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INSTITUTO UNIVERSITARIO NACIONAL DE ARTE
Departamento de Artes Visuales
“LA INTROYECCION DE MI PRODUCCION Y EL PROCESO CREATIVO DE EMILIO RENART”
Seminario de Equivalencia Universitaria Lic. en Artes Visuales Orientación Pintura
TESISTA :
Profesora: Norma Susana Musella
DIRECTORA:
Licenciada Marcela Martinica
AÑO: 2013
BUENOS AIRES
2 Dedicatoria
A mis padres, ROSA PERONI Y CAYETANO MUSELLA, que siempre apoyaron mi vocación docente y artística, con especial aprecio. Gracias.
A mis hijas CYNTHIA Y SAMANTA por acompañarme en este largo camino Gracias.
A mis profesores de la ESCUELA NACIONAL DE BELLAS ARTES PRILIDIANO PUEYRREDON y a todos mis colegas del IUNA, en especial al Profesor Norberto Pagano.
Y un reconocimiento muy especial a mi directora de tesis Profesora Licenciada MARCELA MARTINICA, quién hizo posible ésta tesis.
3 INDICE
Prólogo ……… pag. 4 Introducción………pag 5 Marco teórico ……….pag 6 Expresionismo Abstracto ……….pag. 6 Federal Art Proyect ………..pag 15 Presentación y Similitud ………..pag 24 Similitud ………..pag. 29 Creatividad ……….pag 43 La Creatividad y el estado de Duermevela ………..pag 47 Dinámica creativa ………pag 50 Acto modificatorio = Creatividad……….. pag 63 Espejos ……….pag 65 El acto modificatorio y el anonimato ………pag 67 El acto modificatorio, dudas-temores y miedos ………pag 67 Acto modificatorio y los afectos ………pag 69 Inventar ……….pag 72 Causas y objetivos que hacen a la creatividad ………..pag 73 Exteriorización de la creatividad ………...pag 75 La creatividad y las pérdidas ……….pag 76 La Creatividad y la síntesis ………pag 78 Asociación de ideas. Comunicación……… pag 78 Formas de comunicarnos ………..pag 80 Conclusión ………...pag 84
Bibliografía ………pag 86
4 PROLOGO
La idea de este escrito, es mostrar el desarrollo, del proceso creativo en cuanto a mi obra desde el año 2000 en adelante, sobre mi producción y la relación de las mismas, basada en el contenido del libro de Emilio Renart, CREATIVIDAD.
He seleccionado una serie de pinturas de un conjunto mayor de obras, para realizar un profundo análisis, sobre el desarrollo de la creación.
5 INTRODUCCIÓN
“Es la personalidad toda del artista la que se compromete en la aventura creativa. Es por ello que hablamos de exploratoria. Hablamos de la aventura de crear, hablamos de ese estructurarse interiormente comprometiéndonos al hacerlos con lo más profundo de nosotros mismos. La exploratoria nos promete el descubrimiento de nuestros paisajes interiores”.1
El momento en el que los artistas plásticos nos encontramos con “la hoja en blanco”, es un período de angustia, ansiedad y desazón. Es el momento para implementar disparadores para producir. Necesitamos un tiempo de reflexión para apropiarnos de la experiencia vivida. Desde el análisis de lo vivido podemos tomar conciencia de los medios que utilizaremos para expresar lo interior.
La producción de mi obra surge a partir de diferentes disparadores, algunos ejercicios determinados que contribuyen en la organización de la estructura, el uso de fotografías, ensambles y bocetos. El uso de de la impronta, la espontaneidad y el “vaciar la mente” me guiaron hacia la abstracción, en la que encuentro similitud con obras de algunos pintores. Otras obras fueron creadas de imágenes que surgen del inconsciente. Recuerdo al maestro Aníbal Carreño, en una clase dónde me propuso trabajar con la tela en blanco, sin imitaciones, ni copias, ni indicadores de paleta, simplemente la mancha, en la que aparecía una síntesis de formas relacionadas quizás con el paisaje. Fue el momento en que él sugirió mi salto a la abstracción.
1 Norberto Pagano. El Arbol de Proyección en la Exploratoria Artística. Publicación interna de la Asignatura Taller Proyectual de Dibujo I a V. 2003
6 MARCO TEÓRICO
Con creatividad, nacemos todos, la elaboración de la misma nos conduce a la creación, para incentivar el desarrollo de la creatividad en el caso de la pintura abstracta, se parte de la espontaneidad y del vaciamiento de la mente, de prejuicios y conceptos preconcebidos, aplicando la pintura con libertad y espontaneidad.
A fin de hacer un análisis exhaustivo de mi obra tengo en cuenta artistas referentes por afinidad, de diferentes estilos, varias nacionalidades y distintas épocas, busco en estos, alguna relación o similitud con mi obra. La obra abstracta en sí, es un pensamiento único, sin la intersección de la razón, es, una pintura más fresca, más abierta, más inmediata, a mi entender más libre. A fin de esclarecer el tema haré una breve reseña sobre el expresionismo abstracto.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO.
Luego del desastre producidos por las guerras de los países contra Hitler. Las generaciones entre los años treinta y cuarenta, buscaban nuevos caminos, porque se encontraban en crisis, los pintores buscaban nuevas salidas urgentes.
Como dijo Robert Motherwell, se necesiaba una experiencia sentida, intensa, inmediata , directa, sutil, unificada, cálida, vivida, rítmica. Los pintores comenzaron a pintar sólo porque tomaron la decisión de hacerlo, con un principio único establecido, que era vaciar sus mentes de prejuicios, poner la mente en blanco y pintar con espontaneidad, las imágenes que aparecían eran expresionistas que surgían desde lo más profundo de su ser.
La sicología moderna dice que la mente consciente produce un sentimiento de represión sobre el subconsciente, si trabajamos con libertad, se podrá llegar a obras realmente creativas.
7 Un grupo de artistas del norte de Europa saco del expresionismo alemán un estilo muy vigoroso.
Los pintores matéricos (MATTER PAINTERS) inventaron una variante del collage, mezclaban arena yeso y otros materiales por lo cual, la obra plana pasa a tener solidez tridimensional como la escultura
Los artistas recibieron aportes del arte oriental, especialmente de la caligrafía china, en ésta, la pincelada es de gran importancia, el pintor escritor elimina las contradicciones entre el sujeto y objeto y cuando se concentra en el proceso de elaboración de signos siente que está participando en una serie infinita de acontecimientos. En ésa época los artistas tomaron de ejemplo el arte oriental, basándose en la caligrafía china, porque su pincelada era lo más importante, el pintor oriental se dedica a la elaboración de signos, ésta es infinita, se llaman
“gestos congelados”.
Tenemos el existencialismo con los escritos de Jean-Paul Sartre, gustan muchísimo a los artistas abstractos, en América y Europa, coincide con la teoría de que solo el hombre es el artífice de su propio destino, éste destino se hace y se deshace, permanentemente, dice que la conciencia es subjetiva que nunca se puede mirar objetivamente.
Existe un gran diferencia en el “acto de pintar”, entre los pintores de la escuela de París y los pintores de Nueva York, los franceses nunca abandonaron el contenido (un mensaje, un signo, etc.) Se puede ver en sus obras los principios fundamentales de la composición, en cambio los pintores de Nueva York, sostenían que lo que se encontraba en el lienzo no era una pintura sino un “acontecimiento”2 Los artistas estaban divididos, por un lado los artistas figurativos llamados regionales con un pasado agrario y folklórico, en medio del fracaso de la industria.
