El arte más popular. Los años 60 y 70: La escultura y la fotografía.
2º de Bachillerato
Fundamentos del Arte II
Contenidos
El arte más popular. Los años 60 y 70:
La escultura y la fotografía.
Este fascinante tema te da la bienvenida y confía en que disfrutes mientras lo estudias. Durante tu recorrido conocerás nuevas manifestaciones artísticas con nombres un poco raros como instalación, happening, cinético o conceptual. Y es que la revolución que sufrió el arte durante estas dos décadas cruciales para la historia de la humanidad no tiene parangón.
El arte como tal ya no era suficiente para una sociedad en constante cambio, revulsión, innovación y protesta, así que los artistas dan un paso más y ya no basta que una obra sea bonita o sirva para causar goce estético. No, qué va, ahora el arte tiene que servir para pensar, para reflexionar y para conocer mejor la realidad. Y nada de seguir haciendo las mismas cosas con las mismas técnicas tradicionales, que ya las primeras vanguardias dejaron muy claro que el arte tiene que usar las técnicas novedosas propias de su tiempo, así que los ordenadores, las videocámaras, los tubos de neón, los residuos de la sociedad de consumo e incluso el propio cuerpo y hasta la naturaleza ocuparán el lugar de lienzos, mármoles y maderas. Y ya está bien de que las mujeres ocupen un discreto segundo plano: las feministas toman el poder y se hacen un hueco en el panorama artístico para no dar un paso atrás nunca más.
Si bien Nueva York se mantiene como la capital cultural mundial, por fin Europa renace de sus cenizas producidas por la II Guerra Mundial y Londres se alzará como la capital cool del viejo continente, en un fenómeno cultural conocido como Swinging London. En el siguiente vídeo podrás hacerte una buena idea de lo que fue aquello, y así prepararte mejor para asimilar los contenidos del tema.
Swinging Britain Print (1967)
Vídeo de British Pathé alojado en Youtube
La idea que queremos que captes con este vídeo es que los años sesenta y setenta eran bastante parecidos a los actuales: buena música pop, jóvenes que visten a la última y salen, cuidan su imagen, bailan en festivales, toman el sol y son felices sin llegar a ser ingenuos, pues están al corriente de los que pasa en el mundo. Si en tu casa hay algún disco de The Clash o The Beatles que tus padres tengan en algún rincón del salón, cógelo y ponlo en el tocadiscos mientras sigues avanzando por el tema.
Reflexión
1. La escultura en la escena internacional
Prepárate para descubrir una nueva faceta de la escultura. Atrás quedaron las peanas, las figuras perfectamente acabadas y que encajan a la perfección en un museo, la madera y el mármol. Tras la II Guerra Mundial se produce la mayor revolución jamás acontecida para este medio que se había mantenido más o menos estable durante más de dos mil años. Pues bien, en apenas dos décadas se rompe con toda esa pesada tradición y casi que se termina rompiendo con las propias esculturas, pues estas se vuelven muy esquemáticas, se llenan de agujeros y vacíos, se simplifican y hasta se sustituyen por luces de colores, y salen de las galerías y los museos pues como ya tienen movimiento, pueden andar y darse un paseo en plena naturaleza. Todo eso y más ocurre en poco más de dos décadas. ¿Te lo vas a perder?
Smithson, Spiral Jetty
Imagen de David Jameson en Flickr bajo Licencia CC
El Pont Neuf de París envuelto por Christo
Imagen de Ontheway Advice en Flickr bajo Licencia CC
1.1. La escultura cinética. Calder
El arte cinético es todo el arte que introduce la cuarta dimensión en las creaciones plásticas, es decir, además de alto, ancho y profundo, está presente el movimiento. El término cinético hace referencia a la rama de la mecánica que investiga las relaciones que existen entre el movimiento de los cuerpos y las fuerzas que actúan sobre ellos para que se muevan. Esto de introducir el movimiento en el arte no es algo exclusivo de los años sesenta ni del artista más importante de esta corriente, Calder, sino que ya en las primeras vanguardias hubo muchos artistas que comenzaron a investigar con las posibilidades plásticas del movimiento. Tenemos que recordar a los artistas del Futurismo, tan obsesionados como estaban con las máquinas, los automóviles y todo aquello que fuera moderno y se moviera rápidamente. A los escultores del Constructivismo, especialmente a Moholy-Nagy, y algunas obras del gran Marcel Duchamp, como sus ready made y sus rotorrelieves, unos discos de cartón con dibujos litografiados que se colocaban en un tocadiscos y que al girar daban la impresión de generar imágenes en movimiento y con una gran profundidad.
Móvil de Calder
Imagen de S. Mollerus en Flickr bajo Licencia CC
Otro móvil de Calder Imagen de N. Borror en Flickr bajo Licencia CC Pues bien, todas estas influencias las recoge uno de los escultores más importantes de la historia,
el norteamericano Alexander Calder (1898-1976). El mayor escultor cinético estudió primero ingeniería mecánica para proseguir con sus estudios de arte allá por 1923, mudándose a París en 1926 donde entablará amistad con los artistas Hans Arp, Miró y Mondrian, que influyeron notablemente en su obra. A su llegada a la capital francesa comienza a experimentar con materiales encontrados y con alambres, destacando su serie denominada Circo, con temas del mundo circense donde ya aparecen elementos que se mueven. En 1930 su obra da un importante giro tras visitar el estudio de su amigo Mondrian. A partir de entonces Calder usará solo formas abstractas y colores primarios, como hace su adorado amigo. Comienza a crear sus famosos Mobiles como los bautizó Duchamp, esculturas ligeras de alambre de las que cuelgan finas chapas de latón pintadas de blanco, negro y rojo y que se accionan por el viento o al tocarlas suavemente. Estos móviles causaron furor en su época y supusieron una gran innovación estética al introducir el movimiento y con él la interacción del espectador con la obra de arte, todo ello con un sentido lúdico de juego que tanto gustó al público en general. Los móviles de Calder presentan una gran variedad de tamaños y formas, desde los que móviles de pie, los que se fijan a la pared y los que cuelgan del techo. Como él mismo afirmó: del mismo modo que se pueden componer colores o formas, también se pueden componer movimientos.
Frente a sus móviles Calder creó también grandes esculturas fijas llamadas Estábiles, con formas de animales realizadas en acero y recubiertas con planchas de hierro pintadas con vivos colores, y al final de su carrera combinó ambos formatos en esculturas de gran tamaño con partes que se mueven, los llamados Mobile-stable.
Estábile o escultura estable de Calder
Imagen de J. Champion en Wikipedia bajo Licencia CC
Escultura móvil-estable de Calder
Imagen de Rufus46 en Wikipedia bajo Licencia CC
Gracias al genio de Calder la escultura deja de ser estática para adquirir nuevas cualidades como la ligereza y el movimiento, y con sus móviles consiguió lo imposible: materializar la línea del dibujo y trasladarla al espacio. Y algo todavía más difícil para cualquier artista moderno: conseguir una gran aceptación popular. Entre otros muchos reconocimientos, ganó el primer premio de escultura de la Bienal de Venecia de 1952.
La escultura cinética introduce la cuarta dimensión, el movimiento. Tiene como precedentes a los Futuristas y la obra de Duchamp, y Calder fue su máximo exponente. Calder creó sus móviles, esculturas que se mueven realizadas con finos alambres de las que cuelgan chapas de latón pintadas en rojo, blanco y negro. También realizó esculturas de gran tamaño en hierro y acero y pintadas de vivos colores. Calder introdujo el juego y el sentido lúdico en sus piezas, que gozaron de una gran popularidad.
