1)
a) La obra ‘’Quien pudiera’’ del artista P. Gauguin, 1892 es un óleo sobre lienzo, su tamaño es de 68x92 cm. Paul Gauguin (1848-1903) fue un arista post-impresionista, que impactó principalmente en el movimiento fauvista y fue un artista que contribuyó decisivamente al arte moderno del siglo xx. En esta obra podemos ver un paisaje. En él hay tres figuras humanas dos de ellas se están bañando en el agua y una está pescando. También podemos ver un árbol que no tiene su color real al igual que el pasto y sus hojas que están en el suelo. Esta es una obra figurativa con cierto grado de abstracción. Es una pintura dinámica ya que podemos ver a una de las figuras humanas tirándose al agua, la otra se está secando con una toalla. Hay una sensación de espacio, este está dado por la diferencia de tamaños y
podemos ver que el color realza la profundidad ya que al fondo el agua es de un color mucho más oscuro que la parte que está más cerca. Las formas están distribuidas en toda la obra aunque el mayor centro de interés es el árbol. El artista utiliza una paleta muy amplia ya que usa todos los colores primarios y secundarios generando así el complemento entre los colores. El artista utiliza colores saturados. Predominan los colores fríos. Los colores están utilizados según su tono de modo que las sombras son marcadas con un tono más oscuro quitándoles luz, color blanco, y dónde hay más luz se le agrega el color blanco. La mayoría de los colores están aplicados de forma plana pero presentan algunos matices por ejemplo en el tronco del árbol. El uso de la luz y la sombra están presentes en esta obra de arte. La luz viene desde arriba a la izquierda y es arbitraria. La gama tonal es muy similar. Las formas son orgánicas y cerradas. Las formas en esta pintura son de diferentes tipos. En
https://www.google.com.ar/search?q=gauguin+obra+qui en+pudiera&safe=off&biw=1366&bih=643&source=lnms &tbm=isch&sa=X&ei=7cROVIuTGsuCigLOo4GABg&ved=0 CAYQ_AUoAQ#facrc=_&imgdii=_&imgrc=rWg2qjmk-2lYDM%253A%3BIw7J2y6iVFKRJM%3Bhttp%253A%252F %252Fpoeticas.es%252Fwp-content%252Fuploads%252F2009%252F04%252Fsaintjo hnperse.jpg%3Bhttp%253A%252F%252Fpoeticas.es%252 F%253Fpaged%253D20%3B400%3B290
esta obra hay una amplia cantidad de diversas líneas. Se utilizan la línea vertical, horizontal, diagonal, con respecto al grosor la línea es homogénea y sus formas son
variadas la línea es continua. En esta composición hay ritmo, este está marcado por la línea. Una de las mujeres se está por tirar al agua y esto nos lo muestra la línea de su cuerpo y la posición de esta línea. El contraste entre el fondo y la forma está dado por el color, esto lo podemos ver en el color de la mujer y el agua. Ambos fondo y las figuras son simples. El medio utilizado en esta obra es pintura al óleo, podemos notar una textura visual en la espuma del agua y en las hojas del árbol. Esta obra fue pintada lentamente ya que hay muchos detalles en la luz. La idea detrás de esta obra en mi opinión es mostrar la riqueza de la naturaleza y el ingenio del hombre para disfrutarla y aprovecharla. Los colores intensos y tropicales transmiten la sensualidad y el poco pudor de las dos mujeres que se están
bañando desnudas frente a un hombre que está pescando. Este mismo estado de ánimo se podría expresar de otra forma pero teniendo en cuenta el contexto histórico dónde vemos que estas dos mujeres son de Tahití su sensualidad está muy bien representada porque tiene que ver con lo tropical pero con mujeres de otros países la sensualidad podría ser expresada de otras formas como por ejemplo la mujer Europea muestra su sensualidad a través de fineza y riqueza. Podemos tomar como ejemplo de esto a las obras Jean-León
Gérôme, Jóvenes griegos con pelea de gallos(Musée d'Orsay, París, 1846) y El estudio del pintor (1563), de Giorgio Vasari, Casa Vasari, Florencia.