En Nueva York, el partido comunista, concentró a artistas de diferentes tendencias, sus trabajos eran muy complicados, por ejemplo trata un tema de
2Anthony Everitt, EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO. Pag. 8.
8 encarcelamiento como el de Sacco y Vanzetti. Luego aparecen revolucionarios como José Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera.
Los regionalistas y los pintores realistas sociales, se oponían a la abstracción y a la vanguardia europea.
En 1937 Josef Albers, crea una fundación de pintores llamada American Abstract Artists, la misma organizaba exposiciones, conferencias y publicaciones de libros, éstos se oponían totalmente a los impresionistas, expresionistas y surrealistas, sólo aceptaban lo geométrico y pos-cubismo.
Más tarde el regionalismo y el realismo social pierde fuerza y desaparecen.
Los artistas se dieron cuenta que lo político, les llevaba demasiado tiempo y se apartaron.
En la segunda guerra mundial, muchos artistas, emigraron a Estados Unidos, en el siglo xx y muchos artistas se exilaron de sus países: BRETON, CHAGALL, ERNST, LÉGER, LIPCHITZ, MASON, MATTA, MONDRIAN.
En el caso de MATTA Y MASSA, realizaban obras semi abstractas, con imágenes que surgen del subconsciente, entonces Nueva York ocupa el lugar que antes tenía Paris y se convirtieron en el centro del arte.
El movimiento expresionista abstracto marcó el proceso de mi obra y como dice Jacques Aumont, en cuanto a la significación de la imagen, es un …“suceso situado en tiempo y espacio”…, todos …“los elementos de la obra de arte son simbólicos”…3, y son síntomas culturales provenientes de nuestro espíritu, de una época, un estilo o una escuela.
Para interpretar una obra de arte, tenemos que tener en cuenta su contexto histórico y cultural.
La imagen es un objeto producido por la mano humana, que transmite al espectador en forma simbólica un discurso, sobre el mundo real. La imagen es la representación del mundo real o de una parte de la realidad y las imágenes
3 Aumont, J. (1992). La Imagen. Barcelona: Ediiones Paidós.Pag.257
9 que nos dan una referencia directa, de tipo documental, se pueden encontrar en esferas distintas del arte, como las imágenes transformadas en el siglo XX, que más tarde llamaríamos Abstracción. La palabra abstracción significa alejamiento de la realidad.
La relación abstracta es lo contrario a la relación concreta y cuando no existe concreción no existe una referencia concreta, sus opositores le dieron un significado despectivo diciendo que “lo abstracto era demasiado abstracto, esto fue manifestado, en el arte pictórico por haber perdido dicha representación, después de la guerra, varios años después aparece Jackson Polock,y Mark Rothko, llamados “abstractos líricos”.
Si definimos al Arte Abstracto podemos decir que es un arte de imágenes no representativas o no figurativas, es la pérdida de la representación, si bien en su momento fue banalizada por el tejido, la decoración y la ambientación, hoy sin embargo es reconocida como una mirada vanguardista. La sociedad acepta el arte abstracto luego de consumir durante mucho tiempo el arte representativo, es así que arte abstracto aparece en medio de la evolución histórica, y los historiadores del siglo XX se detuvieron en estudiar el nacimiento del arte por necesidades psicológicas distintas, necesidades muy distintas a todas y a la cual se une la necesidad de expresión.
El Arte Abstracto tiene una fuerte autonomía sobre las formas artísticas y también es fuerte institucionalmente, puesto que algunos artistas pudieron crear el Arte Abstracto, opuestos a las ideas dominantes del momento, significa que existe un lugar, una institución que posee sus propios valores ideológicos que ha sido por supuesto legitimada.
La representación, ya no es un movimiento absoluto como había creado la Academia, no era absoluta porque ya existía una nueva historia.
Con la creación de la fotografía y luego del cine, se termina con la necesidad de imitación, que hasta entonces era el centro de toda actividad artística, porque cesa esta necesidad en la pintura, dando paso así a la Abstracción. La imitación tenía un gran competidor que era la Abstracción, una competencia en un lugar que hasta entonces solo ella había ocupado, entonces para poder
10 definirse como arte, la pintura debía diferenciarse de la fotografía, ya que no se le daba la categoría de arte.
Nuestra realidad está plasmada en la imagen representativa, su discurso es implícito de esa realidad, la imagen abstracta pone esto en tela de juicio.
Cuando aparece el arte pictórico abstracto se minimiza el arte pictórico representativo
Aumont, nos desglosa “La Gramática Plástica”, en su libro La Imagen (Aumont, 1992)4. En esta gramática encontramos:
a) los elementos de los tratados pedagógicos de la Bauhaus, de dónde se pueden enumerar los elementos plásticos.
-La superficie de la imagen y la graduación -El color.
-La gama de los valores
Esta lista coincide con los elementos de la percepción visual, luminosidad, color y bordes.
b) Las estructuras: el artista debe componer en base a elementos simples, componiendo formas más complejas con los diferentes elementos
Kandinsky,5 nos dice que cuando hablamos de plano, es el referente a la superficie en cuanto al punto y la línea. Destaca el punto, su tensión concéntrica, su estabilidad, es decir: no tendencia espontánea al movimiento, su tendencia a incrustarse en la superficie y otros factores como, la dimensión del punto, su forma, su manifestación en la superficie.
El Punto, La Línea, y La Superficie, forman la integración de lo que llamamos Expresión, cada factor tiene un valor expresivo, para el autor. El se basa en metáforas, en especial cuando habla de frío o calor y también de metáforas
4 Aumont, J. (1992). La Imagen. Barcelona: Ediciones Paidós. Pag.183
5 Kandinsky, Vasili. (1926). Punto y Linea sobre el Plano. Barcelona: Paidós Ibérica.
11 musicales, es una estética idealista y de esta manera las formas tendrán, vida propia, significa …“una pulsación propia, una resonancia intrínseca, que hay que descubrir”…6
En esta misma época encontramos el texto de KLEE (1925), (Worringer,Wilhelm, 1911) quién tiene en cuenta el Ritmo Visual, con dos puntos muy importantes:
1) La oposición de la estructura dividual, de la individual.
2) la forma orgánica que es de origen natural y que se utiliza artísticamente, ej.
El aparato circulatorio, se utiliza estructuralmente.
c) La Estructuración: El campo plástico es considerado de fundamental importancia, la estructuración es la composición de la obra
La imagen es un factor cuanto a una superficie organizada y estructurada, veremos los cambios de la composición tradicional de la estructuración:
a) Composición y Geometría: En los cuadros clásicos se pretendía que la composición fuera una sólida distribución, geométricamente armoniosa, en la totalidad de la superficie pintada. En la importancia de la proporción el autor nombra al escultor y pintor Matilda Ghyka, en el arte de las proporciones, (Esthétique des proportions dans la nature et dan las arts.1927)- (Aumont, Jacques, 1992)7,docenas de análisis que prueban que tal o cual cuadro está construido con proporciones geométricas simples y otros están construidos con modelos de alcance universal.
b) Composición Plástica: se entendía como arte de componer en disponer adecuadamente las figuras del cuadro (personajes, objetos, decorados) pero cuando la pintura se alejó de la imitación, quedó incluida en los elementos plásticos, valores colores líneas y superficies, esta doble idea se encuentra ya
6 Aumont, Jacques. (1992). La Imagen. Barcelona: Ediciones Paidós. Pag 284
7 Aumont, Jacques. (1992). La Imagen. Barcelona: Ediciones Paidós. Pag 286
12 sea en los escritos históricos de Passeron, como en los análisis de cuadros de R.Arnhein.