Verdadero Falso
Falso
Los rotorrelieves son de Duchamp
Verdadero Falso
Verdadero
Verdadero Falso
Falso
Los colores son rojo, blanco y negro
Verdadero Falso
Falso
Los hay que cuelgan de la pared, del techo o están sujetados por estructuras que se apoyan en el suelo Como precedentes de los móviles de Calder podemos citar los rotorrelieves de Dalí
Los móviles de Calder están realizados con finos alambres y dan un aspecto de ligereza
Los móviles están decorados con los colores azul, rojo y blanco
Los móviles de Calder cuelgan de la pared
Los móviles de Calder invitan a que el público interaccione con ellos
Actividad
Pregunta Verdadero-Falso
Verdadero Falso
Verdadero
1.2. El Pop en la escultura: Oldenburg
El arte Pop también tuvo su reflejo en la escultura, un medio que aunque con una menor difusión que la pintura, también produjo extraordinarias obras, destacando por encima de todas las del genial escultor sueco Claes Oldenburg. Nacido en 1929 en Estocolmo, pronto se trasladó a Estados Unidos, residiendo desde los años cincuenta en la nueva capital mundial del arte, Nueva York. Oldenburg comenzó a realizar esculturas que eran una réplica de objetos cotidianos de consumo familiares para el público, desde un inodoro hasta una hamburguesa, pero realizados con materiales blandos como plásticos o telas rellenas del mismo material que se utiliza para confeccionar almohadas o colchones, el miraguano, que pintaba de vivos colores. En la década de 1960 abre su propia tienda en el centro de la gran manzana, The Store, en donde vendía reproducciones de objetos cotidianos realizados en escayola a gran escala a precios asequibles como si se tratara de una corriente tienda veinticuatro horas . Y esa senda marcará su posterior producción, en la que realiza reproducciones de objetos banales como herramientas, cubiertos, sacapuntas o pinzas de la ropa ampliados a una escala gigantesca. Esa será su seña de identidad durante décadas, un trabajo que le ha brindado fama y popularidad a nivel mundial y realizado en colaboración con su esposa, la artista holandesa Coosje van Bruggen desde que se casaron en 1977.
Esculturas blandas de Oldenburg
Imagen de missvancamp en Flickr bajo Licencia CC
Las esculturas de Oldenburg rezuman sentido del humor y sorpresa, pues tanto los materiales como los acabados llaman la atención, y contrapone la monumentalidad de sus piezas con el sentido tan banal de las mismas, además de alegrar con su presencia plazas y jardines de ciudades en los cinco continentes.
Pero no solo sus esculturas resultan chocantes o bellas, sino que Oldenburg las dota de una utilidad, de una interacción entre la obra de arte y el público que tanto gustaba hacer a los artistas Pop. Sus primeras esculturas blandas permitían que al ser tocadas, se inflaran y desinflaran, y sus enormes esculturas de objetos cotidianos sirven para algo, difuminando la separación entre arte y vida, pues algunas sirven de puente que cruza un lago, otras sirven de tribuna desde las que lanzar un discurso, otras son una fuente que lanza agua a un estanque.
Oldenburg, Puente de cuchara y cereza
Imagen de Meet Mineapolis en Flickr bajo Licencia CC
Oldenburg, Cono de helado
Imagen de jaime.silva en Flickr bajo Licencia CC
Otro gran escultor pop fue el norteamericano George Segal (1924-2000), autor de una inconfundible obra en la que utiliza bandas de escayola para reproducir figuras humanas que en un principio dejaba sin pintar y que posteriormente recubría con pigmentos de colores primarios. Sus esculturas reproducen fragmentos de la realidad cotidiana, actuando el espectador como un observador, un voyeur que espía sin permiso que se cuela en la vida de otras personas por unos instantes. Y a medio camino entre la pintura, la escultura y el ensamblaje destaca la obra de la escultora de origen venezolano Marisol Escobar, en donde partiendo de volúmenes geométricos sencillos como el cubo y el cilindro, talla formas humanas que transmiten silencio, paz y serenidad. Finalmente, destacar la personal obra de Armand Pierre Fernández, más conocido como Arman, en cutos encapsulamientos acumula objetos de desecho en formas de materiales transparentes de manera que podamos ver claramente esos objetos y nos cuestionemos la sociedad de consumo en la que vivimos.
Segal, Street Crossing
Imagen de Beyond My Ken en Wikipedia bajo Licencia GNU
Obra de Marisol Escobar
Imagen de marikeeler en Flickr bajo Licencia CC
Escultura de Arman
Imagen de Tim cage en Flickr bajo Licencia CC
El arte Pop también se expresó mediante la escultura, destacando la obra de Oldenburg, quien comenzó realizando réplicas de objetos de consumo en escayola. Después realizó versiones de objetos con materiales blandos, para evolucionar creando grandes esculturas de objetos banales como herramientas o cubiertos pintados con vivos colores. Otros escultores Pop fueron George Segal, Marisol Escobar y Arman.
Oldenburg es el autor de esculturas que reproducen objetos a una escala
realizadas con materiales como telas rellenas que llaman la atención del espectador. Junto a su esposa realiza también descomunales esculturas de hierro y acero en donde vuelve a
objetos cotidianos como y cubiertos. es el autor de
reproducciones de figuras realizadas en escayola. Marisol Escobar es autora de una obra a medio
camino entre la escultura, el y la pintura, y crea unas esculturas
rellenas de objetos de .
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Oldenburg es el autor de esculturas que reproducen objetos cotidianos a una escala mayor realizadas con materiales blandos como telas plastificadas rellenas que llaman la atención del espectador. Junto a su esposa realiza también descomunales esculturas de hierro y acero en donde vuelve a reproducir objetos cotidianos como herramientas y cubiertos.
Segal es el autor de reproducciones de figuras humanas realizadas en escayola. Marisol Escobar es autora de una obra a medio camino entre la escultura, el ensamblaje y la pintura, y Arman crea unas esculturas transparentes rellenas de objetos de desecho.
Actividad
Actividad desplegable
1.3. La abstracción escultórica: Moore y Serra
Esculturas de Brancusi
Imagen de Art Poskanzer en Flickr bajo Licencia CC
La escultura abstracta supone la mayor revolución de este lenguaje en toda su historia. Al igual que en la pintura, los artistas se van alejando de las referencias figurativas y se centrarán en las capacidades expresivas del propio lenguaje escultórico, cobrando una enorme importancia aspectos como la textura, los huecos, la deformación, la investigación con nuevos materiales y la incorporación del espacio que rodea a la propia obra para borrar los límites entre que figura y entorno.
Como principal precursor de la abstracción escultórica hay que citar a Constantin Brancusi, de origen rumano afincado en París, quien ya a principios del siglo XX realiza una esculturas sencillas, de formas básicas inspiradas en el arte prehistórico y africano, en donde va desnudando a las formas de todos sus detalles y demás elementos accesorios para crear formas puras geométricas donde predominan los óvalos y donde aún podemos observar algunas referencias figurativas que hacen referencia a rasgos humanos y pájaros.
Según el propio Brancusi, lo que es real no es el exterior sino la idea, la esencia de las cosas.
Brancusi era de origen muy humilde, y sin pasar por colegio alguno se ganó la vida desde que era muy joven trabajando en el campo, en una tintorería y finalmente en una posada, donde gracias a una de esas jugadas del destino su vida cambió.
Estando trabajando en esa posada, llegó un cliente muy rico que le retó a fabricar un violín con una simple caja de naranjas.
Tal era la pericia para la escultura del joven Brancusi, que esculpió el violín, al tocarlo sonaba bastante bien y ese cliente quedó tan admirado que le pagó sus estudios de Bellas Artes en Bucarest.
Continuando la senda abierta por Brancusi, surge la figura cumbre de toda la escultura del silgo XX, el inglés Henry Moore (1898-1986). Sin duda, el escultor que definitivamente revolucionó toda la escultura occidental, con un estilo inclasificable que comienza bebiendo de las fuentes del surrealismo y el cubismo para llegar a una abstracción en donde tan importantes son las masas como los vacíos, el material como la ausencia de éste.
Todo lo que yo necesitaba lo encontré en Picasso y en el Museo Británico.
