LA IMAGEN ES ANTERIOR A LA ESCRITURA
Arte prehistórico
Cueva de Altamira (Cantabria-España)
Hace unos 40.000 años
LA IMAGEN NO ES LA REALIDAD
DEFINICIÓN DE IMAGEN
El concepto de imagen tiene su origen en el latín imāgo y permite
describir
a
la figura, representación, semejanza,
aspecto
o
apariencia de una determinada cosa. Por dar unos ejemplos
concretos: “Esta imagen representa la caída del muro de
Berlín”, “Eres la viva imagen de tu padre”, “Necesito una imagen
para ilustrar mi idea”.
Un pequeño ejercicio sobre la imagen
fuente
(Del lat. fons, -tis.)
1. s. f. Lugar donde brota agua procedente de una corriente subterránea. manantial
2. ARQUITECTURA Construcción situada en jardines, casas, calles o plazas con caños por los que sale el agua queha sido c onducida desde manantiales o depósitos tienen una fuente de mármol en el jardín.
3. COCINA Plato grande para servir la comida se le ha roto la fuente que le regaló su abuela. 4. Cantidad de comida que cabe en este plato se comió una fuente de jamón.
5. Principio o causa de una cosa la falta de higiene es fuente de infecciones. origen
6. Autor, obra o material que sirven de información o inspiración a otros autores u obras la Biblia es la fuente de muchas obras medievales.
7. Sitio de donde fluye con abundancia un líquido la nariz del boxeador era una fuente de sangre. 8. RELIGIÓN Pila bautismal.
9. MEDICINA Herida abierta para que supure.
10. FÍSICA Cuerpo, sistema o dispositivo que emite alguna radiación o vibración. 11. s. f. pl. VETERINARIA Vacío o hueco que tienen las caballerías junto al corvejón. 12. fuente de soda Méx., Chile, Venez. Bar, cafetería.
13. fuente luminosa ÓPTICA 1. Aquella que está provista de juegos de luz y agua, y que sirve de adorno en lasciudades. 2. Sistema que emite o permite emitir una radiación luminosa. fuente de luz
La imagen no sólo es visual, puede ser también sonora, olfativa, …
En la historia del arte ha
habido imágenes que han
supuesto una auténtica
“Blanco sobre blanco”
Suprematismo
Autor: Kazimir Malévich, 1918 Técnica: Óleo sobre lienzo Tamaño: 79,4 cm × 79,4 cm
Localización: MOMA, Nueva York, Estados Unidos
EL SUPREMATISMO
En medio de una sangrienta revolución social y política, una de las más crueles de la historia de la humanidad, con el final de la dinastía de los zares y el comienzo de una nueva forma de vida, surge en Rusia un genio que sigue dando de qué hablar después de más de un siglo de haber nacido: Kazimir Malévich.
Uno de sus objetivos del suprematismo era investigar las posibilidades expresivas de la nada, de una realidad sin objetos que distraigan al espectador de la contemplación de las formas geométricas puras, sin distorsiones de formas evocadoras de la naturaleza. En esta obra resalta el valor simbólico de los dos únicos elementos del cuadro: el cuadrado y el color blanco. La máxima pureza. Formal y cromática.
Normalmente el cuadrado expresa lo anti-dinámico, aunque en este caso al colocarlo ligeramente en diagonal sobre uno de sus vértices puede dar una mayor sensación de inestabilidad y movimiento. El color blanco por su parte simboliza el comienzo y el fin de lo visible y lo invisible, el infinito del vacío por rellenar.
Suprematismo significaba para Malevich supremacía del sentimiento puro del arte. Un sentimiento con el que pretendía liberar al arte del lastre del mundo de las cosas.
“La fuente (1917)”
Autor: Marcel Duchamp (1887-1968)
Que Marcel Duchamp vino a al mundo para revolucionar el arte es una verdad como un templo. El creador del dadaísmo llevaba dentro el germen de la destrucción, y lo que pretendía era cargarse el sistema en que él mismo se hallaba inmerso. Muchos creen que lo consiguió. Y que el golpe de gracia fue tomar un urinario, firmarlo como R. Mutt y presentarlo tal cual en una exposición colectiva de Nueva York. Con ello se convirtió en el artista más influyente en las generaciones posteriores hasta el día de hoy.
Desnudo bajando la escalera
Autor: Marcel Duchamp
Fecha: 1912
Museo: Museo de Arte de Filadelfia
Características: 147 x 89 cm.
Estilo: Surrealismo
Material: Óleo sobre lienzo
MUERTE DE LA VIRGEN (1606), DE CARAVAGGIO.