A comienzo de siglo surge un gran movimiento artístico, llamado EXPRESIONISMO.
La palabra Expresionismo, fue creada por Wilhelm Worringer, crítico e historiador de arte, autor del libro Abstraction et Einfuhlung, en 1911. Para calificar algunas obras pictóricas, también esta palabra tenía distintos significados, dentro de la poesía en 1914, dentro del teatro, y por último en el cine. Yvan Goll la define como una epidemia, o un estado espiritual en un campo intelectual, que afecta a la poesía, a la prosa, a la pintura, a la arquitectura, al teatro, a la música, a la ciencia, a la Universidad y a las Reformas Escolares, esto perduró durante setenta años en generaciones de artistas desde 1920.
Se lo cuestionó desde un punto de vista político, porque se preguntaban cómo había surgido, si había sido un movimiento revolucionario o había facilitado el ascenso del nazismo. Nos situamos en los años 30, los intelectuales alemanes exilados en Moscú, juzgaron el origen del expresionismo.El Expressionismus Debatte, estaba formado por: Brech, Lukács, Feuchwanger, Herwarth Walden, Béla Balazs y otros, los alemanes cuestionaban en general el expresionismo literario, poético y teatral y también las artes plásticas.
En cuanto a la pintura, los expresionistas tienen una existencia que perdura mucho tiempo. En 1908 Matisse dice “lo que persigo antes que todo es la expresión”
Luego de la segunda guerra mundial, el mundo se sumergía en un gran desastre, pero en medio de tanto caos, artistas como Piet Mondrian y Max Ernst, cambiaron Europa por la seguridad de Estados Unidos, y allí pudieron manifestarse, y de esta manera durante los años cuarenta y cincuenta, por primera vez, la influencia de su arte, hizo que artistas norteamericanos tuvieran fama internacional, todo esto por su nueva visión, conocida como EXPRESIONISMO ABSTRACTO.
13 Antes de entrar en el tema, me acercaré a la Pintura Americana de Preguerra, como antesala o período anterior al Expresionismo Abstracto.
Dos artistas pintores norteamericanos se destacan en el transcurso del arte de los Estados Unidos. En los años veinte y treinta Edward Hopper y Georgia O’Keeffe se inspiraron de las distintas tradiciones. Georgina O’Keeffe (1887- 1986) trabajaba en su obra, un gran realismo, muestra un mundo más abstracto basado en plantas y flores ampliadas que nos llevan al surrealismo que ella titula “Realismo Mágico”, en un comienzo sus pinturas eran sobre edificios y plantas en New York, luego su mirada gira hacia la abstracción.
Imag. 1 Georgina O’Keffe “ Jack en el púlpito” (1930)
En “Jack en el púlpito” (imag 1) podemos observar una gran llama de un color azul intenso que a su vez está rodeada por diferentes tonalidades de verdes, su luminosidad se eleva hacia los bordes de esas supuestas hojas, la artista trata de pintar algo extremadamente real y logrando algo místicamente irreal, si
14 bien Ó KEEFFE no tuvo muchos seguidores, fue de gran influencia para el expresionismo.
Edward Hooper (1882-1967), (imag. 2) nos habla de una vida como él la siente, capta el ambiente y la sensación de las cosas, nos muestra el ambiente de ésa época, su silencio, su meditación, sus alegrías y tristezas que caracterizaban el comienzo de la Gran Depresión en Estados Unidos en 1929. Este artista pintaba situaciones urbanas con gran realismo y veracidad, su mundo alrededor era frío y vacío, se ganó una gran reputación como el artista que más fidedignamente pintaba la soledad y el aburrimiento de la vida en la gran ciudad, esto era nuevo en el arte, la sensación de desesperanza, que caracterizó a la gran Depresión de los años treinta.
(Imag. 2) Edward Hooper “Tarde en Cape Cod,1939 77x102cm.
15 FEDERAL ART PROJECT.
Fue impulsado por el presidente Franklin D. Roosevelt en 1935, como parte de
“NEW DEAL” el Federal Art Project tenía como objetivo aliviar los efectos de la depresión norteamericana en su peor momento y es por eso que contrató a mas de cinco mil personas de todo el país, para que decorasen edificios públicos, creasen centros artísticos y galerías nuevas. Este proyecto duró hasta 1943, contrató a los mejores artistas de ese momento, como profesores y también como profesionales.
En, los años cuarenta, la primera exposición pública, se realizó con artistas de la, Escuela de Nueva York ,más tarde, se los conocerían como expresionistas abstractos, estos compartían una similitud, más que de estilo, se caracterizaban por su espíritu de rebelión y su creencia en la libertad de expresión, los más importantes de esta época fueron Pollock, De Kooning, Rothko, pero también debemos nombrar a Guston Kline, Newman y Still.
El nombre de Expresionismo Abstracto aparece en el año 1936, en marzo en un número del New York, escrito por Robert Coates, luego los críticos Harold Rosemberg y Clement Greemberg quienes lograron que el movimiento tuviera éxito, así como también el término de Action Painting (pintura de acción)
El Expresionismo Abstracto es un movimiento moderno, que no tiene un estilo particular sino que era una actitud general, sin embargo no todas las obras eran abstractas o expresionistas. Los expresionistas abstractos se caracterizaban por que sus temas tenían una fuerte carga moral o emocional, eran totalmente opuestos al realismo social.
El Arte Norteamericano, en décadas anteriores, trataba, temas de realismo social y sobre la vida regional, en cambio los expresionistas abstractos eran individualistas y de una creatividad espontánea.
16 Los expresionistas abstractos se molestaban frente a las propuestas convencionales, porque eran incapaces de transmitir al espectador lo que ellos lograban con su nueva visión, es así que, los llamados convencionales, casi dejaron de existir.
Jackson Pollock (1912-1956) fue el primero que abrió el camino de los expresionistas abstractos. En “La Mujer –Luna corta el Círculo” (Imag. 3) es el primer cuadro en el que Pollock muestra la intensidad de la búsqueda de otra visión.
Imag 3. Jackson Pollock. “La Mujer –Luna corta el Círculo” (1943) 109.5 cm x104 cm
Se cree que este artista recibió la influencia de las pinturas de arena de los indios, quienes pintaban con líneas de colores sobre un plano horizontal. En esta ilustración se muestra una pintura de arena de los indios navajos titulada EL Tronco Giratorio (Imag. 4). En1947, Poolock puso en práctica su “action paintings”, influido por las ideas surrealistas del “automatismo psíquico”.
17 Colocaba el lienzo en el piso, vertía la pintura directamente de la lata (dripping
=chorro) y luego utilizaba diferentes elementos para pintar.
Imag 4. Presentación del Tronco Giratorio.
Pollock, mostró en qué podía convertirse el arte, con sus pinturas dripping o sea (chorreo) 1947, Pollock fue el primer artista que vertió la pintura, sobre la tela en lugar de utilizar paleta y pinceles, dejó de lado todo convencionalismo, permanecía extasiado sobre sus lienzos que estaban extendidos en el suelo, perdían sus formas con los chorreados y goteos, todo bajo su control. Pollock dice que su pintura tiene vida propia, que no pintaba imágenes y esperaba que surja de pronto, era solo acción, llamado “action painting”. “Niebla de Lavanda”, tiene tres metros de longitud, garabatos de colores, líneas que se mueven en diferentes direcciones, líneas con diferente acentos más gruesas en un lado que en el otro y finas hasta desaparecer, luego estampa su manos sobre la tela en el margen derecho y arriba, ésta actitud es instintiva, es un gesto instintivo como los pintores de las cavernas en la época rupestre.