Henry Moore
Una de las primeras esculturas reclinadas de Moore
Imagen de Enslin en Wikipedia bajo Licencia CC
Moore, Escultura reclinada
Imagen de Andrew Dunn en Wikipedia bajo Licencia CC
Al igual que el resto de artistas de las primeras vanguardias, Moore quiere liberar a la escultura de las ataduras estilísticas que impone la tradición occidental, buscando las raíces del arte en su esencia más primitiva. La influencia del arte primitivo queda patente en las dos imágenes que puedes observar abajo. Este estilo sencillo, de formas básicas y volúmenes simples será una seña de identidad de toda la producción de Moore, al igual que sus temas más recurrentes: la familia, la maternidad, las figuras femeninas reclinadas y los soldados heridos, ya que él mismo resultó herido durante la I Guerra Mundial.
Conocimiento previo
Escultura maya que influyó en el estilo de Moore
Imagen en Wikipedia de Dominio público
Escultura de Moore
Imagen de Talmoryair en Wikimedia bajo Licencia GNU
Incansable investigador, Moore trabajó con los más variados materiales, desde piedra y madera pasando por porcelana y hormigón pero será el bronce su material predilecto. Y su máxima aportación a la escultura es la incorporación del vacío en la escultura. Los huecos cobrarán la misma importancia que los volúmenes matéricos, consiguiendo un perfecto diálogo entre forma y vacío que transcurre con un ritmo envolvente gracias a las formas ondulantes y los perfiles curvos de sus esculturas. De un estilo similar es la obra de la también inglesa Bárbara Hepworth, que trabaja los materiales tradicionales pero de una manera muy innovadora y también tiene muy presente el vacío y los huecos en sus obras.
Y este epígrafe se termina con el más grande de los escultores vivos, según el arquitecto Norman Foster: el norteamericano de origen español Richard Serra. Este escultor posee un estilo muy personal a medio camino entre el minimal y la abstracción y con un material que será su seña de identidad: el acero corten.
Mientras estudiaba, Serra trabajaba a tiempo parcial en una acerera, de ahí su pasión por este material, y tras un viaje a París en 1965 donde conoció la obra de Brancusi, se decidió a ser escultor. En sus primeros trabajos Serra se centra en cuatro propiedades del material para crear pequeñas piezas en donde importaba más el proceso creativo que la propia obra: arrojar, rajar, rodar y apilar. Además del acero, experimenta las posibilidades expresivas del neón, el plomo y el cuero.
A finales de los setenta comienza a crear obras monumentales de enromes dimensiones donde invita al espectador a recorrerlas, a tocarlas, rodearlas y en definitiva, a sentirlas. En muchas de ellas sobrecoge el gran contraste que existe entre el peso y el volumen del material y ese desafío a la ley de la gravedad tan constante en sus obras. Para la inauguración del mueso Guggenheim de Bilbao creó su escultura Snake, que puedes observar más abajo. En 2010 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
Richard Serra, Snake
Imagen de P. Wassenaar en Flickr bajo Licencia CC
El acero corten es un tipo de acero con un alto contenido en cromo, cobre y níquel que le transfieren una peculiar protección contra los agentes corrosivos del exterior. El acero corten crea una película de oxidación superficial de un color rojo anaranjado característico, que impide que la oxidación continúe hacia el interior del material, protegiéndolo de la corrosión.
Objetivos
La escultura abstracta supone una gran revolución para esta disciplina, cuyo precursor fue Brancusi. Las esculturas abstractas investigan las posibilidades plásticas de este medio, utilizan una gran variedad de materiales, resaltan las texturas e introducen el vacío. Henry Moore destacó por su dominio de la técnica del bronce, con una vasta producción en donde los huecos son tan importantes como los volúmenes, y con temas recurrentes como la maternidad y la figura humana recostada.
Richard Serra utiliza el acero corten para crear enormes estructuras que invitan al público a recorrerlas.
El precursor de la escultura abstracta fue que aboga por formas inspiradas en el arte prehistórico y . Henry Moore trabaja con multitud de materiales pero preferirá el para crear sus series de figuras reclinadas en donde va introduciendo los huecos, los que se intercalan con las masas volumétricas. Richard trabaja con el acero para crear una enormes que desafían las leyes de la física, pues se crea un fuerte entre las enormes de acero, muy pesadas, y esa disposición en el espacio que dan la de que vayan a caerse.
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El precursor de la escultura abstracta fue Brancusi, que aboga por formas básicas inspiradas en el arte prehistórico y africano. Henry Moore trabaja con multitud de materiales pero preferirá el bronce para crear sus series de figuras femeninas reclinadas en donde va introduciendo los huecos, los vacíos que se intercalan con las masas volumétricas. Richard Serra trabaja con el acero corten para crear una enormes estructuras que desafían las leyes de la física, pues se crea un fuerte contraste entre las enormes planchas de acero, muy pesadas, y esa disposición en el espacio que dan la sensación de que vayan a caerse.
Actividad
Rellenar huecos
1.4. El arte conteptual
El arte conceptual surge a mediados de los años sesenta con un claro propósito: la idea es más importante que la obra de arte. Para los artistas conceptuales, el propio proceso creativo y la idea que se quiere transmitir son más importantes que la propia obra en sí misma, llegando incluso a prescindir de ella.
Con el arte conceptual se busca una gran implicación mental y reflexiva del espectador, que debe realizar un gran esfuerzo para llegar a comprender el mensaje que estos artistas quieren transmitir. La obra de arte ya no es un producto final que sirve de goce estético, sino que ahora es solo un vehículo de transmisión de ideas, de conceptos. Los artistas conceptuales reflexionan y se cuestionan la propia obra de arte, usando los más variados formatos, desde el vídeo hasta el propio cuerpo, así como cuestionan también los medios tradicionales de transmisión artística como los museos, las galerías y los críticos de arte.
Joseph Kosuth, Four colors four words
Imagen de Pierre Metivier en Flickr bajo Licencia CC
En general, las obras de arte conceptuales incorporan nuevas formas de expresión, como el vídeo arte, los tubos de neón, las acciones artísticas conocidas como performances, el propio cuerpo del artista y hasta la naturaleza. Estos lenguajes han dado lugar a diferentes vertientes del denominado arte conceptual, originándose así el body-art, land-art, video-art, arte pobre o povera, instalación, y así hasta un largo etcétera, pues se trata de un arte muy variado y con unas fronteras poco definidas. Normalmente utilizan la ironía, el sarcasmo y la sorpresa, y como claro antecedente está la figura de Marcel Duchamp.
Los nuevos medios artísticos del arte conceptual
Como decíamos antes, los artistas conceptuales se plantean la obra de arte tradicional y van más allá, buscando una nueva utilidad para ella como transmisora de mensajes y unos nuevos lenguajes bien distintos, más cercanos a la modernidad y en consonancia con el precursor del movimiento:
Marcel Duchamp y sus ready-made. Pues bien, entre los nuevos lenguajes artísticos podemos destacar los siguientes:
Instalación: toda intervención en un espacio que utiliza los más variados materiales, como sonidos, luces, cámaras u objetos encontrados, y normalmente requieren de la participación del espectador.
Objetos de arte, normalmente esculturas que integran varias disciplinas, como la fotografía y los textos narrativos.
Performance: presentación en vivo de una acción, que puede ser individual o colectiva, que se graba para que quede constancia de ella. Las actuales flashmob o mannequin challenge son ejemplos de performances. Surgen los Happenings y el Body Art.
Nuevos ready-made: los artistas conceptuales hacen sus propias versiones de los ready-made de Duchamp, dando lugar al arte basura o Trash Art, el arte pobre o Arte Povera y el arte de la Tierra o Land Art.
Luces artificiales. Tubos de neón, bombillas, interruptores que se encienden y apagan… se incorporan a este nuevo y rompedor lenguaje artístico.
El gran artista pionero del arte conceptual es Joseph Kosuth, con una obra muy variada e inclasificable con la que primero comenzó a reivindicar que el arte se debía pensar y cuya obra va desmaterializándose progresivamente. Kosuth incorpora materiales novedosos, como los de las nuevas tecnologías y todo tipo de material industrial. Kosuth fue el primer artista en incorporar las palabras y los textos a las obras de arte, reflexionando sobre el significado y el significante, utilizando tubos de neón de diferentes tonalidades conformando genuinos juegos lingüísticos. Su primera instalación conceptual fue Una y tres sillas, de 1965. En esa instalación Kosuth presenta una silla de verdad, una fotografía de esa silla y la definición del diccionario de silla. Así como ya hizo Magritte unos años antes con su famosa obra Esto no es una pipa, el autor presenta a la vez un objeto, su representación y su definición.
