ESCUELA DE ARTE Y DISEÑO
Tesis de Grado:
“Mi Bastidor es mi Cuerpo,
un Rescate Artístico de los
Cuentos Clásicos”
Autor:
Sofía E. Esquivel Carrión
Directora de Tesis:
Lic. Elena Malo de M.
Resumen
La presente tesis es un documento instructivo y técnico para quienes quieran incursionar o aplicar técnicas manuales de decoración textil, para ello se han recopilado y realizado pruebas de técnicas de decoración textil, documentando y re-‐formulando cada una de dichas técnicas con el fin de poder ejecutarlas con materiales y herramientas existentes en el mercado local.
Además plantea la investigación, el análisis y la interpretación y representación gráfica de los Cuentos Clásicos como una propuesta artística personal; ratificando, de cierta manera, que cualquier soporte puede servir de medio para la expresión artística.
El primer capitulo: Decoración Textil y Diseño de Moda, consta de una recopilación y explicación de los conceptos básicos que nos permitirán introducirnos y comprender de dónde proviene, qué significa y cuál es la importancia del Diseño Textil y del Diseño de Moda.
El segundo capitulo: Aplicación de Diseños, consta de la documentación de procesos, herramientas y resultados obtenidos de alrededor de 23 Técnicas de Decoración Textil. Además de conceptos y procesos de Ilustración Gráfica enfocados a la decoración textil. El tercer capitulo: El Cuento, consta de toda la documentación, resultado de la investigación y análisis de la historia, importancia y función de los cuentos, así como también de parámetros que nos permitirán analizar la estructura y significado de los cuentos.
El tercer capitulo: Nuestra Propuesta Artística y de Diseño, consta de conceptos, justificaciones, procesos, tendencias y resultados de nuestra propuesta artística y de diseño: Un Rescate Artístico de los Cuentos Clásicos.
Declaración y Cesión de derechos
“Yo Sofía Esmeralda Esquivel Carrión declaro ser autora del presente trabajo y
eximo expresamente a la Universidad Técnica Particular de Loja y a sus
representantes legales de posibles reclamos o acciones legales.
Adicionalmente declaro conocer y aceptar la disposición del Art. 67 del Estatuto
Orgánico de la Universidad Técnica Particular de Loja que en su parte pertinente
textualmente dice: “ Forman parte del patrimonio de la Universidad la propiedad
intelectual de investigaciones, trabajos científicos o técnicos y tesis de grado que
realicen a través, o con el apoyo financiero, académico o institucional (operativo)
de la Universidad”
Sofía Esquivel C.
Agradecimientos
A Dios, por fortalecer mi corazón e iluminar mi mente y ante todo por haber puesto en mi camino a personas que han sido de gran apoyo durante este tiempo,
A mi familia, por su incondicional ánimo y apoyo durante todos mis estudios y en la realización de la tesis,
A mi Directora de tesis Lic. Elena Malo por su acertada orientación y libertad para el desarrollo de esta tesis,
A Telmo Cuenca por compartirme sus conocimientos y opiniones,
A mis amigos,
Muchas gracias a todos.
Índice
Introducción……….…………...…………....…….6
Capítulo I. Decoración Textil y Diseño de Moda………..……..……8
1. Decoración Textil……….9
1.1 Definición de Diseño……….10
1.2 Modalidades o Tipos de Diseño………11
1.3
Diseño Textil……… 12
1.4 Diseño de Moda………...14
1.4.1 El Lenguaje de la Moda………15
1.4.2 Los Usos de la Ropa………18
1.5 Iconografía………...21
1.5.1
Iconografía Pop………..23
Capítulo II. Aplicación de Diseños………..………25
2.1 Técnicas de Decoración Textil……….…..26
2.1.1 Técnicas de Decoración Textil: A Mano Alzada……….…26
2.1.2 Técnicas de Decoración Textil: Tintes (Tie-‐Dye)………..29
2.1.3 Técnicas de Decoración Textil: Proceso de Descarga……….38
2.1.4 Técnicas de Decoración Textil: Efectos Especiales………..40
2.1.5 Técnicas de Decoración Textil: Máscaras………..…50
2.1.6. Rotuladores (marcadores)……….58
2.2 Materiales Y Herramientas………..59
2.2.1 Telas……….59
2.2.2 Pinturas y Tintes Textiles………60
2.3 Ilustraciones………..62
2.3.1 Cuaderno de Bocetos (Diseños Producidos)………62
2.3.2 Ilustraciones para la decoración de las prendas (Diseños escogidos)………….71
2.3.3 Ilustraciones de cada cuento (Diseños aplicados)………...…89
Capítulo III. El Cuento……….………..111
3.1 El cuento………112
3.1.3 Tipos de cuento………..118
3.1.4 Análisis de un cuento………..119
3.2 Cuentos de hadas……….120
Capítulo IV. Nuestra propuesta artística y de diseño………...126
4.1 Propuesta……….127
Conclusiones………..…………..131
Anexos………...…..……….133
Anexo 1. Versión Original de los cuentos………...…..…….134
Anexo 2. Diccionario de los Cuentos de Hadas………..………..…..219
Anexo 3. Resultado Final……….231
Bibliografía………..….……244
Introducción
Para llegar a definir el tema (“Mi bastidor es mi cuerpo, un rescate artístico de los cuentos clásicos”) de la presente investigación, hemos hecho una clasificación previa de las ramas o disciplinas que abarcan la dualidad de nuestra carrera.