18 Cuando se nombra a Pollock, se habla del gran pintor americano.
(Imag. 5) Jackson Pollok-Niebla de Lavanda.(1950) 221 cm x 300 cm
Presentación de su obra:” Noche de Cobalto” (Imag. 6), esta obra es de mucho valor y mide casi cuatro metros.
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(Imag 6) Jackson Pollok-Noche de Cobalto,( ) 200cm x400 cm
MARK ROTHKO, es otro de los expresionistas abstractos, es de origen ruso (1903-1970). Algunas personas, admiraban la obra de Pollock pero otros no estaban de acuerdo, a medida que pasaba el tiempo su composición se tornaba repetitiva. Rothko, decía que su obra tenía una carga específicamente emocional, por eso exigía que :::”cuando sus cuadros fueran colgados, la iluminación sea tenue, para que sólo pueda transmitirse concentrado en un ambiente de soledad”…. 8
Otras opiniones dicen que las pinturas de Rothko se parecen entre sí, que son idénticas, pero las obras de este artista muestran otra línea del expresionismo abstracto, dando más énfasis al color y también a la sobriedad y no tanta importancia, a la emoción del gesto o la acción como la hacía Pollock.
De cualquier manera los Expresionistas Abstractos, no pueden ser tan rígidos.
8 Guash Anna. The Story of Painting. Facultad de la Universidad de Barcelona: Dirección Artistica de la edición de la Lengua Española.Pag 370-371
20 Su obra “Sin Título” (Negro y Gris) la pintó un año antes de suicidarse, ésta obra demuestra gran tristeza y depresión, en el cuadro podemos observar que la zona gris es más grande que la negra, pero la negra sostiene un plano más fuerte y mortal. (Imag. 7)
Imag. 7 Mark Rothko“Sin Título” (Negro y Gris) 1969-207cm x194 cm
Clyford Still( 1904-19899)
Este artista pintaba paisaje, y de allí pasó a la abstracción, no se integró de entrada a la Escuela de Nueva York por muchos años, aunque trabajaba en la
21 enseñanza en dicha ciudad en los años cincuenta, el año más fuerte del expresionismo abstracto. (Imag. 8)
Still proponía en sus pinturas alejarse totalmente del mundo real, decía que su obra era trascendente y espiritual, sus temas se repetían constantemente e intentaba separar el color de toda asociación
“La imaginación, libre ya de las trabas de las leyes del miedo, se convirtió en una imaginación con visión .Y el Acto, intrínseco y absoluto, era su significado y el portador de su pasión.” Clyford Still.
Imag. 8 Clyford Still Sin Titulo (1951-1952) Oleo
Arshile Gorky (1905-1958) fue un inmigrante armenio, sus experiencias fueron dramáticas, comenzó su carrera bajo la influencia de Picasso, emigró a los Estados Unidos en el año 1920 y en 1925 comenzó a enseñar arte, antes de suicidarse logró su propio estilo y encontró su camino, esto lo logra por su contacto con el surrealismo norteamericano.
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“La Cascada” (Imag. 9) es un remolino de imágenes y de color, las formas parecen una cascada iluminada por el sol, donde existen también rocas escondidas, esta pintura denota felicidad, en contraposición a la presencia del suicidio, parecería que solo al pintar encontraba su felicidad y su libertad.
Gorky representó en el arte la conexión existente entre el movimiento surrealista y la abstracción. Pasó por situaciones muy difíciles es su vida, en el año 1946 su casa sufrió un incendio, y perdió gran cantidad de obras, le diagnosticaron cáncer sufrió un accidente y luego se suicidó, su vida estaba invadida por la tragedia pero cuando pintaba se transformaba.
“La Cascada” muestra su encantador remolino de imágenes libres, parches de color flotando dulcemente y formas de su madurez. Por extraño que pueda aparecer, las imágenes parecen verdaderamente una cascada: algo de la oleada descendente sugiere una gran cascada de agua con los rayos de sol que ilumina las rocas escondidas por detrás.
En la obra de Gorky da una tristeza primaveral y da al suicidio una tristeza añadida.
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Imag 9 Arshile Gorky LA CASCADA (1943)
24 PRESENTACION Y SIMILITUD.
Realizando esta investigación, descubrí en la obra de Still (imag. 9, 10 y 11) una gran similitud con mi producción. Estas imágenes probablemente fueron incorporadas de forma inconsciente.
Imag. 9 Clyford Still (pintura 1951) “Painting” - Oleo sobre tela 2,38 x 1.92. Detroit Institute of Art.
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Imag. 10 Clyfford Still Painting 1957
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Imag. 11 Clyfford Still 1950-1.12x 1.69 The Metropolitan Museum of Art.
Su obra es código de color, reducción de paleta, para poder trascender, manifiesta que: un artista es “alguien”, que viaja por una tierra baldía para llegar a una alta meseta, el dice que es un acto intrínseco y absoluto. Anthony Everitt, del libro: “El Expresionismo Abstracto”, define su obra y dice, que si bien nació en el campo, su obra es la representación intervenida por un campo de verticales rasgadas, sobre un plano de color, si bien se dijo que era un código de color de un mapa, ésta es una metáfora útil con referencia al paisaje. El autor creció en las llanuras pero explica que no tiene nada que ver, sino que se pinta a sí mismo y no a la naturaleza.
En cuanto a mi obra y comparativamente, cito mi pintura título “Estadios” (Imag.
12), son también verticales, manchas cálidas que atraviesan los planos fríos, rasgados que me recuerdan a un sentimiento sepulcral, compositivamente las manchas verticales cálidas, marcan otro plano una situación ambigua y de
27 incertidumbre frente al color frio azul que invade el fondo. Son gamas de sentimientos opuestos y planos que producen tensiones.
Imag. 12 Estadios Acrílico- Oleo al agua- Año: 2010 Susana Musella.
28 Emilio Renart, en cuanto al desarrollo de la creatividad, en su libro dice que la obra de un artista, es el resultado de su dolor, Estadios, es una interpretación, de una sensación sepulcral, relacionada con la muerte o el fin de algo y el inicio de nuevos sentimientos, el fin de una etapa y el inicio de otra, que surge en determinada época, en determinado instante, de pronto y sin pensar en eso.
Coincido con el arista ya mencionado Still; en cuanto a que nos pintamos a nosotros mismos, en mi caso, mi propio dolor, esto es, entonces vivencial, porque pintamos nuestras vivencias actuales, o pasadas y es reflexivo, al observarlas en la conclusión. Es el sentir puro del instante, frente a la tela en blanco, es la propuesta de la esencia, frente a la razón, es borrar todo lo anterior ya incorporado, es la esencia de nuestros sentimientos.
Imag 13. “FLAMA” (1937)Jackson Pollock
29 Revisando otras obras, refiriéndome a la obra de Pollock, pintada en 1937,
“Flama” (Imag. 13) este artista sentía fascinación con el pigmento y contrastes tonales y una extrema tempestuosidad en el tratamiento9, Comparó el arte contemporáneo con la pintura india americana, elogiando a los indios por su
”capacidad de obtener imágenes apropiadas y su comprensión de lo que constituye la temática pictórica.10” Este obra posee pinceladas muy ágiles y su paleta es de gran contraste, en cuanto al color es modelada y modulada, sobre un fondo oscuro con matices de diferentes tonalidades de negros desde el negro rojizo al verde y al azul. Los colores se manifiestan por superposición y contorno común, en la luminosidad aparecen variedades de blancos.