Kosuth, Una y tres sillas
Imagen de heroesbed en Flickr bajo Licencia CC
Magritte, Esto no es una pipa
Imagen de sapiens hoy en Flickr bajo Licencia CC
Otras figuras clave del arte conceptual son Sol LeWitt y Joseph Beuys. LeWitt tiene una obra camaleónica que está influenciada por el Constructivismo y La Bauhaus. Destacan sus instalaciones geométricas en tres dimensiones con el cubo como unidad que articula el conjunto y pinturas de franjas de colores vivos que también presentan una gran geometría. Joseph Beuys sufrió un terrible accidente de avión en 1944, del que sobrevivió porque lo cubrieron de grasa y telas de fieltro cuando su avión se estrelló, materiales que serán una constante en su obra. Realizó chocantes performances, como la titulada Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta, en la que le habla sobre arte a una liebre muerta que sostiene en brazos con miel y pan de oro en la cabeza. En otra performance convivió tres días encerrado con un coyote.
El arte conceptual desembocó en variadas tendencias artísticas que revolucionaron el mundo del arte pero que también tuvieron una clara consecuencia negativa: el alejamiento progresivo del arte moderno con respecto al público. La gente no entendía ya el arte, pues éste se había vuelto cada vez más complejo y requería de una formación artística e intelectual que en muchas ocasiones el público no poseía.
Cabe destacar las siguientes corrientes artísticas conceptuales:
Land Art, al arte de la Tierra, en donde los artistas realizan diversas acciones para interactuar con la naturaleza, usando materiales naturales como piedras, rocas, agua y ramas. Se trata de intervenciones a gran escala que ponen el énfasis en el proceso creativo más que en el resultado final, que una vez finalizada la intervención se deja a merced de la propia naturaleza. El pionero de esta corriente fue Robert Smithson, y su primera acción se tituló Spiral Jetty, realizada en el Gran Lago Salado de Utah, Estados Unidos. Otro artista que ha obtenido gran repercusión es Christo, que envuelve en telas grandes edificios, construcciones como puentes y hasta acantilados kilométricos.
Body Art, arte del cuerpo, en donde los artistas explotan las posibilidades expresivas del cuerpo humano, creando tanto obras físicas como performances en donde se suele solicitar la acción del público. El pionero de este tipo de arte fue el francés Yves Klein, que patentó un color azul intenso llamado Azul Klein. Este artista se hizo famoso por sus Antropometrías, unas performances en donde usaba como pinceles los cuerpos desnudos de modelos femeninas que embadurnaba de Azul Klein y las hacía moverse y estampar sus siluetas en diferentes lienzos.
Arte Povera, arte pobre, desarrollado en Italia por artistas que usan los más variados materiales de desecho y humildes, generalmente hechos a mano como tela de saco, cuerdas o troncos para crear esculturas e instalaciones de alto carácter inconformista y reivindicativo.
Destaca el artista Piero Manzoni, quien en 1961 puso a la venta noventa latas de metal al precio de cotización del oro en esa época etiquetada como Mierda de Artista en varios idiomas, constituyendo uno de los mayores escándalos de la historia del arte.
Robert Smithson, Spiral Jetty
Imagen en Wikipedia de Dominio público
Azul Klein
Imagen en Wikipedia de Dominio público
Para el arte conceptual el proceso creativo y las ideas que se quieren transmitir son más importantes que la propia obra de arte, que va desmaterializándose hasta casi desaparecer. Surgen nuevas formas de expresión y se incorporan novedosos materiales, apareciendo las instalaciones y las performances. El arte conceptual requiere que el espectador piense y reflexione al observar la obra de arte, lo que supuso que paulatinamente el público en general fuera distanciándose del arte al no comprenderlo. Aparecen nuevas tendencias artísticas como el Land Art, el Body Art y el Arte Povera, y entre las figuras más destacadas hay que resaltar a Jospeh Kosuth, Sol LeWitt y Joseph Beuys.
Incorrecto Opción correcta
La disciplina artística que se basa en la acción, en el desarrollo de una actividad y que generalmente requiere de la participación del público se denomina:
Instalación Performance Grabación
Actividad
Pregunta de Elección Múltiple
Incorrecto Solución
1. Incorrecto (Retroalimentación) 2. Opción correcta (Retroalimentación) 3. Incorrecto (Retroalimentación)
Incorrecto Incorrecto
Opción correcta Solución
1. Incorrecto (Retroalimentación) 2. Incorrecto (Retroalimentación) 3. Opción correcta (Retroalimentación)
Incorrecto Incorrecto
Opción correcta Solución
1. Incorrecto (Retroalimentación) 2. Incorrecto (Retroalimentación) 3. Opción correcta (Retroalimentación)
Opción correcta Incorrecto
Incorrecto Solución
1. Opción correcta (Retroalimentación) 2. Incorrecto (Retroalimentación) 3. Incorrecto (Retroalimentación)
Incorrecto
Cuando un artista interviene en un espacio usando diversos materiales se denomina:
Escultura Espacio Instalación
Los artistas más destacados del Land Art son:
Smithson y Kosuth Beuys y LeWitt Smithson y Christo
¿cuál fue el color que patentó Yves Klein?
Azul Klein Rojo Klein Verde Klein
Las acciones desarrolladas por Klein en donde usaba a modelos embadurnadas de pintura que actuaban como pinceles vivos se denominan:
Antropoacciones Bodyaccciones Antropometrías
Incorrecto
Opción correcta Solución
1. Incorrecto (Retroalimentación) 2. Incorrecto (Retroalimentación) 3. Opción correcta (Retroalimentación)
2. La escultura española del momento
Durante la posguerra se produce una gran revolución en el terreno de la escultura protagonizada por un grupo de artistas que vivían en la capital francesa y muchos de los cuales se agruparon en torno al denominado Equipo 57, que estuvo activo entre los años 1957 y 1962. Estos artistas tenían un claro objetivo: reaccionar ante el Informalismo que dominaba desde hacía años el panorama artístico y sentar su nuevo lenguaje sobre unas claras normas matemáticas y geométricas que se basaran en la objetividad más que en la subjetividad individual del artista. Veremos cómo la obra de estos artistas es a la vez, parecida y singular al mismo tiempo, y tendrán como denominador común los procesos industriales de trabajo del metal.
Existe un museo que alberga una importante colección de esculturas de la mayoría de artistas que vas a a conocer en estos epígrafes. Se trata del Museo de Escultura al Aire Libre de Madrid, que gracias al siguiente vídeo puedes admirar.
Museo de Escultura al Aire Libre de Madrid
Vídeo de Artearq7 alojado en Youtube
Caso práctico
2.1. La escultura vasca
A partir de la década de los cincuenta surge en el País Vasco un movimiento escultórico de gran fuerza que sitúa a España en la cabeza de la vanguardia gracias al esfuerzo y tesón de un grupo de escultores que se enfrentaron a las rígidas y trasnochadas normas estéticas que el régimen dictatorial promulgaba. Se trata de la Escuela Vasca, a la que también se suele hacer referencia como la Escultura Expresionista Vasca.
Uno de los máximos exponentes de la Escuela Vasca de escultura y de la cultura vasca en general fue el escultor Jorge Oteiza (1908 – 2003).
Durante la década de los años treinta viajó por Sudamérica para estudiar la cultura precolombina, cuyos rasgos estilísticos le influirán notablemente.
A su vuelta a España, colabora en el proyecto de la basílica de Nuestra Señora de Aránzazu, junto a Chillida y el pintor Lucio Muñoz. Para la Basilia realiza el gran Friso de los Apóstoles de la fachada principal.
Oteiza, Apóstoles de la Basílica de Aránzazu
Imagen en Wikipedia de Dominio público
Oteiza, Variante ovoide de la desocupación de la esfera
Imagen de Josean Prado en Flickr bajo Licencia CC
A comienzos de los sesenta abandona la escultura por unos años para dedicarse al estudio de la lengua y la cultura vasca. Cuando la retoma, realiza una serie de esculturas entre el constructivismo y el minimalismo con la fuerte presencia del vacío, las denominadas Cajas Metafísicas.