De esta manera hemos podido marcar que nuestra propuesta e investigación estará enfocada dentro del campo del Diseño textil y de moda (Diseño Industrial), ya que dentro la clasificación del Diseño comprende el Diseño Industrial (se derivan actividades de diseño en los campos del diseño textil y de moda, joyería, muebles, etc. Así como también diseño de maquinaria, herramientas, instrumentos, etc.), y Diseño de comunicación (diseño de productos y comunicación visual respectivamente, por ejemplo: periódicos, revistas, catálogos, etc.). Cabe recalcar que nuestra carrera no se especializa en este campo de diseño, por lo cual para los diseños de prendas, patrones y métodos de confección de las mismas, hemos utilizado como referencia prendas ya diseñadas por expertos en el tema.
Como fuente de inspiración hemos tomado, por su popularidad dentro de nuestro medio, ciertos cuentos clásicos de los cuales realizaremos una adaptación y/o representación gráfica personal de los caracteres y situaciones que más se destaquen de dichos textos. No podemos desconocer la profundidad del significado, tanto social como humano y la estructura poética de los cuentos, que han sobrevivido durante siglos justamente porque recogen en sí, lo esencial y más fascinante de la vida, los deseos, los miedos, la pasión y el amor. Siempre cercanos a los recorridos vitales de cada uno de nosotros. Los cuentos son de gran importancia ya que por medio de su lenguaje simbólico de alguna manera siguen vigentes en nuestra memoria y siguen marcando nuestra vida adulta.
Debemos resaltar que muchos de los cuentos clásicos han sido objeto de adaptaciones, traducciones o modificaciones, muchas de las cuales con la intención de suprimir el material censurable como la violencia y el morbo, o para adecuar los temas a gustos contemporáneos. La mayoría de nosotros conocemos sólo las versiones modificadas o adaptadas como cuentos infantiles. Para este proyecto hemos optado por trabajar con las versiones originales de los cuentos clásicos.
Es importante, dentro de todo, contextualizar que gran parte de las historias originales fueron escritas hace cientos de años, inclusive algunas provienen sólo de la tradición oral, donde la niñez no era considerada como una etapa especial y no se tenía el cuidado o censura en lo que transmitía en dichos relatos, algunos hasta eran criticas de la vida diaria de aquella época. Sangre, asesinatos, incesto y otros asuntos de aquella índole eran relatados a los niños de ese entonces.
Como conclusión general, esta tesis cubre un conjunto de objetivos de investigación relacionados en la aplicación de técnicas manuales en la decoración textil de vestimenta juvenil femenina.
ALCANCES:
representación gráfica de los Cuentos Clásicos como una propuesta artística personal; ratificando, de cierta manera, que cualquier soporte puede servir de medio para la expresión artística.
LIMITACIONES:
-‐ Las técnicas de decoración de las prendas son, en su totalidad, técnicas de ejecución individual y manuales, ya que realizarlas en procesos de fabricación en serie hubiese excedido completamente los presupuestos y además en nuestro medio no tenemos acceso a la maquinaria necesaria.
-‐ Los resultados conseguidos con ciertas técnicas de decoración textil, variarán notablemente de las técnicas originales puesto que tendrán que ser reemplazados ya que algunos de los materiales originales no existen en el mercado local
Capítulo I
Decoración Textil y Diseño de Moda
1. Decoración textil
“El interés de agregar color y diseño a materiales textiles es casi tan antiguo como la humanidad. Las primeras civilizaciones usaron el color y diseño en sus vestuarios para distinguirse unos de entre los demás.”1
Concordamos que la decoración textil es una herramienta de expresión creativa, basada en una serie de técnicas y procedimientos usadas para agregar diseño, texturas y color para darles un carácter diferente y especial a las telas. Cada una de ellas permiten combinar las formas, símbolos, etc., conjuntamente con los materiales y herramientas, para producir imágenes y efectos productos de la imaginación del diseñador textil.
“El arte textil permite utilizar y conjugar varias técnicas, disciplinas y materiales, cuya ejecución abarca aspectos muy amplios, pues incluye desde la manufactura de las fibras y tejidos, así como la aplicación de tintes, diseños y colores sobre los tejidos, y finalmente, la elaboración de las prendas.
Es un campo que permite una constante experimentación e investigación de nuevas técnicas, que conjugadas con la expresión personal, implican una constante evolución dentro del arte textil.
Su objetivo principal es lograr una expresión plástica amplia, asociando disciplinas de las bellas artes como la pintura y la escultura, y su desarrollo esta íntimamente asociado con el desarrollo cultural de los pueblos. En la actualidad el arte textil es una de las corrientes del arte contemporáneo.”2
Reconocemos que la superficie textil abarca una infinidad de formas y variantes, ya sea por el tipo de tratamiento que se le aplique (estampado o tintorería), la estructura misma del material (tejido o entramado), o la adición de todo tipo de elementos (bordados, avíos, etcétera), juntamente con la guía dada en las técnicas de decoración (trataremos mas adelante) por artistas textiles tales como Michelle Newman, Margaret Allyson, Jill Kennedy, Jane Varrall, etc., hemos podido experimentar y obtener como resultado creaciones y diseños propios que expresan nuestra personalidad y estilo.