En 1935 Polloock trabajó en el Federal Art Project y admiró a los artistas mejicanos revolucionarios, estudio a pintores como Kandinsky, Miró, Klee y surrealistas, pero su mayor influencia fue Picasso, y estudió por 10 años el vocabulario simbólico semifigurativo y manifestó su interés por Jung.
Su obra refleja mitos primitivos, su estilo es automático y con una referencia sexual apasionada.
SIMILITUD
Relación de esta obra con mi cuadro título: “Aquí” (2001) (Imag. 14) , es similar el tema y la estructura a “Flama” es un cuadro que marca diferentes direcciones. En esta obra las direcciones fugan hacia los bordes en la parte superior y a ambos lados, también estamos hablando de una paleta modulada y modelada11 y la preponderancia de los colores cálidos amarillos, amarillos claros, amarillos naranja, claros, anaranjados, rojizos, rojos y rojos violáceos,
9Anthony Everitt del libro, “El Expresionismo Abstracto”
10Op. Cit. pag.13.
11 Hablamos de paleta modelada cuando el color se mezcla con negro y blancos, es modulada cuando el contraste es por color.
30 magentas, violetas y azules, rojizos azules, talos y variedad de verdes y el azul de manganeso, la pintura tiene carga matérica con purpurina. Esta obra se desarrolla en medio de una situación de crisis en el año 2.000, en una crisis de carácter político y social, de caos y de gran depresión en el país. La representación de fuego y sus contrastes tonales, marca la tempestuosidad y la violencia social. En la parte superior del cuadro estructuralmente hablando, podemos ver en la parte central, un ángulo que mira al futuro, esperanzado, en busca del cambio inmediato.La obra está sostenida en la parte inferior por direcciones estructurales que facilitan la lectura. Los marcos y los bordes de la obra armonizan con el fondo que le da profundidad, para que no se sienta presionado y cada uno de sus vértices son diferentes para darle dinamismo a la composición.
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Imag. 14 “Aquí”-Acrílico-Año: 2001 Susana Musella
32 Para elaborar mis pinturas, me baso en cuadros anteriores o sectores y fragmentos de los mismos para realizar una nueva composición. En base a la obra “Transición” (imag. 15), selecciono un fragmento (imag. 16), del que realizo un dibujo (imag. 17) en tinta, que es la síntesis de la primera composición.
Transición es una pintura compuesta por ejes muy marcados, verticales, podemos ver a la izquierda en primer plano, una masa distorsionada, unida a la del centro, en el que se vislumbra un torso, opuesto a un tercero, girando hacia la derecha. Estos tres planos están suspendidos en la superficie superior, por elementos de formas irregulares. En la paleta predominan los blancos de color, girando alrededor los azules, azules cobaltos y talos verdosos.
33
Imag. 15 Transición (2012) Acrílico Susana Musella
34 Fragmento de la imagen 15
Imag 16. Es el fragmento de transición.
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Imag. 17 Presentación de boceto para llegar a la síntesis
36 Como mencioné anteriormente, las experiencias de Emilio Renart son un respaldo para mi producción artística.
Emilio Renart. Nació el 04/02/1925. Profesor Nacional de Dibujo, Ilustración y Grabado y Profesor Superior de Pintura. En 1969 ejerció cargos docentes en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, en el Departamento de Artes Plásticas. En 1973, en la Facultad de Humanidades de la UNSJ y desde 1974 hasta 1976, en la Escuela de Arte de Luján de Buenos Aires. Sus obras reflejaron siempre un sólo objetivo: lograr una mejor convivencia entre los hombres. En 1967 participó en la bienal de San Pablo. En 1961 recibió la Mención Honorífica-Premio Varig. En 1964 recibió una Mención Especial del Instituto Di Tella (PK) por la serie Integralismo Bio Cosmos, objetos tridimensionales auténticamente desconcertantes, que emergen del plano de la pintura y se extienden hasta el espacio del espectador. En 1965 obtuvo el premio Braque de la Embajada de Francia. Falleció el 09/09/1991.
Emlio Renart, nos habla de un mejoramiento del individuo a nivel de la psiquis pero a un nivel muy profundo y de allí llevarlo al exterior, más adelante explicaré, el estado de Duermevela, son los sueños que cada uno de nosotros tenemos cuando dormimos, sentimientos, que luego llevamos al exterior cuando los recordamos, en base a esto realicé un estudio profundo de este libro para poder relacionarlo con mi obra. En cuanto al libro “Creatividad”, escrito, en 1962, explica que la creación es discriminatoria, porque selecciona a las personas que llegan a ella, y es creatividad porque es dinámica, y desarrolla las necesidades del pintor, por medio de expresiones sin límites, sin algo aceptado previamente y sin que nada interceda sobre la acción.
En “El Vuelo” (Imag 18) utilizo como guía las direcciones más importantes para llegar a la síntesis. Está realizado en óleo sobre acrílico y posteriormente oleo –pastel, su técnica es mixta.
De este cuadro surgen otras síntesis que nos llevan a una abstracción pura, luego de diferentes bocetos se seleccionan los más importantes, para un trabajo final.
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Imag. 18 “EL VUELO I” óleo sobre acrílico (2013) Susana Musella
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Imag. 19. “El Vuelo II”-Acrílico-Oleo y Oleo – pastel (2013) Susana Musella
39 De la síntesis de la obra “El vuelo II” surge la obra final “Vuelo III” (Imag. 20).
Imag. 20 “El Vuelo III”. Oleo- Año 2013. Susana Musella
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40 Imag. 21 El Bio Cosmos. Renart
Quiero destacar, la trayectoria de Emilio Renart , analizando también el escrito Adriana Laurenzi, en el cual marca la coincidencia de pensamientos y acciones del artista con respecto a Joseph Beuys, quién tuvo un reconocimiento internacional. En cambio Renart, nacido en Argentina, no tuvo ese reconocimiento, cuando fue uno de los artistas más importantes de nuestro país. Laurenzi cita el escrito, en el diario Clarín en 1980 y menciona que “ un Emilio Renart nacido en 1925, es uno de nuestros mayores plásticos, y si hubiera surgido en un país con una política diferente, es probable que su obra alcanzara , una fama a nivel mundial.”12
Emilio Renart se muda a Buenos Aires cuando tenía 8 o 10 años desde Mendoza, y estudia en la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano y luego en la Prilidiano Pueyrredón, para finalizar sus estudios en la Cárcova, obtuvo los títulos de profesor en Dibujo, Pintura, Grabado y Escultura.
1967.1er.Premio en Dibujo Gorge Braque, otorgada por la Embajada de Francia, el premio es una beca a París, el viaje lo realiza en 1968 y permanece en París por 5 meses.
12Oldenburg, Beng. Camino a la libertad. Sentido de la obra de Emilio Renart. Diario Clarín, Buenos Aires, sábado 9 de febrero de 1980.
41 A partir de 1960 su obra se torna abstracta inclinándose al informalismo, éste movimiento se impone en ésa época, con las obras de Alberto Greco Y Kenneth Kemple.
En 1962 Renart ya tenía una imagen propia, enlazada a la Filosofía, el existencialismo sartreano.
La Física, la Biología y la Zoología, forman parte de la elaboración del estudio de todo esto que él se interesa, teniendo como apoyatura, la Física Nuclear, vuelve al origen del mundo, como materia energética y de allí deriva al desarrollo animal y la consciencia humana ligada al inconsciente.