Gran Premio de Escultura en la Bienal de Sao Paulo de 1957, antes de morir legó toda su producción al pueblo vasco, que hoy podemos admirar en su fundación Oteiza. De entre sus múltiples esculturas urbanísticas cabe resaltar su Variante ovoide de la desocupación de la esfera, que hoy podemos admirar frente al ayuntamiento de Bilbao.
La figura más destacada de esta escuela, y quien gozó de una mayor proyección y reconocimiento internacional fue Eduardo Chillida (1924-2002), una de las figuras claves de la escultura durante la segunda mitad del siglo XX. Autodidacta, en su juventud realizó varios viajes a París donde entabló amistad con el también escultor Pablo Palazuelo.
En sus inicios la obra de Chillida aún tiene rasgos figurativos e influencias de la escultura griega que admira en el museo del Louvre, pero paulatinamente su interés se centrará en los vacíos, las formas interiores, la monumentalidad y los materiales de la sociedad agraria vasca:
hierro, piedra y madera. A comienzos de la década de los cincuenta su producción ya es plenamente abstracta, y comienza a investigar las posibilidades técnicas y expresivas del que será su material preferido: el hierro. Ilarriak será su primera escultura abstracta, basada en las estelas funerarias prehistóricas de su tierra natal, realizada tras duras sesiones de trabajo en las fraguas de fundición de Hernani.
Chillida, Peine del viento
Imagen de F. gabaldón en Flickr bajo Licencia CC
Detalle del Peine del Viento
Imagen de T. Meng en Flickr bajo Licencia CC
En 1952 comienza a realizar su serie de Peine del Viento, que culminará con las famosas esculturas ubicadas en la bahía de San Sebastián. Son colosales esculturas de hierro que combinan líneas rectas y curvas y en donde los fenómenos naturales forman parte intrínseca de la obra, en espacial el agua y el viento. En 1954 realiza las puertas para la Basílica de Aránzazu.
Además del hierro, Chillida investigó las posibilidades de otros materiales como el alabastro en su serie Elogio de la luz, creando estructuras cúbicas con estrechas aberturas que permiten pasar la luz y crear interesantes contrastes entre luces y sombras, así como con el hormigón
armado para crear colosales estructuras que interactúan con el espacio circundante.
Chillida, Elogio a la Arquitectura
Imagen de Haddhar en Flickr bajo Licencia CC
Proyecto para la montaña de Tindaya
Imagen de José Mesa en Flickr bajo Licencia CC
De entre sus últimos proyectos cabe resaltar el de la Montaña Sagrada de Tindaya, en Fuerteventura. No exento de polémica, Chillida pretendía horadar en el interior de la montaña un enorme cubo con diversos orificios al exterior que fuera una especie de espacio sagrado dedicado a la tolerancia entre las diferentes culturas.
Galardonado con innumerables premios, como el Príncipe de Asturias de las Artes concedido en 1987, su obra quedará eternamente ligada a su San Sebastián natal, donde ya forma parte intrínseca de su paisaje.
Si pinchas en el siguiente enlace podrás acceder a una página en donde se recoge todo el proceso creativo que realizó Chillida para su Peine del Viento de San Sebastián. Todo gran proyecto requiere de una gran trabajo previo, desde bocetos a costes de instalación y montaje, y te darás cuenta de la necesidad de contar con un gran equipo de colaboradores para poder concluir una obra de tales dimensiones y características.
La última de las grandes figuras de la escena cultural vasca es el pintor y escultor Agustín Ibarrola, nacido en 1930. Se formó en el taller del pintor Vázquez Díaz y colaboró estrechamente con Oteiza. Durante sus años en parís formó parte del colectivo Equipo 57, que renovó profundamente las artes plásticas durante los duros años de la dictadura franquista. Políticamente muy activo, estuvo encarcelado varias veces durante la década de los sesenta por pertenecer al partido comunista, y actualmente sigue defendiendo sus ideas comprometidas con la realidad de su tierra, al fundar el movimiento ¡Basta ya! en contra de cualquier organización armada terrorista.
Objetivos
Ibarrola, Bosque de Oma
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A Ibarrola se le enmarca dentro de la corriente del Land Art puesto que sus obras más significativas están realizadas en espacios naturales en estrecha relación con la naturaleza desde la década de los ochenta. Destacan sus intervenciones en entornos naturales como la realizada en el Bosque de Oma, pintando troncos de árboles con motivos inspirados en la cultura milenaria vasca encontrados en cuevas, tótems, dólmenes y demás construcciones celtas, o la realizada en el Bosque Encantado de Salamanca. Suyos son también los cubos de hormigón pintados en el puerto de Llanes denominados Cubos de la Memoria.
Tras la posguerra surge un grupo de escultores vascos que renuevan la escultura española y trabajan acorde con las vanguardias de Europa y Estados Unidos. Jorge Oteiza realiza el Friso de Los Apóstoles de la Basílica de Aránzazu y trabaja usando formas geométricas en sus Cajas Metafísicas. Chillida empleó fundamentalmente el hierro en sus colosales construcciones donde el vacío ocupa un papel protagonista. Destacar su Peine de los vientos de San Sebastián y su proyecto para la Montaña Tindaya en Fuerteventura. Agustín Ibarrola se enmarca dentro de la corriente del Land Art, con interesantes intervenciones en parajes naturales, como el Bosque de Oma o los cubos del puerto de Llanes, Asturias.
Verdadero Falso
Verdadero
Verdadero Falso
Falso
Se encargó del friso de la fachada principal
Verdadero Falso
Verdadero
Oteiza abandona la escultura durante algunos años para dedicarse al estudio de la lengua y la cultura vasca
Oteiza participó en la construcción de la Basílica de Aránzazu realizando la decoración del altar mayor
Chillida utiliza materiales duraderos de la sociedad agraria vasca
El material preferido de Chillida es el acero
Actividad
Pregunta Verdadero-Falso
Verdadero Falso
Falso Es el hierro
Verdadero Falso
Verdadero
Verdadero Falso
Falso
Estuvo preso por pertenecer al partido comunista
Verdadero Falso
Verdadero
Verdadero Falso
Falso
Los Cubos de la Memoria están en Llanes, Asturias
Una de las obras más emblemáticas de Chillida es el Peine del Viento, en San Sebastián
Agustín Ibarrola estuvo encarcelado por pertenecer a una banda terrorista
A Ibarrola se le enmarca dentro del Land Art
Una de las obras más representativas de Ibarrola son los Cubos de la Memoria, en Gijón
2.2. La abstracción geométrica
Hablar de abstracción geométrica es hablar del pintor, escultor y grabador Pablo Palazuelo (1915-2007). Genial artista polifacético, se formó en las mejores universidades de Londres y vivió en París durante veinte años, entablando amistad con Chillida y Sempere y regresando a España a finales de los años sesenta.
Escultura de Palazuelo
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Cuadro de Palazuelo
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Las matemáticas son el lenguaje de la naturaleza y si no se habla ese lenguaje no se podrá apreciar su misteriosa belleza.
Pablo Palazuelo
En su obra se pueden apreciar influencias de Kandinsky, Klee, los constructivistas rusos y el minimalismo, pero el estilo de Palazuelo es inconfundible y personal. El rigor, las matemáticas, el orden y las modulaciones obtenidas a partir de formas geométricas imples como el cuadrado son el eje de su extensa producción, con la que consigue elevar la abstracción geométrica a su máxima expresión.
Otra figura clave de la escultura abstracta es el escultor nacido en Gran Canaria en 1925 Martín Chirino. De joven trabajó junto a su padre en los astilleros del puerto de su ciudad natal, y de ahí le vino su fascinación por el hierro, como le pasó a Richard Serra. Según el propio Chirino: soy un herrero. El hierro es el material de la escultura y lo he trabajado tanto que como más me gusta es cuando está caliente. He aprendido a tocarlo sin quemarlo. Hay un respeto mutuo entre el hierro y yo.