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/ cezanne/sl/cezanne.commode.jpg
b) La obra “un coin de table”, 47x56 cm, año 1900 es un óleo sobre lienzo del artista Paul Cezanne quien fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna. Esta obra es una naturaleza muerta. En ella se puede ver varias frutas sobre una mesa. Es una obra figurativa con una composición estática. Hay una sensación de espacio por la diferencia de tamaños y la superposición de las formas. Las formas están distribuidas en toda la obra. El artista usa una paleta de naranjas y verdes estos son colores secundarios y los utiliza como colores neutros pero con algunas pinceladas de colores más saturados. Hay una igualdad con respecto a los colores cálidos y fríos estos están utilizados según el tono. Los colores presentan muchos matices. En esta obra se puede ver el uso de la luz y la sombra por medio de la manta blanca que genera sombras en sus dobleces. La luz viene de frente, es dirigida. Hay una amplia gama de contraste tonal. En esta obra se utilizan formas orgánicas y principalmente cerradas con excepción de algunas frutas que se mezclan con el cajón de atrás. Hay una mezcla de diferentes tipos de formas la manta, las frutas, el cajón, la mesada. Podemos ver líneas diagonales y verticales en la mesada y en el cajón. La línea es modulada y podemos ver una línea curva en las frutas y en el plato, ondulada en la manta y recta en la mesada y el cajón, la línea en continua. Hay contraste entre el fondo y la figura por el color y la línea. El fondo es simple y la figura es compleja. Esta obra fue pintada con pintura al óleo. La textura es visual. Esta obra en mi opinión fue pintada lentamente por los detalles, y las diferentes tonalidades. En mi opinión el artista trata de mostrar la belleza de las frutas y cómo por la abundante cantidad de estas ni le tenemos respeto ni la valoramos mostrando esto con las frutas desparramadas sobre la mesa. En mi opinión esto podría haber sido demostrado de otra manera ejemplo: un niño de escogiendo de postre entre un dulce y una fruta, el dulce.
c) La obra Null 65, 1959 de Maza Fernando pintor y escultor que comienza a exponer en salones de Buenos Aires, Santa Fé y Rosario, cofundador del movimiento informalista en la Argentina es un óleo sobre tela, mide 63x102 cm. Se puede notar que esta obra es una obra abstracta ya que no se pueden identificar objetos ni tampoco si es un paisaje una figura humana una escena religiosa un retrato de la naturaleza muerta etc. Es una composición estética ya que no se percibe movimiento. Hay una sensación de espacio en la parte
izquierda por la diferencia de tamaños y el uso de la perspectiva. El centro de atención de la obra es la figura más grande del centro. La paleta que utiliza el artista es de una variedad de verdes, marrones y amarillo. La mayoría de los colores son secundarios y terciarios. El artista utiliza colores neutros. Predominan los colores cálidos ya que el marrón está
formado por los tres colores primarios pero también hay una gran cantidad de verde que es un color frio. En el fondo los colores han sido aplicados de manera plana pero en la parte marrón hay muchos matices. No se nota el uso de la sombra en esta obra y hay un gran contraste tonal diferenciando, el marrón que es muy oscuro del verde que está muy cerca del blanco. Las formas son orgánicas, y cerradas por su contraste con respecto al fondo. Las formas son abstractas y hay una gran variedad de formas ya que todas son diferentes. Podemos ver líneas verticales, horizontales, diagonales, moduladas, curvas y continuas. Entre el fondo y la figura hay un gran contraste dado por el color y la textura. El fondo y la figura son complejos pero el fondo es en algunas partes simple. Esta obra fue hecha con óleo y el artista le da una textura visual. Las figuras abstractas pero complejas me hacen pensar que esta obra fue pintada lentamente por más de que no represente ninguna figura y haya sido inventada por el pintor hay mucho detalle dentro de una sola forma. Lo que trata
http://www.arcadja.com/aucti ons/es/maza_fernando/artista /99172/
de hacer el artista en mi opinión es teniendo en cuenta el contexto histórico dónde había una huelga de obreros de la carne que resisten a una decisión oficial del Estado Nacional y ocupan distintos frigoríficos. Para sacarlos el gobierno recurre al ejército. Esto me hace pensar que la obra representa un pedazo de la carne sobre tierras argentinas tratando de mostrar como problemas tan absurdos estaban siendo los más importantes. La carne
últimamente en la Argentina estaba siendo de gran importancia. Esta misma idea podría ser representada de múltiples maneras ejemplo: mostrando una pelea sangrienta entre dos personas por una vaca.