1.1 Definición de Diseño
“Del italiano disegno, la palabra diseño se refiere a la traza o delineación de un edificio o de una figura. Se trata, por ejemplo, de la concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie. También puede referirse a un proyecto o plan, a la descripción verbal de algo, a la disposición de manchas, colores o dibujos que caracterizan a animales y plantas, y a la forma de los objetos.
El concepto de diseño suele utilizarse en el contexto de las artes, la ingeniería, la arquitectura y diversas disciplinas creativas. Así, el diseño es el proceso previo de configuración mental en la búsqueda de una solución. En otras palabras, el diseño consiste en una visión representada en forma gráfica de una obra futura.
De esta forma, el diseño implica plasmar el pensamiento a través de esbozos, dibujos, bocetos y esquemas trazados en cualquier soporte. El acto de diseñar puede ser considerado como creatividad (el acto de la creación), innovación (cuando el objeto no existe) o una modificación de algo ya existente (a través de la abstracción, la síntesis, la ordenación o la transformación).”3
Trataremos de definir el “Diseño”, por medio de una larga serie de interpretaciones. Algunos opinan que el diseño es una técnica que dota a los productos o servicios de una utilidad y una estética que los hace atractivos y competitivos en el mercado, y que además facilita su producción, al coste mas bajo posible. Este es un enfoque del diseño esencialmente industrial y comercial.
Desde un punto de vista más pedagógico definiremos al diseño como el proceso creativo de programar, proyectar, coordinar, seleccionar y organizar una serie de factores técnicos y elementos gráfico-‐plásticos, con el fin de crear objetos o productos de acuerdo a unas necesidades específicas e integrando en el proyecto los instrumentos de comunicación visual gráfico-‐plásticos.
La palabra diseño se usa también, en relación con los objetos creados por esa actividad. Así resulta habitual hablar de diseño de: moda, muebles, jardinería, interiores, etc.
“De acuerdo con Guillermo Gonzáles Ruiz4, el Diseño busca maximizar el impacto de una
comunicación entre un emisor y un receptor, por las vías conjugadas del texto escrito, de la imagen o del signo.
Su capacidad comunicativa se mide por la influencia que ejerce en el público y por la eficacia de los medios utilizados para difundir esos mensajes.”5
3 Diseño, 24-‐abr.-‐2010., N.A.: http://definicion.de/diseno/
4 Guillermo Gonzáles Ruiz, escritor mexicano residente en Ciudad de México. Es diseñador mecánico y su obra literaria permanece inédita., 17-‐jul.-‐2010.,
N.A.: http://www.letralia.com/firmas/gonzalezruizguillermo.htm
5 Diseño gráfico, González Ruiz Guillermo (1994), Estudio de diseño. Sobre la construcción de las ideas y su aplicación a la realidad, Buenos Aires, Emecé, 2da Edic., 01-‐feb.-‐2010.,
1.2 Modalidades o Tipos de diseño
“Aunque pueden hacerse otras clasificaciones del diseño, bajo un punto de vista esencialmente pedagógico es acertada la clasificación que adoptan los museos como el MoMA de Nueva York (Museo de Arte Moderno – Museum of Modern Art) en sus colecciones permanentes, o los comisarios de las exposiciones monográficas temporales relacionadas con el diseño, como por ejemplo las dos que recientemente ha organizado el CARS ( Centro de Arte Reina Sofía) de Madrid: "Signos del siglo. 100 años de diseño gráfico en España-‐2005" y "Diseño Industrial en España". De acuerdo con estos referentes podemos establecer los siguientes tipos o modalidades de diseño:
•
Diseño gráfico
(comunicación visual) que integra la edición, la publicidad y la identidad. Un ejemplo de diseño gráfico es el proyecto de identidad corporativa de una empresa.El diseño del producto queda definido por puntos de vista técnico-‐funcionales, de la economía de mercado y estéticos. En el ámbito de la comunicación el diseño se proyecta a un enfoque visual y de contenido con productos como comprende actividades de diseño en el ámbito de los medios de comunicación, por ejemplo periódicos, revistas y folletos, embalajes, displays y multimedia.
“Al analizar el Diseño Gráfico desde dos concepciones: como arte y como técnica, es preciso destacar que el arte juega un papel preponderante, ya que permite establecer un sinnúmero de vinculaciones en la que es posible analizar el origen del Diseño y al diseñador como artista; por el otro, un análisis del Diseño como técnica aplicada, logra establecer un nuevo canon en cuanto a las especificaciones de los recursos tecnológicos, estrategias comunicativas, procesos de realización, etc., es decir, asignar el rol de diseñador como un artesano, ya que la finalidad última de su actividad es la creación de objetos.”6
•
Diseño industrial
(diseño de productos) esencialmente orientado a proyectar desde una doble capacidad expresiva y funcional objetos que se puedan fabricar a través de un proceso industrial. Un ejemplo de diseño industrial puede ser cualquier objeto decorativo o electrodoméstico.Del diseño industrial forman parte actividades de diseño en los campos de bienes de consumo (ejemplo confección, moda, joyería, enseres domésticos, muebles, envases y embalajes, bienes de gusto y consumo, artesanía), bienes de inversión (ejemplo maquinaria, plantas industriales, herramientas, aparatos médicos, instrumentos, puestos de trabajo, comunicación en oficinas) y vehículos de transporte.”7
Por lo anterior consideramos que el diseño industrial es una disciplina orientada a la creación y al desarrollo de productos industriales, que pueden ser producidos en serie y a gran escala, donde juega un rol importante la creatividad y la inventiva.