Chirino, Lady Harimaguada, 1996
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Se traslada a Madrid para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, y participa en el grupo El Paso. Su formación se completa en Londres, donde conoce la obra de los escultores Henry Moore y Barbara Hepworth que tanto influirán en su producción. Amigo del pintor Manolo Millares, la geometría y en especial las espirales serán una constante en su obra.
Director del Círculo de Bellas Artes, Chirino es autor de una extensa obra aclamada internacionalmente, y algunas de sus piezas ya se han
convertido en símbolos de su tierra natal, como su descomunal pieza Lady Harimaguada, símbolo de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria.
La última gran figura de la escultura geométrica es el valenciano Amadeo Gabino (1922-2004) hijo del escultor Alfonso Gabino. Su obra, muy influenciada por el Constructivismo, se caracteriza por una personal técnica de collage de láminas de metal que corta, dobla y pule para conseguir chapas metálicas de diferentes acabados que va ensamblando como si se tratase de una armadura.
Amadeo Gabino, Homenaje a Galileo
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Escultura de Amadeo Gabino
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Su obra se va haciendo cada vez más compleja, con chapas metálicas de diferentes materiales como hierro, aluminio y acero a los que confiere distintos acabados, desde el bruñido al platinado pasando por el dorado. Destacan sus formas circulares concéntricas en donde se contraponen la dureza del material con la ligereza de las formas que Gabino esculpe.
Amadeo Gabino representó a España en la Bienal de Venecia en dos ocasiones, en 1956 y 1966.
La abstracción geométrica escultórica tiene tres grandes representantes españoles: Pablo Palazuelo, autor de esculturas geométricas donde el orden y el cuadrado rigen las estructuras; Martín Chirino, que trabajó con el hierro realizando grandes esculturas con las espirales como constante en su obra; y Amadeo Gabino, quien realizó collages de láminas de metal con formas circulares concéntricas.
Palazuelo se vio muy influenciado por las primeras vanguardias, especialmente por la obra de Klee y el . Usará formas geométricas simples con el como módulo que organiza los espacios. Chirino trabajó de joven con su padre en unos y de ahí le viene su fascinación por el , con el que creará sus esculturas monumentales en donde la será la protagonista. realiza una personal obra a base de collage de de metal con una preferencia por las formas concéntricas.
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Palazuelo se vio muy influenciado por las primeras vanguardias, especialmente por la obra de Klee y el Constructivismo.
Usará formas geométricas simples con el cuadrado como módulo que organiza los espacios. Chirino trabajó de joven con su padre en unos astilleros y de ahí le viene su fascinación por el hierro, con el que creará sus esculturas monumentales en donde la espiral será la protagonista. Gabino realiza una personal obra a base de collage de láminas de metal con una preferencia por las formas circulares concéntricas.
Actividad
Actividad desplegable
2.3. El movimiento cinético. Sempere
El alicantino Eusebio Sempere (1923-1985) es junto a Chillida y Picasso el artista español más importante de todo el siglo XX. Pintor, escultor, grabador e incansable investigador, se le conoce especialmente por su etapa cinética en donde introdujo en nuestro país esa corriente tan innovadora que se apropió del movimiento y lo incorporó a todas las disciplinas plásticas.
Sempere, Móvil
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Ya conoces la obra de Calder y sus maravillosos móviles, esas estructuras de alambre que se mueven, pero Calder es solo un artista más dentro de esa corriente denominada Arte Cinético. Vamos a conocer esta corriente en profundidad para así poder ubicar a Sempere mejor.
Arte Cinético y Op Art
Como ya sabes, el arte cinético quiere introducir el movimiento en el arte, recogiendo el legado de los Futuristas y las experimentaciones de Duchamp. Será en las décadas de los cincuenta y los sesenta cuando se materialicen esas investigaciones en dos corrientes artísticas que gozaron de un gran éxito: el arte cinético y el Op Art, abreviatura de Optical Art. El primero introduce el movimiento de forma real en estructuras tridimensionales como lo hizo Calder en sus móviles. Pero no fue el único. Otros artistas también trabajaron con el movimiento durante esas décadas, como fue el caso de Jesús Rafael Soto, que utiliza diversos materiales como el plástico tranparente o las varillas de acero que se mueven y crean interesantes efectos con la luz y el movimiento.
Escultura de Jesús Rafael Soto
Imagen de Guillermo Ramos en Wikimedia de Dominio público
Típico efecto Moiré al superponer dos tramas de líneas variando el ángulo
Imagen de Cdang en Wikimedia bajo Licencia GNU
Y una variante del Arte Cinético es el Op Art, que utiliza los efectos ópticos de la geometría y el color para simular el movimiento en pizas normalmente bidimensionales estáticas. Las obras de arte óptico se basan en el efecto moiré, es decir, en engañar a nuestro cerebro mediante la superposición de tramas geométricas y el fuerte contraste entre parejas de colores que dan la sensación de movimiento. El artista más importante del Op Art fue Víctor Vasarely, quien influyó en la otra gran figura del Arte Óptico, la inglesa Bridget Riley.
Obra de Victor Vasarely
Imagen de Renzo Giusti en Flickr bajo Licencia CC
Obra de Bridget Riley
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Pues es en este contexto donde debemos situar la obra de Sempere, que se formó en Valencia y Madrid para posteriormente trasladarse a París y conocer a las grandes figuras de la vanguardia artística además de entablar amistad con Chillida y Palazuelo.
Klee fue mi primer gran descubrimiento, después me deslumbró Mondrian. Pero pienso que hasta 1953, cuando me sumergí en la obra de Kandinsky, no descubrí mi verdadero camino.
Será en esos años de la década de los cincuenta cuando Sempere abandone para siempre la figuración y comience su etapa propiamente cinética, donde las líneas repetidas según distintos patrones y el color serán los protagonistas. También serán los años de sus collages: obras bidimensionales realizadas con tiras de papel de diferentes tonalidades pastel que forman un entramado lineal que provocan diferentes ilusiones ópticas de movimiento.
Escultura de Sempere
Imagen de Wmpearl en Wikimedia de Dominio público
Otra escultura de Sempere
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Durante la década de los años sesenta se instala en Madrid y comienza a realizar relieves luminosos con los que representó a España en la Bienal de Venecia de 1960. En 1962 publica su Manifiesto de la Luz y comienza a trabajar con serigrafías, y unos años más tarde crea sus Rejas, móviles de hierro y acero creados mediante la superposición de dos láminas de metal con diferentes tramas geométricas.
Actividad
La escultura cinética tuvo un claro exponente: Eusebio Sempere. Enmarcado dentro del Arte Cinético y el Op Art continuando la estela de artistas como Vasarely, Jesús Rafael Soto y Brdiget Riley, Sempere investigó diferentes técnicas y materiales, como las tiras de papel, las láminas de metal, la serigrafía y la luz, creando una vasta e interesantísima obra que combina la pintura, la escultura y las artes gráficas.
Verdadero Falso
Falso
Es una abreviatura de Optical Art
Verdadero Falso
Verdadero
Verdadero Falso
Falso
Vasarely y Bridget Riley
Verdadero Falso
Verdadero
Verdadero Falso
Falso
Utiliza tiras de papel de tonos pastel
Verdadero Falso
Verdadero
Verdadero Falso
Falso Son las rejas
El Op Art es una abreviatura de Optimus Art
El efecto Moiré busca engañar a nuestra percepción mediante la superposición de tramas geométricas
Artistas destacados del Op Art fueron Victor Vasarely y Bridget Jones
El máximo representante español del Arte cinético y del Op Art fue Eusebio Sempere
En sus collages Sempere utiliza tiras de metal que pinta de vivos colores
Sempere destacó también por sus serigrafías y por estudiar la luz
Las esculturas de Sempere en donde se superponen láminas de metal con formas geométricas se denominan rotorrelieves
Pregunta Verdadero-Falso
3. La fotografía
Richard Avedon, The Beatles en 1968
Imagen de James Vaughan en Flickr bajo Licencia CC
En este epígrafe vas a conocer cómo la fotografía avanza con fuerza en el mundo del arte para hacerse un hueco y reivindicar su espacio entre las otras artes como la arquitectura, la pintura o la escultura. Es la época de los grandes avances técnicos, cuando comienzan las investigaciones digitales que lograron que hoy en día tengas en tu bolsillo un móvil capaz de obtener buenas fotos, y del nacimiento de las grandes estrellas de la fotografía, de las primeras súper modelos y de la consolidación de la mujer como artista.