2)
a) La obra “asado criollo” de Marcos López, fotógrafo, mide 100x280 cm, fecha 2001. Es una fotografía dónde podemos ver un retrato de un grupo de hombres comiendo asado en un campo de una manera muy informal donde se pueden notar las amistades entre las figuras humanas y su placer, es una obra figurativa. Es una composición dinámica dada por la postura/posición de las figuras humanas dónde hay una sensación de espacio dada por la superposición de las figuras humanas, la diferencia del tamaño y del color. Las formas están distribuidas en toda la obra pero el centro de atención es el hombre que está parado con un cuchillo. La paleta de colores es muy amplia pero predominan el color verde y celeste por el fondo y el color de la piel y de la mesa que son muy parecidos y las figuras humanas. Los colores que predominan son los primarios y secundarios, verde y azul y los
https://www.google.com.ar/search?q=Null+65&safe=off&biw=1366&bih=600&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ei=AsZOVJKAC-nqiQKN_ICoBw&ved=0CAYQ_AUoAQ#safe=off&tbm=isch&q=asado+criollo%E2%80%9D+de+Marcos+L%C3%B3pez&facrc=_&imgdi i=_&imgrc=qTqELdJpLGfSGM%253A%3BF7Xs1zwaCKHO2M%3Bhttp%253A%252F%252Fwww.artecriticas.com.ar%252Fuserfiles%2 52Fimages%252Fvisuales%252FMarcos%252520Lopez.jpg%3Bhttp%253A%252F%252Fwww.artecriticas.com.ar%252Fdetalle.php %253Fid%253D228%2526c%253D8%3B1500%3B537
colores fríos. Los colores que utiliza el artista son saturados. Los colores están aplicados de forma plana. El uso de la luz y la sombra en esta obra son muy notables debajo de la mesa y la sombra producida por los árboles. La luz viene de frente y la gama tonal es muy similar, la tonalidad de las figuras son muy parecidas. Las formas son orgánicas y cerradas salvo en el cielo las nuves que son formas abiertas. Hay una gran mezcla de diferentes tipos de formas. Podemos ver líneas diagonales tanto en las patas de la mesa como en el tronco del árbol a la izquierda y en los cuchillos. Podemos ver líneas horizontales en la mesa y verticales en la remera a rallas de uno de los hombres, también en el tronco del árbol a la derecha. La línea es homogénea y podemos hallar curvas en los platos en la palangana con la ensalada en la cabeza de los hombres y rectas en las tablas de carne. La línea es continua. En esta composición hay ritmo marcado por la posición de las líneas mostrando
movimiento en los brazos de uno de los hombres cortando la carne u de los otros abriendo la boca para comer. Entre el fondo y la figura hay un contraste dado por el color las formas y el tamaño. Ambos el fondo y las figuras son complejos, el fondo por el detalle de las hojas y de las nubes y las figuras también por el detalle y lo real. El medio utilizado en esta obra fue el soporte digital. Lo que el artista quiso a partir de esta obra es mostrar la patria Argentina, sus costumbres y su cultura. La idea detrás de la obra es la informalidad y la manera casi carnívora con la cual los hombres cortan y comen este asado, esta sería como la versión Argentina de la última cena. La técnica que utiliza para demostrar este estado de ánimo son las formas porque con ellas está mostrando los movimientos bruscos que
realizan los hombres en esta escena. Estas costumbres de la Argentina también podrían ser trasmitidas de otra forma por ejemplo con unas señoras vendiendo empanadas o con la bandera argentina este mismo sentimiento por la patria Argentina podría haberse expresado pero no se podría haber hecho el juego de representar un típico asado Argentino como si fuese la última cena pero en versión Argentina.