MUSEO DEL LOUVRE (PARÍS)
Buscando un naturalismo
extremo, solía emplear gente de la calle como modelos para sus santos, ángeles y madonas. Pero en esta ocasión llegó demasiado lejos al valerse del cuerpo de una prostituta ahogada, con una
indecente y turbadora
hinchazón, para representar a la Virgen María en su lecho de
muerte. Resultado: la obra fue rechazada por la iglesia romana que la había encargado
OLYMPIA (1863) DE EDOUARD MANET. MUSEÉE D’ORSAY (PARÍS)
Este cuadro hoy nos parece un exquisito desnudo más bien clasicista. Pero en su día fue motivo de escándalo mayúsculo: no porque se tratara de un desnudo, sino por la supuesta crudeza de éste. Al fin y al cabo, lo que el espectador veía era una prostituta algo regordeta, que además estaba pintada con un estilo descuidado que prefiguraba el impresionismo.
Aquí ya nos quedamos turulatos, pero resulta que sí, en su día también este cuadro que hoy nos parece epítome de lo finísimo escandalizó masivamente en París. El pintor americano había representado una altiva mujer de la alta sociedad en una pose ambigua que podía sugerir cierto desaliño postcoital. Parece ser que las orejas enrojecidas potenciaban tal efecto (¿Es que no lo ven?
A ello se suma que, originalmente, uno de los tirantes del vestido aparecía caído: ¡horror! El caso es que la dama que había servido como modelo, Virginie Amélie Gautreau, se cubrió de vergüenza y hubo de retirarse de la luz pública por una temporada. Y el cuadro fue renombrado con el sugestivo título por el que hoy lo conocemos.
Muchos conocen a Warhol como el artista de los botes de sopa de tomate Campbell’s. O por los coloristas retratos de actrices y socialites. Aunque, en realidad, sus piezas más influyentes son estas cajas de detergente que están realizadas ad hoc, pero que a la vista no se diferencian en absoluto de su modelo real, es decir, del auténtico producto industrial que podría adquirirse en cualquier supermercado por unos centavos de dólar.
Arthur Danto, uno de los críticos más importantes del siglo XX, escribió que este trabajo bastó para proclamar la muerte del arte (aunque luego admitía que no era para tanto) o al menos para que cambiara la visión sobre el mismo. La pregunta relevante ya no era “¿Qué es el arte?”, porque cualquier cosa podía serlo. Tocaba preguntarse qué diferencia la obra de arte de lo que no lo es.
Una cama deshecha : las sábanas aparecen manchadas con secreciones corporales y en el suelo, junto a las pertinentes zapatillas, se amontonan envases vacíos, restos de comida, botellas de vodka, unas bragas sospechosamente sucias y algunos preservativos usados.
La cosa es que para finales de los años 90 lo conceptual (ver la Fuente de Duchamp y la Mierda de artista de Manzoni) ya era algo plenamente aceptado entre la gente con cultura y ya no provocaba ningún escándalo. Lo que pensamos que entonces escandalizó y hoy sigue turbando de esta pieza es el hecho de que una mujer se presente a sí misma como un ser tan desaliñado como activo sexualmente. Ese es –entendemos- el aspecto sobre el que la británica Emin quería atraer la atención.
Manzoni es uno de los exponentes más conocidos de artista conceptual. Y para un artista conceptual es más relevante el mensaje que se transmite que el medio para transmitirlo. En 1961 tuvo la brillante idea de etiquetar 90 latitas cerradas con la inscripción “Mierda de artista”.
Supuestamente contenían ni más ni menos que lo que decía la etiqueta, pero esto es algo que nadie ha podido confirmar, ya que abrir la lata significaría cargarse la obra. Y miren, eso no: las latas se vendieron al peso, pero un peso valorado según el baremo del precio del oro. El mensaje de Manzoni está bastante claro, pero por si acaso damos algunas pistas: tiene que ver con el mercado del arte, el voraz capitalismo, la conversión del artista en un dios y el halo sagrado de la obra artística.
La consagración de la primavera
Le Sacre du printemps
Igor Stravinski
UNA IMAGEN SONORA
El 29 de mayo de 1913, en una fresca noche de primavera en la ciudad de París, se estrenó el ballet La consagración de la primavera. Por primera vez en la historia nacían de forma simultánea la creación de la música y la creación coreográfica, a cargo de dos artistas reconocidos: Igor Stravinsky y Vaslav Nijinsky. El público aglomerado a la entrada del Théatre des Champs-Élysées esperaba con ansiedad presenciar la obra en la representación de la compañía de los Ballets Russes de Serge Diaghiliev.