Y como denominador común, un impactante avance tecnológico que marcó un hito en la historia de la fotografía: la aparición de la primera cámara instantánea.
El nacimiento de la primera cámara de fotos instantánea se la debemos a Edwin Land y a la impaciencia de su hija pequeña, que tras unas vacaciones veraniegas tenía mucha prisa por ver las fotos que habían tomado durante ese viaje. Pues bien, Land se puso a investigar y unos años más tarde, en 1947 presentó la primera cámara con autor revelado que gracias a una doble película positiva y negativa conseguía sacar las fotos en papel en solo sesenta segundos.
Una cámara Polaroid
Imagen de Andrew en Flickr bajo Licencia CC
Fotos Polaroids
Imagen de Ace Armstrong en Flickr bajo Licencia CC
Se trataba de la cámara Land Camera comercializada por la compañía Polaroid, revolucionando la forma de tomar y entender la fotografía, y se convirtió en un éxito rotundo de ventas y un objeto clásico que toda familia debía tener. Con la aparición de la Polaroid SX-70 se podía modificar la película antes de que se revelara, pudiendo rascarla y alterarla mediante diferentes efectos. Artistas como Lucas Samaras o John Reuter exploraron las posibilidades expresivas de las cámaras Polaroid, y hasta la muñeca Barbie llegó a tener una.
Objetivos
3.1. Nuevas técnicas y nueva estética
John Cowan, Flying High, 1966
Imagen de J. Cowan en Wikipedia bajo Licencia fair use
Durante las décadas de los años sesenta y setenta la fotografía se convierte en fiel reflejo de la sociedad de esa época, unos años de profundos cambios sociales, políticos y estéticos de una sociedad en constante cambio.
En cuanto a los cambios positivos, cabe resaltar la lucha constante por la mejora de los derechos sociales especialmente de las minorías (personas de color, inmigrantes, homosexuales…), la definitiva emancipación de la mujer, la liberación sexual gracias a la aparición de la píldora, el asentamiento del estado del bienestar y la mejora generalizada del nivel de vida del primer mundo, y el general ambiente de esperanza y regeneración de los jóvenes de esas décadas.
Pero no todo es bueno, y los años sesenta y setenta también fueron años de guerras, continuando la tensión bélica de la Guerra Fría entre el bloque capitalista y el bloque comunista, siendo un punto álgido la amenaza nuclear de la Crisis de los Misiles entre Cuba y Estados Unidos; la nación más poderosa del mundo inicia otro conflicto bélico que marcará profundamente a estas generaciones: la Guerra de Vietnam. Dos de las personalidades más destacadas de esos años fueron brutalmente asesinados, causando el estupor de todo el planeta: el presidente norteamericano John F. Kennedy y el defensor de los derechos humanos de los afroamericanos Martin Luther King.
Es la época de los grandes movimientos contraculturales y de protesta, cuando los hippies se rebelan contra la sociedad de consumo y cualquier conflicto armado, en especial contra la Guerra de Vietnam; la época de las marchas reivindicativas como la de los universitarios de Berkeley que se contagió a Europa provocando el Mayo del 68, de la vuelta a la naturaleza, de la defensa de los derechos de la mujer y la marihuana.
Una de las grandes revoluciones de estas décadas fue la aparición de la minifalda, algo que hasta sacó de quicio a la propia Iglesia Católica. Y es que es prenda es más que un trozo de tela de unos treinta centímetros: supuso un punto y aparte en la imagen social de la mujer, que por fin se libera de arcaísmos y encorsetamientos. Su autora fue una de las grandes diseñadoras del momento, la inglesa Mary Quant, autora de un estilo de ropa desenfadada y juvenil que vendía en su tienda de Carnaby Street y que tanto pusieron de moda súper modelos como Twiggy, actrices como Brigitte Bardot o cantantes como Nancy Sinatra.
En estos años surgen las grandes estrellas de la fotografía, elevando a esta disciplina a un gran estatus del que hasta entonces había carecido, y con estas grandes estrellas surgen las primeras grandes súper modelos, como la inglesa Twiggy, verdadero rostro de estos años. Otro tipo de fotógrafos que aparecen durante estos años serán los paparazzi y los foto reporteros, unos persiguiendo a famosos para llenar las páginas de las demandadas revistas de prensa rosa, y los otros persiguiendo la más rabiosa actualidad y documentando los conflictos de todo el mundo.
Durante la década de los años setenta la fotografía se vuelve quizá más intimista y personal, reflejando los aspectos más cotidianos del ser humano. También la fotografía se vuelve más transgresora, derribando las barreras estéticas que delimitan los estilos, experimentando con diversos materiales y técnicas. Surge además la fotografía documental y por fin aparecen una serie de extraordinarias fotógrafas como Sophie Calle y Cindy Sherman que situarán a las mujeres en la primera línea de la vanguardia fotográfica.
Conocimiento previo
Carnaby Street, en el Soho de Londres
Imagen de J. Linwood en Wikimedia bajo Licencia CC
Las súper estrellas de la fotografía
En la década se los sesenta comienza como ya te hemos anunciado el estrellato para los grandes fotógrafos especializados en moda, que junto con sus musas o modelos preferidas abrieron el camino a lo que hoy en día sigue siendo un verdadero boom tanto económico como social que marca tendencias y mueve millones de euros al año: el star system de la moda. La imagen de estas décadas la pusieron una serie de fotógrafos que hicieron de Londres la capital cool de la época: hablamos de John Cowan y sus célebres imágenes de modelos en entornos urbanos; John French, el fotógrafo de la elegancia en blanco y negro; de Anthony Armstrong-Jones, que estuvo casado con la infanta Margarita, la hermana menor de la reina Isabel II, asesor artístico de la revista The Sunday Times; de Terence Donovan y su musa Celia Hammond; de David Bayley, que impulsó la carrera de una de las primeras súper modelos, su esposa Jean Shrimpton y que tanto ayudó a engendrar el concepto de Swinging London. En su vida está inspirado el papel protagonista de una de las películas icónicas de los sesenta: Blow up, de Antonioni, sobre un fotógrafo que se ve envuelto en una trama de asesinatos.
Pero también las bandas de música de la época fueron verdaderos iconos fotográficos de los sesenta y setenta, como The Beatles, The Rolling Stones o The Who, quienes pusieron de moda un nuevo concepto artístico: el de las Pin-up Boxes o cajas de fotografías para colgarlas en la pared con chinchetas, y que fueron un rotundo éxito.
Jean Shrimpton, una de las primeras súper modelos
Imagen de Nationaal Archief en Wikipedia bajo Licencia CC
Twiggy
Imagen en Wikipedia bajo Licencia fair use
De entre las súper modelos, hay que destacar a Jean Shrimpton, catapultada a la fama por su marido el fotógrafo David Bayley, y nombrada por la
revista Time como uno de los cien iconos de moda más influyentes de todos los tiempos. Y a Leslie Lawson, más conocida como Twiggy, uno de los iconos de los sesenta, con su look de pelo corto rubio platino, físico de adolescente, grandes gafas de sol y minifaldas. Y Veruschka, catapultada a la fama tras salir en la película Blow up.
Se conoce como Swinging London al fenómeno cultural y musical que surgió en Londres durante la década de los sesenta y que supuso el fin de la terrible posguerra para dar paso a una nueva etapa de optimismo, modernidad, juventud y hedonismo que tanto contagió al arte Pop de la época, a la fotografía especialmente a la de moda, a la música y en general a la forma de vivir de esos años.
Es la época de la sofisticación, del salir de compras por Carnaby Street a por el último modelo de minifalda, de pasearse por el Soho, de dar una vuelta en taxi modelo Mini Cooper, de comprar el último disco de Pink Floyd y de regalar algún souvenir con la bandera de la Union Jack.