DATOS DEL AUTOR:
Marcos López nacido en 1958 en Santa Fé, Argentina. Marcos López es un fotógrafo argentino que durante toda su carrera realizo retratos, empezando en blanco y negro, para después a trabajar en color haciendo referencia a las publicidades de todo tipo, ficticio y hasta bizarro, pero siempre generando una crítica sobre la sociedad en cada uno de sus
trabajos. López ofrece una mirada social diferente a través de sus trabajos. Sus imágenes se caracterizan se caracterizan por los colores saturados, que representa el estilo pop art de la historia del arte, en los años 50. Cada fotografía pasa a ser una construcción
“estructuradamente desestructurada”, con influencias marcadas de artistas como Andy Warhol, Marcelo Pombo o Gustavo Di Mario entre otros, dentro de un contexto social determinado. Algunas de sus obras más importantes son: El cumpleaños de la
directora, 2008. “Feliz Navidad” Argentina, 1997. “El patio de atrás” Córdoba, Argentina, 1995. “Picada en la Terraza de la Fundación Proa” Argentina, 2006.
b) Caperucita roja del grupo mondongo es una obra hecha con plastilina, 450x451cm. Este grupo está entre el arte conceptual, el surrealismo, el pop art y lo kitsch. Sin embargo, sus raíces son más profundas. Enlazan con pintores de otras épocas de la historia del arte que también están fuera de estilo, que han buscado expresar un mundo muy profundo y personal a través del juego con las imágenes. Su principal distinción es por el uso de materiales originales en este caso la plastilina. En esta obra podemos ver a la famosa
Caperucita roja chupando una paleta sentada sobre el pasto con un vestido rojo una capucha roja y los zapatos rojos. Detrás de ella está el también famoso lobo con una canasta con flores. Esta obra es un retrato de un paisaje y caperucita roja con el lobo. Es una obra figurativa y tiene una composición dinámica por la posición del lobo que se está agachando
https://www.google.com.ar/search?q=Caperucita+roja +del+grupo+mondongo&safe=off&biw=1366&bih=600 &source=lnms&tbm=isch&sa=X&ei=TsdOVNSWB9H1iQ KHmYDQBw&ved=0CAYQ_AUoAQ#facrc=_&imgdii=_&i mgrc=DxR0yWBJXE9G2M%253A%3BZaIAoJ93WKyj2M %3Bhttp%253A%252F%252Fwww.crearonline.com.ar %252Fwp-content%252Fuploads%252F2010%252F10%252FCape rucita-roja-chupando-piruleta1.jpg%3Bhttp%253A%252F%252Fwww.crearon line.com.ar%252F2010%252F10%252Fgrupo-mondongo%252F%3B450%3B451
y Caperucita que está moviendo su brazo para chupar su paleta. Hay una sensación de espacio dado por la diferencia de tamaños. Las formas están distribuidas en toda la obra pero el centro de atención son caperucita el lobo. El artista utiliza una paleta de verdes, rojos y grises. Predominan los colores primarios y secundarios por el verde y el rojo. El artista utiliza colores saturados y predominan los colores fríos por el verde. Los colores presentan matices de acuerdo a las sombras. El uso de la luz y la sombra en esta obra de arte la podemos ver en el vestido de caperucita y en el arbusto a la izquierda del lobo. La luz viene de atrás, esta es dirigida. Hay una amplia gama de contraste tonal entre el cielo y los arbustos más oscuros. Con respeto a las formas, estas son orgánicas y cerradas salvo las nubes en el cielo que son formas abiertas. Son diferentes, hay muchas formas diferentes. Podemos ver líneas diagonales en las piernas de caperucita y del lobo como también en sus brazos, hay líneas onduladas en la ropa de la niña, en el pasto, líneas curvas en la paleta, en las hojas etc. Las líneas son moduladas y discontinuas. Hay un ritmo marcado en la
composición por las líneas. El contraste entre el fondo y la figura está dado por el color. Ambos el fondo y la figura son complejos. El medio utilizado para esta obra de arte fue plastilina lo que genera una textura táctil. En mi opinión este trabajo fue hecho