6 Diseño gráfico, 01-‐feb.-‐2010., N.A.: http://www.monografias.com/trabajos11/disegraf/disegraf.shtml
7 Modalidades o tipos de diseño, 24-‐jun.-‐2009.,
1.3 Diseño Textil
Según Andrea Saltzman 8considera como uno de los elementos compositivos del diseño de
indumentaria, al textil que permite conformar la silueta entorno al cuerpo. Lo rodea, contiene, sigue y traza, al mismo tiempo que lo califica superficialmente, provocando sensaciones hacía el interior de la piel y hacía el exterior, como textura sensible y relacionada con el medio ambiente.
Por ello, en el proyecto de la vestimenta es fundamental valorizar las cualidades de maleabilidad, es decir, la aptitud del material para configurar el volumen en torno al cuerpo, según su peso, caída, elasticidad, movimiento, adherencia y textura, además de las cualidades que atañen a la superficie, como el color, el dibujo, la trama, la estructuración, el brillo, la opacidad y la transparencia, etc.
Dado que el textil funciona a manera de extensión de la epidermis, de piel superpuesta a la piel, es más que relevante prever las sensaciones táctiles, el aspecto visual, las impresiones sonoras y las cualidades olfativas que el material suscita mediante su textura, densidad, temperatura, sequedad o humedad, y demás factores. Por otra parte, y en su papel de nexo entre el cuerpo y el medio ambiente, resulta imprescindible que el diseño involucre las cualidades intrínsecas del material para responder al clima o cumplir funciones de protección, de resistencia a la fricción, de aislamiento (ignífugo, eléctrico, bacteriológico, radioactivo), de permeabilidad o impermeabilidad y de ventilación, entre otras.
El diseñador debe mostrar unas expectativas razonables del comportamiento de un tejido; una tela no puede ser forzada a un estilo o forma que no es compatible con sus características, tanto prácticas como visuales.
Desde esta perspectiva, la primera tarea del diseñador consiste en investigar las características inherentes al material textil para descubrir su misión, y así convertir a esa sustancia en la misión del proyecto de diseño.
La diseñadora textil, Gloria Jover9, cree que tanto los materiales naturales como los
artificiales tienen su misión, y la misión del diseñador es entender en qué consiste cada uno para potenciarlo.
Diseño Textil es la actividad creativa cuyo objeto es la determinación de las cualidades estético-‐formales que deben poseer los textiles, ya sea en su modalidad de estampado, tejido mecánico, manual o cualquier otra característica y cuya utilidad o uso y sistemas productivos son a la vez condicionantes y emergentes de la acción proyectual.
Por esta razón para nuestro proyecto hemos tomado a las fibras naturales como material que mejor se acopla a nuestras necesidades, cuyas aptitudes permiten que tanto los tintes y pinturas se fijan con mejores resultados y uniformemente (veremos más adelante). Además, las fibras naturales son de tacto suave y agradable creando así sensaciones como textura sensible por las cualidades de maleabilidad que posee.
8 Andrea Saltzman, El cuerpo diseñado, Paidós SAICF, 2004, Pág.176, 44. Andrea Saltzman integró en 1989 la primera cátedra de Diseño de la carrera de Diseño de Indumentaria y Textil de la Universidad de Buenos Aires, de la cual es profesora titular. Actualmente, además de la labor académica, se dedica a la asesoría en diseño para diversas marcas y a trabajos de curaduría vinculando arte y diseño.
1.4 Diseño de moda
El diseño de modas es un arte aplicado al diseño de ropa y accesorios creados dentro de influencias culturales y sociales, de un periodo de tiempo específico.
De acuerdo con Andrea Saltzman10, si bien el consumo de moda, por un lado facilita la
aparición de nuevas tipologías estéticas e ideológicas, por el otro las neutraliza de modo de cargarlas de un nuevo significado.
La tecnología y los medios de comunicación son de gran valor para el diseño de modas ya que facilita el buen desempeño de las industrias de modas y los proyectos e ideas a lanzar. La moda surgió con las formas de alta costura y el objetivo de abarcar el interés y el mercado de las clases poderosas, bajo el lema de lo exclusivo. Con la llegada del pret-‐á-‐ porter11, la producción de la indumentaria se industrializó y, por consiguiente se amplió el
consumo a los sectores medios. Posteriormente la producción masiva implicó que cualquier grupo social pueda integrarse al modelo en vigencia y las diferentes tribus urbanas y los movimientos de la calle se posicionaron como líderes de tendencia.
El fenómeno de la moda exige a los diferentes grupos que modifiquen su imagen si desean tener una identidad propia, para diferenciarse de aquellos que los imitan a través del consumo del mercado que se pone en circulación. Con esto señalaremos que el sistema de modas es un mecanismo de ciclos, que emerge con ciertos líderes o punteros llamados: spin doctors o creadores de tendencias, cuya misión es replantear las formas estipuladas y crear otras nuevas acordes con los tiempos, si estas formas llegan a ser aceptadas y los productos rinden, van a una fase de difusión a la que le sigue una de saturación, que anticipa la caída de este ciclo y su posterior re-‐comienzo.