Jóvenes en Carnaby hacia 1969
Imagen de The National Archives UK en Wikipedia de Dominio público
Mini de 1963
Imagen de SteveBaker en Wikipedia bajo Licencia GNU
Cámara Kodak Instamatic 100
Imagen de Randy Hinitz en Flickr bajo Licencia CC
En cuanto a las innovaciones técnicas, estos años son los de la convivencia entre la fotografía en color y la del blanco y negro, exprimiéndose al máximo las posibilidades expresivas de la fotografía en color, aunque el blanco y negro se mantuvo vigente especialmente en la fotografía periodística y en la de moda.
Las innovaciones tecnológicas se materializaron en las cámaras fotográficas que se iban sucediendo y que mejoraban notablemente los modelos anteriores. Los sesenta se inauguran con una cámara clásica que marcará un hito en la historia de la fotografía: la cámara Nikon F, la primera cámara réflex de un solo objetivo de 35 mm. Con una montura muy avanzada para su época en acero inoxidable, destacó por su versatilidad y durabilidad, y ha sido un modelo para las demás cámaras réflex fabricadas hasta la fecha. Otra cámara que hizo furor fue la Instamatic 100 de Kodak, prototipo de las actuales cámaras de usar y tirar. Con aspecto de juguete, tenia cartuchos de color en su interior en lugar de carrete para permitir el revelado instantáneo de las fotografías, al igual que las cámaras Polaroid. En cuanto a las cámaras más compactas y de mayor calidad, destacar la Olympus Pen, con su objetivo de 28mm que permitía un enfoque rápido y nítido, y la Leica M4, sin olvidar por supuesto a la reina de las cámaras de los setenta: la Polaroid, siendo su modelo de mediados de los setenta, la Polaroid OneStepLand, todo un fenómeno de ventas a nivel mundial.
A finales de esa década de los setenta comienzan las investigaciones en el terreno de la fotografía digital, creándose los primeros sistemas de almacenaje de datos electrónicos, así como las primeras videocámaras.
Durante las décadas de los sesenta y setenta la fotografía refleja perfectamente esa sociedad tan cambiante y tan llena de movimientos de protesta, en donde se produce la emancipación de la mujer. Es la época en donde los fotógrafos adquieren fama y reconocimiento internacional, como fue el caso de John Cowan, Anthony Armstrong-Jones, John French, Terence
Objetivos
Actividad
Donovan o David Bayley. Pero también de las primeras súper modelos que crearon escuela: Twiggy, Jean Shrimpton o Veruschka. Las innovaciones técnicas mejoraban las cámaras, apareciendo la primera réflex y la cámara de auto revelado instantáneo: la polaroid.
Verdadero Falso
Verdadero
Verdadero Falso
Falso
El título era Blow Up
Verdadero Falso
Falso
Su nombre era Pin-up boxes
Verdadero Falso
Verdadero
Verdadero Falso
Falso
Las reflex las inventó la compañía Nikon
Junto a las grandes estrellas de la fotografía y las primeras súper modelos, también se consolida un tipo de fotógrafo que persigue a las celebridades conocido como paparazzi
Hubo una película que tenía como protagonista a un fotógrafo que se hizo muy popular, cuyo título era Flash Up, dirigida por Antonioni
También se hicieron muy populares las cajas de fotografías de bandas de música, conocidas como Music boxes
La estética de las súper modelos era llevar minifalda, el pelo corto rubio y tener un cuerpo de adolescente
Las cámaras más populares fueron las instantáneas de Polaroid y las reflex de Olympus
Pregunta Verdadero-Falso
3.2. Ellos tras el objetivo
Como ya sabes, los sesenta marcaron el inicio del estrellato para los grandes fotógrafos primero, y las grandes fotógrafas unos años después, cuyas carreras se consolidarán en los setenta. La fotografía de moda tuvo una importancia radical en este proceso de creación de grandes estrellas de la cámara y el revelado, existiendo un trío de artistas que gozaron de una inmensa popularidad: Richard Avedon, Irving Penn y Helmut Newton.
Richard Avedon creó maravillosos retratos sencillos en blanco y negro que lograron captar la personalidad de los retratados, entre los que se encontraban las personalidades mediáticas más importantes del momento pero también personajes anónimos de la sociedad americana. No en vano, recorrió Estados Unidos a finales de los sesenta y principios de los setenta reflejando la sociedad estadounidense. Irving Penn también realizó retratos en blanco y negro con fuertes contrastes entre las luces y las sombras en donde puso de manifiesto su canon estético de menos es más.
Helmut Newton es el fotógrafo de la elegancia, el glamour y la seducción, en fotografías donde los tacones de aguja eran los protagonistas.
Avedon, Retrato de Francis Bacon
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Marlene Dietrich por Irving Penn
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Newton, Retrato de Catherine Deneuve
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E l fotoperiodismo vigila muy de cerca los grandes acontecimientos de estos años, documentando la Guerra de Vietnam, las protestas estudiantiles del Mayo francés y todo lo que pasaba en la Casa Blanca. Fotógrafos destacados que trabajaban en la famosa Agencia Magnum son Marc Riboud, el único fotógrafo occidental que pudo sacar fotografías en China durante muchos años, Bruno Barbey y Josef Koudelka.
Llama la atención la forma de trabajar que tenía Richard Avedon para retratar la verdadera personalidad de la persona que posaba. Avedon sometía a sus modelos a largas sesiones de trabajo, en donde creaba un ambiente distendido y la persona se relajaba, y ese era el momento que el gran fotógrafo aprovechaba para disparar su cámara. Abajo puedes observar dos de sus mejores fotografías que reflejaron a la perfección esto que te estamos contando. Fíjate cómo esta Marilyn transmite la angustia, la inseguridad y la falta de autoestima que acompañaron al mito durante su trágica vida.
Marilyn Monroe por Avedon
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Conocimiento previo
Y las fronteras entre la pintura y el arte comienzan a desdibujarse, como es el caso del artista pop David Hockney, quien realizó una serie de foto collages de gran tamaño en donde construye las imágenes a base de ir pegando pequeñas fotografías variando ligeramente el ángulo desde el que toma la foto. Y también se diluyen las fronteras entre arte y pornografía, surgiendo artistas que trabajan el desnudo desde una perspectiva provocadora. Tal fue el caso del fotógrafo inglés David Hamilton, fallecido en 2016. Autor de bellas fotografías de suaves colores y atmósferas difuminadas, se centro en el cuerpo desnudo de la mujer. En ocasiones se trataba de modelos muy jóvenes que hoy en día despertarían no pocas críticas y la ira de numerosos colectivos, y de hecho la sombras de escándalos de numerosos abusos salpicaron el nombre de Hamilton. Y también en los setenta levantó mucha polémica la obra del fotógrafo norteamericano Robert Mapplethorpe, cuyas fotografías fueron vetadas en más de un museo por pecar de demasiado indecorosas y explicitas.
Fotografía de David Hamilton
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Fotocollage de David Hockney
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En España destacó un fotógrafo por encima de los demás, cronista oficial de toda una época, la que va de la España franquista a la España de la Transición: Juan Gyenes. De origen húngaro, este corresponsal de la revista New York Times llegó a España en 1940 para trabajar como ayudante del fotógrafo y empresario teatral José Demaría Vázquez. En 1948 abre su propio estudio en la Gran Vía de Madrid, por el que pasó lo más granado de la sociedad de la época: artistas, actrices, cantantes, grandes de España como la duquesa de Alba, fiel devota de Gyenes, pasando por la familia Franco y los jóvenes nuevos reyes Juan Carlos y Sofía.
Gyenes se convirtió en el cronista de la España de la segunda mitad del siglo XX, y con su carácter afable y ameno se gano la simpatía de todas las personalidades más influyentes de la época, que iban encantados a su estudio a charlar, pasar un buen rato y por supuesto, llevarse una estupenda fotografía que siempre les gustaba, pues Gyenes siempre sacaba lo mejor del retratado en unas fotos sencillas pero con una gran sensibilidad.