Renart tuvo puntos de contactos con Beuys, el Bio-Cosmos (imag. 21) de 1962 es una imagen lunar - terrestre, en dónde la materia de la superficie es una formación orgánica, un mundo, un cosmos, sale de la superficie plana, duplicando el plano, aumentado el tamaño y cae y avanza sobre nosotros.
Laurenzi dice que Renart en su libro 1965 manifiesta la idea de unificar las técnicas, que anteriormente actuaban por separado, y también unir lo intuitivo con la racional, de ésta manera une lo intuitivo a la ciencia, unifica el arte a la ciencia.
En el libro “Creatividad”, 198613 analiza Laurenzi que, Renart utilizaba en su obra diferentes materiales y técnicas. El Bio-Cosmos, era una estructura metálica, formada también por lienzo, yeso, acrílico y arena. El Bio-Cósmos no era sólo una mera representación sino una interpretación en un espacio que duplicaba el plano. El Bio-Cósmos participó en la Bienal de San Pablo, era cósmico, estaba compuesta por resina poliéster, con luces propias, era magnífica. Se desarmó cuando llegó a Buenos Aires y se deshizo, muchas obras de Emilio Renart desaparecieron, fueron destruídas por él. Sus obras no se vendían, el público en generel, no las entendía. Renart nos cuenta, su experiencia en la Beca de París, esos cinco meses de estadía en la misma cuando en realidad lo que sentía era la necesidad de huir, del país, de la familia, de los amigos, y de él mismo, en Francia se cuestionó realmente qué sentía y se dio cuenta que estaba sumergido en un individualismo tremendo y que para solucionar éste individualismo extremo, tenía que descubrir a los
13 Amejeiras Hernán. Realizan una exposición para homenajear a Emilio Renart. Dibujos y esculturas en Ruth Benzacar. Revista La Maga. Buenos Aires, miércoles 25 de noviembre de 1992.
42 demás, y se dio cuenta que su aspecto social no estaba desarrollado. Es así que en 1976 abandona su producción artística y se dedica a la docencia en la Prilidiano Pueyrredon y en su taller particular. Luego de algunos años, el Director del Museo Eduardo Sívori, Hugo Monzón lo convoca para un curso sobre creatividad en el Centro Cultural San Martín, esta tarea dura un año, por allí pasaron más de 2000 personas, quienes consideraron este curso como la experiencia grupal (1985-1988) más importante de los útimos tiempos, los textos que utilizaba Renart lo lleva más tarde a publicar el libro Creatividad en 1987 editado por Anzilotti. En 1967, en su labor docente desarrolla el concepto de escultura social, en donde se valoraba la libertad humana y las relaciones sociales por encima de todo lo material.
Para Beuys y Renart, el arte está constituído por el pensamiento, el sentimiento y la voluntad.
En su experiencia como docente, Emilio Renart realizó un largo proceso de investigación con respecto a la creatividad. Beuys y Renart coinciden en detenerse en diferentes estados de la vida que va desde la orgánica hasta la humana. ”Creatividad para mí es un estilo de vida que abarca todos mis actos, de los cuales el quehacer plástico es sólo una parte” 14 La creatividad está compuesta por: la capacidad de descubrir, de elaborar y de optar. El ser humano está unido al tiempo, que va desde el conocimiento del presente, memoria de lo que ha pasado, y proyección del futuro. El hombre posee genes que están en la conciencia de la materia, que a lo largo de millones de años termina su desarrollo en la corteza cerebral del hombre. La creatividad brinda equilibrio al organismo de las personas, porque es la descarga de los impulsos en los seres humanos, el acto de crear nos diferencia de las otras especies animales porque puede asociar información y también optar, esto es lo que Renart llama el proceso creativo. La obra de E. Renart nos habla de la Integración Individual y características multifacéticas, para el concepto de creatividad, lo define como todo acto modificatorio, ya sea bueno o malo.
Basándose en esto, busca en la persona sus posibilidades de inventivas, en su individualismo y en el desarrollo de sus afectos sociales.
14Monzón, Hugo. Galería Arte Nuevo. Creatividad integral.1978. Entrevista de Monzón a Renart
43 La auto indignación, es consecuencia de las vivencias obtenidas, una persona puede llegar a esto sin darse cuenta. Más adelante Emilio Renart nos dice como incide, el sentimiento de autoindignación en la creación de una obra y como se produce en las personas.
Emilio Renart, trabaja con ejercicios realizados en su taller con alumnos, y por medio de este proceso, provoca la autoindignacion por la comunicación, las premisas tenían que responder a una necesidad.
Los procesos son ,1 mi entorno, 2 mi entorno y yo, 3 mis sentidos, 4 mi cuerpo, 5 mis pensamientos.
Estos temas, se desarrollan sobre un cartón 20 x 20 pueden ser, ejes planos, con volúmenes o escritos.
Se arman grupos de trabajo, en los cuales varían sus sentimientos, por esto se lo califica con un código de colores, un grupo eufórico y alegre es el rojo, un grupo depresivo y triste es el gris o el negro
CREATIVIDAD
Para incentivar mi propia creatividad, me baso en las siguientes definiciones de Emilio Renart:.
Creatividad: el ser humano dado su capacidad creativa y la necesidad de subsistir, crea, modifica, y perfecciona, pero también embellece.
Armonía: consonancia, conformidad, acuerdo.
Afinidad: parentesco, analogía, tendencia.
Con referencia a estos temas, tomo fragmentos dos obras; una pintura (Imag 22) y un grabado (Imag 23) y construyo una obra nueva (imag. 24)
44 Imag 23
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Imag. 24. “TRANSICIÓN “ Acrílico” y “Susana en el Gimnasio” grabado.
Con la unificación de los fragmentos de estas dos obras: “ Transición” pintura realizada en acrílico y un fragmento del grabado “Susana en el Gimnasio”, realizo una nueva composición, cuyo título es “Jardín de Jade”, la estructura de la misma posee un fondo verde turquesa y talos de gran variedad, es una paleta modulada porque posee en su totalidad contrastes por color, con elevación de la luz en varios sectores, en amarillos verdosos y turquesas cristalinos. Es un jardín llevado a la abstracción, en la búsqueda de la síntesis, ésta obra surge del estado de duermevela y de inmediato boceté, en un papel, para pasar a la tela.
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Imag. 25. Jardìn de Jade. Susana Musella
Todo hombre primitivo, como el actual, poseen estructuras biológicas semejantes, pero con diferentes conocimientos por sus diferentes culturas Emilio Renart, nos habla de constantes diferentes, el ser primitivo, por desconocimiento, generó, dudas, temores y miedos, luego, la evolución cultural, los lleva a indagar, reflexionar y esto, acompañada por sus dudas temores y miedos, van en busca de soluciones, se la denominó constante de la especie, el hombre se manifiesta, en cada época y tiene la posibilidad de, percibir y modificar, así como también la de inventar, por su capacidad de abstracción.
Existen testimonios primitivos, de un alto nivel creativo, quienes, con pocos medios, en sus síntesis, demostraron su gran creatividad, en nuestro inconsciente, perdura el hombre primitivo que fuimos y recurrimos a él para
47 producir nuevos códigos. Uno de los temores más importantes, es el miedo a conocernos.
El contenido cultural, es transmitido de generación en generación, en forma constante, nos expresamos y nos comunicamos, esta constante, nos lleva a nuestra identidad, y luego, a nuestro ser, esta identidad, forma la constante del individuo, y su necesidad de dejar un testimonio de nuestro paso por la vida.
El factor movilizador de las culturas, es el temor a la muerte, todos los temores conducen a un solo temor, el temor a la muerte.
LA CREATIVIDAD Y EL ESTADO DE DUERMEVELA.