El sistema de moda hoy en día funciona en forma distinta a como era hace diez a veinte años, cuando las tendencias eran pocas, muy definidas y hegemónicas: los largos de las prendas, los colores, y los recursos constructivos se imponían de manera estándar, sin importar los gustos del consumidor ni la contemplación de flexibilidad o comodidad. Actualmente las tendencias son bajo parámetros libres, que si bien se establecen líneas rectoras también se admiten estilos diferenciados.
Para nuestro proyecto hemos utilizado prendas de vestir femeninas de estilo urbano, es decir de uso diario cuyo diseño tiene por fin soportar el trajín de la ciudad, ya que cuenta con diseños y colores neutros: blanco, negro, gris, de gran versatilidad. Para darles a dichas prendas un toque auténtico y original, hemos creado en ellas texturas pintadas a mano, combinando entre si las técnicas de decoración textil. Según el efecto o textura que se quiera lograr en cada traje.
10 Modas, Andrea Saltzman, El cuerpo diseñado, Paidós SAICF, 2004, Pág.176, 120.
11 Pret-‐á-‐porter, es una expresión francesa que significa textualmente «Listo para llevar». Se refiere a las prendas de moda producidas en serie con patrones que se repiten en función de la demanda; es por tanto la moda que (con diferentes calidades y precios) se ve en la calle a diario., 17-‐jul.-‐2010.,
1.4.1El lenguaje de la moda
Según Sue Jenkyn Jones12, estudios de la historia de la moda, vestuario y costumbres de
distintos países han revelado que todas las sociedades, desde la más primitiva hasta la más sofisticada, usan la ropa y los adornos para transmitir información social y personal. Cuando tratamos de leer las expresiones faciales de los que están a nuestro alrededor, también podemos leer las señales emitidas por sus ropas, y llegamos a conclusiones, algunas veces erróneas, de la clase de gente que son. Esta comunicación no verbal, del lenguaje de la moda, puede aprenderse como cualquier otro lenguaje.
Es por eso que a lo largo de la historia, muchos artículos y estilos en el vestir han adquirido un significado simbólico, facilitando así la identificación de extraños. En su libro “The Fashion System” (1967), el crítico francés Roland Barthes escribió acerca del lenguaje simbólico de los vestidos y la manera que tienen de informar sobre la orientación social y política. El estudio de los signos y símbolos que comunican información se denomina semiótica.
Los vestidos y sus combinaciones están deliberada o subconscientemente destinadas a comunicar a los demás impresiones nuestras, que bien pueden ser verdaderas o falsas. Algunas de las características personales que deseamos revelar o esconder son: edad, orientación sexual, proporciones, formas, situación económica o civil, profesión, afiliación religiosa, autoestima, actitudes e importancia.
El cometido de los diseñadores de moda es el experimentar con la identidad y las apariencias a través del vestir. Ellos deben ofrecer a la gente ropa que les de la oportunidad de proyectar sus propias fantasías, tanto si se trata de una estrella de pop como de una princesa. En años recientes, los diseñadores también han desafiado los mensajes tradicionales comunicados por el vestir. La diversidad de los estilos étnicos y subculturales ha conducido a una distorsión de los códigos: por ejemplo rebecas13 usadas
con saris14 o chaquetas tweed 15con vaqueros.
Los diseñadores han tomado préstamos de la semiótica del vestir y han derribado los límites con la intención de destruir principios y armonías por medio de tallas mayores, el uso de colores desentonados, con diseños que no siguen el perfil del cuerpo, creando
12 El lenguaje de la moda, Sue Jenkyn Jones, Diseño de Moda, BLUME, 2005, Pág.240, 34
13 Rebeca, es el nombre de una prenda de vestir femenina (chaqueta de punto), también conocida como cardigan, sin cuello, abrochada por delante, y cuyo primer botón está, por lo general, a la altura de la garganta. Llamada inicialmente “cardigan” se popularizo con el nuevo nombre a raíz de una película de 1.940 dirigida por Alfred Hictchock “Rebecca”., 26-‐jun.-‐2010., N.A.: http://www.yaestaellisto.com/el-‐origen-‐de-‐la-‐rebeca-‐y-‐ el-‐cardigan/
14 Sari, En la India, la mayoría de mujeres usan el sari. El sari suelen ser de seda o de otro tejido ligero alrededor de un metro de ancho y 5 a 5 1/2 metros de largo. Antes de vestirse con el sari, las mujeres se ponen una blusa corta y apretada conocida como choli y una breve enagua e introducen un extremo del sari en la cintura, entre la carne la enagua. Luego se envuelven en la tela, haciéndole dar dos o tres vueltas alrededor del cuerpo y se echan el otro extremo por encima del hombro. La parte inferior del sari roza el suelo., 26-‐jun.-‐ 2010., N.A.: http://shatryani.nireblog.com/post/2008/04/17/que-‐es-‐un-‐sari
ambigüedad sexual, mediante yuxtaposiciones o tejidos poco usuales y acabados deliberadamente pobres o expuestos.
Para el historiador, el periodista y el antropólogo de la moda: Aprender, interpretar y aumentar este léxico creativo es de vital interés.
