantes que surgen a la hora de llevar a cabo una intervención: la opinión del artista, factores estéticos y artísticos, historicidad, autenticidad, funcionalidad, importancia relativa de la obra, ética de restauración, aspectos legales, limitaciones técnicas y limitaciones financieras9.

Un buen ejemplo de los conflictos que pueden surgir, es el caso de las obras en las que es necesaria la sustitución de piezas (como instalaciones, obras accionadas por motor, etc.). En muchos casos se intenta que sea la misma pieza, del mismo fabricante, etc…lo cual demuestra que seguimos muy atados al “amor por la materia original” adaptándolo a los tiempos, siempre para intentar evitar el conflicto con el valor de autenticidad, que tanto fascina en nuestra sociedad.

La reproducción es una tendencia cada vez más extendida: la conservación del original sin intervenciones de índole restaurativa y la realización de un facsímil que será el expuesto10. Hay numerosos ejemplos de la realización de estas copias para su exposición y préstamo, como puede ser el Gran vidrio, de Duchamp.

Otro tipo de intervención, conocida como restauración integral, también puede ser necesaria en casos en los que la restauración tradicional no satisface la necesidad de recuperar el aspecto original que presentan muchas obras de arte contemporáneo, como ocurre con los monocromos.

En los trabajos conceptuales encontramos un buen ejemplo de la prioridad de la idea sobre la materia. Muchos son proyectos creados por el artista para ser realizados a través de réplicas en las exposiciones, museos, o en las colecciones privadas para los

8

ALTHÖFER, H. (1993): “La teoría de la restauración de arte contemporáneo”. En Comunicación de la III

Reunión de Trabajo del Grupo Español de Trabajo sobre la Conservación y Restauración del Arte Contemporáneo. Álava. Departamento de Cultura, Servicio de Restauración. p. 100

9

LLAMAS, Rosario (2013): Ibiden, p.173. 10

GÓMEZ PINTADO, Ainhoa (2014): El oro en el arte: materia y espíritu. Contribución a la restauración

en el arte contemporáneo. País Vasco, Servicio Editorial de la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko

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que hayan sido adquiridos, por lo que su conservación y restauración implica simplemente rehacerla11.

Pero también existen sectores que toman el “todo vale” relacionado con muchas de estas creaciones para llegar a la conclusión de que “si para el arte contemporáneo todo vale, para la conservación y restauración del mismo también”12

. Esta frase denota los prejuicios que existen en los sectores de formación tradicional que infravaloran el arte contemporáneo.

De todas formas hay que tener en cuenta que, aunque se realicen intervenciones como las que hemos mencionado, sigue bastante vigente la peyorativa y extendida valoración occidental de que “una copia, aunque sea indiscernible para el espectador, no posee la misma capacidad simbólica que el objeto original si el espectador es consciente de no estar ante la materia original”13

, un pensamiento al margen de otras culturas en las que no se le da tanta importancia al objeto en sí.

La cuestión es que existen tantas formas de intervenir como artistas y obras, ya que es obligación del restaurador atender ante todo el deseo del artista, como establece la Ley de la Propiedad Intelectual de 198714.

El problema es que la mayoría de artistas no registra de ninguna forma el proceso de creación de sus obras. Además muchos artistas contemporáneos no se plantean el problema de la conservación y restauración de su obra hasta que se les pregunta. Como se desprende de los resultados de las encuestas realizadas por el GETCRAC15.

11

CHIANTORE, Oscar; RAVA, Antonio (2006): Conservare l´arte contemporanea: problemi, metodi

materiali, ricerche. Firenze, Electa, p. 22.

12

DEL PINO, César (2003): “El arte contemporáneo. La asignatura pendiente de la conservación y restauración del patrimonio artístico”, R&R.Restauración y Rehabilitación, nº 75, p. 53

13

MUÑOZ VIÑAS, Salvador: Op. cit., p. 98. 14

CALVO MANUEL, Ana (2002): Conservación y restauración de pintura sobre lienzo. Barcelona, Ediciones del Serbal, p. 318

15

RUÍZ DE ARCAUTE, Emilio (1996?): “Opinión de los artistas frente a la restauración”. En Comunicación

de la IV Reunión de Trabajo del Grupo Español de Trabajo sobre la Conservación y Restauración del Arte Contemporáneo. Vitoria, Diputación Foral de Álava, pp. 117-131

12

Hay restauradores que opinan que es obligación del artista conocer los materiales y su compatibilidad a la hora de construir la obra de arte. Ante este pensamiento muchos artistas opinan que “pensar antes de hacer algo creativo ya no es creativo”16

.

También existen los artistas que restauran ellos mismo sus obras, sin supervisión de un restaurador. Un punto de vista que únicamente puede tener un artista, puesto que los valores y normas vigentes en la actividad de la conservación y restauración son completamente contrarios a esta postura17.

Para finalizar se puede afirmar que la conservación de Arte Contemporáneo es la más compleja debido a todos los factores que implica. Tenemos claro que el sentido de la obra es lo que hay que conservar, sin embargo habría que destacar el hecho de que, a pesar de todos los avances teóricos, filosóficos, conceptuales del arte, en muchos casos se sigue buscando la perdurabilidad de forma encubierta, aunque esta no forme parte o incluso entre en conflicto con el “concepto”.

16

LLAMAS, Rosario; ZORNOZA, Ainara; LÓPEZ, Carmen (2009): “Capas pictóricas en el arte contemporáneo: estabilización de una obra de chocolate y metal”, Conservar Património, nº10, p.62. 17