Utilizo también en mis pinturas como disparador el estado de Duermevela.
Según Renart, Duermevela significa: hipnopómpico o sueño diurno. Como ejemplo presento un cuadro realizado luego de un sueño del cual luego llego a una serie de cuadros basados en imágenes posteriores y de una nueva deconstrucción. Estas pinturas son de formas recortadas, como espejos sostenidos.
El sueño forma parte de la creación que está unido al inconsciente y que se manifiesta en forma de imágenes, éstas imágenes, tienen una asociación de ideas y son estadíos sumamente creativos, es el resultado de situaciones conscientes e inconscientes, son destellos muy fugaces, que no logran fijarse en el consciente, pasan al inconsciente, estamos entre lo real y lo irreal y a veces es imposible recordarlas, pero podemos desarrollar un tipo de atención para lograrlo, para esto es necesario tratar de despertarse y tratar de tener un registro, buscando un pedazo de papel y con un escrito o un dibujo lograremos recordarlo. Esta situación, nos produce un sentimiento de placer, por ser útil en mi caso, puedo volver a dormir, recordando el sueño y con la presencia de las imágenes, continuar los sueños. Son soluciones y respuestas a nuestros
48 temores y dudas. En caso de gran tensión, las imágenes son más fuertes, el ser se activa mas, es una contestación a las dudas temores y miedos.
En la obra “Como en un sueño” (Imag.26) que surge de un sueño, en el que aparecen planos desde lo alto en un vuelo, no desde un avión, sino simplemente del aire y dan paso a otros planos de colores con sensaciones celestiales en el aire, es difícil de explicar, pero es agradable y produce bienestar.
Para Emilio Renart, el estado de duermevela, es una muy buena fuente de inspiración, para la creación de nuestra obra.
Este cuadro presenta el factor predominante, que es el modelado, mezcla de los colores con negro y también blanco. Soñando que estaba suspendida en el espacio, flotando en la inmensidad, con una sensación de bienestar, suspendida podía ver éstos planos en colores y en el aire. Toda la percepción del espacio, son sutiles hilos de colores recorriendo los mismos, por momento cambiaban de posición formando otras imágenes. Luego los planos se abren y recorren el fondo, se alejan y se pierden nuevamente, un sueño bellísimo que aún recuerdo.
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Imag. 26 “Como en un sueño”-Técnica Mixta- ( Acrílico Oleo y Oleo Pastel) (2011) Susana Musella.
50 Para Freud existen tensiones en los sueños ejemplo: .Sensación de hambre, de apetitos sexuales etc., problemas conflictivos etc. al soñar se produce una descompresión cuyo objetivo es la preservación del individuo.
En este campo de tensiones, la creatividad se manifiesta cuando nuestra concentración esta exigida al máximo, la solución para descomprimir es el estado de duermevela, es decir soñando.
En toda aquella persona, que no haya sido exigida en distintas circunstancias, la creatividad se detiene, y sería una creatividad pasiva, es decir las circunstancias provocadas por el entorno moviliza nuestra creatividad.
DINÁMICA CREATIVA.
Descubrirse, descubrir, elaborar, intuir, optar, inventar
Para que esta dinámica se manifieste tenemos que contar con la memoria y su información, de aquí surge el poder intuir, imaginar, fantasear, pertenecen al hemisferio cerebral derecho mas indagar, reflexionar, y razonar, pertenecen al hemisferio cerebral izquierdo.
Intuir, pertenece al complejo intuitivo.
Indagar pertenece al complejo indagatorio.
Luego, cuando intuimos estamos indagando y cuando indagamos estamos reflexionando.
Fantasear es lo opuesto a razonar.
51 Descubrirse
Descubrir. Elaboramos información que se registra en nuestra memoria de la cual surgen nuevas informaciones que se interrelacionan y aportan soluciones a las necesidades y que tienen como objetivo, preservar al individuo.
Elaborar
Toda información, se registra en nuestra memoria y ya corresponde al pasado.
Elaborar es, asociar la vieja y nueva información para generar una nueva que responde a las necesidades de ese instante. Elaboro una antigua información, relacionando con registros anteriores, que surgen del inconsciente y desencadena en una síntesis, dando como resultado una serie de obras, “El vuelo” (imag. 18) y luego la síntesis que da paso a nuevas obras.
Intuir
De lo registrado en nuestra memoria surge la necesidad de más información, esta se adelanta a los hechos, incursiona en un posible futuro, entonces se activa el complejo intuitivo y disminuye el indagatorio.
Optar
Tenemos información que corresponde al pasado y luego pasará al futuro, se activa el complejo indagatorio seleccionando informaciones que responde a otras necesidades. Optar es un instante muy importante y una mala opción puede llevar al individuo a la destrucción.
Inventar
Es concretar lo elaborado, esto puede ser con relación a las necesidades internas que no son propias, y también a una forma de exteriorización que es parte de la vida cotidiana y a la problemática existencial de cada individuo.
Inventamos para protegernos a nosotros mismos y a los demás, es una forma de comunicarnos y generar testimonios de nuestras vidas.
De acuerdo a todo esto, existen dos aspectos fundamentales:
1- Para que las informaciones sean útiles es necesario asociarlas y
52 2-luego de la asociación optamos, mejor o peor, es aquí que hace a la creatividad diferencia al ser humano por su estructura cerebral, todos somos creativos y capaces de cambiar la realidad, y de inventar una nueva y no repetirnos. La creatividad responde a sensaciones y percepciones, del ser humano que responden a lo cotidiano.
Para descubrir algo, primero hay que descubrirse, saber cuáles son las necesidades, y satisfacerlas, tomando del entorno lo que precisamos, descubrirse y luego descubrir, es la manera de satisfacer las necesidades que surgen de ésta auto indignación.
El ser humano, posee cambios, internos y externos permanentes porque es complejo, es inestable y tiene un aparente equilibrio, pasa por diferentes estadíos.
Surgen manifestaciones que se exteriorizan por medio de las dudas-temores – miedos, todo esto es consecuencia de no poder diferenciar las exigencias reales de cada individuo, con respecto a las inventadas por nuestra cultura.
El descubrir y descubrirse es una tarea de generaciones, trataremos de indagar con profundidad para armar bases.
Descubrirse y descubrir, nos da nuevas posibilidades y también nos marca nuestras limitaciones, esto nos lleva a valorarnos mejor y no convertir lo cotidiano de nuestras vidas en una utopía. Repetimos una situación que se ha frustrado para superarla, ciertas personas no renuevan sus estímulos y se convierten en jubilados de la vida. Descubrirse significa destapar lo tapado o cubierto y manifestarse.
La obra “Intuir” (Imag 27) surge solamente de la impronta frente a la tela en blanco.
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Imag. 27 “Intuir, acrílico (2010) Susana Musella.
Elaborar
Para elaborar una obra utilizamos dos tipos de memoria: Tècnica y Fácticas.
Memoria: retina, mente, informe, recuerdo, remembranza, recordación, fama, gloria.15 Hay dos tipos de memoria,
1) Técnicas 2) Fácticas
15Grates. Diccionario de sinónimos. Castellano. Editorial Sopena Argentina,
54 1) Técnicas: Se ejercen y se adquieren de un modo poco consciente que raramente se pierden y menos se modifican, si alguien aprende a jugar al tenis mal, le será difícil modificarlo.
2) La memoria fáticas, es la que permiten recordar fechas, acontecimientos, rostros, palabras, nombres, lugares. Se aprende a través de procesos de aprendizajes, más conscientes, son fáciles de adquirir y también de perder.