Mensajes tradicionalmente comunicados por las vestimentas
occidentales del siglo XX
Masculinidad
Pantalones, corbatas, hombreras amplias, tejidos ásperos o pesados, ropas de calle.
Feminidad
Faldas, escotes bajos, marcadas cinturas, tejidos delicados.
Madurez sexual
Vestidos apretados, tejidos transparentes o brillantes, tacones altos.
Inmadurez
Sin formas, vestidos amplios, pantalones con peto, estampados o dibujos infantiles, colores brillantes, zapatos planos.
Dominio
Uniformes, tejidos incómodos, grandes hombros, colores oscuros, cuero, botones metálicos, grandes sombreros y accesorios.
Sumisión
Adornos y tejidos poco prácticos, colores pálidos, zapatos con adornos.
Inteligencia
Gafas, medias azules u oscuras, colores sombríos, cartera.
Conformidad
Tristes vestidos de grandes almacenes, pliegues planchados, colores discretos.
Rebelión
Vestidos y peinados extremos, tatuajes, piercing, zapatos poco usuales o ir descalzos.
Profesión
Indicado por ropa de ciudad o de campo o vestido regional.
Riqueza
Joyas de oro y brillantes, vestidos nuevos o limpios, corte perfecto, marcas identificables, colores espectaculares, pieles, perfume.
Salud
Vestidos deportivos o informales y logos, corte que marca el cuerpo, figura delgada, zapatillas deportivas.
Edad
1.4.2 LOS USOS DE LA ROPA
Sue Jenkyn Jones menciona que la moda es una forma especializada de adornar el cuerpo. Tanto los exploradores como viajeros fueron los primeros de documentar y comentar sobre los adornos del cuerpo y estilos de vestir que encontraron alrededor del mundo. Algunos al regresar de sus viajes trajeron consigo dibujos y ejemplos de ropas, provocando un deseo no sólo por los productos en sí, sino también por entenderlos. Finalmente, el estudio de las ropas se convirtió en una parte establecida de la antropología.
La moda normalmente se fija en las formas y tejidos del pasado como forma de inspirarse para la creación de nuevos estilos. El estilo vintage16 es admirado no sólo por el cuidado en
la confección y el detalle, algo que en la actualidad es difícil de conseguir, sino también porque evoca una nostalgia por los estilos pasados. Este aspecto emocional es un elemento importante en el diseño. Sin embargo, por mucho que uno quiera volver a poner de moda el corsé o la crinolina, es conveniente tener en cuenta la situación social y política, las necesidades que los hicieron útiles en su momento, y aplicar un análisis similar a los estilos contemporáneos. Las pautas de identidad están íntimamente asociadas con la ropa que elegimos llevar.
El foco de atención está ahora en los usos de la ropa para ocasiones especiales o como manifestación de problemas sociales y cambios culturales. Hoy en día poseemos una libertad de elección mucho mayor que la que tuvieron nuestros antepasados, y muy pocas leyes relativas al lujo y la riqueza que prohíban u obliguen llevar determinadas prendas. Teóricos culturales y analistas del vestir se han centrado desde entonces sobre todo en cuatro funciones del vestido: utilidad, pudor, atrevimiento (esto es, atracción sexual) y adorno.
George Sproles17 en su libro Consumer behaviour towards dress (1979), sugirió cuatro
funciones adicionales: diferenciación simbólica, afiliación social, autoestima y modernidad. Discutiremos brevemente cada una de ellas.
Utilidad
“El vestido ha evolucionado hasta encontrar varias utilidades prácticas y de protección. El entorno es duro y el cuerpo necesita mantenerse a una temperatura promedio que asegure comodidad y la circulación sanguínea.
Los renovadores del vestido generalmente han antepuesto la utilidad ante otras consideraciones estéticas. Por ejemplo, en la década de 1850, la publicista Amelia Jenks Bloomer18 resaltó lo poco práctico que era el miriñaque19 y defendió el uso de pantalones
16 Vintage, es todo aquello que ha pasado de moda que hoy se considera clásico. Se aplica el adjetivo "vintage" especialmente a aquello considerado de gran calidad. Este término se utiliza para describir artículos o prendas de ropa “retro” que tengan, por lo menos, diez años de historia. Actualmente, lo más rescatado pertenece a las décadas del 50, 60, 70, 80 y, aunque nos pese, 90., 26-‐jun.-‐2010.,N.A.: http://blogultura.com/diseno-‐ grafico/ciencia-‐vintage/
17 George Sproles, profesor de indumentaria, textil y diseño de interiores, en la Universidad de Arizona, Tucson., 26-‐jun.-‐2010., N.A.: http://www.acrwebsite.org/volumes/display.asp?id=5731
18 Amelia Jenks Bloomer (1818 – 1894), publicista, abogo por los derechos de las mujeres americanas. Aunque no creó una reforma de estilo de ropa femenina conocida como bloomers, su nombre fue asociado con el, por su temprana y fuerte abogacía., 26-‐jun.-‐2010.,
subestimada; ya que los consumidores con frecuencia eligen prendas teniendo en mente detalles de comodidad, durabilidad o facilidad de mantenimiento.
Pudor
Necesitamos ropas para cubrir nuestra desnudez. La sociedad exige y apoya el decoro, a menudo ha promulgado leyes para controlar la extravagancia. La gente en su mayoría se siente insegura al dejar al descubierto sus imperfecciones físicas, sobre todo cuando se hacen mayores; por lo tanto el vestido disfraza y disimula nuestros defectos. El pudor está socialmente definido y varía entre individuos, grupos y sociedades, así como a través del tiempo.