minuciosamente ya que el trabajo con plastilina es sumamente difícil y tardío. Esta obra representa la inocencia de una niña que esta comienzo un dulce mientras que un lobo que se quiere aprovechar de ella se acerca de una manera ingeniosa disfrazado. La idea detrás de esto es la relación de esto con la realidad ya que en la vida cotidiana muchas veces los más fuertes se aprovechan de los más débiles. Haciendo un juicio crítico podríamos decir que esta misma idea se podría haber interpretada de muchas diversas maneras ejemplos de representaciones: https://www.google.com.uy/search?q=la+inocencia+de+los+ni%C3%B1os+representada+e n+el+arte&es_sm=122&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ei=vU9oU8e5BY7gsAT9v4DYD Q&ved=0CAYQ_AUoAQ&biw=1600&bih=739#q=los+fuertes+se+aprovechan+de+los+d %C3%A9biles+representada+en+oleo+sobre+tela&tbm=isch&facrc=_&imgdii=_&imgrc= 66lPXygzlEMZhM%253A%3BUinU6JPBE_AH8M%3Bhttp%253A%252F%252Fastrogui a.files.wordpress.com%252F2013%252F12%252Fmarte-venciendo-la-ignorancia-antoon_claeissens.jpg%253Fw%253D637%2526h%253D457%3Bhttp%253A%252F%252 Flabuenaastrologia.com%252Fauthor%252Famada1%252F%3B637%3B458
En esta obra podemos ver el poder de uno de los hombres y como lo utiliza para aprovecharse de los más débiles para que ellos le toquen instrumentos
DATOS DEL AUTOR:
Mondongo es un grupo integrado por tres jóvenes argentinos: Agustina Picasso (1977), Juliana Laffitte (1974) y Manuel Mendanha (1976). En 1999 decidieron dar forma al grupo Mondongo, un sorprendente grupo que lleva años irrumpiendo con fuerza en los círculos artísticos internacionales. En sus cuadros el sello distintivo es el material; desde las primeras obras utilizaron materiales perecederos (como lonchas de chacinería, galletitas, migas de pan, chicles, caramelos). Algunos de sus principios son la idea de trabajo sostenido en grupo y hacer de su arte algo masivo. Sus obras ya se han vendido a la Tate Gallery de Londres, Inglaterra, y al Moma de Nueva York, estados Unidos. Algunas de sus series más conocidas son la Serie roja y la Serie negra. La primera es una relectura del clásico de Charles Perrault, Caperucita roja, hecha con plastilina y la segunda está basada en imágenes pornográficas bajadas de internet representadas con galletitas. También realizaron sus autorretratos, así como la Casa Blanca, trabajados con fiambres ahumados, una flor de loto hecha con 300 mil palillos, o la imagen de un parto hecha con espejitos de colores.
Bibliografía:
Título: Algargos, Arte e Historia. Autor: Lacoctelera [Online] Available http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/07/27/el-grupo-mondongo-artistas-contempor-neos-argentinos 3/5/14
Título: Arte Argentino, Informalismo Autor: Cintia Martinez [Online] Available http://arteargentinoinformalismo.blogspot.com.ar/ 3/5/14
Título: Fernando Maza Autor: Buenos Aires Ciudad [Online] Available
http://www.buenosaires.gob.ar/areas/cultura/arteargentino/04biografias/maza_f.php 4/5/14
Título: Desnudo, género artístico Autor: Wikipedia [Online] Available
http://es.wikipedia.org/wiki/Desnudo_(g%C3%A9nero_art%C3%ADstico) 5/5/14 Título: Arte y ciencia: planos alabeados en el Rojas Autor: Cristina Civale [Online]
Available http://jaquealarte.com/2014/04/ 4/5/14
Título: Acerca de la obra asado criollo Autor: Valeria Gonzáles [Online] Available http://www.marcoslopez.com/textos-acerca-gonzalez-asado.php 3/5/14
Título: Marcos López:: Fotógrafo argentino Autor: Taringa [Online] Available http://www.taringa.net/posts/imagenes/1052866/Marcos-Lopez-fotografo-argentino.html 2/5/14
Título: La obra es curativa, entrevista a Marcos López Autor: Julián Rodríguez [Online] Available http://www.fotorevista.com.ar/Noticias/Noticias-Fotografia-La-Obra-es-Curativa-entrevista-a-Marcos-Lopez_110920232125.html 1/5/14
Título: Marcos López Autor: Corneta [Online] Available