Nuestra existencia está compuesta por 3 memorias.
1- Genética 2- Celular
3- La memoria del cerebro.
Genética como está compuesta en su origen.
Celular cada una de nuestras células contiene una biblioteca completa.
Cada célula de nuestro cuerpo proviene de la división de otras células, de sucesivas divisiones celulares, de una única célula, un óvulo fértil generado por sus padres. Cada vez que esta célula se divide por la creación del embrión, el conjunto del contenido genético por ejemplo, las células de nuestro hígado tienen algún conocimiento no utilizado, sobre la fabricación de nuestras células óseas y a la inversa .Los contenidos genéticos son de todo nuestro cuerpo, está todo escrito minuciosamente como reír, como estornudar, como caminar, como reconocer formas, como digerir una manzana.
La memoria del cerebro.
El contenido de la información del cerebro está en las neuronas. Si bien la memoria, concentra toda nuestra información, existe un procedimiento previo para obtener todo lo que se encuentra en la corteza cerebral, en donde están los complejos intuitivo - indagatorio, que recurren a:
1) La programación genética del individuo (las memorias de las personas poseen un contenido genético)
55 2 )Sensaciones y percepciones del individuo, de lo externo y lo interno.(esto se acumula en nuestra memoria.
3 )Cultura: es un factor condicionante.
Luego de la presentación de la obra anterior trabajo con otros bocetos que surgen del estadio “descubrirse” y pasamos al momento de “ elaboración” que implican diferentes estados de la memoria. (Imag. 2)
Boceto imag. 28
56
Imag. 29 “Como en un Sueño”
57 En base a este cuadro, selecciono un fragmento (Imag 30) para componer otra obra. A partir de ambas imágenes, surge otra obra con una reflexión especular.
(Imag 31)
Imag. 30 “Fractal” Susana Musella.
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Imag. 31 “Espejismo. “acrílico y pastel al óleo (2012).Susana Musella.
COMPLEJO INTUITIVO: Está compuesto por la intuición+ imaginación+
fantasía INTUICION:
1) Aprehensión inmediata o innata de un grupo complejo de datos o de principio general.
2) Juicio que carece de cogitación16 preliminar conocida, siendo su rasgo característico lo inmediato del proceso.
3) Fase final en el acto de la síntesis perceptiva.
16 Reflexión, meditación.
59 IMAGINACION: Reorganización de datos procedentes de experiencias pasadas o de una experiencia ideacional actual. (contraria a la razón), la imaginación es diferente a la fantasía.
IMAGINACION CREADORA: Serie de imágenes ideas o construcciones mentales que son guiadas por una predeterminación y de acuerdo con un plan o finalidad.
FANTASIA: Representación mental de una escena o suceso, que se representan como irreales, pero que se esperan o desean.
El Proceso produce:
a)Imágenes derivadas de la percepción sensorial, lmágenes de memoria.
b) imágenes anormales llamadas fantasmas (alucinaciones).17
INTUIR, INDAGAR: es una forma de investigar algo que no se conoce, nos dirigimos hacia algo, respondemos a sensaciones y percepciones, una información queda registrada en nuestra memoria, nos conduce a una verdad.
COMPLEJO INDAGATORIO= indagación +reflexión + razón La indagación racional supera a lo intuitivo.
Cuando imaginamos reflexionamos, según lo imaginado a partir de este momento se elabora la estructura del pensamiento, aparecen imágenes que surgen de lo intuitivo y lo racional, si lo que se obtiene es adecuado nos sentimos auto protegidos y nos da la sensación de equilibrio y también dudas temores y miedos atenuados.
FANTASEAR es el libre pensar
RAZONAR es opuesto y se relaciona a la realidad y tiende a solucionar problemas de la realidad.
Cuando fantaseamos tendemos a evadirnos de la realidad responde a necesidades del individuo. Si podemos armonizarnos, partiendo de la base que continuamente nos estamos sacando nuestros excedentes genéticos.
17Howard C..Warren,diccionario de Psicologia .Editorial Fondo de Cultura Económica
60 El pensamiento adulto tiene dos líneas:
a) La intuitiva imaginativa: que se relaciona con la ciencia, la vida cotidiana., con la técnica, es una fantasía atenuada.
b) La intuitiva-imaginativa-fantasiosa que está relacionada con la sensibilidad, entre ellas: las artes
La fantasía tendría más que ver con las exigencias externas del individuo que con sus necesidades expresivas y existenciales.
La fantasía es una forma de comunicarse, del ser, con relación a los demás y establecer un diálogo que se une al niño que llevamos dentro, pero cuando estamos en estado de vigilia, esto se reprime y aflora en los sueños. Emilio Renart cree: que se necesita una metodología que ejercite específicamente la fantasía, con un apoyo científico.
INTUIR:
Las dudas temores y miedos, unidos a dolores y malestares, pone al individuo es estado de inseguridad, esto es el preaviso que algo anda mal, el intuir es aproximarse a encontrar posibles soluciones, si la realidad coincide con la imaginación, estaremos en el edén.
Para ser hay que existir, para seguir existiendo, hay que cuidar esa existencia, para cuidar esa existencia hay que adelantarse a los hechos, por medio de la intuición, pero esta intuición debe acompañarse con la indagación
Debemos conservar el caudal intuitivo, para utilizarlo, para nuestra autoprotección
El ser humano está lleno de dudas, temores y miedos, pero el ser humano primitivo contaba con una gran intuición, que superaba todos los peligros que lo acechaban, pero además de esto, tenía un razonamiento de orden natural.
De esta manera aprendió a alimentarse, de esta manera aprendió primero a percibir los alimentos, saber cual fruta debía comer pero primero tuvo que
61 percibirla, intuirla como alimento, probarla, degustarla, conocerla, saber del árbol que la producía, su maduración, es decir tuvo conocimiento. Con el correr del tiempo, el intuir fue desapareciendo, porque en la actualidad muchos miedos fueron superados, se formaron conocimientos adquiridos, el intuir desaparece porque muchos temores fueron superados en el adulto de hoy. La intuición era parte de la vida de nuestros ancestros, luego se ajustaron a cada época, a sus necesidades, aparecen otras dudas, temores y miedos, en el transcurso de la vida. El proceso intuitivo está relacionado con los sentimientos, con las emociones y el instinto.
La persona al intuir preserva su vida, por su programación genética el ser humano llega a ser hipersensible y perceptivo y tiene una capacidad de intuición y es por eso que se adelanta al tiempo y luego sus pensamientos llegan a conseguir soluciones importantes hacia su persona (protección).
Quien intuye, está solo, es un sentimiento que no se puede definir, ronda en el cerebro, es una inquietud y esta inquietud se agrava con las presiones del entorno, se torna inestable si la persona esta enlazada con otras personas por sentimientos, esta inquietud se transforma en un estado de vigilia.
Si una persona confía en otra, confía en sí mismo, es una manera de autoestima, es un sentimiento que halaga nuestra autoestima. El no creer lleva al individuo a un estado de individualismo, pero el hombre es social y tiene la necesidad de comunicarse Al ser intuitivos estamos expuestos, lo real es que entraremos en una reflexión, para superar el aislamiento.
OPTAR
Es un instante en el que recurrimos a la información que tenemos en la memoria, esto se encuentra en el tiempo pasado, si a esto sumamos, el complejo intuitivo se podrá hablar de un tiempo futuro, una vez que procesamos todo esto, es cuando se produce la opción y es cuando tomamos conciencia del presente, esto se produce en pocos segundos también estamos hablando de tomar una determinación.