Todavía en muchos países de oriente medio existe un acalorado debate entre liberales y fundamentalistas sobre lo cubierta que debe ir la mujer. Los europeos por lo general están menos inhibidos que los americanos. La ropa que utilizamos para ir a la playa y para salir por la noche deja el cuerpo más al descubierto que en cualquier otro momento anterior en la historia.
Atrevimiento
La ropa puede utilizarse para realzar los atractivos sexuales y la disponibilidad del que lo viste. El papel tradicional de la mujer como objeto sexual pasivo ha contribuido a la mayor erotización del vestido femenino. Los trajes de noche y la lencería están elaborados con tejidos que provocan o simulan la textura de la piel. Los accesorios y cosméticos se usan también para realzar los encantos.
El concepto de Flugel, un seguidor de Freud, en torno a 1930, propone que la moda estimula de forma continuada el interés sexual mediante ciclos y prestando atención a distintas partes del cuerpo con fines seductores.
Adorno
Los adornos permiten enriquecer encantos físicos, afirmar la creatividad e individualidad, o señalar la pertenencia o el rango dentro de un grupo o cultura. Así también los adornos pueden ir en contra de las necesidades de comodidad, movimiento y salud, como el atar y vendar los pies. Los adornos pueden ser asimismo permanentes o temporales, adiciones o reducciones del cuerpo humano. Los cosméticos, la joyería, las falsas uñas, las pelucas y las extensiones del cabello, los bronceados, los tacones altos y la cirugía plástica son adornos corporales. La gente, en general, procura ajustarse al ideal de belleza que predomina.
Diferenciación Simbólica
La gente utiliza el vestido para diferenciar y reconocer una profesión, su afiliación religiosa, nivel social o estilo de vida. El uniforme como expresión de autoridad, ayuda al que lo viste a destacarse entre una multitud. El modesto atuendo de una monja anuncia sus creencias. El vestir marcas de moda o distintivos, materiales caros y joyería en principio es un signo de distinción social, pero a menudo pierde su significación a través de los estratos sociales hasta que desaparece su potencial como símbolo de diferenciación.
19 Miriñaque, también llamado crinolina, es una forma de falda amplia utilizada por las mujeres a lo largo del siglo XIX que se utilizaba debajo de la ropa., 26-‐jun.-‐2010.,
Afiliación Social
La gente viste de moda parecido para pertenecer a un grupo. Se supone que aquellos que tienen ideas divergentes no se ajustan a los estilos aceptados y a la larga se los excluye por desconfianza. Por el contrario, la víctima de la moda, que se adapta sin sensibilidad a las reglas existentes, es vista como una persona sin personalidad y gusto, desesperada por ser miembro de un grupo. El vestido, puede llegar a ser en algunos casos, una afirmación de rebelión contra la sociedad o la propia moda. A pesar de que los punks20 no tienen un
uniforme, se les puede reconocer por una serie de datos identificadores: vestidos rasgados, imperdibles, espectaculares peinados, etc. Este código del vestir lo desarrolló la diseñadora de modas británica Vivienne Westwood21 como una anárquica burla contra la
moda convencional y aseada de mediados de los años setenta.
Autoestima
Aunque exista presión social para estar afiliado a un grupo, y numerosa ropa y moda idéntica que se vende en inmensas cadenas de almacenes, raramente encontramos dos personas vestidas idénticamente de los pies a la cabeza. A pesar de que la juventud compra con amigos para ayudarse a dar consejos entre ellos, no adquieren los mismos conjuntos.
Los individuos se esforzarán por imponer su propia identidad, cualquiera que sea la situación, por medio de el peinado, maquillaje, y los accesorios, etc.
Modernidad
En aquellos lugares donde podemos conseguir con facilidad las prendas de moda, es posible utilizar la ropa para expresar modernidad. Los ambientes de las ciudades de clase media-‐alta, llevan ventaja en un mercado laboral que aumenta su competitividad constantemente, ya que están al corriente de los nuevos estilos e informados de los acontecimientos actuales. El vestido apropiado garantiza el acceso a lugares y a la gente correcta. Nuestra aceptación a la modernidad, como diseñadores, vanguardistas o consumidores, sirve como indicador de nuestra creatividad, adaptación y preparación para el futuro.
“Toda moda es vestido, aunque no todo vestido es moda…Necesitamos moda, más que vestidos, no para vestir nuestra desnudez sino para vestir nuestra autoestima” Colin McDowell22(1995)”23.
20 Punks, a finales de los años 1960, el punk surgió como una burla a la rigidez de los convencionalismos que ocultaban formas de opresión social y cultural. El punk de la cultura ha sido principalmente de la libertad individual, cuya ideología se suele expresar mediante la música punk., 26-‐jun.-‐2010., N.A.: http://www.tererevip.com/wp0/index.php/2008/02/05/origen-‐del-‐punk-‐rock/
21 Vivienne Isabel Swire (Derbyshire, Inglaterra, 8 de abril de 1941), conocida como Vivienne Westwood, es una diseñadora de moda británica considerada como la principal responsable de la estética asociada con el punky el New Wave., 26-‐jun.-‐2010.,
N.A.: http://vintagebarcelona.blogspot.com/2009/01/vivienne-‐westwood-‐la-‐reina.html
22 Collin McDowell, (periodista británico) es considerado uno de los más prestigiados comentaristas de la moda, conocido por su juicio perspicaz. Pasó diez años como diseñador, ilustrador y publicista en el negocio de la moda italiana., 26-‐jun.-‐2010., N.A.: http://www.colinmcdowell.com/aboutcolin/page2.html
1.5 Iconografía
“Según Itzel Rodríguez Mortellaro24 cada campo del arte (literatura, artes plásticas,
arquitectura, música, etcétera) tiene un lenguaje propio. Para poder comprender el mensaje que transmite una obra artística, es necesario reconocer y adentrarse en el lenguaje en el que se expresa. Las artes plásticas y gráficas se manifiestan a través de la imagen. Las imágenes muestran una variedad de cualidades formales (colores, texturas, dimensiones, volúmenes, etc.).
En una obra plástica se transmite un mensaje a partir de características evidentes: cómo están acomodadas en el espacio de la obra, qué relación guardan entre ellas, cuál es el estilo artístico en que se presentan, qué representan (a nivel descriptivo). Y otras menos evidentes: cuál es el significado que se le ha asignado a cada imagen según determinada tradición cultural y cuál es el sentido cultural profundo de la imagen en relación con el autor, con su sociedad y con su época. Se requiere de un entrenamiento del ojo (que mira la obra de arte) y un cierto conocimiento de historia del arte para poder percibir y reconocer eficazmente las características de una imagen artística.
Infinidad de imágenes artísticas tienen un significado asignado por alguna tradición cultural. Estas imágenes remiten a un tema determinado. Para el espectador muchas representaciones artísticas son difíciles de interpretar porque al no reconocer el tema, no sabe como relacionar las distintas figuras con objetos presentes en una imagen.
Para entender el mensaje de la mayoría de las imágenes es preciso, reconocer el tema al que aluden. La iconografía es el área que estudia el arte que se aboca a la identificación de imágenes.
La iconografía brinda la significación narrativa y alegórica (ideas expresadas en imágenes) de las imágenes.
Las tradiciones culturales de la humanidad (cristiana, musulmana, budista, mitológica griega o germana o romana o maya, etcétera) determinan los contenidos iconográficos. Según Panofsky25, el primer paso para la apreciación del arte es simplemente observar una
imagen y decir qué vemos, antes de que intentemos atribuirle un significado.
El nivel iconográfico de interpretación tiene que ver con nuestro conocimiento del mundo: podemos nombrar a las personas, reconocer situaciones, inferir estados emocionales. En palabras de Panofsky, la iconografía tiene que ver con temas convencionales y por eso implica un trabajo especializado sobre la imagen porque hay que indagar en un universo cultural. La iconografía muestra que ciertas formas son, por ejemplo, santos o dioses o alegorías particulares.
24 Itzel Rodríguez Mortellaro, historiadora por la UNAM. Se dedica a la investigación y docencia del arte y cultura del periodo nacionalista en México. Actualmente, como tema de investigación del doctorado en historia del arte, estudia el uso de la cosmovisión indígena antigua en el arte mexicano moderno., 26-‐jun.-‐2010., N.A.: http://www.arqueomex.com/S2N3nMuralismo100.html
25 Erwin Panofsky, “I. Iconografía e iconología: introducción al estudio del arte del Renacimiento” en El significado en las artes visuales, Buenos Aires, Ediciones Infinito, 1970.
Erwin Panofsky (1892 – 1968), ha sido uno de los historiadores del arte más importantes de nuestro tiempo. Su influencia trasciende los límites de esta disciplina, a la que consagró buena parte de su vida. Buena parte de su trabajo se ocupó del estudio de expresiones artísticas como el Renacimiento, pero en su amplia obra también alcanza la imagen fotográfica y el cine., 26-‐jun.-‐2010.,
El nivel iconológico es el más profundo y significativo. La iconología busca relacionar el sentido simbólico de los objetos y figuras en el arte con lo político, poético, religioso, filosófico y tendencias sociales de la personalidad, periodo o país que se estudia. La iconología interpreta y ubica una imagen en relación al horizonte cultural de una época. De acuerdo con Panofsky una imagen artística brinda, en una forma condensada, los valores intelectuales y culturales de un grupo social determinado.
Es muy importante tener en cuenta que las imágenes no pueden explicarse como ilustración directa de un texto existente. Sería un grave error considerar una imagen artística como ilustración porque el lenguaje textual se lee de una manera y la imagen de otra. Por lo que respecta a la obra, no hay límites en cuanto a las significaciones que pueden leerse en ella.
Para acceder a esas significaciones es fundamental el conocimiento iconográfico, conocimiento con el que podremos reconocer el tema de la imagen.
La iconografía nos da la clave para ubicar la imagen en una tradición cultural y en un repertorio temático. La identificación de una imagen es uno de los primeros pasos para penetrar en la comprensión de las artes plásticas.
Las imágenes de personajes históricos son más que simples retratos, un compendio de signos visuales que comunican el valor personal y simbólico de la persona representada. La actitud de la figura, el paisaje que tiene cerca nos pueden indicar quién es, cuál es su función social y cuáles sus méritos y su poder.”26
